Megan Moroney au MTelus

by Rédaction PAN M 360

L’attitude ensoleillée de Megan Moroney cache sa finesse en tant que compositrice, un aspect mis en valeur dans son single à succès de 2022, Tennessee Orange, et son album qui l’accompagne, Lucky. Sur ce premier album de 2023, Moroney mélange les tropes classiques de l’écriture country – aussi à l’aise avec un boogie entraînant qu’avec une narration poignante – avec une sensibilité pop et contemporaine. L’album a été un succès dans le Top 10 des classements country, un exploit qu’elle a surpassé l’année suivante avec son deuxième album, Am I Okay?, qui a atteint la neuvième place du Billboard 200.

Megan Moroney’s sunny demeanor belies her cleverness as a songwriter, an aesthetic showcased on her 2022 breakthrough single “Tennessee Orange” and its accompanying album Lucky. On that 2023 debut, Moroney’s embrace of classic country songwriting tropes — she is at ease with a boot-scooting boogie as she is with plaintive storytelling — intertwined with a pop savviness and a contemporary sensibility. The album was a Top Ten success on the country charts, a feat she bested a year later with her follow-up, Am I Okay?, which reached number nine on the Billboard 200.

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Contemporary

Semaine du Neuf | A Symphony and a World Premiere for Tim Brady

by Vitta Morales

The Chapelle Theatre hosted Tim Brady, his guitars, and his pedals on March 15th as part of the Semaine du Neuf festival. A last-minute change to the program would mean Brady would play the entirety of his forty-five or so minute piece, Symphony in 18 Parts , as well as the premiere of For Electric Guitar.

It should be said, for starters, that The Chapelle was a great choice of venue for this repertoire. The black box-style venue helped focus the audience’s attention squarely on Brady’s tools (his pedals, amps, and guitars) and soundscapes. Against a black background, little could distract a listener; this, coupled with good lighting, meant the vibes were set very appropriately for Brady’s electric inventions.

Concerning Brady’s Symphony in 18 Parts, I happened to have it more or less fresh in my ears as I consulted it a lot in preparation for the concert and the interviews we conducted in the lead up. As such, I think I could tell which movements were more rehearsed than others. Occasionally, when a passage of fast notes came up, the execution would come out slightly less clean than that of the recording. This was more discernible in the moments where distortion and overdrive were absent. I, of course, don’t really blame Brady who wasn’t originally planning to play the whole thing. At other points he performed aptly and impressively pulled off tricky sweep picking passages and hammer-on flurries; (especially in For Electric Guitar).

All told, an enjoyable afternoon of shredding, ethereal soundscapes, and shimmery tapping. In addition, it was noteworthy that Brady had a good sense of humour, a relaxed demeanour, and took the time to explain the sounds he was making before letting his Godin guitars do the talking. Clearly the mark of a composer and performer who has been doing this for decades.

photo : Paola Benzi

heavy metal

Disturbed au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Le groupe de rock multi-platine Disturbed annonce sa tournée du 25e anniversaire de The Sickness. Cette tournée célèbre les 25 ans du premier album de Disturbed, qui a propulsé le groupe dans la conscience publique et qui est l’un des albums de heavy metal les plus importants et les plus influents de tous les temps. Chaque soir, Disturbed proposera deux parties, en commençant par l’interprétation intégrale de The Sickness, cinq fois disque de platine, suivie d’une partie avec les plus grands succès du groupe.

Multi-platinum rock band Disturbed announces their The Sickness 25th Anniversary Tour. The tour celebrates 25 years of Disturbed’s seminal debut album which launched the band into public consciousness and is one of the most important and influential heavy metal albums of all time. Each night will feature two sets of music, opening with Disturbed playing the five times platinum The Sickness in full, followed by a full set of greatest hits.

