Je ne fais peut-être pas tout à fait partie du public cible du Warped Tour, composé de milléniaux alternatifs réformés et visionnaires, mais même moi, je me suis laissé happer par cette vague de nostalgie cette année lorsque j’ai repéré le rappeur emo originaire du Vermont, nothing,nowhere., dans la programmation de 2026.

Ma fascination pour n,n. (alias Joseph Edward Mulherin) a atteint son apogée en 2018, à une époque où j’avais bien moins de soucis mais où je me sentais bien plus mal en permanence. Son style emo désespéré, presque écœurant, a su toucher en plein cœur mon angoisse d’adolescent, même si son mélange d’alt-rock, de screamo et de cloud rap a probablement eu un impact direct sur mon taux de sérotonine, dont je ne me remettrai peut-être jamais complètement.

Quoi qu’il en soit, je me suis retrouvé à me précipiter dehors pour aller voir nothing,nowhere., pour son concert à 12 h 40, ce qui semblait être un défi de taille pour un type qui a l’air de n’avoir jamais vu le soleil. À mon arrivée, Mulherin était accompagné d’un groupe complet de musiciens emo au look cool, qui déchaînaient leur nouveau son, inconnu (pour moi), sur une foule grandissante et en sueur, par salves fulgurantes. Finis les samples de batterie cloud amateurs et minables auxquels je m’attendais ; ils avaient désormais laissé place à des guitares « djent », un jeu de batterie complexe et au chant sensationnel et passionné de Mulherin lui-même.

Le nouveau n,n. ressemble moins à du Lil Peep qu’à du Evanescence. Mulherin, qui avait autrefois l’air d’un fainéant défoncé au Xanax et suicidaire, semble désormais concentré à l’extrême sur scène, et possède une voix puissante et imposante à la hauteur de son image. Il est également beaucoup moins distant que je ne m’y attendais, même s’il garde toujours fermement son armure.

Il exige du public un dévouement de plus en plus héroïque, alors que les yeux de ce dernier sont rapidement éblouis par le soleil.

« Je veux voir quelque chose de dingue », crie-t-il alors qu’ils entament Pieces of You, un morceau étrangement inspiré du pop-punk. Puis, alors qu’ils se lancent dans une reprise survoltée de « hammer », l’hymne emo par excellence, il décrète : « Je veux voir CENT personnes faire du crowd surfing. »

Comme cela a toujours été le cas avec nothing,nowhere., ce concert était marqué par d’étranges paradoxes auxquels il ne faut surtout pas trop réfléchir. Un groupe qui chante un instant qu’il accroche son avenir à la potence, et l’instant d’après proclame qu’il « représente le Vermont comme si je m’appelais Bernie Sanders ».

Le concert de n,n. au Warped Tour nous a rappelé que derrière l’image hypermasculine de ces groupes emo hardcore se cache, la plupart du temps, un gamin de banlieue intoxiqué par l’ironie, doté d’un sens de l’humour décalé et d’un cerveau un peu embrumé par l’herbe. C’est peut-être pour ça que je n’arrive pas à m’en détacher.

Alors que, pour entrer au Vans Warped Tour, j’attendais aux côtés de ce qui semblaient être des centaines d’autres personnalités, journalistes, etc. — par une journée absolument caniculaire, je tiens à le préciser — le groupe punk emo post-hardcore originaire de Floride, The Red Jumpsuit Apparatus, s’est lancé dans la seule chanson que j’espérais entendre en live, « In Fate’s Hands », le premier titre de Don’t You Fake It — un album qui m’avait aidé à traverser des moments difficiles et angoissants au collège, à l’époque où je portais des sweats à capuche avec des trous pour les pouces et où je caressais l’idée de me taillader…

