Montréal

classique / musique contemporaine / Piano

OSM : Le sacre du printemps

by Rédaction PAN M 360

L’OSM vous propose un véritable feu d’artifice musical en présentant trois œuvres spectaculaires. Le Concerto no 1 de Tchaïkovski, interprété par le talentueux pianiste Bruce Liu. Le sacre du Printemps d’Igor Stravinsky, créé le 29 mai 1913, qui illustre un rituel païen inspiré des traditions slaves, où une jeune fille est sacrifiée pour assurer le retour du printemps. Sa première représentation a provoqué un véritable scandale, allant jusqu’à déclencher une émeute. Cette œuvre révolutionnaire est aujourd’hui reconnue comme un chef-d’œuvre fondateur de la musique moderne. Une création du compositeur québécois Denis Gougeon ajoutera un bouquet d’étincelles à ce concert. Gougeon est l’un des compositeurs contemporains les plus reconnus au Canada, particulièrement pour sa musique empreinte de lyrisme, d’énergie rythmique et d’une grande expressivité.

The OSM presents three extraordinary works in an explosive musical fireworks display. Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1, performed by the brilliant Bruce Liu, shines in this program. Also featured is Igor Stravinsky’s The Rite of Spring, first premiered on May 29, 1913. This revolutionary work, depicting a pagan ritual from Slavic traditions involving the sacrifice of a young girl to bring spring, caused a riot at its scandalous debut but is now celebrated as a cornerstone of modern music. To add even more sparkle to the concert, the orchestra will premiere a composition by celebrated Quebec composer Denis Gougeon, known for his lyricism, rhythmic energy, and deep expressiveness.

Programme

Denis Gougeon, création (de 10 à 12 min) – commande de l’OSM
Piotr Ilitch Tchaïkovski, Concerto pour piano no 1, op. 23 (32 min)
Igor Stravinsky, Le sacre du printemps (33 min)

Program

Denis Gougeon, Premiere (10 to 12 min) – OSM commission
Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Concerto for Piano No. 1, Op. 23 (32 min)
Igor Stravinsky, The Rite of Spring (33 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

classique

Meagan Milatz and The OSM musicians: Two Opposite Universes

by Pietro Freiburger

On April 10, at Bourgie Hall, the OSM musicians were joined by pianist Meagan Milatz for a chamber music concert. The program included music by Haydn and Shostakovich.

The concert opened with Haydn’s Quartet Op. 77 No. 2 in F major, interpreted with great refinement in sound and remarkable structural balance. The excellent articulation and phrasing highlighted the cohesion between the musicians of the Montreal Symphony Orchestra, who did justice to the character of the various movements with great awareness.

The concert continued with Two pieces by Shostakovich, Adagio and Allegretto, which represented a great contrast to the previous work. The Adagio, in the name of drama and nostalgia, once again highlighted the quality of the sound of the musicians, who in the Allegretto showed great brio and irony. The Quintet op. 57, a work of great complexity, saw the collaboration of Meagan Milatz.

After a Prelude that was both discreet and intense, the Fugue was an overwhelming movement, with very delicate atmospheres and extreme dissonances linked by a very articulated contrapuntal language. The Scherzo acted as an interesting bridge to the Intermezzo, where the musicians enraptured the audience with a magical sound, and then ended with the Finale, a varied movement characterized by the excellent vibrato of the musicians. A very well studied program and a truly remarkable interpretation by all the artists, warmly applauded by the audience in the hall.

Kompa / Rara / Soukouss

Festival international Nuits d’Afrique : Tabou Combo au parterre du Quartier des spectacle

by Rédaction PAN M 360

Cela fait près de 60 ans qu’ils font se déhancher la planète entière, et leur énergie est intacte. En 2014, ils ont clos la 28e édition du Festival international Nuits d’Afrique dans une ambiance de folie. De retour en 2016, puis en 2019, ils ont chaque fois comblé le public. Monument s’il en est de la scène haïtienne, Tabou Combo est LA légende du kompa — ce genre musical fraîchement inscrit au patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO et qui incarne la Perle des Antilles dès les premières mesures. Leur kompa élaboré, infusé de rara, de merengue, de funk, de rock et de soukous, fait la part belle aux guitares affûtées et aux cuivres éclatants, au service d’un groove syncopé qui fait danser et se rapprocher toutes les générations. Un rendez-vous chargé d’histoire !

