Montréal

cloud rap / hip-hop alternatif

Bladee au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Figure majeure du développement du hip-hop suédois, Bladee compose une musique allant du cloud rap et du trap à l’art-pop et au post-punk. Il s’est fait connaître aux côtés de Yung Lean et des Sad Boys dans la scène cloud rap émergente de Stockholm au milieu des années 2010, se construisant rapidement une base de fans sur Internet au sein de l’underground rap.
Mêlant des productions futuristes, un chant autotuné et des thématiques de déclin et de dépression, son approche singulière du genre s’est affirmée avec son premier album, Eversince (2016). Toujours avide de surprendre son public et de nourrir sa soif de nouveauté, le fondateur du Drain Gang a depuis intégré des influences allant de l’hyperpop à la trance, comme en témoignent des albums tels que 333 (2020), The Fool (2021) ou Spiderr (2022), parmi une foule de sorties ultérieures. Son album Cold Visions, salué par la critique, est paru en 2024.

A key figure in the development of Swedish hip-hop, Bladee makes music ranging from cloud rap and trap to art-pop and post-punk. He made his name alongside Yung Lean and the Sad Boys as part of Stockholm’s burgeoning cloud rap scene in the mid-2010s, quickly establishing an Internet-based following in rap’s underground.
Combining futuristic production, Auto-Tuned crooning, and themes of decay and depression, his unique take on the genre was consolidated in his 2016 debut Eversince. Eager to keep listeners guessing and their thirst slaked, the Drain Gang founder has incorporated styles ranging from hyperpop to trance with full-lengths such as 333 (2020), The Fool (2021), and Spiderr (2022) among his profusion of subsequent releases. The highly acclaimed Cold Visions appeared in 2024.

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dance / Electronic

OfF Piknic : Meduza, Melé et plus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Faisant partie de la famille de Piknic Électronik, OfF Piknic est un « spin-off » en mode concert des rendez-vous dominicaux de Piknic. Prenant place au Parc Jean-Drapeau, les événements OfF Piknic sont le fruit d’une réinterprétation du site par les géants de l’industrie. Mettant en lumière l’ensemble de la scène électronique, ces événements ont lieu les vendredis et samedis, de la fin de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Part of the Piknic Électronik family, OfF Piknic is a concert spin-off of the regular Piknic Sunday gatherings. Taking place at Parc Jean-Drapeau, OfF Piknic events are the fruit of a production takeover led by curated all-star line-ups. Highlighting the whole realm of the electronic scene, these events take place on Fridays and Saturdays, from late afternoon to dusk.

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art sonore / Electronic / immersif

Festival Flux : Liew Niyomkarn / Anne-F Jacques + Asha Tamirisa + Kristina Warren à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Liew Niyomkarn

Liew Niyomkarn est une artiste sonore et compositrice basée à Bruxelles. Le travail de Liew se concentre sur la pratique de l’écoute, les spectres harmoniques des sons musicaux et leurs interrelations potentielles. Elle utilise des instruments à cordes tels que la cithare, le lap steel, mais aussi Supercollider, un langage de programmation, pour explorer et créer différents timbres et créer des changements perceptifs spontanés. Liew compose des musiques caractérisées par de longues résonances et des répétitions, ainsi que des enregistrements environnementaux afin de décoder notre rapport au temps et à l’espace.

Liew Niyomkarn is a sound artist and composer based in Brussels. Liew’s work focuses on the practice of listening, and harmonic spectra of musical tones and their potential interrelationships, using string instruments such as a zither, lap steel, but also Supercollider, a coding language, to investigate and create different timbres —- a result of spontaneous perceptual shifts. Liew composes music driven by long resonances, sustain and repetition, and field recordings of environments to detect time and space.

Anne-F Jacques

Anne-F Jacques est une artiste et ferrailleuse travaillant à Montréal. Elle s’intéresse à l’amplification, aux interactions obliques entre matériaux et à la construction de divers systèmes et assemblages idiosyncratiques. Son (in)attention se concentre plus particulièrement sur les technologies légères, les objets banals et les sons rugueux. Son travail a été présenté par le festival Tsonami (Chili), Experimental intermedia (New York), L’Écart (Rouyn-Noranda), Ftarri (Tokyo), CTM (Berlin), Casa del Lago (México), Centrale for Contemporary Arts (Bruxelles), Centre Clarke (Montréal) et Sonandes (La Paz), entre autres.

