Black Rebel Motorcycle Club au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

La graine qui allait donner naissance à Black Rebel Motorcycle Club (BRMC en abrégé) a été plantée en 1995, lorsque Robert Levon Been (alias Robert Turner) et Peter Hayes se sont rencontrés alors qu’ils fréquentaient le lycée à San Francisco. Les deux ont formé une solide amitié et une camaraderie fondée sur une passion commune pour des groupes britanniques des années 90 tels que Ride, les Stone Roses, The Jesus and Mary Chain et My Bloody Valentine. Malgré ces goûts similaires, chacun a rejoint des groupes différents — Hayes a notamment joué dans Brian Jonestown Massacre autour de l’album Give It Back! — et ils ont travaillé séparément pendant plusieurs années, bien qu’ils se soient parfois tenus au courant en assistant aux concerts de l’un et l’autre. En 1998, cependant, Turner et Hayes se sont retrouvés et ont ajouté le batteur britannique Nick Jago au groupe. Le groupe a commencé à jouer en live en novembre 1998 sous le nom d’Elements, un nom qu’ils ont rapidement abandonné en découvrant qu’il était déjà utilisé par plusieurs autres groupes. Ils ont ensuite emprunté leur nouveau nom à la bande de motards dirigée par Marlon Brando dans The Wild One.

The seed that became Black Rebel Motorcycle Club — or BRMC for short — was planted in 1995, when Robert Levon Been (aka Robert Turner) and Peter Hayes met while attending high school in San Francisco. The two formed a solid friendship and a shared camaraderie based on a mutual love of early-’90s U.K. bands like Ride, the Stone Roses, the Jesus and Mary Chain, and My Bloody Valentine. Despite such similar tastes, both joined different bands — Hayes spent time in the Brian Jonestown Massacre circa Give It Back! — and worked apart for several years, although they occasionally kept in touch by attending each other’s gigs. In 1998, however, Turner and Hayes regrouped and added British drummer Nick Jago to the fold. The band began performing live in November 1998 as the Elements, a name they quickly ditched after discovering many other bands that shared the same title. They purloined their new moniker from the Marlon Brando-led biker gang that stormed into that dusty California hamlet in The Wild One.

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Alt-Pop / cloud rap / Trap

2hollis au MTelus

by Rédaction PAN M 360

2hollis est le pseudonyme énigmatique et fantasque de Hollis Frazier-Herndon, un chanteur et rappeur à l’imaginaire débridé dont les productions auto-réalisées fusionnent rage rap et hyperpop. Souvent comparé à Playboi Carti – l’une de ses influences déclarées – mais aussi à Justin Bieber, Frazier-Herndon a sorti plusieurs projets marquants, tous en autoproduction : White Tiger (2022), 2 (2023) et boy (2024).
Des placements dans des jeux vidéo ainsi qu’une tournée étendue à travers les États-Unis, l’Europe et l’Asie – incluant une première partie pour Ken Carson – ont permis à cet artiste originaire de Los Angeles de faire grandir son public bien au-delà des réseaux sociaux.

2hollis is the enigmatic and fantastical persona of Hollis Frazier-Herndon, a wildly imaginative singer and rapper whose self-produced output crosses rage rap with hyperpop. Likened to artists ranging from definite inspiration Playboi Carti to Justin Bieber, Frazier-Herndon’s projects include White Tiger (2022), 2 (2023), and boy (2024), all of which have been self-issued.
Video game placements and extensive touring across the U.S., Europe, and Asia — including a stint opening for Ken Carson — have helped expand the Los Angeles native’s audience beyond social media.

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expérimental / contemporain / Piano

Le Vivier : Joseph Houston — Quietly Rising à l’espace Ste-Hilda

by Rédaction PAN M 360

S’ouvrant sur le doux et lumineux Quietly Rising de Bryn Harrison, ce programme explore les profondeurs de résonance du piano. Tout au long du concert, l’instrument se transforme : l’électronique vient le doubler et le prolonger grâce à des ondes sinusoïdales et à des sons préenregistrés. Ces ajouts mettent en valeur certains aspects du piano tout en en révélant d’autres, plus cachés. La répétition, tour à tour méditative et exploratoire, est le fil conducteur de ces œuvres, qui se déploient progressivement jusqu’à l’aboutissement du programme, Philip the Wanderer de Cassandra Miller, une pièce portée par une énergie extatique.