Pourtant, 20 ans plus tard, In Fate’s Hand sonnait exactement comme sur l’album de 2006, même si je l’entendais de loin. Quand je suis enfin arrivé au festival et que je me suis dirigé vers la scène principale Off The Wall, la foule était déjà importante, même s’il n’était que 12 h 30 — sans doute l’heure la plus tôt à laquelle je sois jamais arrivé pour un concert de festival. Même si les voix gutturales et agressives (un aspect que j’adorais en live) sont assurées par K Enagonio, un nouveau membre, elles s’intègrent parfaitement au groupe, avec ses tatouages sur la poitrine et ses cheveux roux flamboyants. Pendant Face Down, le tube incontesté du groupe, ces musiciens ont su marier à la perfection les passages screamo avec la voix douce de Robbie Winter. La foule était en délire, tout comme moi. J’aurais aimé que le concert dure plus longtemps, mais je n’aurais pas pu rêver d’une meilleure ouverture pour mon Warped Tour.

Ce 12 août sous un ciel clément, le cinquantenaire du Stade olympique de Montréal, notre mal-aimé Big O, coïncidait avec les perséides, l’éclipse solaire partielle et ce concert annuel donné par l ‘Orchestre symphonique de Montréal, sur l’Esplanade du Parc olympique, soit au pied de l’imposante structure en cours de rénovation et dont on espère une acoustique acceptable – ce qui ne fut aucunement le cas pendant 5 décennies d’activités sportives et culturelles.

On y a évoqué la construction du stade, la longue présence des Expos jusqu’à leur déménagement, Diane Dufresne et sa Magie rose de 1984, les concerts de U2 , Rolling Stones et Pink Floyd venus à quelques reprises. On s’est aussi souvenu des méga-shows de Madonna, George Michael, Aïda de Verdi avec décors grandioses (ou grandiloquents, c’est selon), David Bowie, George Michael, Michael Jackson, Genesis ou même l’OSM sous la direction de Vic Vogel à la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de 1976. On a omis notamment le passage de Bruce Springsteen, Sting, Peter Gabriel ou encore l’émeute vécue au concert de Metallica / Guns N’Roses en 1992.

J’ai moi-même couvert une majorité de ces concerts pour La Presse, j’y ai pris beaucoup de plaisir tout en tentant d’en minimiser les grandes frustrations acoustiques, car le Big O fut considérée comme une immense et déplorable chambre d’écho, carence conceptuelle de son architecte Roger Taillibert. Insistons: la réfection annoncée du mobilier intérieur du Stade sera impardonnable si on ne règle pas cet irritant majeur.

Après avoir reçu la plus haute distinction de Montréal par notre mairesse Soraya Martinez Ferrada, Rafael Payare a rejoint son pupitre.

Première œuvre au programme, l’Ouverture festive de Dmitri Chostakovitch fut créée en 1954 pour le Bolshoi, dans le contexte du  37^e anniversaire de la Révolution d’Octobre, soit une année après la mort de Staline avec qui il eut une relation  pour le moins complexe. Dans cette pièce, le grand compositeur russe continuait de déjouer les diktats de l’autorité soviétique en y mêlant les évidences symphoniques à une écriture audacieuse et virtuose pour les cordes et une section de cuivres disposée à l’avant-plan – 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones.

S’ensuivit un texte évoquant la construction et la vie de notre Stade quinquagénaire par la comédienne Sophie Cadieux, sur fond de John Adams, soit A Final Shaking, 4^e mouvement de Shaker Loops, une œuvre  créée en 1978, à l’origine pour un septuor et adaptée par la suite dans un contexte symphonique. Force est de constater que la narration a largement dominé la musique, comme prévu on l’imagine.

J’avais 17 ans lorsque j’ai visionné à la télé la cérémonie d’ouverture des JO de 1976, c’était la première fois de ma vie que j’écoutais la musique d’André Mathieu (1929-1968), prodige pianistique et compositeur peu prisé à son époque, dont les extraits avaient été ficelés sous l’impulsion de Vic Vogel (1935-1919), incontournable jazzman montréalais et aussi voisin d’André Mathieu dans les années 60. Je ne me souviens pas exactement de la facture des arrangements de l’époque alors exécutés par l’OSM sous la direction de notre regretté Vic, les arrangements d’Alexandre David en ont probablement musclé le rythme, le tout suivi de Daphnis et Chloé, Suite orchestrale n°2  de Maurice Ravel, un compositeur très prisé par les jazzmen.