Anne-F Jacques is a scrap metal worker and sound artist based in Montreal, Canada. She is interested in amplification, oblique interactions between materials and construction of various contraptions and idiosyncratic systems. Her particular focus is on low technology, trivial objects and unpolished sounds. She regularly realizes installations, performances and ephemeral interventions. She has worked amongst others with Tsonami Festival (Chile), Experimental Intermedia (New York), Ftarri (Tokyo), Sonic Protest (Paris),  Casa del Lago (Mexico), Centrale for Contemporary Arts (Brussels), High Zero (Baltimore) and MEM (Bilbao).

Asha Tamirisa

Asha Tamirisa est une artiste multimédia, chercheuse et éducatrice. Dans ses performances sonores, elle crée des systèmes interactifs à partir de diverses technologies acoustiques, analogiques et numériques qui mettent l’accent sur la matérialité, l’acoustique, les changements subtils et l’immersion. Elle réside habituellement à Portland, dans le Maine, et demeure temporairement à Montréal.

Asha Tamirisa is a media artist, researcher, and educator. In her sound-based performances, she creates interactive systems made of various acoustic, analog, and digital technologies that focus on materiality, acoustics, subtle change, and immersion. She usually lives in Portland, Maine and is temporarily based in Montreal. 

Kristina Warren

Kristina Warren est une artiste sonore, compositrice et interprète polyvalente et imaginative habitant sur les terres des Narragansetts (Providence) dans le Rhode Island [États-Unis]. Les performances de Warren comprennent des voyages synthétiques, des paysages sonores numériques et des méditations au concertina ; Warren présente aussi des installations, des ateliers, et des conférences. Son travail questionne les flux et reflux de l’attention auditive individuelle et collective. Qualifié de « magnifiquement organique » (Peter Bruyn, Haarlems Dagblad) et de « précis et imprévisible » (Marc Masters, Bandcamp), le travail de Warren a été présenté à l’échelle internationale. Récemment nommé MacColl Johnson Fellow (2024) et Fulbright US Scholar (2023), Warren est titulaire d’un doctorat en composition et technologies informatiques (Université de Virginie, 2017)

Kristina Warren is a versatile and imaginative sound artist, composer, and performer based on Narragansett land (Providence) Rhode Island [US]. Warren’s performances include synth voyages, digital soundscapes, and concertina meditations; Warren also presents installations, workshops, lectures, and more. All this work aims in various ways to highlight the ebbs and flows of individual and collective listening attention. Praised as “beautifully organic” (Peter Bruyn, Haarlems Dagblad) and “precise and unpredictable” (Marc Masters, Bandcamp), work by Warren has been presented internationally. Recently a MacColl Johnson Fellow (2024) and a Fulbright US Scholar (2023), Warren holds a PhD in Composition & Computer Technologies (University of Virginia, 2017).

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Jazz

ONJ : Alain Caron en rappel! à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

L’Orchestre national de jazz de Montréal (ONJ) présente en rappel le concert réunissant le bassiste virtuose Alain Caron, le batteur Paul Brochu et le pianiste John Roney, sous la direction de Marianne Trudel. Ce concert célèbre le répertoire issu de la collaboration historique d’Alain Caron avec le WDR Big Band de Cologne en avril 2005 – un projet dirigé par Michael Abene qui avait marqué un tournant dans sa carrière en fusionnant son style jazz-fusion avec la puissance d’un big band. La soirée promet une immersion entre arrangements de big band, énergie contemporaine et improvisations, rendant hommage à l’héritage de 2005 et à l’évolution artistique de ces grands musiciens.

The Orchestre national de jazz de Montréal (ONJ) will present an encore performance of the concert featuring virtuoso bassist Alain Caron, drummer Paul Brochu, and pianist John Roney, conducted by Marianne Trudel. This concert celebrates the repertoire from Alain Caron’s historic collaboration with the WDR Big Band Cologne in April 2005—a project led by Michael Abene that marked a turning point in his career by merging his jazz-fusion style with the power of a big band. The evening promises an immersion in big band arrangements, contemporary energy, and improvisation, paying tribute to the legacy of 2005 and the artistic evolution of these great musicians.

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DJ set / Indie Rock / Shoegaze

Taverne Tour : Jessica93 + Bonnie Trash + Mickey Dagger à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Mickey Dagger (21h)

Mickey Dagger performe, produit et mixe depuis longtemps sous différents alias, façonnant un son qui fusionne Post-Punk, New Beat, Italo Disco, EBM, Acid House, Freestyle, Musiques de Films et Techno Hop pour créer une identité qui lui est totalement propre.Issu de la scène Hardcore Punk old school, il a joué dans des groupes tels que The Omegas, Rikk Agnew et Abyssed, et continue aujourd’hui de se produire avec ses groupes actuels, Perestroika et Young Blades, gardant cette intensité brute au cœur de tout ce qu’il fait.