Opening with Bryn Harrison’s soft and luminous Quietly Rising, this program explores the edges and depths of the piano’s resonance, uncovering hidden and hushed corners of sound and beauty in various guises. The use of electronics, including a blended doubling of the piano, sine waves, and other prerecorded electronics, illuminates both existing aspects of the instrument, as well as revealing dimensions previously obscured or unrealised. Repetition forms a central idea through which each of the works unfold, the program reaching its conclusion with the ecstatic energy of Cassandra Miller’s Philip the Wanderer. Consisting of a collection of repeated hushed phrases — each slower than the last — Bryn Harrison’s Quietly Rising is a restrained albeit spatially expansive release of the piano’s sonority. By meticulous use of the sustain pedal, a shimmering, gently sifting harmonic field is created of which a distinct aspect is revealed in each successive iteration. The second piece, Duo, sees the seamless melding of identical material presented by the acoustic piano and its pre-recorded acousmatic double. Eschewing any means of coordination however, these two lines necessarily diverge, constantly entering into and out of focus. Silence and vertical chords interrupt the landscape until finally a restless, but ultimately static, cloud of gradually shifting, nearly inaudible pitches takes over, drawing the ear into a flickering void. In her piece Constellations I-III, composer Chiyoko Szlavnics combines the piano with sine waves to create a delicate and fragile soundscape. Variously perceived as a single expanded instrument, or as distinct entities, Szlavnics painstakingly traces a beautiful and otherworldly sonorous architecture. The first half of the programme concludes with Linda Catlin Smith’s The Underfolding: a work whose multi-layered harmonies and colours establish a meditative and deeply textured landscape. The composer writes: “I wanted to find a way to condense the texture of my compositional world. Since the piano can sustain, there is an inherent possibility for the layering of sounds, like the undertones in painting, where many colours can be layered to create an overall hue or atmosphere….There is a sense of hidden or implied melody everywhere, clothed in the surrounding pitches and shades, though there is a line, a deep melody, that is unadorned.” Ágnes Wrote, by Max Murray, is a vertiginous exploration of the deep resonances of the piano. The sounds of prerecorded bass drums, piano resonance and sine waves envelop the acoustic instrument, slowly revealing a formal architecture at once tectonically vast, and intensely intimate, often held at the the threshold of the audible. The last piece in the programme, Cassandra Miller’s Philip the Wanderer, is a three-movement work based on transcriptions of Mandowa II, played by the Mozambican musician Zhukake Masingi. The piece begins in the lowest octave of the piano before a distant melody gradually moves to the sonorous fore. The second movement’s descending scales are interrupted by the increasingly ecstatic chords before the feverishly joyous world of the third movement drifts away into the piano’s upper octaves.

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expérimental / contemporain / Free Improvisation / saxophone

Festival Flux : Camila Nebbia / Pablo Jiménez / Antoine Létourneau-Berger+ Eduardo Cossio + Jen Yakamovich/Roxanne Nesbitt à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

Camila Nebbia

Camila Nebbia (saxophone ténor), originaire de Buenos Aires et installée à Berlin, est saxophoniste, compositrice, improvisatrice, artiste visuelle et commissaire d’exposition. Décrite par le magazine Jazz PT comme « une saxophoniste essentielle de notre époque ». L’artiste pluridisciplinaire fonde sa pratique sur la création et la destruction de la mémoire archivistique, explorant les concepts d’identité, de migration et de mémoire à travers son travail. Son dernier album solo – « una ofrenda a la ausencia » (une offrande à l’absence) sur Relative Pitch Records – a été décrit par le NYC Jazz Record comme un « album intrinsèquement humain et personnel, qui surprend les auditeurs par son approche passionnée du jazz ».

Camila Nebbia (tenor saxophone) from Buenos Aires, based in Berlin, is a saxophone player, composer, improviser, visual artist and curator. Described by Jazz PT magazine as “an essential saxophonist of our time”. The multidisciplinary artist layers her practice through the creation and destruction of archival memory, exploring the concepts of identity, migration, and memory. Her work includes improvised and composed music, film creation, and audiovisual performances, forming a constellation of interconnected practices. Her most recent solo album –’una ofrenda a la ausencia’ (an offering to absence) with Relative Pitch Records– was described by the NYC Jazz Record as an ‘innately human and personal album, surprising listeners with a passionate approach to jazz’.

