POP Montréal : Lankum + Circuit des Yeux au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

Lankum

Le quatuor dublinois Lankum (les frères Ian et Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada et Radie Peat) a acquis une renommée mondiale grâce à ses trois premiers albums et à ses performances live captivantes et euphoriques.
Leur quatrième album, « False Lankum », a été universellement salué, atteignant la deuxième place du classement officiel des albums irlandais dès sa sortie, recevant une nomination au Mercury Prize et éclipsant largement le succès de leur précédent album, « The Livelong Day », lauréat du Choice Award.
Ce disque marque une nouvelle étape dans la métamorphose du groupe en une puissance moderne, s’appuyant sur des méthodes traditionnelles et primitives pour créer une musique audacieuse et singulière qui transcende ses racines folk : un son envoûtant et panoramique, intégrant des nuances expérimentales et des drones grondants, alliés à une écriture classique, des harmonies vocales serrées et des récits intemporels.

Dublin four-piece Lankum (brothers Ian and Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada and Radie Peat) have gained worldwide acclaim for their first three albums and captivating, euphoric live performances.
Their fourth album “False Lankum” has been universally heralded, reaching no.2 in the Official Irish Album Charts on release, receiving a Mercury Prize nomination and significantly eclipsing the success of their previous album, the Choice Award winning, “The Livelong Day”.
The record heralds a new stage in the metamorphosis of the band into a modern day powerhouse, drawing on traditional and primitive methods to create bold and singular music that transcends its folk roots: an entrancing, widescreen sound incorporating experimental overtones and rumbling drones wedded with classic songwriting, close vocal harmonies and timeless narratives.

Circuit des Yeux

Haley Fohr est une chanteuse, compositrice et auteure-compositrice-interprète basée à Chicago, dans l’Illinois. Ses projets musicaux s’articulent autour de la condition humaine, et ses 15 ans de carrière au sein du Circuit des Yeux sont devenus l’une des initiatives les plus fructueuses des États-Unis pour relier l’intime à l’universel. Elle se distingue par sa voix de quatre octaves et son style unique à la guitare 12 cordes. Parmi ses œuvres récentes, citons la bande originale du film muet Salomé (1923) de Charles Bryant, commandée par Opera North, son album -io, salué par la critique en 2021, et deux LP sous le mystérieux nom de Jackie Lynn.

Haley Fohr is a vocalist, composer and singer-songwriter based in Chicago, Illinois. Her musical endeavors focus around our human condition, and her 15 year career as Circuit des Yeux has grown into one of America’s most successful efforts to connect the personal to the universal. She is most distinctly identified by her 4-octave voice and unique style of 12-string guitar. Her recent works include an Original Soundtrack for Charles Bryant’s silent film Salomé (1923), commissioned by Opera North, her critically acclaimed 2021 album -io, and two LPs under the mysterious moniker of Jackie Lynn.

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art rock / Gothic / slowcore

POP Montréal : Zola Jesus + Nennen + Slash Need à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Zola Jesus

ZOLA JESUS AKA NIKA EST UNE CHANTEUSE, COMPOSITRICE ET PRODUCTRICE D’ORIGINE AMÉRICAINE. DEPUIS 2008, ELLE A FAIT PARAÎTRE CINQ EP ET SEPT ALBUMS COMPLETS, PRINCIPALEMENT SOUS LA BANNIÈRE L’INSTITUTION AMÉRICAINE QU’EST SACRED BONES.
NIKA A COMMENCÉ À SUIVRE UNE FORMATION DE CHANTEUSE D’OPÉRA À L’ÂGE DE 10 ANS. ELLE S’EST SORTIE DE CETTE FORMATION POUR LANCER, EN 2009, SON ALBUM LO-FI THE SPOILS, DONT ELLE A ENREGISTRÉ LA MAJEURE PARTIE DANS SA CHAMBRE À L’UNIVERSITÉ DE MADISON, ALORS QU’ELLE ÉTAIT ÉTUDIANTE. À LA SORTIE DE L’ALBUM SUIVANT, STRIDULUM, NME L’A DÉCRITE COMME LA « NOUVELLE FIGURE DE PROUE DU GOTHIQUE ». QUELQUES ANNÉES PLUS TARD, LE LA TIMES DÉCRIVAIT ZOLA JESUS COMME « UNE CRÉATRICE SÉRIEUSE ET DÉDIÉE, DOTÉE D’UNE ESTHÉTIQUE SOLIDE, D’UN VOCABULAIRE MUSICAL ÉPOUSTOUFLANT ET D’UNE VISION SÛRE D’ELLE ». LES DEUX PUBLICATIONS ONT EU RAISON. ON DIT DE SA VOIX INIMITABLE QU’ELLE TRAVERSE LE FASCIA DE LA RÉALITÉ.

ZOLA JESUS AKA NIKA IS AN AMERICAN BORN SINGER, SONGWRITER AND PRODUCER. SINCE 2008, SHE HAS RELEASED FIVE EPS AND SEVEN FULL-LENGTH ALBUMS, MAJORATIVELY ON NY INSTITUTION, SACRED BONES.
NIKA BEGAN TRAINING AS AN OPERA SINGER AT THE AGE OF 10. SHE DISMANTLED THAT TRAINING TO DELIVER HER BREAKTHROUGH LO-FI RECORD THE SPOILS IN 2009, MOST OF WHICH SHE RECORDED AS AN UNDERGRAD IN HER ROOM AT UW MADISON. ON THE RELEASE OF HER FOLLOW EP, STRIDULUM, NME DECLARED HER “GOTH’S NEW FIGUREHEAD.” A FEW YEARS LATER, THE LA TIMES DESCRIBED ZOLA JESUS AS, “A FOCUSED, SERIOUS CREATOR WITH A SOLID AESTHETIC, BREATHTAKING MUSICAL VOCABULARY AND A CONFIDENT VISION.” BOTH PUBLICATIONS TURNED OUT TO BE RIGHT. HER UNMISSABLE VOICE IS SAID TO CUT THROUGH THE FASCIA OF REALITY.

