Comment Debord, grande famille

C’est dans un Club Soda plus que rempli que le septuor du groove Comment Debord a montré de quel bois il se chauffait. Le tout commence par un jam entre les deux percussionnistes, qui fait monter l’excitation de la foule, relâchée enfin quand les premières notes de Chandail principal sont entendues. S’ensuit une célébration de leur nouvel album Monde autour, avec ses titres rock, décontractés, et parfois intimes.

La force de Comment Debord en concert, c’est qu’ils nous font entrer directement dans la gang. Ils nous parlent comme si nous n’étions pas si loin d’être des amis, comme si nous les avions déjà rencontrés auparavant. Au milieu du spectacle, le chanteur Rémi Gauvin sort un papier de sa poche avec quelques questions préparées pour mieux connaître le public: « Qui ici gère son éco-anxiété en microdosant du mush? », « Qui joue à Donjons Dragons? », suivi de « Qui a fait l’amour aujourd’hui? », chaque question suivie d’une quantité variable d’applaudissements, sauf « Qui a déjà fumé du pot? », qui était pratiquement unanime.

Comment Debord est donc ce groupe de non-stressés et non-stressants, qui savent comment jouer de la bonne musique, mais qui n’en font pas un plat. Les regards complices, les rires, les nombreux solos de guitare, basse, batterie, ainsi que les breaks instrumentaux… du bonbon, quoi. Jeunes énervés ou vieux nostalgiques, ne manquez pas une chance d’aller voir ce groupe.

Thaïs, entre voltige et planement

C’est ThaÏs, cette autrice-compositrice-interprète montréalaise née à Paris, qui offrait la première prestation de la soirée. En formule sobre, accompagnée de son clavier, son synthétiseur et d’un batteur, elle a quand même pu bien rendre ses morceaux. Les chansons ont un fond doux, mais sont rehaussées par des rythmes entraînants qui mènent parfois à de délectables sommets d’énergie. 

C’est une pop chaude et aérienne qui nous est présentée, sur laquelle la voix de l’artiste peut aussi bien courir entre les mots que voltiger sur une voyelle. Entre les chansons, Thaïs parle très vite, fait des blagues spontanées, opère la ligne entre la nervosité et l’adrénaline. À un moment, elle nous joue sa reprise de Blanche, d’Ariane Moffatt. C’est la chanson qui la voit se déployer le plus vocalement. Et elle est capable de voler bien haut, Thaïs! On souhaite voir plus de ce relâchement.

Photos par Théo Reinhardt

Le Festival de Monde arabe accueillait vendredi le groupe franco-algérien (et lyonnais) Koum Tara, à la 5e Salle de la Place des Arts. Un octuor éclectique, formé d’un trio jazz (piano/synthétiseur, contrebasse, percussions), d’un quatuor à cordes et d’un oud (avec double emploi de chanteur). La proposition musicale, fort intéressante, est celle d’un syncrétisme accessible et raffiné. La structure générale des pièces au programme est bien définie, de l’ordre de la chanson populaire arabe, le chaabi, et résolument basée sur la mélodie. Nous ne sommes pas dans le monde des atmosphères ou de la recherche timbrale. Nous ne sommes pas non plus dans une fusion tendant vers la musique savante contemporaine, comme chez Anouar Brahem. La façon Koum Tara est tournée vers le ludisme.

Cela dit, l’approche Koum Tara demeure originale et audacieuse, faisant savamment osciller les inflexions harmoniques typiquement arabes vers le jazz, et vice-versa, si bien qu’à certains moments, on ne sait plus dans quel monde nous sommes. En fait, nous sommes dans un autre monde, une sorte de quintessence qui surpasse la sommes des parties. Des chansons existantes du répertoire algérien cohabitent avec des mélodies originales, parfois dans la même pièce. Reconnaît-on ici tel titre qu’aurait pu chanter Dahmane El Harrachi que presque immédiatement on se retrouve ailleurs, dans une vision résolument jazz du style. C’est fait avec beaucoup de fluidité, ce qui laisse deviner une connaissance fine et fouillée des deux univers culturels de la part de Karim Morris, solide leader au piano et synthétiseur et arrangeur/compositeur inspiré du groupe.