On imagine mal le très doué Alexandre David, ex-musicien métal reconverti à la composition contemporaine, arranger une valse de Johann Strauss, Frühlingsstimmen, généralement destinés aux bals du Nouvel An et aux  patineurs. Encore une fois, on a observé une rythmique plus prononcée, attitude quasi pop rock… et pourquoi pas!? Cette fameuse valse de Strauss fut « mashuppée » avec Take Me Out to the Ballgame (Jack Norworth /Albert Von Tilzer), hymne absolu des fans de baseball depuis 1908, le tout entonné  par des choristes coiffés de la casquette des Expos au plus grand plaisir du vaste public réuni sur l’Esplanade.

Arrangés par Hugo Bégin, les grands succès pop-rock du Stade constituaient un pot-pourri des mégatubes joués alors : Sunday Bloody Sunday de U2 (qui n’était pas au centre des programmes joués par le band irlandais, on se souvient plutôt des titres tirés des albums Achtung Baby et The Joshua Tree), Faith de George Michael, Vogue de Madonna, Billie Jean de Michael Jackson (venu au Stade en 1984 avec les Jackson Five et non pour sa première tournée solo), Let’s Dance de David Bowie, Money de Pink Floyd (dont l’album Dark Side of the Moon avait été exécuté intégralement à l’Autostade en juin 1975 et qui ne constituait pas une œuvre centrale des concerts donnés au Stade olympique, contrairement à Another Brick in the Wall, qui fut effectivement la chanson phare d’un show donné au Stade). On a aussi reconnu Paint It Black des Stones, sorti en 1966 et non à l’époque du Stade et de l’album Steel Wheels,

Enfin… on en déduit que l’arrangeur a parfois préféré des tubes connus de tous, plutôt que des pièces emblématiques de ces concerts donnés au Big O. Trève de considération, on observait mercredi la capacité accrue des musiciens classiques d’entrer dans le groove de la pop ou du rock, ce qui n’était pas évident il n’y a pas si longtemps.

Et ça continue ! La marche triomphale d’Aïda, opéra de Verdi, précéda la fabuleuse alto/contralto Rose Naggar-Tremblay dans une solide interprétation lyrique de Je voulais te dire que je t’attends, un classique de Michel Jonasz repris à l’époque par notre Diane Dufresne nationale. Acclamée pour l’interprétation d’un mashup environnementaliste d’Oxygène et de L’hymne à la beauté du monde, choeur à l’appui, l’inégalée performer québécoise  a soulevé le public qui n’avait cure de ses évidentes limites vocales, inhérentes à ses 81 ans.

Ainsi, l’OSM, son chef et leurs invités, étaient dans une forme resplendissante avant une tournée européenne qui pourrait s’avérer triomphale. L’incontournable Ode à la joie, célébrissime finale de la 9^e symphonie de Beethoven, fut impeccablement exécutée avec la précision, le faste et la passion nécessaires au succès de son interprétation. La soprano Lauren Margison, l’alto Rose Naggar-Tremblay, le ténor Frédéric Antoun et la basse Alex Halliday ont été les solistes, le choeur présent fut magistral, les cuivres disposés à gauche de l’écran géant ont accompl leur tâche avec brio, l’OSM, son maestro furent à la hauteur d’un événement consensuel des plus réussis, le tout coiffé par les pétarades des feux d’artifices de circonstance.

Crédit photos : Antoine Saito/Orchestre symphonique de Montréal

Ce samedi soir, nous avions l’occasion de plonger dans une immersion culturelle maorie, par l’entremise de Chief Rei et de ses deux acolytes. Ce trio fait du haka-rap, selon la formulation de Rei lui-même, en entrevue. Une fusion de tradition et de contemporanéité qui fonctionnait à fond. 

C’est d’abord la danse haka et ses chorégraphies qui nous fascinent. Ainsi que la présentation par Rei des instruments traditionnels et des objets variés de la culture maorie, un peuple autochtone qui constitue autour de 20% de la population de la Nouvelle-Zélande. 