Nennen

Quel que soit le nom qu’on lui donne – soft metal peut-être, ou hard folk – la musique de Nennen est faite pour éclairer doucement les coins sombres, pour démêler avec amour les émotions complexes, pour refuser de détourner le regard. You Reflect the Light, le deuxième album complet de Nennen, est un mélange luxuriant, presque luxurieux, d’artisanat d’auteur-compositeur-interprète et d’atmosphère influencée par le slowcore.

Whatever you call it—soft metal maybe, or hard folk—Nennen’s music is made for shining gentle light into dark corners, for lovingly untangling complex emotions, for refusing to look away. You Reflect the Light, Nennen’s second full-length album, is a lush, almost luxuriant mix of singer-songwriter craft and slowcore-inflected atmosphere.

Slash Need

Un dramaturge conflictuel, campé et séduisant. Le groupe torontois d’art performance industriel Slash Need s’est forgé une réputation pour ses performances théâtrales à haute énergie. Le groupe crée des chansons qui glissent, satirisent et crient. Servi cru, le style distinct de Slash Need, composé de techno propulsive et d’ebm métallique, sert de toile de fond à une performance imprévisible, changeante et communautaire.

A confrontational, camp and seductive dramaturge. Toronto’s industrial performance art outfit Slash Need have earned a reputation for putting on high-energy theatrical live performances. The group craft songs that slither, satirize, and scream. Served up raw, Slash Need’s distinct style of propulsive techno and metallic ebm serves as the backdrop to an unpredictable, ever-changing, and communal performance piece.

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Afro Fusion / Bass Music / Neo-soul

POP Montréal : So Sus + BAWAH + AHSIA à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

BAWAH

Le son afro-fusionnel de BAWAH est indéniablement le sien. Il transcende les frontières traditionnelles et défie la catégorisation avec son mélange unique d’influences, couvrant les genres afro, pop, hip-hop, alternatif, jazz et électronique.
Le nouveau projet de BAWAH est une symphonie d’expression créative. Une série d’albums en quatre parties, une série de films en 48 épisodes et un livre en 48 chapitres.

BAWAH’s Afro-fusion sound is unmistakably his own. Transcending traditional boundaries and defying categorization with his unique blend of influences, spanning Afro, Pop, Hip-hop, Alternative, Jazz and Electronic genres.
BAWAH’s new project is a symphony of creative expression. A four-part album series, a film series spanning 48 episodes, and a 48-chapter book.

AHSIA

AHSIA est une artiste multidimensionnelle qui mélange la soul, le R&B et le hip-hop. Elle imprègne son travail de thèmes tels que l’autonomisation, la revendication de soi et l’humour. Avec une voix pleine d’âme, des paroles réfléchies et une présence indéniable sur scène, elle laisse le public ému et inspiré.

AHSIA is a multidimensional, genre-bending artist blending Soul, R&B, and Hip-Hop. She infuses her work with themes of empowerment, self-reclamation, and humour. With soulful vocals, thoughtful lyricism, and undeniable stage presence, she leaves audiences moved and inspired.

So Sus

So Sus est une artiste transfemme basée à Vancouver qui redéfinit les limites de la trap, du dubstep et de la bass music expérimentale avec un son caractéristique qui fusionne la profondeur émotionnelle et l’intensité prête à être jouée en club. Alliant une narration viscérale à une production qui bouscule les genres, elle est devenue l’une des voix les plus convaincantes de la nouvelle vague de musique électronique.
Parmi les faits saillants de sa carrière, on compte des nominations aux prix Juno pour l’enregistrement de danse de l’année en 2021 pour son premier EP, Voices, et en 2025 pour son EP Call Me When. Elle a également remporté le titre d’artiste électronique de l’année aux Western Canadian Music Awards en 2021.

So Sus is a Vancouver-based transfemme artist redefining the edges of trap, dubstep, and experimental bass music with a signature sound that fuses emotive depth with club-ready intensity. Blending visceral storytelling with genre-bending production, she has become one of the most compelling voices in the new wave of electronic music.
Her career highlights include Juno Award nominations for Dance Recording of the Year in 2021 for her debut EP, Voices, and in 2025 for her Call Me When EP. She also won Electronic Artist of the Year at the Western Canadian Music Awards in 2021.

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dream pop / Shoegaze / slowcore

POP Montréal : Shallow + Diamond Day + Fleeting Colours + Goldenstar au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

Shallow

Shallow est un groupe de cinq musiciens originaire de Montréal et Toronto, à mi-chemin entre un mur de bruit et une sensibilité pop plus large. Ce projet autoproduit mélange des boucles et des échantillons autoproduits avec des couches de distorsion de guitare tourbillonnante, canalisant le même élan hypnotique que les groupes qui les ont inspirés.

Shallow is a 5 piece band from Montreal and Toronto, caught somewhere between a wall of noise and broader pop sensibilities. A self-produced project blending loops and self-sampled material with layers of swirling guitar distortion, channeling the same kind of hypnotic momentum as the bands that inspired them.

Diamond Day

Diamond Day redéfinit le shoegaze dans un univers électro vaporeux. Ce duo Montréalais/Victorien est né de l’esprit de Béatrix Méthé (Rosier), dont l’éducation rurale au Québec lui a insufflé un lien profond avec les traditions folk, et de Quinn Bachand, de l’île de Vancouver, multi-instrumentiste polyvalent nominé aux Grammys. Leur premier album, Connect the Dots, fusionne des beats glitchy et des guitares scintillantes, mêlant la voix magnétique de Méthé aux paysages sonores luxuriants de Bachand. Ensemble, ils créent une euphorie rétro-futuriste inspirée par Julee Cruise, Cocteau Twins et Curve.
Afin de célébrer la première année du groupe, le duo a réuni une véritable équipe de rêve pour revisiter leur premier album, incluant Robin Guthrie des Cocteau Twins, His Name Is Alive, l’un des « artistes préférés » de Bowie, le pionnier indie Sonic Boom (Spacemen 3), la Montréalaise KROY (Milk & Bone), et la légende de l’électronique, John Tejada. Cette collaboration a uni quatre générations de la lignée dream pop, réimaginant le genre à travers le prisme de ses pionniers.

