Agenda

classique / période romantique / post-romantique

Rayonnante Huitième symphonie de Dvořák : Orchestre symphonique de Québec à la salle Raoul-Jobin

par Rédaction PAN M 360

L’évocation musicale de la lumière est au cœur de ce programme imaginé par le chef hongrois Gergely Madaras, qui s’ouvre par les incandescentes Symphonic Minutes de son compatriote Ernst von Dohnányi. Trésor d’inventivité, ces miniatures orchestrales subtilement contrastées offrent une introduction captivante au Premier concerto pour piano de Mendelssohn. Sous les doigts de la pianiste Élisabeth Pion, jeune étoile montante québécoise récompensée par de nombreux prix internationaux, cette partition solaire est une déclaration d’amour à une jeune pianiste qui avait subjugué le compositeur. Son emportement communicatif précède la rayonnante Huitième symphonie de Dvořák, qui puise son inspiration dans les danses et les chants bohémiens. À l’époque de sa composition, le musicien vivait une existence paisible dans un village tchèque. Ce dernier lui inspira une partition pleine de joie et de poésie, que parachève une vertigineuse bacchanale qui ne laissera personne insensible!

The musical evocation of light lies at the heart of this program conceived by Hungarian conductor Gergely Madaras, which opens with the incandescent Symphonic Minutes by his compatriot Ernst von Dohnányi. A treasure of inventiveness, these subtly contrasted orchestral miniatures provide a captivating introduction to Mendelssohn’s First Piano Concerto. Under the fingers of pianist Élisabeth Pion, a rising young Quebec star and recipient of numerous international awards, this radiant score becomes a declaration of love to a young pianist who had utterly captivated the composer. Its infectious exuberance paves the way for Dvořák’s luminous Eighth Symphony, inspired by Bohemian dances and folk songs. At the time of its composition, Dvořák was living a peaceful life in a Czech village, which inspired a work filled with joy and poetry, culminating in a dizzying bacchanale that will leave no one unmoved!

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classique / période romantique / Piano

OSM : Le romantisme selon Chopin et Brahms

par Rédaction PAN M 360

Découvrez la pianiste Yulianna Avdeeva, lauréate du prestigieux Concours Chopin en 2010, dont la maîtrise et la poésie magnifieront le Concerto n°1 de Chopin. Sa palette expressive, aussi raffinée que variée, promet de sublimer chaque note. Quant à Schoenberg, il dévoile toute la richesse du Quatuor op. 25 de Brahms, sans en trahir le style, en lui offrant une dimension symphonique. Une version que Brahms n’aurait pas reniée!

Discover the brilliant pianist Yulianna Avdeeva, winner of the prestigious 2010 Chopin Competition, as she brings her masterful technique and poetic sensitivity to Chopin’s Piano Concerto No. 1. Her expressive depth and refinement promise to illuminate every note. Meanwhile, Schoenberg’s orchestration of Brahms’ Quartet Op. 25 enhances its richness while remaining true to its original spirit—a transformation Brahms himself would have appreciated!

Programme

Frédéric Chopin, Concerto pour piano et orchestre no 1, op. 11 (43 min)
Johannes Brahms, Quatuor pour piano et cordes no 1, op. 25 (orch. A. Schoenberg) (43 min)

Program

Frederic Chopin, Concerto for Piano and Orchestra No. 1, Op. 11 (43 min)
Johannes Brahms, Quartet for Piano and Strings No. 1, Op. 25 (orch. A. Schoenberg) (43 min)

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baroque / classique

Les Violons du Roy : Handel, Dixit Dominus à la Maison symphonique

par Rédaction PAN M 360

Un rendez-vous avec le sublime Dixit Dominus de Handel dont la virtuosité vocale et la puissance de l’expression musicale en font l’une des plus grandes réussites chorales du compositeur. Le motet Jesu, meine Freude de Bach appartient lui aussi au plus beau répertoire sacré de toute l’époque baroque. En ouverture, un bref et très poignant motet du prédécesseur de Bach à l’église Saint-Thomas de Leipzig.

Ce concert est présenté grâce au soutien de la Fondation Azrieli et The Flora Ann Birks Foundation.