Mickey Dagger has been performing, producing, and DJing for a long time under various aliases, shaping a sound that fuses Post-Punk, New Beat, Italo Disco, EBM, Acid House, Freestyle, Film Scores, and Techno Hop into something entirely his own. He emerged from the world of old-school Hardcore Punk, having played in bands such as The Omegas, Rikk Agnew, and Abyssed, and continues to perform with his current bands, Perestroika and Young Blades, keeping that raw intensity alive in everything he does.

Bonnie Trash (22h)

Bonnie Trash est le projet des sœurs jumelles Emmalia et Sarafina Bortolon-Vettor, mariant l’austérité acérée du post-punk à la grandeur sombre du goth rock. Plutôt que de transformer les cauchemars en réalité, le groupe peint la réalité comme un cauchemar, remplie de douleur, de souffrance et de théâtre gothique. À l’instar de leurs aînés Joy Division, Black Sabbath ou John Carpenter, Bonnie Trash sait que les atrocités quotidiennes hantent le périphérique de nos vies. Là où leur premier album, Malocchio (2022), enveloppait les cauchemars de Bonnie Trash dans une réverbération rêveuse et sombre, Mourning You (2025) est vif et immédiat. Mourning You n’est pas une fantaisie post-mortem, mais un coup de poignard soudain et rapide au cœur. C’est le chagrin non pas comme une ecchymose persistante, mais comme une plaie béante.

Bonnie Trash is the project of twin sisters Emmalia and Sarafina Bortolon-Vettor, wedding post-punk’s steeley-eyed austerity to goth rock’s brooding grandeur. Rather than fashioning nightmares into reality, the band paints reality as a nightmare; rife with pain, suffering, and gothic theatre. Like their forebears Joy Division, Black Sabbath, or John Carpenter, Bonnie Trash understands that everyday atrocities haunt the periphery of our lives. Where their first full length, Malocchio (2022), shrouded Bonnie Trash’s nightmares in dusky dreamlike reverb, Mourning You (2025) is vivid and immediate. Mourning You is less a post-mortem fantasia than a sudden, swift dagger to the heart. This is sorrow not as a lingering bruise, but a gushing wound.

Jessica93 (23h)

Jessica 93 est le projet solo post-punk / cold wave de Geoffroy Laporte, originaire de Paris. Laporte est également membre des groupes Besoin Dead, Missfist et Les Louise Mitchels. Le nom Jessica 93 vient du fait que sa mère lui avait dit que si c’était une fille, elle l’aurait appelée « Jessica », tandis que le « 93 » provient d’un surnom donné par un ami, « Jojo 93 ». Son dernier album, Who Cares, sorti fin juin 2013, a été salué par la presse musicale française et est disponible sur trois labels : Et mon cul c’est du tofu?, MusicFearSatan et Teenage Menopause.

Jessica 93 is the post-punk / cold wave one-man-band project by Geoffroy Laporte from Paris. Laporte is also a member of Besoin Dead, Missfist and Les Louise Mitchels. The name, Jessica 93, comes from the fact that Laporte’s mother told him that if he had been a girl, she would have named him “Jessica”, the 93 comes from a nickname given to him by a friend, “Jojo 93”. His latest album, Who Cares, released at the end of June, 2013, has received praise from the French music press and is available on three music labels: Et mon cul c’est du tofu?, MusicFearSatan and Teenage Menopause.

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Alternative Rock / humour / Métal

Psychostick au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Psychostick est un groupe de metal humoristique né en Arizona et basé à Chicago. Leur fusion de satire et de puissance sonore se situe quelque part entre Weird Al Yankovic et Pantera. Ces adeptes autoproclamés du “humorcore” ont émergé en 2003 avec We Couldn’t Think of a Title, proposant un mélange explosif d’humour, de funk, de groove et de nu-metal, rappelant des groupes comme Green Jelly, Mr. Bungle et Tenacious D. Grâce à une série de vidéos virales, une approche D.I.Y. et des concerts déjantés agrémentés d’accessoires loufoques, ils sont devenus un groupe culte. Avec des albums comme Space Vampires vs. Zombie Dinosaurs in 3D (2011) et Do (2018), ils ont élargi leur audience tout en restant fidèles à leur indépendance et à leur humour décalé.