Diamond Day creates a hazy, electro-tinged dreamscape from the foundations of shoegaze, where glitchy organ drums meet the raw energy of jangly, almost-exploding guitars. The Montreal/Victoria duo is the brainchild of Rosier’s Béatrix Méthé, whose rural Quebec upbringing instilled a deep connection to folk traditions, and Vancouver Island’s Quinn Bachand, a versatile Grammy-nominated multi-instrumentalist. Their debut album, Connect the Dots (2024), is a hypnotic and shoegazey alt-pop journey. Méthé’s captivating vocals and catchy hooks provide a sharp focus, piercing Bachand’s lush, noise-pop soundscapes to create a retro-futuristic euphoria inspired by Julee Cruise, Cocteau Twins, and Curve.
To celebrate their one-year anniversary, Diamond Day released “Dot Dot Dot” in spring 2025, a reworked version of their debut record. They assembled a “dream team” for the project, which included Robin Guthrie of Cocteau Twins, His Name Is Alive (whom Bowie once called one of his “favourite artists”), indie pioneer Sonic Boom (Spacemen 3), Montreal’s KROY (Milk & Bone), and electronic legend John Tejada. This collaboration united four generations of dream pop lineage, reimagining the genre through the lens of its pioneers.

Fleeting Colours

Fleeting Colours est un groupe de shoegaze/dream-pop de Montréal, formé à la fin de 2022 par Pablo Sabbagh (guitare), Tom Sedgwick (basse) et Seamus Hickey (chant, guitare), réunis par une appréciation commune des voix douces et des tonalités de guitare luxuriantes. Rejoint par Fiona King (chant, guitare) et Boshko Maric (batterie) au début de 2025, le groupe est actif sur la scène montréalaise, ayant fait la première partie de tournées telles que Bleary Eyed, Melaina Kol et Laveda.

Fleeting Colours is a shoegaze/dream-pop band from Montreal, formed in late 2022 by Pablo Sabbagh (guitar), Tom Sedgwick (bass), and Seamus Hickey (vocals, guitar), brought together by a shared appreciation for soft vocals and lush guitar tones. Joined by Fiona King (vocals, guitar) and Boshko Maric (drums) in early 2025, the band is active in Montreal’s scene, having supported touring acts such as Bleary Eyed, Melaina Kol, and Laveda.

Goldenstar

Goldenstar est un groupe de slowcore de Montréal, Québec, dont le premier EP éponyme, sorti en janvier 2025, les a tranquillement établis comme un nom à surveiller sur dans l’underground nord-américain. S’inspirant de la mélancolie brumeuse de Duster et de la nuance introspective d’Elliott Smith, Goldenstar propose un son à la fois intime et immersif. Leurs chansons se déploient avec une patience délibérée : guitares grattées, voix superposées et textures sonores subtiles. Des titres comme « Sevenscore » et « Asleep » témoignent de l’instinct de retenue et d’atmosphère du groupe, mêlant enregistrements de terrain et arrangements minimaux avec une intention évocatrice. Bien que l’EP soit bref, la clarté de son ton et de son travail marque un premier pas confiant. Goldenstar ne se contente pas de faire écho à ses influences, il se fraye tranquillement un chemin sur sa propre orbite.
Goldenstar est le projet musical de Markus Stahl en collaboration avec Chris Steward, Meg Cule, Zac MacArthur, Nick Castonguay et Jacob Sexsmith.

Goldenstar is a slowcore band from Montréal, Québec, whose self-titled debut EP, released in January 2025, quietly established them as a name to watch in the North American underground. Drawing from the hazy melancholia of Duster and the introspective nuance of Elliott Smith, Goldenstar puts forward a sound that’s both intimate and immersive. Their songs unfold with a deliberate patience—down-strummed guitars, softly layered vocals, and subtle sonic textures. Tracks like “Sevenscore” and “Asleep” showcase the band’s instinct for restraint and atmosphere, blending field recordings and minimal arrangements with evocative intent. While the EP is brief, its clarity of tone and craft mark a confident first step. Goldenstar is not simply echoing their influences—they’re quietly carving out their own orbit.
Goldenstar is the musical project of Markus Stahl in collaboration with Chris Steward, Meg Cule, Zac MacArthur, Nick Castonguay, and Jacob Sexsmith.

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cajun / Indie / Jazz

POP Montréal : Joseph Shabason + Little Mazarn + Eliza Niemi + pure pulp au P’tit Ours

by Rédaction PAN M 360

Joseph Shabason

Joseph Shabason est multi-instrumentiste, compositeur, producteur et artiste. Après avoir obtenu son diplôme de saxophone du programme d’interprétation jazz de l’Université de Toronto en 2006, il a joué et tourné avec les groupes Destroyer, The War On Drugs, André Ethier et DIANA. Deux de ses albums (Kaputt et Poison Season) ont été présélectionnés pour le Prix de musique Polaris, et l’album éponyme de son propre groupe DIANA a été présélectionné pour le Prix Polaris. Kaputt a été élu deuxième album de l’année par Pitchfork Media et Poison Season a été nominé aux JUNO en 2015.
En plus de ses tournées et de ses participations à des projets originaux, Joseph compose pour le cinéma, la télévision et des publicités. Il a composé la musique du documentaire Omega Man de Yung Chang, diffusé sur TSN, ainsi que celle de Your Tomorrow d’Ali Weinstein, nominé pour le prix Rogers du meilleur film canadien. Joseph a composé la musique du long métrage Silent Retreat de Mirimax ainsi que du court métrage Melinda’s Wish, avec BJ Novak, Amy Okuda et Bobby Moynihan. Il a également composé la musique de la série Hulu SLIP, avec Zoe Lister Jones. Il a également composé toutes les musiques originales des populaires balados Front Burner et Pop Chat de la CBC. Sa musique originale a également été diffusée dans le documentaire Netflix The Andy Warhol Diaries.