Pablo Jiménez

Pablo Jiménez est contrebassiste et compositeur né à Bogota et établi à Montréal. Utilisant l’improvisation comme moteur créatif profond, son travail cherche à établir un langage musical rigoureux basé sur le mouvement. Il collabore souvent avec des ensembles et des musiciens de la scène des musiques actuelles et contemporaines au Québec et au Canada, dont l’Ensemble SuperMusique, Malcolm Goldstein, Lori Freedman et Scott Thomson. Il s’est produit et a participé à des festivals tels que le Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, Suoni per il Popolo, et les Darmstädter Ferienkurse, où il a étudié avec Anthony Braxton et interprété sa musique.

Pablo Jiménez is a double bassist and composer born in Bogota and based in Montreal. Using improvisation as a profound creative force, his work seeks to establish a rigorous musical language based on movement. He often collaborates with ensembles and musicians from the contemporary music scene in Quebec and Canada, including Ensemble SuperMusique, Malcolm Goldstein, Lori Freedman, and Scott Thomson. He has performed and participated in festivals such as the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, Suoni per il Popolo, and the Darmstädter Ferienkurse, where he studied with Anthony Braxton and performed his music.

Antoine Létourneau-Berger

Antoine Létourneau-Berger (percussion) est un compositeur multi-instrumentiste originaire du Bas-Saint-Laurent. Percussionniste classique de formation, il poursuit ses études en composition de musique de film et développe un intérêt marqué pour la production sonore. Il porte selon l’occasion les chapeaux de réalisateur d’album, compositeur, concepteur et mixeur sonore autant que celui de musicien professionnel et improvisateur. Antoine est un touche à tout qui est aussi à l’aise avec les musiques expérimentales d’avant-garde que la chanson folk, le rock, le jazz ou encore les musiques électroniques. Il fait notamment partie des formations Talfast, Equse, Bascaille, Manta et GGRIL, en plus d’avoir produit 6 albums solo sous le nom de L’Oeil et le Monocle. De retour à Rimouski depuis 2014, il compose régulièrement pour le théâtre, le cinéma, la télévision, le cirque et la radio.

Antoine Létourneau-Berger (percussion) is a multi-instrumentalist composer from the Bas-Saint-Laurent region. Trained as a classical percussionist, he continued his studies in film music composition and developed a keen interest in sound production. Depending on the occasion, he wears the hats of album producer, composer, sound designer, and mixer, as well as professional musician and improviser. Antoine is a jack of all trades who is equally comfortable with avant-garde experimental music, folk, rock, jazz, and electronic music. He is a member of the bands Talfast, Equse, Bascaille, Manta, and GGRIL, and has produced six solo albums under the name L’Oeil et le Monocle. Back in Rimouski since 2014, he regularly composes for theater, film, television, circus, and radio.

Eduardo Cossio

Eduardo Cossio (cithares préparées et électronique) est un musicien et artiste visuel péruvien-australien basé à Boorloo (Perth, Australie occidentale). Sa musique s’inspire de la composition électroacoustique et expérimentale, et il se produit généralement avec des cithares, des harmonicas et des instruments électroniques. Eduardo s’est produit dans toute l’Australie, en Europe et à Taïwan. Il a collaboré étroitement avec Annette Krebs, Axel Dörner, Sabine Vogel, Alice Hui Shen Chang et Jim Denley. Il est également un organisateur prolifique, animateur de radio et écrivain. Son travail en art visuel a fait l’objet de trois expositions individuelles.

Eduardo Cossio (prepared zithers and electronics) is a Peruvian-Australian musician and visual artist based in Boorloo (Perth, Western Australia). His music draws from electro-acoustic and experimental composition, usually performing with zithers, harmonica and electronics. Eduardo has performed widely across Australia, Europe, and Taiwan. He has collaborated closely with Annette Krebs, Axel Dörner, Sabine Vogel, Alice Hui Shen Chang, and Jim Denley. He is also prolific organiser, radio broadcaster, and writer. His visual art has been the subject of three solo exhibitions.