A comedy metal group born in Arizona and based out of Chicago, Psychostick’s amalgam of satire and sonic might falls somewhere between Weird Al Yankovic and Pantera. The self-described “humorcore” aficionados emerged in 2003 with We Couldn’t Think of a Title, unleashing a lethal blend of wit, funk, groove, and nu-metal that invoked names like Green Jelly, Mr. Bungle, and Tenacious D. Accompanied by a slew of viral videos, the band’s D.I.Y. aesthetic and off-the-wall, prop-heavy live shows made them a cult hit, and subsequent outings like Space Vampires vs. Zombie Dinosaurs in 3D (2011) and Do (2018) saw them reaching even larger audiences with their independent nature and skewed sense of humor intact.

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chanson keb franco / Folk / Folk Rock

Francos de Montréal : Émile Bilodeau | Bill aux Îles à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Émile Bilodeau vous invite à découvrir l’univers de son sixième album et à redécouvrir ses succès précédents dans un spectacle solo où l’ambiance visuelle sera à la hauteur de la création sonore. Enregistré devant le public des Îles-de-la-Madeleine, à la salle Aux Pas Perdus, lors de l’été 2024, le résultat est unique : Bill aux Îles, un album live, en formule homme-orchestre, où la simplicité des mélodies qui restent dans la tête rencontre la complexité technique nécessaire afin de maîtriser, en même temps, la percussion, l’enchaînement d’accords et les solos de musique à bouche. Des textes qui sont à l’image de l’auteur-compositeur-interprète de 29 ans, c’est-à-dire, assumés, colorés et divertissants.

Émile Bilodeau invites you to discover the world of this sixth album and rediscover his previous hits in a solo show where the visual atmosphere will match the musical creation. Recorded in front of an audience at the venue Aux Pas Perdus in the Magdalen Islands during the summer of 2024, the result is unique: Bill aux Îles, a live album featuring a one-man band, where simple, catchy melodies meet the technical complexity required to master percussion, chord progressions, and mouth harp solos all at once. In addition to lyrics that reflect the 29-year-old singer-songwriter’s personality—confident, colorful, and entertaining.

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Africa / Reggae

Kabey Konaté au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Kabey est de retour pour un concert exceptionnel célébrant le lancement de son quatrième album, Tama, qui met en relief la voix et les textes imprégnés d’Afrique de ce jeune artiste engagé.
N’est pas n’importe qui qui fait les premières parties d’Alpha Blondy et de Tiken Jah Fakoly ! Le reggae du charismatique Kabey Konate, établi à Montréal depuis 2017, est ponctué de sonorités traditionnelles mandingues qui lui donnent une saveur particulière, celle d’être imprégné par la sagesse des anciens. Celui qui se définit comme le Griot du reggae offre des prestations hautes en couleur, ses propos engagés pour la paix et l’unité étant portés par un enthousiasme contagieux, par l’entrain et la gaieté dans sa voix. 

Kabey is back for this exceptional concert celebrating the release of his fourth album, Tama. The concert will showcase this young artist’s voice and lyrics, which are strongly inspired by Africa and demonstrate his deep consciousness.
It’s not just anyone who gets to be the opening act for the likes of Alpha Blondy or Tiken Jah Fakoly! The reggae style of this charismatic musician, who has been living in Montreal since 2017, is punctuated with mandinka rhythms, giving it a unique flavour—that of being steeped in the wisdom of the Old Ones. Considered the griot of reggae, Kabey Konate delivers an extremely colourful performance, while his lyrics advocating unity are carried by the infectious enthusiasm in his voice and his spirited joyful presence.

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Electronic / Experimental / Contemporary / No Wave

Festival Flux : Violence Gratuite + Moose Terrific à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Violence Gratuite