Celui-ci s’amuse souvent, d’ailleurs, à brouiller encore plus les lignes de démarcation stylistique en métamorphosant des phrases mélodiques héritées du chaâbi classique en impros jazz moderne puis en musique afro-cubaine. La planète est ainsi rapetissée en village culturel où, comme on dit, « toute est dans toute ».

Morris offre passablement de terrains de jeu à ses collègues. On remarque la belle présence de chaque portion de l’ensemble : le trio jazz a de l’espace pour s’exprimer, le quatuor à cordes n’est pas limité à un rôle de simple soutien harmonique avec de très beaux passages en contrepoint et des variations intéressantes sur le matériau mélodie que base, et le oudiste et chanteur (Hamidou) est le point central de la majorité des pièces. La cohérence holistique est rodée au quart de tour. Pas d’hésitations ni de désaccord rythmique. En ce sens, la musique de Koum Tara emprunte également à la musique classique pour sa rigueur structurelle et son extrême précision interprétative. C’est beau, le travail bien fait.

Ce genre de mélange entre classique, jazz et « world », mais trempé dans une structure résolument limpide et de style « musique populaire » me fait penser à ce que pourrait jouer le Penguin Café Orchestra (s’il était encore actif) accompagné du Turtle Island String Quartet. 

Très agréable.

Un duo somme toute rarement vu a pris la scène hier soir à la Maison symphonique. La scène semblait étrangement vide, malgré le clavier imposant du Grand Orgue Pierre-Béique qui trônait en son centre. Le concert proposé était un voyage musical entre les époques en compagnie de Raúl Prieto Ramírez, organiste, et de Lucienne Renaudin Vary, trompettiste. Ces deux virtuoses ont offert des instants de musiques à couper le souffle tout au long de leur programme varié.

L’on s’imagine que peu d’œuvres ont été écrites spécifiquement pour le duo orgue et trompette. Mais la première pièce du programme, la Sonate pour trompette no. 1 en do majeur de Giovanni Buonaventura Viviani est un de ces rares exemples provenant de la période baroque. Les autres œuvres proposées, provenant surtout du répertoire vocal du tournant du XXe siècle, ont été arrangées pour ce duo, de manière assez convaincante. Deux pièces pour orgue solo complétaient le programme.

Lucienne Renaudin Vary a été irréprochable tout au long de la soirée. Le son clair et lyrique de la trompette emplissait parfaitement la salle. À son aise sur scène, on la voyait parfois tracer le contour des lignes mélodiques d’une main alors qu’elle jouait. De plus, le répertoire choisi permettait de constater ses talents dans plusieurs styles. Qu’il s’agisse d’une sonate baroque aux passages rapides et virtuoses, ou d’une pièce plus jazz aux nombreux ornements, la trompettiste semble toujours dans son élément. Les changements de ton sont toujours justes, les nuances bien dosées. Raúl Prieto Ramírez a également rendu justice au répertoire, et encore plus à l’instrument qu’il lui était donné de jouer ce soir-là. En tant qu’accompagnateur, les choix de jeux de l’organiste étaient toujours judicieux. C’est cet instrument qui donnait toute leur profondeur aux pièces : tantôt lumineuses, tantôt tendres, tantôt torturées et dramatiques.

Mais c’est surtout lors des deux pièces pour orgue solo que Prieto Ramírez a pu briller, et présenter au public toutes les possibilités sonores de l’instrument. Une transcription de la Valse de Méphisto no. 1 de Franz Liszt a semblé lui donner du fil à retordre au début, mais la virtuosité requise à l’interprétation de cette pièce a bien vite éclipsé ces détails. Cette œuvre, déjà monumentale dans le répertoire pianistique, prenait ici des proportions titanesques lorsqu’interprétée à l’orgue. Les extraits des Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski ont également permis à l’orgue de voler la vedette. Le public a pu entendre à quel point l’orgue pouvait être polyvalent, tant par ses différentes sonorités que par ses nuances, et à quel point il faut être agile pour maîtriser cet instrument!

Ce duo rarement entendu et un programme bien construit auront permis de démontrer la virtuosité des deux interprètes et de mettre à jour toutes les possibilités musicales de l’orgue et de la trompette. Il s’agit là d’un concert réussi dont le souvenir n’est pas prêt de s’effacer!