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Africa / classique

OSM : Symphonie «Pastorale» et la mythologie de Glass

by Rédaction PAN M 360

Glass s’inspire de poèmes africains pour composer Ifé, et Beethoven fait part de ses sensations lors d’une promenade à la campagne. De la mythologie du Bénin, célébrée par la chanteuse Angélique Kidjo, à la nature bucolique représentée dans la symphonie « Pastorale », vivez un délicieux moment d’évasion!

Glass drew inspiration from African poems to compose Ifé, while Beethoven conveyed his impressions as he strolled through the German countryside. From the legends of Benin, celebrated by singer Angélique Kidjo, to the rustic landscapes unfolding in the “Pastoral” Symphony, join us for a delightful moment of escape!

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Contemporary

Semaine du Neuf | Paramirabo/Musikfabrik: old school avant-garde meets cool post-modernism

by Frédéric Cardin

Two ensembles devoted to contemporary music and separated by an ocean, but also by two schools of thought, met on Tuesday evening 11 March at the Wilder building in the Quartier des spectacles in Montreal. On one side, the Ensemble Musikfabrik from Cologne in Germany, represented by three of its musicians, oboe/English horn (Peter Veale), horn (Christine Chapman) and double bass (Florentin Ginot). On the other, the Montreal sextet Paramirabo, comprising piano, percussion, violin, cello, clarinet/bass clarinet and flutes. Beyond the difference in timbre imposed by the instrumentation of each ensemble, it was the marked dissimilarity between the two ‘languages’ spoken that was striking. Disparities that were obvious even to the most layman and accentuated by the chosen programme, in terms of syntax, discourse, the importance of narrative in the musical framework, references to the vernacular and many other aspects besides.

Gracieuseté Semaine du Neuf – Le Vivier crédit photo : Philippe latour par Frederic Cardin

In the first half, the three guests from Musikfabrik demonstrated their breathtaking technical expertise in ultra-pointillist/pointraitist scores in which every possible and impossible sound came out of the instruments present, except perhaps those for which they were initially intended. The quality of the sounds, timbres and textures was pushed to a very high level of perfection. The discourse, stratospherically intellectual, was enough to delight the most discerning of thoughtful music lovers. In my humble opinion, it was Juliet Palmer’s Blur of Lichens that stood out the most, offering, through a hyper-calculated construction, the most beautiful impression of freedom, even lyricism and grace. Canadian Gordon Williamson offered his humorous take on strict abstraction in Odd Throuple (a pun on Odd Couple, but with three people), a work in which he explored the sonic contrasts of this unusual trio (an oboe/English horn, a horn and a double bass, let us not forget). I found Dylan Lardelli’s The Giving Sea, a ‘spiritual evocation’ of the ocean, much more academic. Unfortunately, I didn’t feel that uplift. Maybe this is just me.

READ THE INTERVIEW WITH PARAMIRABO’S PAMELA REIMER ABOUT THIS CONCERT

This strictly atonal and abstract discourse is rooted in a very Boulézian or post-Boulézian vision of the avant-garde (even if it’s not strict serialism/dodecaphonism), which is already a good fifty years old. We can therefore speak of an ‘old school’ avant-garde, an astonishing oxymoron that would have been unimaginable not so long ago.

For the uninitiated, it’s an impression of cerebrality that will echo in the mind, a characteristic typically (let’s say stereotypically) associated with ‘contemporary’ music. Is it good music? Absolutely! But the second half, led by Paramirabo, was about to show us that today’s music is made elsewhere, and that it’s important not to forget that.

This part began with a short piece by Vancouver’s Rodney Sharman, a lovely, poetic tribute to John Cage for English horn (Peter Veale of Musikfrabrik) and piano doubled as toy piano (Pamela Reimer of Paramirabo), draped in neo-impressionist finery. The message had been sent: this second part was going to offer us a completely different experience, less cerebral, more organic, even sensitive, inclusive and eclectic in its amalgams. Post-modernist, and very cool.