Artiste multidisciplinaire et conservatrice, Violaine Morgan Le Fur (alias Violence Gratuite) a passé ces dernières années à affiner sa perspective créative, à développer des documentaires, à produire des expositions et à réaliser des clips musicaux et des courts métrages. « Baleine à Boss » n’est pas seulement son premier album, mais aussi sa première incursion dans la production musicale. Le Fur n’avait commencé à expérimenter les logiciels de musique que quelques semaines avant d’enregistrer l’album, ce qui rend cet ensemble unique d’autant plus déconcertant. Chantant et vocalisant avec franchise et produisant chaque morceau seule, elle semble profondément raffinée, invoquant un brouillard séduisant de chanson, de rap, de no wave et d’électronique expérimentale qui oscille entre la pop et l’avant-garde.
Le Fur a grandi dans la banlieue tentaculaire de Paris et a été influencée par un cercle diversifié de personnes, grâce à sa mère bretonne et son père camerounais. Elle a déjà intégré ses origines dans son travail, en mélangeant des images provenant des archives cinématographiques de sa mère avec ses propres enregistrements réalisés au pays bamiléké pour créer le documentaire autobiographique « À L’ouest » en 2017. Sous le nom de Violence Gratuite, Le Fur adopte une approche plus énigmatique, s’inspirant des vastes forêts de l’ouest du Cameroun, terres ravagées par des générations d’hommes sanguinaires, et mêlant des rythmes techno pulsés à des sons trap fracturés et des échos de pop française.
Sa voix se démarque fièrement sur le morceau d’ouverture « Iséo », superposée à un mantra charmant sur un beat fragile et crasseux assemblé à partir d’échantillons saccadés et de bips 8 bits. Acrobatique mais néanmoins décontractée, Le Fur divise son interprétation, chantant en français sur des chants ondulants et des roucoulements spectraux. Elle change ensuite de registre sur « Olive », où elle rappe d’une voix glaciale et impassible tandis que des synthés pointus bouillonnent autour de stabs saccadés à la Neptunes. Puis, sur le nocturne « Smooth Operation », Le Fur nous guide vers un rituel au clair de lune, pleurant doucement dans l’obscurité tandis que des tambours à main et des pincements rêveurs bavardent en arrière-plan.
Sur le morceau titre, Le Fur réduit le rythme à un grondement sombre et squelettique, utilisant des percussions caoutchouteuses et des chœurs emprisonnés pour s’enfoncer dans un espace négatif. Parlant d’une voix grave et rauque, elle rappelle les premiers morceaux les plus inquiétants de Tricky ou les productions les plus décalées de Lizzy Mercier Descloux, hybrideuse française de la no wave. Mais l’album change sans cesse de ton, se dirigeant vers les Caraïbes avec « Ragga Nieztches » et vers un dembow déjanté avec le morceau hypnotique « Bad à Bras le Corps » qui clôt l’album. « Baleine à Boss » est une suite imprévisible et labyrinthique qui refuse de rester statique, un spectacle varié aussi à l’aise dans un club que dans un fest noz.

A multidisciplinary artist and curator, Violaine Morgan Le Fur (aka Violence Gratuite) has spent the last few years sharpening her creative perspective, developing documentaries, producing exhibitions, and directing music videos and short films. ‘Baleine à Boss’ isn’t just her debut album, but her first venture into music production; Le Fur had only begun to experiment with music software a few weeks before dubbing the record, a fact that makes this unique set only more bewildering. Singing and vocalizing candidly and producing each track alone, she sounds profoundly polished, invoking a beguiling haze of chanson, rap, no wave and experimental electronics that hovers around the margins of pop and the avant-garde.
Le Fur grew up in Paris’s sprawling suburbs, and was provided with a diverse coterie of influences by her Breton mother and Cameroonian father. She’s channeled her ancestry into her work before, splicing material from her mother’s film archives with her own footage recorded in Bamiléké land to develop the autobiographical documentary ‘À L’ouest’ back in 2017. As Violence Gratuite, Le Fur thinks more cryptically, considering the vast forests of western Cameroon, lands ravaged by generations of bloodthirsty men and looping pulsing techno rhythms with fractured trap and the ghosts of French pop.
Her voice stands out proudly on opener ‘Iséo’, layered into a charming mantra over a brittle, grime-y beat assembled from stuttering samples and 8-bit blips. Acrobatic yet somehow casual, Le Fur splits her delivery, singing in French over undulating chants and spectral coos. And she switches up the flow on ‘Olive’, rapping in an icy cool deadpan while spiky synths bubble around jerky, Neptunes-like stabs. Then, on the nocturnal ‘Smooth Operation’, Le Fur guides us towards a moonlit ritual, crying sweetly into the darkness as hand drums and dreamy plucks chatter in the background.
On the title track, Le Fur strips the rhythm down to a moody, skeletal rumble, using rubbery drums and trapped chorals to mire herself in negative space. Speaking in a low rasp, she brings to mind Tricky’s eeriest early material, or the wonkiest output of French no wave hybridist Lizzy Mercier Descloux. But the record switches gears relentlessly, lurching towards the Caribbean on ‘Ragga Nieztches’ and into spannered dembow on the hypnotic closing track ‘Bad à Bras le Corps’. ‘Baleine à Boss’ is an unpredictable, labyrinthine suite that refuses to stay static, a variety show that’s as comfortable in the club as it is at a fest noz.