For almost sixty years, they have been making hips swing around the globe, and they are still going strong. In 2014, Tabou Combo closed the 28th edition of Festival International Nuits d’Afrique with abandon. They returned in 2016 to help celebrate the Festival’s 30th anniversary, playing at the former Metropolis, and then again in 2019 to mark their 50th anniversary, playing to a full house each and every time. A cornerstone of the Haitian music scene, Tabou Combo is THE legend of kompa, a music genre that embodies the Pearl of the Antilles from the very first notes and was recently inscribed on UNESCO’s Intangible Cultural Heritage list. Their sophisticated sound, infused with rara, merengue, funk, rock, and soukous, showcases edgy guitar and dazzling brass, driving a syncopated groove that brings people of all ages together and gets them dancing. A happening steeped in history!

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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chanson française / hommage

Julien Dassin chante Joe Dassin! au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Julien Dassin fait revivre sur scène l’héritage musical de son père, le légendaire Joe Dassin, avec un hommage bouleversant à cette icône de la chanson française! Plongez dans l’univers de ce grand artiste qui a marqué les générations, à travers la voix et le talent de son fils. Accompagné de six musiciens d’exception de l’Orchestre Paris Tour Eiffel, Julien Dassin revisite avec sincérité et émotion les classiques intemporels de son père tels que Les Champs-Élysées, Et si tu n’existais pas et L’Été indien. Un moment rare et poignant où la musique devient un pont entre passé et présent, entre mémoire et renaissance. De retour à la demande populaire, le spectacle revient envoûter le public une fois de plus!

Julien Dassin brings to life the musical legacy of his father, the legendary Joe Dassin, in a heartfelt tribute to this icon of French chanson! Step into the world of this beloved artist whose music has marked generations, through the voice and talent of Julien Dassin. Accompanied by six exceptional musicians from the Paris Tour Eiffel Orchestra, this moving and personal tribute revisits Joe Dassin’s beloved classics such as Les Champs-Élysées, Et si tu n’existais pas, and L’Été Indien. With passion, authenticity, and deep family ties, this concert is a celebration of timeless melodies where music becomes a bridge between past and present. Back by popular demand, the show is about returns to captivate audiences once again!

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expérimental / contemporain / saxophone

Le Vivier : Treffpunkt à la Salle Bleue de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Treffpunkt (point de rencontre), l’œuvre éponyme du Quatuor de saxophones Treffpunkt, est née d’un désir commun : créer une œuvre collaborative. À la croisée des pratiques créatives de ses membres, elle explore ce qui peut émerger de la rencontre entre composition, improvisation, intuitions et imaginaires. Inspirée par l’archéologie du paysage sonore de Mylène Pardoën, l’œuvre propose une réflexion sur notre relation au vivant et sur la transformation des écosystèmes sonores. À travers l’intégration de technologies, de captations et de traitements sonores, elle traverse les thèmes de l’isolement, de la connexion, de la disparition et de l’écoute du monde qui nous entoure.

Treffpunkt (meeting point), the eponymous work of the Treffpunkt Saxophone Quartet, was born of a shared desire: to create a collaborative work. At the crossroads of its members’ creative practices, it explores what can emerge from the encounter between composition, improvisation, intuitions and imaginaries. Inspired by Mylène Pardoën’s archaeology of the soundscape, the work offers a reflection on our relationship to the living world and on the transformation of sonic ecosystems. Through the integration of technologies, field recordings and sound processing, it moves through the themes of isolation, connection, disappearance and listening to the world around us.

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période romantique

Brahms and Beethoven in 9th Heaven

by Frédéric Cardin

Two trios with clarinet were offered on the 9th floor of the Montreal Eaton Centre yesterday, at afterhours time. The very beautiful series of HausMusique concerts, organised by cellist Cameron Crozman and pianist Meagan Milatz, in the rich Art Deco environment of the 9th floor of the Eaton Centre, has been unfolding for almost two years now. The concerts last an hour and the programs are always inviting, supported by quality performers.