Joseph Shabason is a multi-instrumentalist, composer, producer and recording artist_. After graduating as a saxophone major from the University of Toronto Jazz Performance program in 2006 he went on to play and tour in the bands Destroyer, The War On Drugs, Andre Ethier and DIANA. Two albums that he has recorded on (Kaputt and Poison Season) have been Short-listed for the Polaris Music Prize and the self-titled album from his own band DIANA was long-listed for the Polaris Prize. Kaputt was voted the No. 2 album of the year by Pitchfork Media and Poison Season was nominated for a JUNO Award in 2015.
Alongside touring and playing in original projects Joseph composes for film, television and commercials. He has scored Yung Chang’s documentary Omega Man that aired on TSN as well as Ali Weinstein’s Your Tomorrow which was nominated for Roger’s Best Canadian Film award. Joseph has written the music for the Mirimax feature Silent Retreat as well as the short Melinda’s Wish starring BJ Novak, Amy Okuda and Bobby Moynihan. He also composed the music for the Hulu series SLIP staring Zoe Lister Jones. He also composed all the original music on the popular CBC podcasts Front Burner and Pop Chat. His original music was also featured in the Netflix Documentary The Andy Warhol Diaries.

Little Mazarn

En constante évolution, Little Mazarn a vu le jour en 2015 en tant que duo banjo et scie musicale formé par Lindsey et Jeff, tous deux originaires de Dallas. On peut croiser le groupe partout où se rencontrent légendes et nouvelles générations, que ce soit lors de concerts secrets dans des salons, sur les scènes de l’indie local ou encore au Wizard Rodeo, un festival annuel que Lindsey contribue à organiser. Le groupe se situe à la croisée des chemins de la musique marginale texane : au violoncelle, Lindsey a enregistré sur les albums récompensés aux Grammy Awards de Patty Griffin, Patty Griffin et Servant of Love, ainsi qu’avec le groupe Dana Falconberry pendant sept ans. Après une longue carrière d’accompagnatrice, elle n’écrira sa première chanson qu’à 34 ans. Jeff, pour sa part, a joué dans le groupe de Bill Callahan, ainsi qu’avec Li’l Cap’n Travis et Orange Mothers. Carolina, connue pour son prolifique projet solo hemlock, apporte ses propres racines issues du pays cajun de Louisiane.

Ever evolving, Little Mazarn began in 2015 as the banjo-and-saw duo of Lindsey and Jeff, who were both raised in Dallas. You can find the group playing anywhere legends and youngsters may rub elbows, from secret house shows to indie scene stages to Wizard Rodeo, an annual music festival Lindsey helps run. The band’s crossroads branch across prominent Texas outsider music: On cello, Lindsey has recorded on Patty Griffin’s Grammy-winning albums, Patty Griffin and Servant of Love, as well as with the band Dana Falconberry for seven years. The longtime side player wouldn’t write her first song until age 34. Jeff has played in Bill Callahan’s band, as well as with Li’l Cap’n Travis and Orange Mothers. Carolina, known for prolific solo project hemlock, enfolds their own background from Louisiana Cajun country.

Eliza Niemi

Je joue du violoncelle et de la basse et j’interprète des chansons parfois qualifiées de « tranches de vie » et de « longues ». Je joue en live avec guitare, batterie, claviers et chœurs. Pour les fans de : Arthur Russell, The Roches, Jenny Hval, Yo La Tengo, Cate Le Bon, Purple Mountains, Devon Sproule, Cassandra Jenkins.

I play cello and bass and sing songs that have been described as “slice of life” and “oblong.” I play live with guitar, drums, keys and backing vocals. For fans of: Arthur Russell, The Roches, Jenny Hval, Yo La Tengo, Cate Le Bon, Purple Mountains, Devon Sproule, Cassandra Jenkins.

pure pulp

pure pulp est le projet solo de Sam Sarty, explorant des paysages sonores texturés issus de paysages et de sons trouvés, des boucles de mémos vocaux, des claviers, une basse, une guitare, des voix et des boîtes à rythmes Casio récupérés. Inspirée par Yo La Tengo, The Books, Broadcast et le mouvement primitif américain de John Fahey, elle expérimente également l’intégration d’arrangements de guitare minimalistes avec des voix assorties. Projectionniste à Winnipeg, au Manitoba, depuis plus de dix ans, Sarty a créé pure pulp pour accompagner des images de la vie dans les prairies. Le projet est né de musiques de films et de moments d’ambiance, une tentative de rendre l’image accessible à l’oreille. pure pulp a composé la musique de plusieurs films, notamment celle du court métrage « Don’t Let the Sun Catch You Crying » (2024) produit par l’Office national du film du Canada et celle de « Fort Garry Hotel » (2025) de Ryan Steel. pure pulp a une touche d’improvisation en live, assurant la première partie du compositeur avant-gardiste William Basiniski en 2024 ; leurs chansons intégraient un arrangement live de casios superposés, de trombone et de boucles vocales. Sarty joue également dans ses groupes Living Hour et Veneer. Son premier EP, « arch above your head », sortira à l’automne 2025. « Je t’ai entendu dire une phrase, mais tu l’as dite en direction de la circulation plutôt qu’en direction de moi. »

pure pulp is Sam Sarty’s solo project, exploring textural soundscapes from landscapes and found sounds, looping voice memos, thrifted keyboards, bass, guitar, vocals and casio drum machines. Inspired by Yo La Tengo, The Books, Broadcast and John Fahey’s american primitive movement, she also experiments with incorporating minimal guitar arrangements with matching vocals. Working as a projectionist in Winnipeg, Manitoba for over 10 years, Sarty created pure pulp to accompany images of prairie life. The project was dreamed from film scores and ambient moments in movies, an effort to bring visuals to ears. pure pulp’s music has scored various films including scoring a National Film Board produced short “Don’t Let the Sun Catch You Crying” (2024) and Ryan Steel’s “Fort Garry Hotel” (2025). pure pulp has an improvised edge when performing live, opening for avant-garde composer William Basiniski in 2024; their songs incorporated a live arrangement of overlapping casios, trombone and vocal looping. Sarty also plays music in her bands Living Hour and Veneer. She has her debut EP “arch above your head” coming out in Fall of 2025. “i heard you say a sentence, but you said it towards traffic instead of me”.