Moose Terrific

Moose Terrific est un duo expérimental d’électronique et de synthé composé de Sam Shalabi et Tamara Filyavich, basés à Montréal. Le duo se concentre sur les sons synthétiques classiques, mais avec de nombreuses influences polyrythmiques, symphoniques, post-punk, nord-africaines et est-européennes. Ils ont sorti un premier album intitulé « The Drinks » sur le label irlandais FortEvilFruit en 2018, puis un deuxième album, « Nude Beginnings », sur le label libanais Ruptured en 2024.

Moose Terrific is an experimental electronics and synth duo composed of Montreal based Sam Shalabi and Tamara Filyavich. The pair focuses on classic synth sounds but with a lot of polyrythmic, symphonic, post-punk ,North African and Eastern European influences. They have released a debut album called ‘The Drinks’ on the Irish label, FortEvilFruit in 2018 and a 2and album ‘Nude Beginnings’ on Lebanese label Ruptured in 2024.

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Afro-Electro / DJ set / Singeli

Festival Flux : Sisso & Maiko + Nadah El Shazly + Sense Fracture à la SAT

by Rédaction PAN M 360

Sisso & Maiko

Les productions de Sisso & Maiko incarnent parfaitement le « scenius » hyperlocal du singeli, distillant la vitalité et les difficultés de la vie en marge de la ville la plus peuplée du monde swahili dans une musique unique qui semble refléter l’idée de garder la tête froide dans des situations frénétiques. Entre leurs rythmes ratchet et leurs mélodies aiguës, il y a une tension sublime et irrésolue, où la musique semble s’accélérer si vite que les danseurs glissent, maintenant un effet « ascendant » à couper le souffle qui rappelle étrangement le happy hardcore britannique du milieu des années 90, autant que le footwork de Chicago, la soca caribéenne et le disco shangaan, mais avec un attrait psychotomimétique qui lui est propre.
Né dans les quartiers populaires tentaculaires de Tandale et Manzese, Singeli se caractérise par des boucles frénétiques et rapides qui s’entremêlent, avec des influences allant de la musique tarab de Zanzibar à l’afro-house sud-africaine, associées à des MC qui crachent souvent des paroles satiriques sur les défis auxquels sont confrontés les jeunes Tanzaniens, de la corruption policière aux complications des relations amoureuses quand on est fauché. S’il y a un studio qui se démarque parmi les centaines qui parsèment le paysage musical de Dar es Salaam, c’est bien SISSO RECORDS. Autour des producteurs Bwax, Sisso, Bampa Pana et Jay Mitta et des MC Dogo Niga, Kadilida, Anti Vairas et Makavelli, ils ont été les pionniers du son Singeli.

Sisso & Maiko‘s productions epitomize Singeli’s hyperlocal “scenius”, distilling the vitality and struggle of life of the fringes of the Swahili-speaking world’s most populous city, into a unique music which seems to reflect the idea of keeping a cool head in frenetic situations. Between their ratchet rhythms and pitched-up melodies there’s a sublime, unresolved tension at play, where the music feels to accelerate so fast that dancers are gliding, sustaining a breathlessly “up” effect that uncannily recalls mid ’90s UK happy hardcore as much as Chicago footwork, Caribbean Soca, and Shangaan disco, yet with a psychotomimetic appeal all of its own.
Born in the sprawling working class neighborhoods of Tandale and Manzese, Singeli’s signature sound consists of fast paced frantic loops interlocking with each other, with influences from Zanzibar’s Tarab music all the way to South African afro-house coupled with mc’s who often spit satirical lyrics about the challenges facing Tanzania’s youth, from police corruption to the complications of dating girls when you are broke. If there is one studio that stands out amongst the hundreds that dot Dar es Salaam’s musical landscape it is SISSO RECORDS. Centered around producers; Bwax, Sisso, Bampa Pana and Jay Mitta and MC’s Dogo Niga, Kadilida, Anti Vairas and Makavelli, they were early pioneers of the Singeli sound.