And that’s exactly what happened with Paul Frehner’s Un pont sanguin (A Blood Bridge), a narrative, rhythmic work imbued with a very broad post-minimalism and amusing sounds such as a Plan 9 From Outer Space-style synthesiser. A creation that deserves to be repeated as often as possible. Canadian Chris Paul Harman’s Francisez-moi! (Frenchify me) is a nod to the French language, inspired by early French composers, writers and poets. The result is full of humour, with narrations on tape of extracts from various texts, including one on the various qualities of ‘’tétins‘’ (breasts). There is a polytonal Turkish march from Lully in there, post-folk like tunes, and many more friendly things, albeit embedded in a modernist set of harmonies. It’s all fun and games.

Finally, Quebec composer Frédéric Lebel presented his creation Si le Temps, l’Espace (If Time, Space), a beautiful score tinged with neo-spectralism, sparkling with a thousand lights and pleasantly open, even solar.

The members of Paramirabo were impeccable, on par with their illustrious guests. The programme will travel to Germany in the coming months. We can be sure that our German cousins will be impressed not only by the quality of our instrumentalists, but also by the kind of contemporary music they champion, informed by Europe but steeped in North America.

Paramirabo :

Jeffrey Stonehouse, flutes and artistic direction

Viviane Gosselin, cello and general direction

Gwénaëlle Ratouit, clarinets

Hubert Brizard, violin

Pamela Reimer, piano

Krystina Marcoux, percussion

Paramirabo :

Musikfabrik :

classique / post-romantique

OSM : La poignante Symphonie nº 5 de Tchaïkovski

by Rédaction PAN M 360

Après son succès remporté en 2023, Tianyi Lu retrouve l’OSM en compagnie du pianiste Pierre-Laurent Aimard, un spécialiste incontesté de Bartók. De ce dernier, il interprétera le Troisième Concerto, une partition emplie de poésie et d’emprunts au folklore hongrois. À la relative sérénité de cette œuvre, répondront les accents tourmentés de la Symphonie n^o 5 de Tchaïkovski dans laquelle le compositeur livre ses craintes les plus secrètes.

After her remarkable performance in 2023, Tianyi Lu returns to the OSM. She is joined by pianist Pierre-Laurent Aimard, undisputed champion of Bartók’s music who performs the composer’s exquisitely poetic Concerto no. 3, infused with elements of Hungarian folklore. This work’s relative tranquility is paired with the tormented inflections of Tchaikovsky’s Symphony no. 5, through which this composer related his most profound personal anxieties.

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classique

OSM : Haydn et Chostakovitch – un saisissant contraste 

by Rédaction PAN M 360

Haydn a joué un rôle fondamental dans l’évolution du quatuor à cordes, et dans son dernier Quatuor op. 77 n^o 2, il se livre à des expérimentations subtiles avec finesse et inventivité. Chostakovitch, quant à lui, revisite les formes classiques dans son Quintette, avec un langage très personnel et une grande intensité émotionnelle.

Haydn played a key role in the evolution of the string quartet, and his final Quartet Op. 77  No. 2 is full of subtle experimentation that is both inventive and elegant. Meanwhile, Shostakovich reinterprets classical forms in his Quintet, infusing it with his deeply personal language and profound emotional intensity.

Programme

Joseph Haydn, Quatuor à cordes, op. 77 no 2 (24 min)
Dmitri Chostakovitch, Deux pièces pour quatuor à cordes : Adagio et Allegretto (8 min)
Dmitri Chostakovitch, Quintette pour piano et cordes, op. 57 (34 min)

Program

Joseph Haydn, String Quartet, Op. 77, No. 2 (24 min) 
Dmitri Shostakovich, Two Pieces for String Quartet: Adagio and Allegretto (8 min)
Dmitri Shostakovich, Quintet for Piano and Strings, Op. 57 (34 min)