Durée : 1h45 incluant la pause de 20 minutes

À propos de l’œuvre

Composé en 1707 à Rome, alors que Handel n’avait que 22 ans, le Dixit Dominus est l’une des œuvres chorales les plus virtuoses et les plus saisissantes du répertoire baroque. Mis en musique à partir du psaume 110, ce chef-d’œuvre de jeunesse révèle déjà un génie compositonnel hors du commun.

Rome, 1707 : une ville en ébullition musicale

À Rome, l’interdiction papale des représentations publiques d’opéra semble avoir attisé les flammes plutôt que de les éteindre. Sous couvert d’oratorios et de cantates, la musique vocale de style opératique s’infiltre dans l’Église catholique, dont plusieurs cardinaux — Pamphili, Ottoboni et Colonna — deviennent mécènes des compositeurs. Les palais de ces prélats fortunés deviennent ainsi des havres secrets pour l’opéra. C’est dans cet environnement bouillonnant que le jeune Handel compose le Dixit Dominus.

Une œuvre qui bouleverse ses auditeurs

Le Dixit Dominus est l’une des premières compositions de Handel pour chœur — une œuvre à couper le souffle qui touche si profondément les autorités religieuses qu’elles lui proposent de se convertir au catholicisme, ce qu’il décline poliment.

Un défi musical hors du commun

Cette œuvre est de loin la plus difficile que Handel ait jamais écrite pour les voix, et constitue une fascinante fusion de styles allemand et italien. La brillance des sections fugales et contrapuntiques est particulièrement frappante — par endroits, trois ou quatre figures se superposent simultanément, réparties entre les différentes voix et l’orchestre.

La partition est écrite pour cinq voix solistes, un chœur à cinq parties et un orchestre à cordes également en cinq parties — un vaste concerto pour toutes ces forces, où Handel requiert énergie et ampleur, agilité et précision phénoménales, vigueur déclamatoire et expressivité lyrique.

Une préfiguration du Messie

Bien qu’il ne compose Le Messie que trente-cinq ans plus tard, Handel explore ici à fond les structures et textures chorales et orchestrales qui en seront les marques de fabrique. Le Dixit Dominus s’impose ainsi comme la matrice secrète de l’un des plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire de la musique.

Une œuvre de référence

Le Dixit Dominus dépasse en envergure et en conception les deux autres mises en musique de psaumes latins de Handel. L’universalité de cette œuvre en fait aujourd’hui un choix incontournable aussi bien pour les services religieux festifs que pour les grandes scènes de concert.

A meeting with the sublime Dixit Dominus by Handel, a work of remarkable vocal virtuosity and expressive power, making it one of the composer’s greatest choral masterpieces.
Bach’s motet Jesu, meine Freude also belongs to the finest sacred repertoire of the entire Baroque era. Opening the program is a brief yet deeply moving motet by Bach’s predecessor at St. Thomas Church in Leipzig.

Programme/program

J. Kuhnau, Motet Tristis est anima mea
J.S. Bach, Motet Jesu, meine Freude, BWV 227 
G.F. Handel, Concerto grosso en ré mineur, op. 6 n° 10, HWV 328 /G.F. Handel, Concerto grosso in D Minor, Op. 6 No. 10, HWV 328
G.F. Handel, Dixit Dominus, HWV 232

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classique / opéra

Carmen | Bizet à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

Les mots « Carmen » et « opéra » ne font qu’un. Le chef-d’œuvre de Bizet demeure l’opéra le plus joué et le plus aimé du répertoire. L’Orchestre Métropolitain, sous la direction de Jean-Marie Zeitouni, insufflera à cette musique inoubliable toute sa beauté, sa vérité et son intensité, alors que les étoiles de l’art lyrique Rihab Chaieb, Arturo Chacón-Cruz, Magali Simard Galdès, et Ethan Vincent incarneront les personnages envoûtants de cette production. Véritable incarnation de passion et de liberté, la fougueuse Carmen ensorcelle à Séville tous ceux qui croisent son chemin. Lorsque le loyal soldat Don José succombe à son charme, il abandonne tout pour elle et sombre dans une obsession destructrice. L’attrait de Carmen pour le charismatique toréador Escamillo déclenche chez José une jalousie fatale. Revendiquant sa liberté, Carmen affrontera la mort.