Nadah El Shazly 

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a commencé son parcours musical en tant que membre de Sick Gdrch, un groupe reprenant les morceaux des Misfits, avant de se lancer dans la production et la composition électroniques. Son premier album, « Ahwar », sorti en 2017, a été salué dans le monde entier pour son mélange d’héritage et d’innovation, et a fait de Nadah une figure de proue du paysage musical contemporain. Elle a fait la couverture du magazine The Wire en 2018 dans un numéro annonçant la « nouvelle vague du Caire ».
Les performances live d’El Shazly sont tout aussi captivantes, combinant sa voix envoûtante avec une manipulation sonore complexe et des collaborations dynamiques avec d’autres musiciens. Elle a travaillé avec une foule d’innovateurs, dont Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca et bien d’autres. Elle s’est produite sur les scènes de prestigieuses salles et festivals à travers le monde, notamment Irtijal,
Le Guess Who?, Rewire, Best Kept Secret, FIMAV, Roskilde, Copenhagen Jazz Festival, Nusasonic et Marfa Myths. Au-delà de son travail solo, Nadah contribue activement à la scène musicale indépendante du Caire, en soutenant les artistes émergents et en s’engageant dans des projets interdisciplinaires.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical journey as a member of Sick Gdrch, a Misfits cover band, before venturing into electronic production and composition. Her debut album, 2017’s ‘Ahwar’, earned global praise for its merging of heritage and innovation, and established Nadah as a leading figure in the contemporary music landscape. She appeared on the cover of The Wire in 2018 in an issue announcing “Cairo’s New Wave.”
El Shazly’s live performances are equally immersive, combining her enthralling voice with intricate sound manipulation and dynamic collaborations with other musicians. She has worked with a host of innovators including Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca, and many more. She’s graced stages at prestigious venues and festivals worldwide, including Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Best Kept Secret, FIMAV, Roskilde, Copenhagen Jazz Festival, Nusasonic, and Marfa Myths. Beyond her solo work, Nadah is an active contributor to Cairo’s independent music scene, supporting emerging artists and engaging in cross-disciplinary projects.

Sense Fracture

Originaire de Milan, en Italie, F. Birsa Alessandri, alias Sense Fracture, est à la fois une force disruptive et constructive. DJ, producteur de musique, directeur de label et promoteur, il s’est lancé dans la musique avec l’intention de remettre en question les normes établies, de provoquer et de bouleverser les codes. Son travail traverse les franges les plus radicales de la culture rave et de l’électronique expérimentale, auxquelles il injecte des touches de heavy metal numérisé, de sound design agressif, de pop spatiale et de méditerranéen étrange. Un mélange qui a valu à ses DJ sets une réputation d’intensité et d’imprévisibilité. En tant que cofondateur de Haunter Records, membre du collectif Paimonia et curateur de la série rave phare Dance Affliction, il a passé plus de 15 ans à nourrir la scène underground milanaise de choses étranges, une pratique forgée par des années de militantisme au sein du collectif Saturnalia dans le célèbre squat/lieu MACAO. Leurs recherches sonores actuelles se concentrent sur la transformation des danses traditionnelles du sud de l’Italie en musique dance contemporaine aux contours anguleux, dans le but de s’écarter des trajectoires rave standardisées.

Hailing from Milan, Italy, F. Birsa Alessandri AKA Sense Fracture is both a disruptive and constructive force. A DJ, music producer, labelhead and promoter, they started doing music with the intent to question established norms, provoke and overturn. Their work traverses the most radical fringes of rave culture and experimental electronics, injecting them with bits of digitised heavy metal, harsh sound design, spaced-out pop and weird Mediterranea. A mixture that gave their DJ sets a reputation for intensity and unpredictability. As co-founder of Haunter Records, part of the Paimonia crew and curator of seminal rave series Dance Affliction, they spent more than 15 feeding weird things to the Milan underground, a practice forged through years of militancy in the Saturnalia collective at infamous squat/venue MACAO. Their current sonic research is focused channeling traditional dances of the southern Italian continuum into hard-edged contemporary dance music, aiming at a deviation of standardized rave trajectories.

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Ce contenu provient du Festival Flux et est adapté par PAN M 360

A Cappella / Pop

QW4RTZ au Théâtre St-Denis

by Rédaction PAN M 360

Riche d’une quinzaine de saisons professionnelles, QW4RTZ s’élance pour son Dernier tour de piste. La pédale au plancher, les quatre coéquipiers mettent toute la gomme dans un nouveau spectacle de course. Trad, pop, folk, rock, classique, tous les styles s’injectent dans leurs quatre cylindres a cappella. C’est profitant d’une mécanique vocale toujours aussi bien huilée que le groupe négocie chaque virage de ce dernier droit avec panache. Toujours guidés par leur ingénieur en chef Serge Postigo, les quatre amis d’enfance se dépassent encore une fois et réalisent leurs plus grandes aspirations en présentant des numéros de pointe sans jamais déraper… ou presque. Leur formule a cappella permet à Louis, Phil, François et Fa2 de ne jamais freiner leur imagination, et prouve que, même sans guitare, ils en ont sous le capot.