Yesterday, the hall was almost capacity-filled for the performance of a youthful clarinet trio by Beethoven and another, a masterpiece of maturity, by Brahms. Crozman and Milatz were joined by the Canadian clarinettist James Campbell, a world-renowned figure and a sensitive and seasoned performer.

We were charmed by the well-articulated sparkle of Beethoven, still imbued with Haydnian classicism, but revealing through almost spontaneous episodes expressive tendencies that herald the composer’s more dramatic maturity. A lot of liveliness from the three performers, with a very good sense of dynamics and expressive contrasts. We thoroughly enjoyed Meagan Milatz’s crystalline technique on the piano, even though in one or two cascades of notes, the artist may have pushed the urgency of the tempo a bit, to the detriment of the expected clarity. Nevertheless, the intensity of the collective performance, sprinkled with touches of humour inherent to the composer’s intent, offered beautiful moments of musical pleasure.

LISTEN TO THE INTERVIEW WITH CAMERON CROZMAN ABOUT THESE TRIOS AND THE HAUSMUSIQUE SERIES

Next came the ‘’pièce-de-résitance’’, the Clarinet Trio Op. 114, the first milestone in the so-called “Autumnal Brahms” period, the time of the last masterpieces initiated by his meeting with the clarinettist Richard Mühlfeld. Here, no effervescent bubbling. We are completely elsewhere. The long languorous lines, imbued with seasonal melancholy, certainly, but also with a soft and tender light, make us think, as James Campbell comments, of a chilly November that we protect ourselves from by drawing the curtains and snuggling by the fire with a comforting drink.

Very beautiful dialogues between the cello and the clarinet, Crozman and Campbell engaging in generous exchanges while respecting the spirit of the music. A great natural rapport is evident between these performers.

An inspiring moment of music, in the magic of a unique and enchanting place.

The next concert in the HausMusique series, and the last of the 25-26 season, will take place on June 2nd. On the program: Ravel and Debussy. Crozman and Milatz will be joined this time by the OSM’s solo violinist, Andrew Wan.

DETAILS AND TICKETS

We will talk to you again about HausMusique during the unveiling of the 26-27 season program. Stay tuned.

Indie Rock / Pop-Rock / Synth-Pop

POP Montréal 2026 : Towa Bird et Mother Soki au Bar Le Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Towa Bird

Lorsque Towa Bird a imaginé le titre éponyme de son deuxième album, Gentleman, la chanteuse, compositrice et guitariste de 27 ans a découvert une toute nouvelle façon d’appréhender le monde. Subversion assumée de l’archétype traditionnel, la vision du gentleman moderne proposée par l’artiste née à Hong Kong réinvente le terme comme un emblème de confiance queer : un subtil mélange de masculin et de féminin, caractérisé par une assurance décomplexée et une sensibilité désarmante. Dans une évolution audacieuse de son premier album acclamé, American Hero (un LP de 2024 qui a inspiré à Rolling Stone cette déclaration : « Towa Bird est la bombe rock dont nous avons besoin en ce moment »), Gentleman dévoile cette identité pleinement incarnée dans une série de chansons à la fois d’une assurance suprême et d’une tendresse résolue, marquant ainsi un passage profond de la découverte de soi à l’affirmation de soi.

When Towa Bird first dreamed up the title track for her sophomore album Gentleman, the 27-year-old singer/songwriter/guitarist unlocked an entirely new way of moving through the world. A knowing subversion of the old-world archetype, the Hong Kong-born artist’s take on the modern gentleman reimagines the term as an emblem of queer confidence: an exquisite blurring of masculine and feminine, defined by unapologetic swagger and disarming sensitivity. In a daring evolution of her acclaimed debut American Hero (a 2024 LP that inspired Rolling Stone to proclaim that “Towa Bird is the rock & roll firecracker we need right now”), Gentleman unveils that fully embodied identity in a suite of songs both supremely assured and resolutely tender—ultimately marking a profound shift from self-discovery to self-possession.