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Alt-Pop / Americana / rock n’ roll

POP Montréal : Kasador + The Codas + Liya Bombardier + Forty Seven Teeth à L’Hémisphère Gauche

by Rédaction PAN M 360

Kasador

Le groupe Kasador de Kingston, en Ontario, n’a jamais eu peur du changement. Et les trois amis au cœur de Kasador – Cameron Wyatt (chant/guitare), Boris Baker (basse) et Stephen Adubofuor (batterie) – en ont vécu beaucoup. Ils ont tissé des années de tumulte en quelque chose de puissant et de réel : un groupe de rock and roll soudé, sincère et bienveillant, en plein sprint. Le son de leur disque de guitare-rock brillant, punk et émotif retrace en fin de compte le processus d’apprentissage de l’acceptation de l’absence d’acceptation.

Kingston, Ontario band Kasador have never been scared of change. And the three friends at Kasador’s core—Cameron Wyatt (vocals/guitar), Boris Baker (bass), and Stephen Adubofuor (drums)—have been through a lot of it. They’ve woven years of tumult into something powerful and real: a tight-knit, sincere, caring rock and roll band hitting full sprint. Their bright, punkish, emotional guitar-rock record sound ultimately tracks the process of learning to be okay with not being okay.

The Codas

The Codas se fait rapidement un nom en tant que « groupe incontournable de Kingston, en Ontario ». Depuis ses débuts en 2019, le groupe s’est taillé une place unique sur la scène indie canadienne. Combinant de riches harmonies à trois voix, des instruments luxuriants et un lyrisme captivant, The Codas a une façon de rendre n’importe quelle pièce intime – attirant le public dans leur monde avec des chansons qui se sentent à la fois profondément personnelles et largement racontables.
Leur musique navigue sans effort entre le folk alternatif, le rock et l’Americana cinématographique. Ancrés dans une honnêteté émotionnelle brute, les Codas livrent des performances vulnérables, magnétiques et inoubliables.

The Codas are rapidly making a name for themselves as “the must-see band out of Kingston, Ontario.” Since their debut in 2019, the band has been carving out a unique space in the Canadian indie scene. Combining rich 3-part harmonies, lush instrumentals and captivating lyricism, The Codas have a way of making any room feel intimate—pulling audiences into their world with songs that feel both deeply personal and widely relatable.
Their music flows effortlessly between alternative folk, rock and cinematic Americana. Anchored by raw emotional honesty, The Codas deliver performances that are vulnerable, magnetic and unforgettable.

Liya Bombardier

Liya Bombardier est une auteure-compositrice-interprète qui mélange sensibilité et force à travers ses chansons. Originaire de Montréal, elle s’inspire de ses expériences personnelles pour créer une musique pop alternative sincère et authentique. Avec des mélodies captivantes et des paroles qui touchent en plein cœur, Liya explore les hauts et les bas de l’amour, les doutes, et la quête de soi. Son univers, teinté de vulnérabilité et d’intensité, invite chacun à se reconnaître et à se laisser emporter par ses histoires.

Liya Bombardier is a singer-songwriter who blends sensitivity and strength through her music. Originally from Montreal, she draws inspiration from her personal experiences to create sincere and authentic alternative pop. With captivating melodies and lyrics that strike straight to the heart, Liya explores the highs and lows of love, doubts, and the search for self. Her world, infused with both vulnerability and intensity, invites everyone to recognize themselves and be carried away by her stories.

Forty Seven Teeth

Forty Seven Teeth vient d’une petite ville endormie sur les rives du lac Ontario. À part devenir gardien de prison ou abandonner l’université, il n’y a pas grand-chose à faire dans cette ville. Animés par la ferveur d’écrire des chansons mémorables avec un cran passionné, Forty Seven Teeth ont un objectif pour lequel ils n’ont pas peur de travailler dur : ils veulent que leur musique soit dans les oreilles et sur les lèvres du plus grand nombre de personnes possible.

Forty Seven Teeth are from a sleepy little city on the shores of Lake Ontario. Aside from becoming a prison guard or a university dropout, there’s really not that much to do there. Fueled by a fervor for writing memorable songs with impassioned grit, Forty Seven Teeth have a goal that they aren’t afraid to work hard for: they want their music to be in the ears and on the lips of as many people as possible.

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Art Pop / Neo-soul / pop progressive

POP Montréal : Sarah Rossy – Lancement de LUCID avec Christian Sean & Naïka Champaigne au Ministère

by Rédaction PAN M 360

Sarah Rossy

Sarah Rossy vous invite à explorer un monde sonore éthéré où se rencontrent art pop, folk et textures électroniques. Mêlant des chansons énigmatiques à des passages improvisés d’espoir et de guérison, ce spectacle spécial marque le lancement de son premier album, LUCID, et met en scène une vaste palette d’artistes invités.

Sarah Rossy invites you into an ethereal sound world where art pop, folk, and electronic textures meet. Blending enigmatic songs with improvised passages of hope and healing, this special performance marks the launch of Sarah’s debut album, LUCID, and features an expansive lineup of guest artists.

Christian Sean

Christian Sean croit au pouvoir transformateur de la musique. Après avoir passé ces dernières années à peaufiner son art, il révèle maintenant les fruits de sa créativité avec Hallelujah Showers, son premier album paru en janvier 2025 chez Bonsound. Hallelujah Showers mêle des aventures électroniques audacieuses à des superpositions vocales éthérées, offrant une pop progressive qui trouve l’équilibre parfait entre mélodies irrésistibles et expérimentation ambitieuse. Des collages d’échantillons aux éclats hyperkinétiques, en passant par des chants spirituels solennels et des refrains hypnotiques, les sept morceaux autoproduits qui composent l’album sont aussi éclectiques que cohésifs, immersifs et mélodiques.