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chanson keb franco

Louis-Dominique Lévesque – Que je me souvienne à la salle Claude-Léveillée

by Rédaction PAN M 360

Un voyage mémoriel pour vous faire redécouvrir des chansons d’artistes québécois disparus qui ont marqué et influencé Louis-Dominique Lévesque.
Accompagné de ses musiciens Jocelyn Savard, Dominique Girard, Richard Lavallière et Robin Rivest, l’auteur-compositeur réinterprète des œuvres emblématiques de Georges Dor, Félix Leclerc, Claude Léveillé, Jean Lapointe, Lawrence Lepage, Sylvain Lelièvre, Gaston Mandeville, Gerry Boulet, Dédé Fortin, et bien d’autres.
Une soirée qui promet d’être une célébration émouvante, mêlant musique, talent et créativité. Louis-Dominique Lévesque, avec son parcours artistique exceptionnel, nous offre une occasion unique de plonger dans la sensibilité et la profondeur du répertoire québécois.

A commemorative journey inviting you to rediscover songs by late Québécois artists who left a lasting impression on and influenced Louis-Dominique Lévesque.
Accompanied by musicians Jocelyn Savard, Dominique Girard, Richard Lavallière, and Robin Rivest, the singer-songwriter breathes new life into iconic works by Georges Dor, Félix Leclerc, Claude Léveillée, Jean Lapointe, Lawrence Lepage, Sylvain Lelièvre, Gaston Mandeville, Gerry Boulet, Dédé Fortin, and many more.
An evening that promises to be a moving celebration, blending music, talent, and creativity. With his exceptional artistic background, Louis-Dominique Lévesque offers a unique opportunity to delve into the sensitivity and depth of Quebec’s musical heritage.

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afro-soul / Doom Metal / Experimental Rock

Festival International de Jazz de Montréal : The Budos Band/Secret Chiefs 3 au MTelus

by Rédaction PAN M 360

The Budos Band

The Budos Band est un big band américain qui décrit son style comme un mélange de doom rock, d’Afro-soul et de big band avec une touche des années 1970. Leur approche plurielle tisse des ponts entre des univers musicaux aussi variés que la psychédélie planante, l’Afro-funk, le hard rock des années 1970 et la soul des années 1960. Sur scène, leur prestation est chorégraphiée tout en restant intense, spontanée, humoristique et centrée sur l’interaction avec le public. Les Budos sont un jam band du 21e siècle : bien que leurs morceaux labyrinthiques et hypnotiques laissent place à l’improvisation, leurs arrangements sont toujours sophistiqués, précis, et fondés sur des grooves irrésistibles.
À leurs débuts, le groupe cherchait à fusionner les influences musicales de chacun de ses membres : l’éthio-jazz de Mulatu Astatke, l’afrobeat de Fela Kuti, la soul instrumentale des Bar-Kays, de Muscle Shoals, des Tower of Power Horns ou encore des J.B.’s. Entre 2005 et 2010, leurs trois premiers albums — Budos Band I, II et III — reflètent bien cet héritage. Avec Burnt Offering en 2014, le groupe opère un virage en incorporant des éléments de psychédélie des années 1970 et de Krautrock, ajoutant des textures plus sombres et hallucinatoires à leur palette sonore. Ils testeront ce nouveau son lors de tournées à travers les États-Unis, l’Europe et l’Asie.
En 2019, V mêle leur funk dansant habituel à des influences rock psychédélique teintées de métal. En 2020, ils célèbrent leurs 15 ans d’existence avec Long in the Tooth. L’EP Frontier’s Edge, composé de six titres, paraît en 2023 sur Diamond West Records. En 2025, les Budos reviennent avec VII, un album qui s’inscrit dans la continuité de Burnt Offering, mais qui pousse encore plus loin cette exploration sonore entamée une décennie plus tôt.