There is no “opera” without “Carmen”, and there is no more potent Carmen than that which pours forth from the masterful baton of Jean-Marie Zeitouni and the Orchestre Métropolitain. This production will explore the full emotional range of Bizet’s tempestuous masterpiece — its beauty, its intensity, its truth — alongside a cast of operatic luminaries, including Rihab Chaieb, Arturo Chacón-Cruz, Magali Simard Galdès, and Ethan Vincent. Carmen, enchantress of Seville, casts her spell over all who encounter her. Don José is no exception. A loyal soldier, he surrenders his post, morals, and soul as he is ravaged by the flames of obsession. When Carmen’s attention turns to the daring bullfighter Escamillo, José’s jealousy takes a dark and fatal turn. Free in love and in death, our legendary heroine meets her fate as only Carmen can — fearlessly.

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jazz contemporain / musique contemporaine / rock

Festival des musiques de création : Philippe Brochu-Pelletier & le CEM au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

C’est désormais une tradition au FMC : l’ouverture du festival est confiée à son créateur en résidence! Cette année, le saxophoniste, multi-instrumentiste et compositeur Philippe Brochu-Pelletier inaugure l’édition 2026 avec une nouvelle œuvre en première mondiale, créée lors d’une résidence d’un mois au CEM. À la croisée du jazz contemporain et d’une esthétique nourrie par l’énergie du rock, sa démarche explore les multiples possibilités expressives du saxophone transformé par l’amplification et les pédales d’effets. Loin de se limiter à un rôle mélodique soliste, l’instrument devient matière sonore, sculptant textures, rythmes et paysages immersifs. Entre écriture et improvisation, la musique se déploie dans une tension vivante, laissant une large place à l’exploration en temps réel, où le souffle acoustique se mêle aux architectures électroniques dans un équilibre à la fois sensible, organique et audacieux. Philippe s’est notamment illustré aux côtés de Julien Sagot, de l’Anomalie Big Band et de The Brooks. Son album C21H28O5 (2024) révèle sa signature sonore personnelle, minimaliste, texturée et immersive. Pour cette création, on l’entoure de complices aux parcours solides : Pascal Beaulieu (guitare), Guillaume Sliger (batterie), Hugo Tremblay (basse) et Émile Boucher-Cloutier (percussions), réunis dans un esprit de collaboration. Une ouverture de festival à l’image du FMC : un espace où la musique se crée, se transforme et prend vie sous nos yeux.

It has become a tradition at FMC: the festival’s opening is entrusted to its artist-in-residence. This year, saxophonist, multi-instrumentalist, and composer Philippe Brochu-Pelletier inaugurates the 2026 edition with a brand-new work presented in a world premiere, created during a month-long residency at the CEM. At the crossroads of contemporary jazz and an aesthetic fueled by the energy of rock, his approach explores the many expressive possibilities of the saxophone transformed through amplification and effects pedals. Far from being limited to a melodic solo role, the instrument becomes sonic material, shaping textures, rhythms, and immersive soundscapes. Balancing composition and improvisation, the music unfolds with a dynamic tension, leaving ample room for real-time exploration, where acoustic breath merges with electronic architectures in a sensitive, organic, and bold equilibrium. Philippe has notably performed alongside Julien Sagot, the Anomalie Big Band, and The Brooks. His album C21H28O5 (2024) showcases his distinctive sonic signature, minimalist, textured, and immersive. For this creation, he is joined by accomplished collaborators: Pascal Beaulieu (guitar), Guillaume Sliger (drums), Hugo Tremblay (bass), and Émile Boucher-Cloutier (percussion), brought together in a spirit of collaboration. A festival opening that reflects the spirit of FMC: a space where music is created, transformed, and comes to life before our eyes.

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Ce contenu provient du Centre d’expérimentation musicale (CEM) et est adapté par PAN M 360

pop-rock / violoncelle

Luka Sulic – Life Tour au Théâtre St-Denis

par Rédaction PAN M 360

Luka Sulic, le violoncelliste virtuose reconnu dans le monde entier pour ses performances captivantes et son art unique, sera en spectacle à Montréal. Cofondateur du phénomène international 2Cellos, il a touché des millions de personnes en réinventant le violoncelle comme un instrument moderne et universel. Aux côtés de Stjepan Hauser, il a transformé des morceaux classiques, rock et pop en créations vibrantes, séduisant un public intergénérationnel. Leur succès planétaire les a menés sur les scènes les plus prestigieuses et dans des tournées mondiales à guichets fermés, en plus de collaborations mémorables avec des artistes tels que Sir Elton John.