Christian Sean is a believer in the transformative power of pop music. Having spent the last few years honing his craft, he is now ready to reveal the fruits of his creativity with Hallelujah Showers, his debut album released in January 2025 via Bonsound. Hallelujah Showers blends brash electronic ventures with ethereal vocal layering, resulting in a progressive pop sound that strikes the perfect balance between irresistible melodies and ambitious experimentation. From bass-heavy sample collages to hyperkinetic freak-outs, solemn spirituals and hypnotic hooks, its seven self-produced tracks are as eclectic as they are cohesive, immersive and melodic.

Naïka Champaïgne

Naïka Champaïgne a débuté son parcours musical en fréquentant l’école secondaire musicale Joseph-François Perrault à Montréal, où elle a reçu une formation classique en clarinette et saxophone. Sa passion pour la musique s’est intensifiée lorsqu’elle a commencé à composer des chansons originales entre les murs de cette école. Peu après, elle a formé un groupe nommé Strange Froots avec sa coéquipière Mags, où elles créent une musique soul alternative et chill.
Son univers sonore s’étend au rock, au folk, au néo-soul, au jazz, au blues, au R&B et au hip-hop, avec des récits et des images qui l’ont menée à son premier album solo, « Painted Imageries ». La musique a toujours été pour elle un moyen de partager, d’apprendre, de vivre et d’exister pleinement. Son deuxième album solo ”Purple N Blue” sort plus tard cette année.

Naïka Champaïgne began her musical journey by attending the Joseph-François Perrault musical high school in Montreal, where she received classical training in clarinet and saxophone. Her passion for music intensified when she began composing original songs within the walls of this school. Soon after, she formed a band called Strange Froots with her bandmate Mags, where they create chill, alternative soul music.
Her sonic universe spans rock, folk, neo-soul, jazz, blues, R&B and hip-hop, with stories and images that led to her first solo album, “Painted Imageries”. Music has always been a way for her to share, learn, live and exist fully. Her second solo album ”Purple N Blue” is going to be released later this year.

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Alternative / Post-Rock / Prog Rock

Steven Wilson au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Connu pour son éthique de travail intense, Steven Wilson est l’un des artistes les plus acclamés et prolifiques du Royaume-Uni. Auteur-compositeur, multi-instrumentiste et leader de groupe, Wilson est passé progressivement du statut de musicien culte avec Porcupine Tree, Bass Communion, No-Man et Blackfield à une reconnaissance plus large en tant qu’artiste solo à succès au XXIe siècle. Ses albums Grace for Drowning (2011), The Raven That Refused to Sing and Other Stories (2013) et Hand.Cannot.Erase. (2015), un album conceptuel mêlant rock progressif et pop, ont tous marqué son ascension. Il a poursuivi avec 4½, un mini-album de six titres, avant de sortir en 2017 To the Bone, qui reflète son amour pour la pop progressive. Il a continué cette exploration en fusionnant divers genres pop sur The Future Bites en 2021, suivi d’un album enregistré en isolement, The Harmony Codex, en 2023.

Known for an intense work ethic, Steven Wilson is among the U.K.’s most acclaimed and prolific artists. As a songwriter, multi-instrumentalist, and bandleader, Wilson made a gradual transition from cult status with Porcupine Tree, Bass Communion, No-Man, and Blackfield to mainstream success as a charting solo artist in the 21st century with 2011’s Grace for Drowning, 2013’s The Raven That Refused to Sing and Other Stories, and 2015’s Top 40 prog-pop concept album Hand.Cannot.Erase. He followed with a 4½, a six-track mini album, and in 2017 released To the Bone, a collection that reflected his love of progressive pop. He continued that exploration with a meld of varying pop genres on 2021’s The Future Bites, following with an album recorded in isolation, 2023’s The Harmony Codex.

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Avant-Garde / expérimental / contemporain / musique contemporaine

Shared listening room with Quasar – saxophone quartet and Trio Zukan

by Frédéric Cardin

A quartet on one side, a trio on the other. Four Montreal-based saxophones (Quasar) there, an accordion, percussion and a txistu from Basque country (Trio Zukan) on opposite. Sorry? A what? A txistu, a traditional Basque flute, played vertically like a recorder. In short, all these people gathered on Thursday evening, September 18, 2025, at the Orange Space of the Wilder in Montreal, in the Quartier des spectacles. Chambre d’écoute (Listening Room), the title of the concert but also of the first piece in the program order, offered five compositions by four composers, three of whom unified the two ensembles. If the title piece, by Chantale Laplante, was interesting, ambient-wise, it was the two works by the Quebecer Émilie Girard-Charest that most impressed your humble chronicler.

Firmly rooted in a well-educated contemporary soundscape, Girard-Charest’s music possesses a quality that too few of her equivalents claim: an attention to stimulating and captivating narrative construction. Atonal, experimental, fragmented, the young artist’s pen is nevertheless attached, at least that’s what I perceived, to the construction and expression of a story. Which one? That’s up to you, but what is certain is that music lovers are taken somewhere, and this is thanks to a generally easily understandable architecture, both for seasoned ears and for the simply curious/bold, without expertise.

In the two scores proposed by the composer, Artefaktuak and Quantum Statistical Zero-Knowledge, it was the first one that made the best impression on me. Written specifically for the Zukan trio, Artefaktuak is made up of two sections with simple and effective textural contrasts, followed by a short and lively conclusion. The first of the sections is built with pointillist sounds that are accentuated by the gestures of the artists on stage. The physical gesture leading to the sound is just as important here as the sound itself. The second part uses rubbed sounds, more sustained over time, like a bow on the vibraphone, for example. Each of the sections is deployed in a dynamic and energetic crescendo leading to its end.