The Budos Band are an American big band who describe their sound as “doom rock Afro-soul big band with a ’70s touch.” Their multivalent approach bridges musical universes from trippy psychedelia and Afro-funk to ’70s hard rock and late-’60s soul. Their choreographed stage show is at once intense, spontaneous, humorous, and geared toward audience participation. Budos are a 21st century jam band. While there is room for improvisation inside their often-hypnotic, labyrinthine compositions, their arrangements are sophisticated, tight, and centered on infectious grooves.
The group’s early years focused on integrating the music they loved as individuals — from Mulatu Astatke’s Ethio-jazz and Fela Kuti’s Afrobeat to funky instrumental soul of the Bar-Kays, Muscle Shoals, Tower of Power Horns, and J.B.’s. Their recorded catalog, between 2005 and 2010 — Budos Band I, II, and III — appropriately reflected those influences. With 2014’s Burnt Offering, Budos shifted gears, blending elements of early-’70s psychedelia and Krautrock, adding darker, more hallucinatory textural elements to thier sound. They toured and road-tested their material across the U.S., Europe and Asia.
Budos Band integrated their tried-and-true, danceable funkiness with metal-tinged, psych rock on 2019’s V. They celebrated 15 years together woth 2020’s Long in the Tooth. Frontier’s Edge, a six track EP appeared on Diamond West Records in 2023. Budos returned in 2025 with VII, an album directly decended from Burnt Offering a decade earlier but much further up the road.

Secret Chiefs 3

Comme Mr. Bungle est bien connu pour prendre de longues pauses entre ses albums (il leur a fallu quatre ans pour faire suite à leur premier disque en 1991), ses membres se retrouvent souvent avec beaucoup de temps libre. Plutôt que de rester inactifs, les membres du groupe mettent ce temps à profit en écrivant, enregistrant et tournant avec d’autres groupes ou via divers projets parallèles.
Parmi ceux-ci, le plus notable est sans doute Secret Chiefs 3, un projet mené par trois membres de Mr. Bungle : Trey Spruance (guitare/voix), Trevor Dunn (basse/voix) et Danny Heifetz (batterie). Si quelqu’un doute encore que Mr. Bungle ne soit qu’un tremplin pour les prouesses vocales de Mike Patton, Secret Chiefs 3 est la preuve irréfutable du contraire. Trey Spruance y prend les commandes en tant que leader : il a écrit tous les morceaux du premier album First Grand Constitution and Bylaws (1996) et en a également assuré la production.
Avant la sortie de ce premier long format, le groupe avait déjà éveillé la curiosité des fans en glissant un single de Secret Chiefs 3 avec les copies vinyles du chef-d’œuvre Disco Volante de Mr. Bungle (1995). Ils avaient aussi enregistré une version décalée de « I Saw Mommy Kissing Santa Claus » pour une compilation de Noël japonaise. Leur participation à un album hommage japonais aux Beach Boys démontre aussi leur capacité à s’attaquer à pratiquement tous les styles musicaux.

Since Mr. Bungle is notorious for taking substantial amounts of time between albums (it took them four years to follow up their 1991 debut), its bandmembers are left with a lot of time on their hands. Hence the members of Mr. Bungle use their off time wisely, by writing, recording, and touring with other bands or, often, side projects.
The best side project of the bunch, Secret Chiefs 3, features Mr. Bungle comrades Trey Spruance (guitar/vocals), Trevor Dunn (bass/vocals), and Danny Heifetz (drums). If there are any remaining who think that the musicians in Mr. Bungle are just a vehicle for vocalist Mike Patton’s singing talents, Secret Chiefs 3 is the ultimate proof that this is not the case. Trey Spruance gets a chance to be the leader, as he wrote every track on their 1996 debut First Grand Constitution and Bylaws, and was the record’s producer as well.
Before the full-length debut appeared, the group whet their fans’ appetites by including a Secret Chiefs 3 single with vinyl copies of Mr. Bungle’s 1995 magnum opus, Disco Volante, as well as recording a warped version of “I Saw Mommy Kissing Santa Claus” for a Japanese Christmas compilation. They were also signed on to contribute a Beach Boys track to a Japanese Beach Boys tribute album, showing that they can tackle just about any musical form put in front of them.