À cette couche s’ajoutent les sons synthétiques et le hip-hop, scandé tantôt en maori, tantôt en anglais. Très rapidement, le public a commencé à danser ou à onduler. 

Le dernier album de Rei s’intitule Moisterize & Decolonise (2025). Hydrater et décoloniser. En entrevue, Rei m’a expliqué que l’idée derrière ce titre était de créer une synthèse entre revendication politique pour les autochtones et une sorte de crème hydratante, pour mettre de la douceur sur ces traumatismes. 

Le dernier single s’intitule Never Ceded. Territoire jamais cédé. 

Sur scène, le contenu politique est contenu aux textes rap. Les propos de Rei, entre les chansons, sont plutôt éducatifs et ludiques. Il est clair qu’on vise une ambiance positive plutôt que traumatique. Une façon différente de sensibiliser les non autochtones. Et pourquoi pas? 

Il faut ajouter qu’à l’échelle des peuples aborigènes, les Maoris sont parmi ceux ayant fait le plus de progrès au cours des deux dernières décennies, tant culturellement qu’économiquement.

Rencontré par hasard sur le site, le « grand manitou » du Festival Présence Autochtone, André Dudemaine, était très satisfait de sa prise. « Ça faisait trois ans que j’essayais de le faire venir, mais il tourne beaucoup en Europe et en Asie ». Cette fois-ci était la bonne. 

La foule, très diversifiée, a été gagnée rapidement par cette synthèse de danse et de musique. Malheureusement, elle était un peu éparse. Est-ce la chaleur accablante, la concurrence d’autres événements (Fierté, IleSONIQ) ?

Rei mériterait d’être écouté et observé par plus de monde. Au fait, il sera à Sherbrooke le 15 août, à la Fête des Traditions et le 22 à Rimouski au Festival Interculturel. 

Invasion maorie à Rimouski? À suivre. 

De la région de Saskatoon, Big Tones et sa compagne Zhe the Free ont été les premiers aimants magnétiques d’un vendredi torride. Le parterre clairsemé s’est progressivement peuplé de curieux, conquis un à un. Le pouvoir attractif de Présence Autochtone sur la Place des Festivals est clairement plus difficile à gérer en période caniculaire, on l’a vu vendredi soir.

Néanmoins, les étincelles produites par ce couple hip-hop ont allumé quelques lumières persistantes jusqu’au couvre-feu.

Est-il besoin de rappeler qu’on est loin du monolithisme country/folk/pow-wow des époques antérieures de la culture pop autochtone; le hip-hop et l’électro s’y sont infiltrés pour le mieux au fil des dernières décennies.

Ainsi, Big Tones et Zhe the Free ont opté pour un set alliant une esthétique old school des années 90, tant pour le flow que pour le beatmaking. 

Les artistes sur scène forment un couple dans la vie, Big Tones étant l’artiste autochtone et Zhee the Free étant une non autochtone ayant grandi avec une mère très proche des Premières Nations en Colombie Britannique. Personne ici se sent obligé d’inclure des matériaux indigènes traditionnels, on s’exprime sur des grooves mis au point par des pionniers du rap new-yorkais et californien, les harmonies sont résolument soul/R&B.

Les origines sont différentes, le destin est commun, une vie autochtone est prioritairement mise en rime car Big Tones est ici mis en valeur, c’est d’abord son show. Une existence mise en rimes, de ses sombres aspects, inhérentes à l’oppression vécue, à une quête de rédemption à l’évidence plus optimiste malgré tout.

Allons je rejoindre après le set, alors qu’il s’adresse à ses nouveaux fans conquis.

PAN M 360 : On apprécie beaucoup ce mélange de rap première mouture et de ta trame narrative, résolument autochtone et moderne. 

Big Tones :  Merci man! Le hip-hop old school a toujours résonné en moi. Enfant, mon père m’en faisait jouer de toutes les façons, jusqu’aux vidéos de musique sur cassettes VHS. J’ai essayé le rap mélodique, ce n’était pas vraiment pour moi.