Jen Yakamovich

Jen Yakamovich est une batteuse et improvisatrice basée à Vancouver qui travaille dans plusieurs disciplines en tant qu’interprète, compositrice, chercheuse et éducatrice. Elle considère sa relation avec la batterie, un système de sons et de parties interdépendantes, comme une exploration des relations entre son propre système interne et des réseaux socio-écologiques plus larges. Son approche de l’improvisation et de la composition spontanée trouve ses racines dans le Creative Music Workshop de Halifax, en Nouvelle-Écosse, où Yakamovich a grandi. De 2024 à 2025, Yakamovich a étudié avec la percussionniste, compositrice et preneuse de son Susie Ibarra (New York/Berlin).
Au cours de l’année écoulée, Yakamovich a travaillé avec le programme DAAD Artists-in-Berlin / bauhaus Campus Stadt Nature, Now Society’s 8east, Vancouver Coastal Jazz, Active Passive Performance Society, The Only Animal et grunt gallery. Elle a récemment contribué à des projets avec le percussionniste Adrian Avendaño (Vancouver), les artistes Roxanne Nesbitt et Ben Brown (Montréal), le guitariste Sam Wilson (Halifax), l’artiste psychédélique persan Niloo (Victoria), le groupe d’art rock Heaven For Real (Montréal), le producteur Miguel Maravilla (Vancouver), les improvisateurs Mustafa Rafiq (Edmonton) et Jairus Sharif (Calgary) pour Active Passive, et le groupe folk balkanique Fetele Din Balkani (Vancouver). Elle se produit régulièrement avec l’artiste pop expérimental Wallgrin (Vancouver) et a récemment formé le duo d’improvisation Notice Flower avec la pianiste Bahar Khazei. Elle mène également un projet folk expérimental en solo intitulé Troll Dolly.
Yakamovich souffre d’une déficience visuelle progressive appelée rétinite pigmentaire. Elle est titulaire d’une maîtrise en études environnementales de l’université Dalhousie.

Jen Yakamovich is a Vancouver-based drummer and improviser who works across disciplines as a performer, composer, researcher, and educator. She sees her relationship with the drum set—a system of interrelating sounds and parts— as an inquiry into relationships with both her own internal system and wider socioecological webs. Her approach to improvisation and spontaneous composition is rooted in the Creative Music Workshop in Halifax, NS, where Yakamovich grew up. From 2024-2025 Yakamovich studied with drummer, composer & field recordist Susie Ibarra (New York/Berlin).
Over the past year Yakamovich has worked with the DAAD Artists-in-Berlin / bauhaus Campus Stadt Nature program, Now Society’s 8east, Vancouver Coastal Jazz, Active Passive Performance Society, The Only Animal, and grunt gallery. She has recently contributed to projects with percussionist Adrian Avendaño (Vancouver), artists Roxanne Nesbitt & Ben Brown (Montréal), guitarist Sam Wilson (Halifax), Persian psych artist Niloo (Victoria), art rock group Heaven For Real (Montréal), producer Miguel Maravilla (Vancouver), improvisers Mustafa Rafiq (Edmonton) & Jairus Sharif (Calgary) for Active Passive, and Balkan folk group Fetele Din Balkani (Vancouver). She regularly performs with experimental pop artist Wallgrin (Vancouver), and recently formed the improvisation duo Notice Flower with pianist Bahar Khazei. She has a solo experimental folk project called Troll Dolly.
Yakamovich has a progressive vision impairment called retinitis pigmentosa. She holds a Master’s degree in Environmental Studies from Dalhousie University.

Roxanne Nesbitt

Roxanne Nesbitt est designer, compositrice et artiste sonore. Après des études en contrebasse classique et en architecture, Roxanne travaille entre les domaines de la musique et du design. Ses recherches explorent la conception d’instruments, le point de rencontre entre la composition et l’improvisation, la céramique sculpturale et les installations sonores participatives. Roxanne collabore avec des concepteur.ice.s d’instruments, des musicien.ne.s, des compositeur.ice.s et des chorégraphes pour créer ses œuvres.
Sa musique a été jouée à travers l’Europe et l’Amérique du Nord, notamment lors de performances au Gaudeamus Muziekweek à Utrecht, au November Music à Den Bosch, au Bauchhund à Berlin, au Western Front à Vancouver et au Center for New Music à San Francisco. Son processus de création célèbre l’intimité, la curiosité et l’exploration.