Le Festival du monde arabe présentait hier soir un concert de l’Ensemble Golshan, constitué de plusieurs excellents musiciens de la scène musicale montréalaise. Au menu : un voyage en douceur et en poésie dans la Perse (Iran) classique des 19e et 20e siècles. Non, je sais, la Perse (Iran) n’est pas de culture arabe. Néanmoins…

La musique classique persane, comme l’occidentale, est souvent organisée selon une structure très formelle. Si l’on ose une comparaison, on pourrait dire que toutes les pièces du programme étaient ossaturées sur un modèle d’introduction et danse. Une première partie lente et atmosphérique, largement improvisée, faisait place à une deuxième, rapide et rythmiquement affirmée. Cela dit, même des portions plus énergiques se dégageait un sentiment de sérénité et d’abandon bienfaisant. Cette musique savante sommes toutes très accessible offre aux auditeurs de beaux échanges instrumentaux ainsi que des passages chantés fort séduisants (et interprétés avec finesse par la voix porteuse et tonalement équilibrée de Habib Hoseini. Ce dernier possède d’ailleurs un joli ténor agréablement garni dans sa basse pour de bons effets lyriques). En théorie, les sonorités aigres du tar et du kamancheh doivent être compensées par le timbre moelleux et plus chaleureux du oud. Celui-ci, hier, se faisait très discret. Trop, même, j’en aurais pris plus. Un détail qui pourrait être réglé par une prise de son différemment calibrée.

Au final, ce fut une soirée de très beau raffinement musical, offerte par des musiciens qui font honneur à Montréal en l’ayant choisie (pour la plupart) comme maison d’adoption artistique. Je tiens à souligner le travail réalisé avec rigueur et sensibilité par Saeed Kamjoo au kamancheh (également directeur de l’ensemble), Ziya Tabassian aux percussions (tombak, daf), Hamed Vatankhah au oud, Maryam Tazhdeh au târ et Habib Hoseini au chant classique persan. 

Crédit photo : Mohand Belmellat

La transe est une forme millénaire d’hypnose collective, on en témoigne avec pertinence au Festival du monde arabe de Montréal (FMA). Au fil des derniers siècles, la transe a été progressivement bannie de l’espace culturel occidental, mais elle est toujours vivante dans plusieurs zones du globe. On l’associe certes au primitivisme, au paganisme, bref à des rites régressifs des sociétés traditionnelles mais… Quoi qu’on en dise, la transe demeure une pratique thérapeutique pour plusieurs populations et il est impératif de la considérer avec respect.  

C’est d’ailleurs ce qu’on a pu observer mercredi dernier au Théâtre Plaza avec le concert -cinéma Ifriqiyya Électrique, mené par le guitariste français  Francois R. Cambuzat et la chanteuse et bassiste italienne Gianna Greco. 

Curieux et ouverts, ces artistes venus du rock se sont posés volontairement dans le désert tunisien, là où cohabitent des Maghrébins de souche, des descendants de colons arabes et des descendants d’esclaves jadis déplacés  d’Afrique noire. On y observe une forme de syncrétisme mystique, c’est-à-dire un mélange de religions polythéiste et monothéiste, animisme africain et religion musulmane dans le cas qui nous occupe. Dans cette zone méconnue vibre la communauté de la Banga dont il est ici question.

Pendant des années, nos hôtes européens se sont intégrés à cette communauté localisée dans le désert du Jérid en Tunisie, là où s’étend une immense plaine de sel. Ils y ont enregistré et filmé des musiciens guérisseurs, « gardiens des portails mystérieux entre les mondes ». L’anthropologie, l’ethnomusicologie et l’art brut se mêlent ici et tout public le moindrement curieux en sort plus instruit.

À travers les danses et chants rituels, rythmes effrénés que produisent les crotales, tambours sur cadres derboukas et autres caisses claires, sans compter le sacrifice d’animaux,  la population locale entre littéralement en transe et extirpe ses démons via ce rituel collectif. Ce rituel, précisons-le est adorciste, on y souhaite la possession par les esprits afin de guérir les plaies de l’âme.