With over fifteen professional seasons under their belt, QW4RTZ is taking off for their Dernier tour de piste (Final Lap). Pedal to the metal, the four teammates give it their all in a brand-new race-themed show. Trad, pop, folk, rock, classical, every style fuels their four-cylinder a cappella engine. With a vocal mechanics as finely tuned as ever, the group navigates every turn of this final stretch with flair. Always guided by their chief engineer Serge Postigo, the four childhood friends push themselves once again, achieving their greatest aspirations with show-stopping numbers that barely, if ever, skid off track. Their a cappella formula allows Louis, Phil, François, and Fa2 to keep their imagination in full throttle, proving that even without guitars, they’ve got plenty under the hood.

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Ce contenu provient de l’Espace St-Denis et est adapté par PAN M 360

Arabic Classical / Baroque / Electronic

Festival Flux : John Kameel-Farah à l’Église Sacré-Coeur-de-Jésus

by Rédaction PAN M 360

Célèbre pour des performances où s’entrelacent le contrepoint ciselé des maîtres baroques et la souplesse des improvisations issues de la musique arabe classique, le compositeur-improvisateur canado-palestinien John Kameel Farah s’impose comme l’une des voix les plus envoûtantes de la scène contemporaine. À l’occasion de Flux 2026, il élèvera une véritable cathédrale de claviers dans l’acoustique transcendante de l’Église du Sacré-Cœur-de-Jésus, à Montréal.
Puisant à la fois dans les siècles de tradition du maqâm arabe et dans l’architecture spirituelle de J. S. Bach, sa musique s’enracine dans l’héritage tout en s’ouvrant sans cesse vers de nouveaux horizons : paysages électroniques, textures expérimentales, mondes inédits.
Elle circule librement entre l’orgue d’église, le piano et les synthétiseurs analogiques anciens, pour façonner une architecture sonore complexe et mouvante. Les improvisations naissent comme des méditations contrapuntiques, s’enroulent en boucles électroniques hypnotiques, ou s’épanouissent en vastes mélodies inspirées des maqâmât.
Son parcours l’a mené des salles de concert aux clubs souterrains, de Jérusalem à Berlin, des fugues aux feedbacks. En 2023, il partageait la scène avec les légendaires Tangerine Dream, inscrivant son art dans la lignée cosmique de la musique électronique. Mais au cœur de sa démarche demeure une fidélité profonde : l’alliance de la rigueur baroque et de la liberté improvisatrice arabe, filtrée par le prisme de ses racines palestiniennes.
Dans l’intimité de cette cathédrale montréalaise, Farah métamorphose ses claviers en navires de mémoire et d’imaginaire – des vaisseaux portant l’héritage et le souvenir sur une mer de sons.

Renowned for performances that weave together the ornate counterpoint of Baroque masters with the fluid improvisations of Arabic classical music, Palestinian-Canadian composer/improvisor John Kameel Farah is one of the most compelling contemporary artists on the scene today. For Flux 2026, he’ll create a cathedral of keyboards in the transcendent acoustics of Église Sacré-Coeur-de-Jésus, Montréal.
Drawing on centuries of Arab maqam traditions and the spiritual architecture of J. S. Bach, Farah’s music is steeped in heritage, yet constantly opening outward, embracing electronic soundscapes and experimental textures. It moves fluidly between the church organ, piano, and vintage analog synthesizers, crafting an intricate sonic architecture. Improvisations are launched as contrapuntal meditations, spiral into hypnotic electronic loops, or blossom into expansive, maqam-inspired melodies.
Farah’s journey has brought him from concert halls to underground clubs, from Jerusalem to Berlin, from fugues to feedback. In 2023, he shared the stage with the legendary Tangerine Dream, paying homage to the cosmic lineage of electronic music. Yet at the heart of his artistry remains a profound devotion to heritage: the meeting of Baroque rigor and Arabic improvisatory freedom, refracted through the lens of his Palestinian roots.
In this intimate performance, Farah transforms keyboards into vessels of memory and imagination – ships bearing heritage and memory on a sonic voyage.

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Ce contenu provient du Festival Flux et est adapté par PAN M 360

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