Roxanne Nesbitt is a designer, composer, and sound artist. Following formal studies in classical double bass and architecture, Roxanne works between the fields of music and design. Her research explores radical instrument design, the meeting place of composition and improvisation, sculptural ceramics and participatory sound installation. Roxanne collaborates with instrument designers, musicians, composers, and choreographers to create work.
Her music has been played across Europe and North America including performances at Gaudeamus Muziekweek in Utrecht, November Music in Den Bosch, Bauchhund in Berlin, Western Front in Vancouver, and the Center for New Music in San Francisco. She celebrates process making work that is intimate, inquisitive, and exploratory.

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expérimental / contemporain / Free Improvisation

Le Vivier : GGRIL • C-IME • Ensemble Supermusique — Des nuées de ritournelles à la Chapelle Scènes Contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Rencontre entre les improvisateurs de l’ensemble rimouskois GGRIL et de l’Ensemble Supermusique, avec les musiciennes et artistes sonores du collectif belge C-IME. L’idée de ritournelle nous vient de la saxophoniste et compositrice belge Audrey Lauro. Bien qu’elle ne soit pas du voyage cette fois, son esprit nous accompagne pour ce concert pensé et repensé, tout fait d’improvisation, de fragilité et d’écoute. Des membres du GGRIL et de C-ÎME collaborent depuis quelques années grâce à une heureuse rencontre au festival Citadelic à Gand. En 2022, suite à une résidence à Rimouski, Audrey Lauro a composé Ritournelle Reverse, une pièce pour le GGRIL. Dans un fabuleux désir de collaborer au sein d’un processus créatif partagé où habiter l’espace et la physicalité du son, trois musiciennes de l’ensemble C-ÎME (Belgique), cinq musicien·nes du GGRIL (Rimouski) et deux invitées de l’Ensemble SuperMusique (Montréal) se rejoignent sur scène le temps d’une ritournelle montréalaise.

A meeting between the improvisers of the Rimouski-based ensemble GGRIL and Ensemble SuperMusique, together with the musicians and sound artists of the Belgian collective C-IME. The idea of the ritournelle comes from Belgian saxophonist and composer Audrey Lauro. Although she won’t be traveling with them this time, her spirit accompanies this concert—conceived and reconceived—made of improvisation, fragility, and attentive listening. Members of GGRIL and C-IME have been collaborating for several years, following a serendipitous encounter at the Citadelic Festival in Ghent. In 2022, after a residency in Rimouski, Audrey Lauro composed Ritournelle Reverse, a piece for GGRIL. In a marvelous desire to collaborate within a shared creative process—one that inhabits space and the physicality of sound—three musicians from C-IME (Belgium), five musicians from GGRIL (Rimouski), and two guests from Ensemble SuperMusique (Montréal) come together on stage for a Montréal ritournelle.

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classique / post-romantique

OSM : Ainsi parlait Zarathoustra

by Rédaction PAN M 360

Brian Manker et James Box sortent des rangs de l’Orchestre pour offrir des performances époustouflantes en tant que solistes. Ce programme fascinant explore des œuvres marquées par des influences philosophiques et spirituelles où Strauss, Wagner, Bloch et Moussa nous introduisent, à leur façon, à des thématiques profondes. L’œuvre de Strauss est un poème symphonique inspiré du livre philosophique de Friedrich Nietzsche. Son introduction majestueuse utilisée dans le film 2001: l’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick est devenue mondialement célèbre. Un concert incontournable, alliant musique saisissante, réflexion captivante et maîtrise impressionnante.

Brian Manker and James Box step out of their usual roles in the orchestra to deliver breathtaking performances as soloists. The program features works shaped by philosophical and spiritual influences, as Strauss, Wagner, Bloch, and Moussa each explore profound themes in their own unique way. Strauss’ piece, a symphonic poem inspired by Friedrich Nietzsche’s philosophical work Thus Spoke Zarathustra, opens with a majestic introduction made world-famous by Stanley Kubrick’s 2001: A Space Odyssey. An unmissable concert bringing together striking music, deep reflection, and masterful artistry.