Luka Šulić, the virtuoso cellist recognized worldwide for his captivating performances and unique artistry, will be performing in Montreal. Co-founder of the international phenomenon 2Cellos, he has touched millions of people by reinventing the cello as a modern and universal instrument. Alongside Stjepan Hauser, he transformed classical, rock, and pop pieces into vibrant creations, captivating an intergenerational audience. Their global success has taken them to the most prestigious stages and on sold-out world tours, as well as to memorable collaborations with artists such as Sir Elton John.

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chanson / hommage

Des hommes rapaillés à la salle Raoul-Jobin

par Rédaction PAN M 360

Il y a 30 ans, le poète Gaston Miron disparaissait, laissant derrière lui une œuvre immortelle dont la richesse continue de se révéler encore aujourd’hui. Le spectacle Des hommes rapaillés est l’occasion de redécouvrir cette poésie, mise en musique de façon magnifique par Gilles Bélanger et portée par Michel Faubert, Pierre Flynn, Yann Perreau, Martin Léon, Luc De Larochellière ainsi que Bélanger lui-même, sous la direction musicale des Mountain Daisies. Lancées sur album en 2008 et en 2010, les adaptations de Gilles Bélanger ont permis à des poèmes comme Je marche à toi, Poème Dans Le Goût Ancien (La vie s’en va) ou Parle-moi de devenir des chansons mémorables, livrées avec des interprètes et des musiciens de premier ordre. Un spectacle à ne pas manquer!

Thirty years ago, the poet Gaston Miron passed away, leaving behind an immortal body of work whose richness continues to unfold today. The show Des hommes rapaillés offers an opportunity to rediscover this poetry, beautifully set to music by Gilles Bélanger and brought to life by Michel Faubert, Pierre Flynn, Yann Perreau, Martin Léon, Luc De Larochellière, and Bélanger himself, under the musical direction of Mountain Daisies. Released as albums in 2008 and 2010, Gilles Bélanger’s adaptations transformed poems such as Je marche à toi, Poème dans le goût ancien (La vie s’en va), and Parle-moi into unforgettable songs, delivered by outstanding performers and musicians. A must-see performance!

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crooner / hommage / jazz vocal

Sinatra sym­pho­nique : Marc Hervieux à la salle Louis-Fréchette

par Rédaction PAN M 360

Une soirée chic et jazzy aux couleurs de Manhattan vous attend, avec les plus grands succès de Frank Sinatra interprétés par le célèbre ténor Marc Hervieux et ses invités spéciaux, Mia Tinayre et Sam Champagne, accompagnés par l’Orchestre FILMharmonique. « Fly Me to the Moon », « My Way », « New York, New York », « Strangers in the Night »… Redécouvrez ces classiques tels qu’ils ont été enregistrés à l’origine avec un hommage orchestral grandiose, sous la direction de Francis Choinière. Cuivres brillants, cordes envoûtantes et swing irrésistible : une nuit inoubliable dans l’univers du grand crooner New-Yorkais.

A chic, jazzy evening inspired by the spirit of Manhattan awaits, featuring the greatest hits of Frank Sinatra performed by renowned tenor Marc Hervieux and his special guests, Mia Tinayre and Sam Champagne, accompanied by the FILMharmonique Orchestra. “Fly Me to the Moon,” “My Way,” “New York, New York,” “Strangers in the Night”… Rediscover these timeless classics as they were originally recorded, brought to life through a grand orchestral tribute under the direction of Francis Choinière. Brilliant brass, enchanting strings and irresistible swing come together for an unforgettable night in the world of the great New York crooner.