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Alternative Rock / Britpop / dream pop

Elbow au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Avec un son cinématographique et une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public avec son premier album acclamé, Asleep in the Back (2001), et n’a cessé depuis de produire des albums tout aussi populaires et finement arrangés. Si leurs trois premiers disques leur ont permis de s’imposer sur la scène musicale britannique, c’est leur ambitieux quatrième album, The Seldom Seen Kid, qui a véritablement consacré leur statut, remportant le Mercury Prize en 2008 et établissant un modèle d’autoproduction pour le groupe. Cette approche a influencé leurs albums suivants, comme Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier album à atteindre la tête des classements au Royaume-Uni. Au fil des ans, Elbow a également remporté des Brit Awards et des prix Ivor Novello, tandis que leur musique a été largement mise en avant lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où ils ont joué lors de la cérémonie de clôture. Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) ont eux aussi atteint la première place des charts britanniques. En 2021, ils ont sorti Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album dynamique et axé sur le groove.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since. While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production. It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony. Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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DJ set / Électro / Techno

SAT : ALL NIGHT — Juan Atkins (US) • Martyn Bootyspoon • Bianca Badita • Donotstealmyname

by Rédaction PAN M 360

Juan Atkins, le godfather de la techno de Detroit, nous honore de sa présence pour un All Night légendaire. Voyez cette soirée comme une masterclass du party à ne manquer sous aucun prétexte.

Juan Atkins, the godfather of Detroit techno, kicks things off with a legendary all-nighter. Think of it as a masterclass in partying—not to be missed under any circumstances.

Juan Atkins

Pionnier majeur de la musique électronique et largement considéré comme le parrain de la techno de Détroit, Juan Atkins est apparu sous des pseudonymes tels que Cybotron, Model 500 et Infiniti, et a publié de nombreux classiques dont le titre électro « Clear » de 1982 (souvent considéré comme le premier morceau proto-techno). Expérimentant la fusion du funk extra-terrestre de Parliament Funkadelic avec les rythmes futuristes et le hard math de Kraftwerk et les théorèmes de danse progressive proposés par Giorgio Moroder, les Model 500 12′′s ont posé les jalons de la Detroit Techno. La Detroit Techno a rapidement traversé l’Atlantique et a immédiatement déclenché la culture rave émergente et, peu après, l’ensemble de la communauté mondiale de la danse. À la fin des années 80, Atkins, sous le nom de Model 500, est resté l’un des producteurs de musique électronique les plus prolifiques et les plus recherchés tout au long des années 90. En remplissant les clubs de Detroit à New York, Londres, Paris, Berlin…, Juan est passé maître dans l’art de s’imprégner des nouveaux éléments rythmiques de la dance music contemporaine tout en gardant intact son sens infaillible et immédiatement reconnaissable de la mélodie.

A major electronic music pioneer and widely regarded as the Godfather of Techno from Detroit, Juan Atkins appeared behind aliases such as Cybotron, Model 500, and Infiniti, and has released many classics of sublime Detroit techno, including the 1982 electro track ‘Clear.’ (this track is often considered the first proto-techno track). Experimenting with fusing the extra-terrestrial funk of Parliament Funkadelic with the futuristic rhythms and hard math of Kraftwerk and the progressive dance theorems proposed by Giorgio Moroder, the Model 500 12′′s laid the blueprint for Detroit Techno. Along with the tracks made by two schoolmates, Derrick May and Kevin Saunderson, Detroit Techno quickly made its way across the Atlantic and immediately sparked the emerging rave culture and soon after the entire global dance community. Moving through the later 80’s as Model 500, Atkins continued as one of the most prolific and sought after producers of electronic music throughout the 90’s. Packing clubs from Detroit to NY, London, Paris, Berlin…, Juan has mastered the art of soaking up new rhythmic elements from contemporary dance music while keeping his unerring, instantly recognizable sense of melody intact.