Programme

Richard Wagner, Tannhäuser : « Ouverture » (12 min)
Samy Moussa, Concerto pour trombone « Yericho » (25 min)
Ernest Bloch, Schelomo, Rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre, B. 39 (20 min)
Richard Strauss, Ainsi parlait Zarathoustra, op. 30, TrV 176 (33 min)

Program

Richard Wagner, Tannhäuser, Overture (12 min)
Samy Moussa, Concerto for Trombone (“Yericho”) (25 min)
Ernest Bloch, Schelomo: Rhapsodie Hébraïque for Violoncello and Orchestra, B. 39 (20 min)
Richard Strauss, Thus Spoke Zarathustra, Op. 30, TrV 176 (33 min)

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Brazilian / percussions

Lu Horta au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Lu Horta est une artiste brésilienne installée à Montréal, chanteuse, compositrice et spécialiste des percussions corporelles. Co-fondatrice du groupe Barbatuques, elle a collaboré à des films comme Rio 2 et Le Garçon et le Monde (nommé aux Oscars). En solo, elle signe des albums acclamés et s’engage dans des projets artistiques et pédagogiques avec la scène locale.

Lu Horta is a Brazilian artist based in Montreal — a singer, composer, and body percussionist. Co-founder of the group Barbatuques, she has contributed to films such as Rio 2 and The Boy and the World (Oscar-nominated). As a solo artist, she has released acclaimed albums and actively collaborates on artistic and educational projects with the local scene.

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classique

OSM : Schubert intensément!

by Rédaction PAN M 360

Grâce à l’ajout d’un second violoncelle dans son Quintette, Schubert redessine les frontières de la musique de chambre et donne à son œuvre une ampleur quasi orchestrale. Sommet d’expressivité, l’Adagio revêt un caractère intemporel.

By adding a second cello instead of the traditional second viola to his String  Quintet, Schubert redefined the boundaries of chamber music, giving his work an almost orchestral depth. The timeless Adagio is a pinnacle of expressiveness.

Programme

Franz Schubert, Trio pour cordes, D. 471 (12 min)
Franz Schubert, Quintette à cordes, D. 956, op. posth. 163 (55 min)

Program

Franz Schubert, String Trio, D. 471 (12 min)
Franz Schubert, String Quintet, D. 956, Op. posth. 163 (55 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

art rock / Pop-Rock / soft-rock

Chris de Burgh | 50LO à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Pour célébrer son 50e anniversaire de carrière musicale, le légendaire chanteur-compositeur irlandais Chris de Burgh sera en tournée solo canadienne en 2026. Il offrira à ses mélomanes montréalais une performance unique en solo de tous ces succès incluant ses chansons populaires, tel que Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia et naturellement son hit mondial Lady in Red qui célébra son 40e anniversaire en 2026.

To celebrate his 50th career anniversary, legendary singer/songwriter Chris de Burgh will be undertaking a Canadian solo tour in 2026. He will be offering his Montreal fans a unique solo performance of all his hits, including Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia and naturally his worldwide hit Lady in Red which is celebrating its 40th anniversary in 2026.

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Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

alt-rock / Indie / Post-Rock

Stereolab au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Avec leurs rythmes hypnotiques et leurs voix envoûtantes, Stereolab est devenu l’un des groupes les plus distinctifs et influents de l’indie lorsqu’ils ont émergé au début des années 90. Mené par Tim Gane et Laetitia Sadier, le groupe célébrait des genres musicaux – bossa nova, lounge-pop, bandes-son de films – qui étaient traditionnellement écartés de l’héritage du rock. Sur leurs premiers singles et albums comme Transient Random-Noise Bursts with Announcements (1993), Stereolab combinait des mélodies pop des années 60 avec une esthétique d’art rock empruntée aux groupes de Krautrock comme Faust et Neu! ; à l’époque de Emperor Tomato Ketchup (1996), leur son avait intégré le jazz, le hip-hop et la musique dance. Leur travail avec John McEntire et Jim O’Rourke sur Dots and Loops (1997) et Sound-Dust (2001) reflétait une approche de plus en plus complexe et expérimentale, mais après le décès de la membre Mary Hansen en 2002, ils sont finalement revenus à un style plus pop sur des albums comme Chemical Chords (2008). Le son inimitable de Stereolab a eu un impact durable : des contemporains comme Pavement et Blur ont imité leur style dans les années 90, tandis que des artistes de hip-hop tels que J Dilla et Tyler the Creator ont samplé leur musique ou collaboré avec ses membres dans les années 2000 et 2010. À la fin de cette décennie et dans les années 2020, la renaissance de Stereolab en tant que groupe en tournée et la sortie régulière de rééditions ont souligné leur réputation d’innovateurs.