Ainsi, le film de ce rituel est projeté et deux artistes l’accompagnent en temps réel. Les interventions de François R. Cambuzat et Gianna Greco relèvent du stoner rock, c’est-à-dire une averse d’accords simplement construits, enveloppés d’épaisses couches de distorsion. On ose croire que ces artistes ont pris soin de ne pas complexifier la donne afin de rendre justice à l’art brut capté dans le désert de Jérid. 

Évidemment, il serait beaucoup plus captivant de les voir et entendre à l’œuvre avec une communauté de la Banga, en chair et en os mais bon, l’économie de la musique telle qu’elle est aujourd’hui nous mène plutôt à une forme de séance musicale à demi virtuelle. 

Cela dit, ça donne vraiment envie de se rendre un jour dans le Jérid.

Familles et enfants ont été conviées à la Maison symphonique dimanche après-midi pour un spectacle rempli de magie, d’humour et surtout de musique. Le concert d’Halloween de l’OSM, « Sorciers, Sorcières », a su enchanter petits et grands à travers des morceaux musicaux pertinents et évocateurs, ainsi qu’une mise en scène ludique et charmante.

L’OSM, dirigé par Cosette Justo Valdés, a présenté un programme qui mélangeait à la fois des œuvres célèbres du répertoire classique et de film, telles que le thème de Harry Potter (celui d’Hedwige) en ouverture et des extraits de l’Apprenti sorcier de Paul Dukas et de la Danse macabre de Camille Saint-Saëns, ainsi que des pièces moins convenues, comme l’Ouverture du Vaisseau fantôme de Richard Wagner, ou encore un extrait des Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski, le IXe tableau qui évoque la sorcière Baba Yaga (issue du folklore slave). Le concert se termine avec le cinquième mouvement de la Symphonie fantastique d’Hector Berlioz, qui a notamment été jouée l’an dernier par l’OSM en fin de saison, en grande partie parce qu’il évoque le Sabbat des sorcières.

Les œuvres étaient reliées par la mise en scène élaborée par Les ateliers d’Amélie, avec comme acteur principal Olivier Morin, qui a su charmer le public dans son personnage de maître magicien inspiré de l’univers d’Harry Potter. Il transporte le public au travers de sa vie, depuis son service de matelot jusqu’à la rencontre de sa bien aimée et de son deuil plusieurs années plus tard. La chorégraphie est agréable et intéressante, surtout lors du passage de la valse (Moussorgski) où les acteurs se déplacent à travers la Maison symphonique, allant visiter l’octobasse et le chœur. Le texte extirpe de nombreux rires de la salle, et parfois des surprises grâces aux effets de scènes, comme les lumières et les effets de fumée, qui sont à propos et très bien faits.

Sur le plan musical, la qualité de l’interprétation est exemplaire. On pourrait même s’avancer et dire que la version du thème d’Hedwige est meilleure que l’originale. Les œuvres présentées ou évoquées sont parfaitement maîtrisées par l’orchestre, qui les a sûrement déjà joués des dizaines de fois, au moins. 

On peut noter que le programme est un peu cousu de fil blanc, et certaines pièces semblent forcées dans la mise en scène. Également, on réduit les œuvres de Dukas et de Saint-Saëns à de brèves évocations simplistes. L’Apprenti sorcier va bien au-delà d’un balai qui danse! La mise en scène a grandement contribué à garder l’attention des enfants, mais on sentait que le public était plus attentif durant les pièces très connues (Harry Potter) et un peu moins sur les œuvres plus abstraites (Wagner et Moussorgski par exemple). Il semblerait également que ce fut une occasion manquée d’inclure un aspect éducatif au concert. Les efforts de médiation se sont en effet arrêtés à de brèves images et devinettes sur l’écran avant de concert, qui ont été assez appréciés par les familles.

Cela s’agit cependant de réflexion de quelqu’un dont les préoccupations sont légèrement différentes du public cible. Le concert fut un succès et on salue la qualité de la musique et de la mise en scène. On espère que l’an prochain sera tout aussi bien!

Pour en savoir plus sur les concerts de l’OSM et sur les concerts jeunesse, visitez la page de la programmation ICI.