Martin Bootyspoon

Le producteur et DJ montréalais, né Jason Voltaire, est un provocateur déterminé – un artiste qui construit des mondes extatiques où s’entrechoquent salacité, satire et sub-bass. Issu de l’underground montréalais post-club qui a vu naître Sinjin Hawke et Lunice, Martyn Bootyspoon a fait ses premières vagues avec un mélange irrévérencieux de ghetto tech, de jacking house et d’électroclash, le tout empreint de l’esprit qui le caractérise. Depuis, il est devenu l’un des artistes de danse les plus singuliers d’Amérique du Nord, à la fois showman et technicien. Derrière les platines, ses sets sont des sermons changeants : la techno qui fait vibrer les côtes et la ghetto house qui fait claquer le corps sont tissées ensemble avec des flips vocaux absurdes et un flair narratif. Sa performance n’est jamais passive – c’est un dialogue avec le dancefloor, plein de tension, d’agitation et de relâchement total.

The Montreal producer and DJ, born Jason Voltaire, is a provocateur with purpose — an artist who builds ecstatic worlds where salaciousness, satire, and sub-bass collide. Emerging from the same post-club Montreal underground that birthed Sinjin Hawke and Lunice, Martyn Bootyspoon made early waves with an irreverent blend of ghetto tech, jacking house, and electroclash, all laced with his signature wit. Since then, he’s become one of North America’s most singular dance artists — equal parts showman and technician. Behind the decks, his sets are shapeshifting sermons: rib-rattling techno and body-slamming ghetto house are woven together with absurdist vocal flips and narrative flair. His performance is never passive — it’s a dialogue with the dancefloor, full of tension, tease, and total release.

Bianca Badita

Bianca Badita, résidente du collectif Ärder, propose une techno rapide et hypnotique. Elle commence son parcours musical en 2019 après plusieurs années passées sur le dance floor. Bianca a partagé la scène avec Drumcell, Amotik, Marrøn, Rene Wise, Nørbak, Stef Mendesidis et artistes locaux. Elle a fait son apparition avec OCTOV, Noreiner, North of Nowhere, Shift Radio, Playground Filth, Bisous, LaNorth, Autobahn, PROHIBITION et plusieurs autres collectifs montréalais. Sa sélection transporte ses auditeurs dans un espace sombre et rempli d’énergie. Un arrangement diversifié d’influences et de genres assure que le public reste attentif et curieux pendant chacune de ses performances.

Montreal local & Ärder Resident Bianca Badita, delivers powerful, warehouse-primed techno. Her sounds can be defined as industrially potent and eerily hypnotic. She starts her musical journey in 2019, after many years of attending raves and being a dance floor enthusiast. Bianca shared the stage with Drumcell, Amotik, Marrøn, Rene Wise, Nørbak, Stef Mendesidis & local artists. She made her appearance with OCTOV, Noreiner, North of Nowhere, Shift Radio, Playground Filth, Bisous, LaNorth, Autobahn, PROHIBITION and several other Montreal collectives. Her selections lay a foundation that transport her listeners to a dark and cemented energy-filled space. A diverse arrangement of influences and genres ensures that audiences stay attentive and curious towards each of her performances.

Donotstealmyname

Donotstealmyname joue dans toute la ville depuis des années et la plupart d’entre vous la connaissent déjà et savent ce qu’elle sait faire ! Cette Montréalaise ” pure laine ” incarne vraiment l’énergie vibrante & chaotique (dans le meilleur sens du terme) de la ville. Plutôt que d’être confinée par un genre, ses sets sont un voyage sans faille – toujours curaté avec instinct, précision, et un amour profond pour le métier.

Donotstealmyname has been playing all around the city for years now and most of you will already know her and what she can do! This « pure laine » Montrealer truly embodies the city’s vibrant & chaotic (in the best way) energy. Rather than being confined by genre, her sets are a seamless journey — always curated with instinct, precision, and a deep love for the craft.

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