With their hypnotic rhythms and mesmerizing vocals, Stereolab became one of indie’s most distinctive and influential bands when they emerged in the early ’90s. Led by Tim Gane and Laetitia Sadier, the group celebrated strands of pop music — bossa nova, lounge-pop, movie soundtracks — that were traditionally banished from rock’s lineage. On early singles and albums such as 1993’s Transient Random-Noise Bursts with Announcements, Stereolab combined ’60s pop melodies with an art rock aesthetic borrowed from Krautrock bands like Faust and Neu!; by the time of 1996’s Emperor Tomato Ketchup, their sound incorporated jazz, hip-hop, and dance music. Their work with John McEntire and Jim O’Rourke on 1997’s Dots and Loops and 2001’s Sound-Dust reflected an increasingly intricate, experimental approach, but following the 2002 death of member Mary Hansen, they eventually returned to a poppier style on albums like 2008’s Chemical Chords. Stereolab’s unmistakable sound had a lasting impact: Contemporaries like Pavement and Blur aped their style in the ’90s, while hip-hop artists such as J Dilla and Tyler the Creator sampled the band’s music or collaborated with its members in the 2000s and 2010s. Late in that decade and into the 2020s, Stereolab’s revival as a touring band and a steady stream of reissues underscored their reputation as innovators.

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Alternative Rock / Britpop / dream pop

Elbow au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Avec un son cinématographique et une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public avec son premier album acclamé, Asleep in the Back (2001), et n’a cessé depuis de produire des albums tout aussi populaires et finement arrangés. Si leurs trois premiers disques leur ont permis de s’imposer sur la scène musicale britannique, c’est leur ambitieux quatrième album, The Seldom Seen Kid, qui a véritablement consacré leur statut, remportant le Mercury Prize en 2008 et établissant un modèle d’autoproduction pour le groupe. Cette approche a influencé leurs albums suivants, comme Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier album à atteindre la tête des classements au Royaume-Uni. Au fil des ans, Elbow a également remporté des Brit Awards et des prix Ivor Novello, tandis que leur musique a été largement mise en avant lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où ils ont joué lors de la cérémonie de clôture. Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) ont eux aussi atteint la première place des charts britanniques. En 2021, ils ont sorti Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album dynamique et axé sur le groove.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since. While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production. It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony. Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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Indie Folk / Reggae / rétro-soul

MUZ : Lapelúda, Cordâme, Umurutasaté, Nora toutain, Hendry Massamba et Raíz Viva au Studio TD

by Rédaction PAN M 360

Lapelúda

Nommée dans la catégorie Album de l’année au Latin Awards Canada pour son premier album Caídas (2022), Lapelúda fait sa place dans le cadre du festival POP Montréal en 2024. L’artiste colombo-québécoise incarne la nostalgie emblématique de la musique latino-américaine au travers de ses chansons indie-folk. C’est avec une vulnérabilité vocale percutante que l’artiste envoûte l’audience au-delà des barrières de langues. Elle tisse des liens à travers des chansons hautes en émotions et nourries de rythmes latins.

Nominated for Album of the Year at the Latin Awards Canada for her debut album Caídas (2022), Lapelúda made her mark at POP Montréal in 2024. The Colombian-Québécois artist embodies the emblematic nostalgia of Latin American music through her indie-folk songs. With a strikingly vulnerable vocal delivery, she captivates audiences beyond language barriers, weaving connections through emotionally charged songs infused with Latin rhythms.

Cordâme

Fleuve vous invite à une immersion profonde dans l’univers envoûtant de Cordâme, où les courants musicaux se rencontrent et s’entrelacent avec fluidité. Porté par les nouvelles créations de Jean Félix Mailloux, ce concert est un voyage sonore captivant, entre tradition et modernité, où chaque note évoque le mouvement et la richesse infinie des eaux qui nous entourent. Laissez-vous porter par ces harmonies envoûtantes, naviguant entre jazz, musique impressionniste et rythmes évocateurs. Une expérience incontournable pour les mélomanes avides de découvertes et d’émotions pures.