La Maison symphonique était bien remplie samedi soir pour venir entendre l’Ensemble Classico-Moderne, dans un programme mettant de l’avant le Concerto pour piano n^o 2 de Rachmaninov, un des plus célèbre et emblématique du répertoire romantique et la création montréalaise d’Ariella, nouvel opéra du compositeur Jaap Nico Hamburger dont neuf extraits ont été présentés.

Interprété par Jean-Philippe Sylvestre, le Concerto de Rachmaninov a ouvert la première partie du concert en plongeant l’auditoire dans un univers sensible et tourmenté, à l’image de l’état d’esprit du compositeur lors de son écriture. Dans une maîtrise et une virtuosité de haute voltige, Sylvestre a peint des tableaux sonores faisant ressortir, avec les musiciens dirigés par Francis Choinière, les caractères distincts des trois mouvements. Le premier mouvement Moderato, avec ses imposants accords, présentait un tourbillon d’émotion, l’Adagio sostenuto était d’un lyrisme envoûtant parsemé de moments de colère alors que le frénétique Allegro scherzando, a mis en valeur l’agilité du pianiste dans des traits mélancoliques soutenue par des cordes généreuses. L’ensemble se déploie ainsi avec une belle amplitude par un son présent et enveloppant et dont Francis Choinière tire le maximum d’expression avec des nuances pleinement contrôlées, de l’intensité la plus explosive à la douceur des plus sereines. 

En deuxième partie, le public a été convié à une autre expression artistique du drame et de la douleur avec l’opéra Ariella de Jaap Nico Hamburger, sur un livret de Thomas Beijer, inspiré des romans de l’autrice Ariella Kornmehl. Présenté dans une version concert, l’histoire est celle d’une famille juive orthodoxe contemporaine déchirée par le décès soudain de sa matriarche, Sarah, une cantatrice – interprété par Aline Kutan et comment sa fille, Ariella (Myriam Leblanc) navigue au travers son décès dans sa vie, prise entre la tradition et son émancipation, un jeune frère souffrant de dépression et un père dévasté (Hugo Laporte). L’esprit de la mère, présente sur scène, guidera chacun d’eux vers le chemin de l’apaisement. Compositeur en résidence de Mécénat Musica, Jaap Nico Hamburger propose ici une musique essentiellement moderne avec des lignes mélodiques qui rappellent un peu l’univers de Carlisle Floyd et une orchestration dense dans les passages purement instrumentaux évoquant Thomas Adès. 

Pour autant, Hamburger ne se cantonne pas à un style musical défini et verse aisément dans l’éclectisme et l’expérimentation. Le meilleur exemple est l’air d’Ezra, le frère d’Ariella, campé par le chanteur pop/baryténor Enzo Sabbagha, qui entonne de manière engagée un rap, soutenu par une bande préenregistrée qu’accompagne l’orchestre dans un moment très « hamiltonien ». Il s’agit d’un choix audacieux et surprenant de premier abord, mais qui n’est pas surfait et qui cadre avec l’identité du personnage qu’Hamburger n’imaginait pas véhiculer ses émotions par un air à la Puccini. 

Crédit photo : Dominic Blewett

Le numéro mériterait cependant pour être apprécié pleinement d’être présenté dans une version complète avec mise en scène où l’action menant à cette scène serait mieux contextualisée scénographiquement et musicalement. Les arrêts nécessaires entre les numéros et les changements de dynamiques brusques d’une version concert donnent surtout dans ce cas-ci l’impression d’un patchwork. Les autres très beaux moments vocaux de la soirée ont été l’air d’Ariella, ligne lyrique interprétée avec émotion par la voix cristalline de Myriam Leblanc et le duo avec l’esprit de sa mère où leurs deux voix s’entremêlent et se répondent dans une atmosphère sereine et planante.

Déroutant à certains égards tout en demeurant accessible, le travail de Jaap Nico Hamburger, par son éclectisme intelligent, ouvre des possibilités intéressantes pour des projets lyriques contemporains. Le défi est maintenant de diffuser cette musique et d’aller chercher le public et l’Ensemble Classico-Moderne, dont la mission est de présenter et de mettre de l’avant une fusion des musiques moderne et classique est assurément un interlocuteur de choix pour l’interprétation de ce répertoire et de ce nouveau type de programmation dans le paysage musical québécois.