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jazz / Piano

Brad Mehldau & Kirill Gerstein: In Dialogue au Théâtre St-Denis

par Rédaction PAN M 360

Le pianiste et compositeur Brad Mehldau, lauréat d’un Grammy Award, fait depuis longtemps le pont entre différents univers musicaux, façonnant le jazz moderne avec des performances qui allient intelligence, émotion et structure. Kirill Gerstein, aussi à l’aise dans les traditions classiques que jazzistiques, est célébré pour son art dynamique et sa curiosité, reliant diverses voix musicales avec perspicacité et imagination. Leur collaboration est née d’une fascination commune pour l’espace entre composition et improvisation. Comme le rappelle Gerstein : « J’ai immédiatement ressenti une attirance viscérale pour son langage musical… Notre amitié s’est approfondie, tout comme nos explorations communes de la frontière poreuse entre la musique écrite et la musique improvisée. » Mehldau ajoute : « C’est un virtuose au répertoire étonnamment vaste et varié, mais il est bien plus que cela… Kirill et moi avons exploré différentes façons de combiner la musique écrite et l’improvisation, et le programme que nous avons élaboré en est le reflet. »

The pianist and composer Brad Mehldau, a Grammy Award winner, has long bridged different musical worlds, shaping modern jazz with performances that combine intelligence, emotion, and structure. Kirill Gerstein, equally at home in classical and jazz traditions, is celebrated for his dynamic artistry and curiosity, connecting diverse musical voices with insight and imagination. Their collaboration was born of a shared fascination with the space between composition and improvisation. As Gerstein recalls: “I immediately felt a visceral attraction to his musical language… Our friendship deepened, as did our shared explorations of the porous boundary between written music and improvised music.” Mehldau adds: “He is a virtuoso with an astonishingly broad and varied repertoire, but he is much more than that… Kirill and I have explored different ways of combining written music and improvisation, and the program we have developed reflects this.”

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classique

OSM : Labadie dirige «L’italienne» de Mendelssohn – Express

par Rédaction PAN M 360

Ce concert s’ouvre sur l’univers d’Orphée, figure mythique capable d’émouvoir les ombres par la seule puissance de son chant. Avec Gluck, la musique se fait limpide, expressive, intensément humaine : une clarté solaire traverse l’ouverture et les pages de cette musique de ballet. Cette lumière trouve un écho naturel dans la Symphonie « Italienne » de Mendelssohn, composée à 24 ans, débordante de joie, nourrie des ruines, des paysages et de la gaieté de la nature. Ce moment musical prend vie et fraîcheur sous la direction raffinée de Bernard Labadie.

This concert opens in the world of Orpheus, the mythical figure whose voice could move even the shadows. In Gluck’s hands, the music becomes clear, expressive, and profoundly human—a sunlit brilliance running through the overture and the pages of this ballet music. That same radiance finds its natural echo in Mendelssohn’s “Italian” Symphony, composed at the age of 24, overflowing with joy and shaped by the ruins, landscapes, and vibrant spirit of the Italian countryside. Under the refined direction of Bernard Labadie, this musical moment comes to life with freshness and vitality.

Programme

Christoph Willibald Gluck, Ouverture et musique de ballet d’Orphée et Eurydice
Felix Mendelssohn Bartholdy, Symphonie nᵒ 4, op. 90, « Italienne »

Program

Christoph Willibald Gluck, Overture and Ballet Music from Orpheus and Eurydice
Felix Mendelssohn-Bartholdy, Symphony no. 4, op. 90, « Italian « 

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chanson / folk

Ichiko Aoba au Théâtre Maisonneuve

par Rédaction PAN M 360

Ichiko Aoba compose une musique qui semble flotter entre rêve et réalité. Avec sa voix cristalline et sa guitare classique, elle crée des univers fragiles mais infinis, où chaque note ouvre une nouvelle porte à l’imaginaire.
Ses albums, dont Windswept Adan et Luminescent Creatures, sont acclamés pour leur beauté intemporelle. Sur scène, elle se présente souvent seule, guitare en main, captivant son public par une intimité brute et une sensibilité rare. 
De Tokyo à Londres, Ichiko Aoba est devenue une figure incontournable du folk contemporain, offrant des moments musicaux qui résonnent bien au-delà du concert.

Ichiko Aoba invites listeners into music that feels at once fragile and boundless. Ichiko Aoba has built a worldwide following with her ethereal, dreamlike sound.
Known for Windswept Adan—her breakthrough “soundtrack for a fictional film”—and her latest release Luminescent Creatures, Aoba blends intimacy and imagination like few artists can. While her recordings feature lush orchestration, her live shows often strip everything away—just voice and guitar—revealing a raw intimacy that holds audiences spellbound. 
With performances that have graced iconic venues from Tokyo to London to Los Angeles, Aoba has become a singular voice in contemporary folk, weaving worlds of sound that linger long after the final note.

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