Mother Soki

Animée d’une forte fibre artistique, Mother Soki, musicienne originaire de Minneapolis, a traversé son adolescence et a découvert sa passion pour la production musicale lors de ses études à Chicago. Plongée dans tout ce qu’elle aime, elle a été attirée par les textures oniriques de la synthpop et la nostalgie sonore des années 80 et 90. Puisant son inspiration au quotidien dans son environnement, elle canalise sa créativité à travers des influences classiques : Prince, Joni Mitchell, Cocteau Twins et Madonna. Sa musique mêle des interprétations modernes de synthétiseurs vintage à des guitares puissantes et à une voix aérienne et ample, créant des contrastes inattendus qui, pourtant, fonctionnent à merveille. Mother Soki parvient à créer une harmonie parfaite entre l’inattendu et le naturel.

Carving her way through adolescence with a fierce artistic drive, Minneapolis-based musician Mother Soki discovered her passion for music production while attending college in Chicago. Immersed in everything she loves, she gravitated toward the dreamy textures of synth pop and the sonic nostalgia of the ‘80s & ’90s. Drawing daily inspiration from her surroundings, she channels her creativity through classic influences: Prince, Joni Mitchell, Cocteau Twins & Madonna. Her sound blends modern interpretations of vintage synths with heavy guitars and airy, spacious vocals—creating contrasts that shouldn’t work, but somehow do. Mother Soki makes the unexpected feel seamless.

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Gnawa / Jazz Rock / Reggae

Festival international Nuits d’Afrique : Sandya Fusion à l’esplanade Tranquille

by Rédaction PAN M 360

Nourrie de reggae, de funk, de jazz et de rock, la musique gnawa de Sandya, telle une incantation, est un espace festif éclatant qui appartient au public et à nul autre ; un cercle sacré où la transe rassemble. Les percussions frappent, les cuivres répondent, le violon se guinde… Ancré dans les traditions sacrées de la dakka marrakchia et de l’issawa, Sandya, mené par le maître du guembri Fathallah Cherkaoui, dont la voix singulière ponctue chaque accord, n’est que joie et résonne comme un appel à la danse et à l’abandon, pour mieux se retrouver, peu importe d’où l’on vient.

Infused with reggae, funk, jazz and rock, Sandya’s Gnawa music is a vibrant, celebratory space that, like an incantation, is shared exclusively by those present; a sacred circle where trance brings people together. The percussion beats out a rhythm, the brass instruments respond, and the violin soars… Rooted in the sacred traditions of dakka marrakchia and the Issawa, Sandya—led by the guembri master, Fathallah Cherkaoui, whose unique voice punctuates every chord—is pure joy and resonates like a call to dance and to let go, so we can better find ourselves, no matter where we come from.

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Africa / folklore

Festival international Nuits d’Afrique : Elida Almeida à l’esplanade Tranquille

by Rédaction PAN M 360

Elida Almeida « revendique la modernité du folklore de son archipel, qu’elle électrise et porte avec une sensualité enjouée » (Télérama, 2023). Lauréate du Prix Découverte RFI en 2015, elle est résolument tournée vers la lumière. Elle évoque le quotidien de son pays et fait danser avec sincérité l’âme capverdienne sur les rythmes ardents et festifs du funaná, du batuque et du tabanka, qu’elle revisite avec des sonorités urbaines tout en préservant leur histoire. Également membre du collectif Cesária Évora Orchestra, elle perpétue l’héritage de la Diva aux pieds nus, même si elle n’en partage pas la mélancolie. Son nouvel album Spedju, intime et introspectif, inscrit sa voix dans la grande lignée capverdienne.

Elida Almeida “celebrates the modern appeal of her archipelago’s folklore, which she brings to life and embodies with a playful sensuality,” (Télérama, 2023). Winner of the 2015 Prix Découverte RFI, she is definitely turned towards the limelight. With heartfelt sincerity, she conjures up images of Cape Verdean life, bringing her country’s spirit alive with fiery and festive funaná, batuque and tabanka rhythms, which she reimagines with urban flair, while preserving their roots. Also a member of the Cesária Évora Orchestra, Elida upholds the legacy of the “barefoot diva,” even if she does not quite share the melancholy. Her new album, Spedju, intimate and introspective, places her voice firmly in the great Cape Verdean tradition.

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