Quantum Statistical Zero-Knowledge is written for the unified quartet and trio, in a tripartite structure of intense-calm-intense where the two outer movements are particularly dense, even saturated to the point of noise, while the central movement provides a desirable dose of soothing. Quantum mechanics, this scientific branch that accounts for the mechanisms existing in the infinitely small, sub-atomic levels, reveals astonishing realities, such as entanglement or the simultaneity of contrary states. If Quantum Statistical Zero-Knowledge does not offer a particularly destabilising incarnation of musical possibilities, it is nevertheless a piece that knows how to maintain the interest of listeners, even the most profane. In itself, it is already a success, especially in the field of very complex music.

The Concerto grosso by Miguel Matamoro is full of colours, just like the compositions of the same type from the Baroque era, while Jalkin by Ramon Lazkano, with quite predictable sound dots and strokes, seemed to me to be the most conformist work of the lot.

DJ set / Electronic / Progressive House

Piknic Électronik : John Digweed, Siren Mars, Monib et plus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Piknic Électronik a été fondé à Montréal en 2003 par un groupe de passionnés de musique électronique qui cherchaient à la rendre plus accessible en la diffusant au grand jour en proposant une expérience sociale immersive placée sous le signe de la convivialité. Situé dans un parc urbain à 10 minutes du centre-ville de Montréal, il rassemble des milliers d’amateurs de musique électronique tous les dimanches de l’été, de mai à septembre. Avec sa programmation variée, Piknic Électronik Montréal s’est imposé depuis plus de 15 ans comme un événement phare du circuit culturel estival montréalais.
Devenu un événement estival culturel et festif majeur à Montréal, Piknic Électronik s’exporte partout sur la planète. En 2012, un premier Piknic Électronik a vu le jour à Barcelone, puis se sont ajoutées les villes de Melbourne et Dubaï en 2014, Santiago en 2015 et 2019 verra la première édition de Paris prendre son envol. Sa formule innovante et populaire de Piknic Électronik en a fait une source de fierté locale pour chaque ville où elle s’est établie et a grandi. Le concept Piknic s’exporte au-delà des frontières de la métropole. D’autres villes à l’international sont pressenties pour se joindre prochainement à l’aventure. À suivre!

Piknic Électronik Montreal is an outdoor electronic music event aiming to offer immersive, social experiences in a friendly environment. Located in an urban park just 10 minutes from downtown Montréal, he brings together thousands of electronic music enthusiasts every Sunday from May to September. Piknic Électronik Montreal diverse programing has made it a highlight of the Montreal summer cultural circuit for over 15 years.
The Piknic concept has expanded beyond Montréal’s borders. In 2012, the first Piknic Électronik kicked off in Barcelona, followed by Melbourne and Dubai in 2014 and Santiago Chile in 2015 and Paris in 2019. More international cities are coming soon, so stay tuned!

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classique / Jewish Traditional / Singer-Songwriter

The Yiddish soul of Montreal at Centre des musiciens du monde

by Frédéric Cardin

The Centre des musiciens du monde launched its new season of Intimate Concerts last night. An extended season, with more concerts and discoveries in store. If last night’s concert is any indication, it will be a rich year. Melodically, some of the most beautiful songs I’ve heard in years were performed at the Tur Malka (King’s Mountain) – New Yiddish Songs from Canada concert. Several of them were brand new, never performed on stage before. If there are indeed a few details to fine-tune and a stage performance to coordinate, the touching beauty of the material offered by the ensemble is a guarantee of assured success in the hearts of those who will listen to them.

The quartet is made up of Henri Oppenheim on piano, guitar, percussion, compositions and arrangements, Mael Oudin on double bass and arrangements, Elvira Misbakhova on viola and Sheila Hannigan on cello. Oppenheim is the originator of the project, a Frenchman of Jewish origin who has lived in Montreal for almost 30 years. The songs in Yiddish, the language of the Jews of Eastern Europe, draw on the ultra-poignant, even emotionally powerful, melodic style of the Eastern European tradition, which was heavily decimated by Nazi Germany, but fortunately still alive in Montreal, one of the world’s main bastions of this culture. Oppenheim draws his texts from Yiddish poetry, including that of several Montreal artists such as Chava Rosenfarb or Jacob-Isaac Segal.

The arrangements, full of tenderness and melancholy, are carried out with great care by the outstanding performers Sheila Hannigan, a regular in all kinds of music, and Elvira Misbakhova, an excellent violist with the Metropolitan Orchestra, in addition to having played very often in klezmer ensembles in the metropolis. Mael Oudin on the double bass is more discreet, but his presence is nonetheless essential. Oppenheim leads the transitions in a sober manner, and with a discreet touch of humour.

Ultimately, it was an extremely touching moment of human communion, steeped in the cultural richness of Jewish Montreal, without which the soul of the metropolis would not be what it is today.

DETAILS AND TICKETS FOR THE INTIMATE CONCERTS SERIES

Next concerts of the series:

December 17, 2025 – Didem Basar, kanun – Under the Moon of Topkapi
January 23, 2026 – Ori Shalva, choir – Echoes of Sakartvelo, Georgian polyphonies
February 11, 2026 – Guillaume Martineau, piano and Gabriel Paquin-Buki, clarinet – A Night in the Garden of Eden
March 18, 2026 – Sadaf Amiri, santour – The sparkle of inner strings
April 15, 2026 – Persian-Inca Duo – Federico Tarazona (charango) and Showan Tavakol (kamancheh) – The Valley of Dreams

Garage Rock / Punk Rock / R&B

POP Montréal : Les Shirley + HAWA B + Jesuslesfilles + invités au Piccolo Rialto

by Rédaction PAN M 360

Les Shirley

Les Shirley est un power trio féminin de punk rock éclatant formé à Montréal en 2019. Raphaëlle Chouinard (voix, guitare), Lisandre Bourdages (batterie) et Sarah Dion (basse) ont été animées d’un désir commun de créer la musique qu’elles avaient toujours voulu entendre en trame sonore de leur adulescence. Leur style musical redéfinit le genre en connectant le grunge des 90’s, la culture punk rock des années 2000 et les mélodies pop entraînantes avec des influences qui vont de Paramore à Céline Dion. Un doux mélange entre nostalgie rassurante et nouveauté exaltante qui accroche l’oreille. Les filles sont des musiciennes chevronnées avec un don pour les mélodies électrisantes et les riffs déchaînés.