Fleuve invites you to a deep immersion into the enchanting world of Cordâme, where musical currents meet and intertwine with fluidity. Led by the new creations of Jean Félix Mailloux, this concert is a captivating sonic journey, bridging tradition and modernity, where each note evokes the movement and infinite richness of the surrounding waters. Let yourself be carried away by these mesmerizing harmonies, navigating between jazz, impressionistic music, and evocative rhythms. An unmissable experience for music lovers seeking discovery and pure emotion.

Umurutasaté

Umurutasaté est une auteure-compositrice-interprète originaire du Rwanda, exprimant son talent en huit langues et autant d’univers musicaux. Elle manie les rythmes et mélodies de ses ancêtres avec une voix suave et envoûtante. Sa musique, urbaine et métissée, est doublement influencée, aussi bien par les mélodies traditionnelles africaines que par celles occidentales, particulièrement le Jazz et le Reggae. Après une maîtrise en science politique, une vie professionnelle loin de la musique, Umurutasaté décide de répondre à l’appel de la musique depuis 2019.

Umurutasaté is a singer-songwriter from Rwanda, expressing her talent in eight languages and just as many musical worlds. She weaves the rhythms and melodies of her ancestors with a smooth, captivating voice. Her urban, cross-cultural music is shaped by a double influence: traditional African melodies and Western sounds, particularly Jazz and Reggae. After completing a master’s degree in political science and pursuing a professional life away from music, Umurutasaté chose to answer the call of music in 2019.

Nora toutain

Auteure-compositrice-interprète franco-marocaine de Montréal, Nora navigue dans un style éclectique et une fusion subtile entre rétro-soul, afro-jazz et pop, faisant écho à la multiplicité des univers culturels dans lesquels elle a baigné. Ses performances, portées par des rythmes ancestraux africains et amazighs associés à des sonorités soul, jazz et pop, offrent une véritable modernité à son héritage multiculturel et font d’elle une artiste qui se dit avec aisance en trois langues, français, arabe et anglais, lui permettant de créer ces passerelles musicales mais aussi humaines entre les peuples et les cultures.

Montreal-based Franco-Moroccan singer-songwriter Nora moves within an eclectic style, blending retro-soul, afro-jazz, and pop, reflecting the multiple cultural worlds that have shaped her. Her performances, driven by ancestral African and Amazigh rhythms combined with soul, jazz, and pop sounds, bring a modern dimension to her multicultural heritage. Comfortable performing in three languages, French, Arabic, and English, she creates musical and human bridges between people and cultures.

Hendry Massamba

Originaire du Congo, Hendry Massamba est un musicien et percussionniste engagé dans une quête de transmission et de valorisation des langues anciennes africaines. À travers une musique dynamique, festive et rythmée, il cherche à éveiller les consciences et à créer des ponts entre l’héritage africain et les enjeux contemporains et mêle musicalement des sonorités traditionnelles à des influences modernes. Avec cette approche, Hendry Massamba aspire à offrir au public une expérience à la fois festive et introspective, où la musique devient un vecteur de changement et de réconciliation entre passé et présent.

Originally from Congo, Hendry Massamba is a musician and percussionist dedicated to preserving and promoting ancient African languages. Through dynamic, festive, and rhythmic music, he seeks to raise awareness and build bridges between African heritage and contemporary issues, blending traditional sounds with modern influences. With this approach, Hendry Massamba aims to offer audiences an experience that is both celebratory and introspective, where music becomes a vehicle for change and reconciliation between past and present.

Raíz Viva

Le nom Raíz Viva, « racine vivante » en français, symbolise l’engagement du groupe à honorer son héritage de racines africaines et indigènes qui ont sculpté la musique latino-américaine et à faire partie de l’évolution de la musique et de ses traditions. Leur démarche artistique vise à tisser des liens avec ces traditions venues du monde entier afin d’enrichir leurs créations musicales et promouvoir la diversité culturelle mondiale.

The name Raíz Viva, meaning “living root” in French, reflects the group’s commitment to honoring their African and Indigenous roots that have shaped Latin American music, while actively participating in the evolution of music and its traditions. Their artistic approach seeks to forge connections with these global traditions to enrich their musical creations and promote cultural diversity worldwide.

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Ce contenu provient de MUZ et est adapté par PAN M 360