PAN M 360 : Mais tu chantes parfois, n’est-ce pas?

Big Tones : Oui, je recommence à chanter un peu maintenant, question d’inclure un peu de pop dans mon rap tu vois. C’est un mélange de styles et d’époques, mais je m’en tiens d’abord à l’âge d’or du hip-hop, les années 80-90. J’en reste proche, ce qui ne signifie pas que je refuse ma propre émancipation. Ma cuisine évolue, j’y ajoute de nouveaux ingrédients.

PAN M 360 : Tu rappes depuis l’enfance?

Big Tones : Non, seulement depuis 7 ans environ. Un cousin faisait des beats et je me suis mis au rap, juste pour essayer. J’ai été content du résultat , et voilà.

PAN M 360 : Tu proviens de quelle Première Nation?

Big Tones : Je viens de la Nation Pasqua mais je vis sur le Treaty 6 Territory, soit à Saskatoon où vivent beaucoup d’Autochtones parmi les gens de toutes origines.

PAN M 360 : On aimerait en savoir sur ta partenaire sur scène!

Big Tones : Zhe the Free est aussi ma partenaire dans la vie, et elle mène sa propre carrière. Nous nous supportons mutuellement lorsque l’occasion se présente. Elle fait DJ pour moi et je le fais pour elle, et nous ajoutons nos voix à celle dont c’est le spectacle. Nous grandissons ensemble, artistiquement. Nous formons une bonne équipe. Tiens je lui demande de se joindre à nous!

PAN M 360 : Bonsoir Zhe the Free!

Zhe the Free : Enchantée!

PAN M 360 : Nous parlions de votre complicité mutuelle!

Zhe the Free : Oui, c’est une chance extraordinaire de pouvoir accorder toute sa confiance, et bien comprendre le jeu, la gestuelle, bref tous les réflexes de l’artiste. Nous partageons la même vision et nous pouvons alors modifier notre interprétation en temps réel car nous nous connaissons tellement! Nous valorisons aussi l’amour et le plaisir de divertir les gens, alors tout s’imbrique naturellement.

PAN M 360 : Tu n’es pas de la Nation Pasqua?

Zhe the Free : Je ne suis pas autochtone, mes grands-parents sont venus jadis de Pologne.J’ai grandi dans le Treaty 7 Land, je viens de la petite ville de Black Diamond, dans les Rocheuses. Ma mère a beaucoup travaillé dans les réserves autochtones, j’y suis allée régulièrement depuis l’enfance, j’y ai appris à en imiter les danses et musiques. Ça fait partie de moi. Nous, non autochtones, devrions tous connaître davantage les cultures autochtones. Aujourd’hui, il faut chercher à comprendre d’où proviennent les gens que l’on côtoie. Apprendre les traditions, partager la musique, voilà ce que nous devons faire maintenant. Il faut donc honorer le passé de chacun pour ensuite construire des ponts.

On se remercie mutuellement, puis on se redirige vers la grande scène où vient de démarrer le set d’un maître de la culture moderne autochtone du Canada : DJ Shub, Mohawk de la réserve des Six Nations / Six  Nations of the Grand River, sud de l’Ontario, entre Mississauga et Buffalo), très connu pour sa participation au groupe A Tribe Called Red.

Atterré par la mort récente de son père, Shub a refusé les demandes d’interview, ce qui est tout à fait compréhensible. Cette tristesse profonde s’est néanmoins transformée en énergie positive car l’artiste nous a balancé une grande performance et a attiré plus de monde que le début de soirée ne le laissait présager.

As du scratch mix, redoutable mixer, Shub est parmi les architectes du son électronique autochtone. Ses référents sont innombrables, breakbeats, boom-bap, dub, jungle, footwork, reggaeton, musique pow-wow, soul/R&B, house, dubstep et plus encore. La performance était assortie de projections recherchées, à la fois très incarnées dans la symbolique autochtone et très contemporaine. On aura aussi observé la curiosité de Shub pour notre culture locale, entre un refrain de Boogat et un rigodon keb assorti de big beat.

Voilà où nous en sommes!