Les Shirley is a kick-ass all-female rock power trio formed in Montreal in 2019. Raphaëlle Chouinard (vocals, guitar), Lisandre Bourdages (drums) and Sarah Dion (bass) were brought together by a strong desire to make the music they’d always wanted to hear as their life’s playlist, fueled by their unique friendship. Their musical style is redefining the genre connecting the dots between 90’s grunge, 2000’s punk rock culture and catchy pop tunes with influences ranging from Paramore to Céline Dion. It’s just the right dose of nostalgia mixed with a breath of fresh air, something that definitely stands out. The girls are solid musicians with a flair for flaming hot melodies and bursting riffs.

HAWA B

HAWA B questionne les limites de la création par sa musique iconoclaste aux textures plurielles, où le soul et le jazz côtoient le rock alternatif, qui demeure sa source d’inspiration principale. Il en résulte des pièces envoûtantes aux sonorités denses. Au travers de ses deux premiers EP, Sad in a Good Way (2022) et sadder but better (avril 2024), HAWA B tend la main à la tristesse et en embrasse les déclinaisons les plus contrastées. Son écriture est franche, tranchante, et en dialogue avec l’autre ou elle-même : l’oreille sensible saura y trouver un remède. C’est à travers sa réappropriation de genres musicaux alternatifs qu’HAWA B cahute ce qui est imposé aux femmes et aux artistes de couleur. Sur scène, HAWA B hypnotise par la profondeur de sa voix – évoquant les accents magiques des chants de sirènes. Polymorphe, elle multiplie les formules : de duo à sextet, offrant à tout coup une performance unique et insaisissable. HAWA B sort son premier album – better sad than sorry – coréalisé avec Félix Petit (Les Louanges, Safia Nolin, Hubert Lenoir, FELP) en novembre 2024 sous l’étiquette Duprince.

HAWA B challenges the limits of creation with her iconoclastic music of plural textures, where soul and jazz meet alternative rock, which remains her main source of inspiration. The result is a mesmerizing and dense-sounding compilation. Through her first two EPs, Sad in a Good Way (2022) and sadder but better (April 2024), HAWA B reaches out to sadness and embraces its most contrasting variations. Her writing is honest, sharp and in dialogue with others and herself: the sensitive ear will be able to find a remedy in it. It’s through her reappropriation of alternative musical genres that HAWA B shatters what is imposed on women and artists of color. On stage, HAWA B hypnotizes with the depth of her voice – evoking the magical accents of siren songs. Polymorphic, she multiplies formulas: from duo to sextet, offering a unique performance every time. HAWA B will release her debut album – better sad than sorry – co-produced with Félix Petit (Les Louanges, Safia Nolin, Hubert Lenoir, FELP) in November 2024 on Duprince Records.

Jesuslesfilles

Ça a commencé en 2008, dans un sous-sol de soirées qui finissaient trop peu dans Hochelaga. Pis si c’est plus ça désormais, c’est important que ça l’ait été. C’est une affaire de contingence, de résilience peut-être, d’attribution d’une partie de la vie de chacun. Ça fait 10 ans. Y a ben des affaires qui ont changé. Y a encore une fille pis quatre garçons, sauf que c’est pas toutes et tous les mêmes. Les nuits finissent mieux, rapport qu’elles finissent. Pis y a de quoi, un confluent d’acharnement, de passion, et de condamnation, peut-être aussi, qui fait que, à travers les éviers bouchés et l’accomplissement DIY, c’est toujours après se passer.
Le groupe a fait paraître trois albums et un EP, d’un rock affleurant du garage pour s’affilier des mélodies 90s, succinct mais pas garroché, réfléchi mais urgent, réfléchi dans l’urgence. Un exercice de tensions et d’essences qui s’est développé à travers Une belle table (Indépendant, 2010), un split EP avec The Peelies (Planet Of The Tapes, 2011), “Le grain d’or” (Indépendant / Sainte Cécile, 2014 – primé au GAMIQ 2014 comme Album rock de l’année) puis, on est rendu là, Daniel (Blow The Fuse, 2018) – tout ça pas mal tout le temps appuyé par le bon Jean-Michel Coutu (PyPy, I.D.A.L.G., Corridor, Crabe) à la réalisation et au mixage. Les scènes écumées, elles, vont de Osheaga au CMJ Music Marathon et à Iceland Airwaves.

It started in 2008, in a basement party venue that ended too rarely in Hochelaga. And if it’s not like that anymore, it’s important that it was. It’s a matter of contingency, of resilience perhaps, of attribution of a part of each person’s life. It’s been 10 years. A lot of things have changed. There’s still a girl and four boys, except they’re not all the same. The nights end better, because they end. And there’s reason for that, a confluence of relentlessness, passion, and condemnation, perhaps too, which means that, through clogged sinks and DIY accomplishments, things always happen.
The band has released three albums and an EP, with a rock approaching garage to affiliate with 90s melodies, succinct but not garroché, thoughtful but urgent, thoughtful in urgency. An exercise in tensions and essences that developed through Une belle table (Independent, 2010), a split EP with The Peelies (Planet Of The Tapes, 2011), “Le grain d’or” (Independent / Sainte Cécile, 2014 – awarded at GAMIQ 2014 as Rock Album of the Year) and then, here we are, Daniel (Blow The Fuse, 2018) – all this pretty good all the time supported by the good Jean-Michel Coutu (PyPy, I.D.A.L.G., Corridor, Crabe) on production and mixing. The stages covered range from Osheaga to CMJ Music Marathon and Iceland Airwaves.

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