POP Montréal : Scream + Soulside + WHITE KNUCKLE + Punk Police DJs

by Rédaction PAN M 360

Soulside

Soulside est né à Washington, DC, en 1985 — s’est séparé en 1989 — puis est revenu ensemble en 2014. Il n’ont pas arrêté de jouer et d’écrire de la musique depuis. Après avoir sorti leur premier album chez Sammich/Dischord, ils ont enregistré Trigger (Dischord, 1988) et Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), qui ont été réunis sur le CD Soon Come Happy en 1990. Le groupe a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Europe au cours de ces années, y compris des concerts en Pologne et à Berlin-Est en 1989, juste avant la chute du mur de Berlin. Soon Come Happy a été remastérisé en 2003. En 2020, Soulside sortait This Ship, leur premier 7’’ depuis 30 ans, enregistré à Prague.

Soulside formed in Washington, DC, in 1985, split up in 1989, then reformed in 2014 and has continued playing and writing music since then. After releasing their debut album on Sammich/Dischord, they recorded Trigger (Dischord, 1988) and Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), which were combined on the Soon Come Happy CD in 1990. The band toured extensively in the US and Europe during these years, including groundbreaking shows in Poland and East Berlin shortly before the Berlin Wall fell in 1989. In 2020, Soulside put out a new 7-inch, This Ship, their first release in 30 years, which was recorded in Prague. Happy”, released in 1990 and re-mastered in 2003.

Scream

Scream voit le jour en 1979. Le batteur Kent Stacks, le bassiste Skeeter Enoch Thompson et les frères Pete et Franz Stahl vont à l’école ensemble à Bailey’s Crossroads, en Virginie, lorsqu’ils commencent à découvrir la scène punk et new wave de Washington et le pouvoir provocateur de la musique. Comme la plupart des groupes punk de Washington, ils sont influencés par Bad Brains, mais ils se distinguent par leur sensibilité rock n’ roll. En 1982, ils se rendent au studio Inner Ear avec Ian MacKaye et Eddie Janney pour enregistrer le premier album complet de Dischord, Still Screaming. Le groupe a depuis connu quelques changements, notamment l’ajout de leur ami Harley Davidson à la seconde guitare, et, lorsque Kent Stacks a quitté le groupe pour fonder une famille, ils ont demandé à un jeune batteur local, Dave Grohl, de prendre la relève. Après un certain nombre d’années au sein de « l’équipe Scream », Dave a rejoint Nirvana et a formé les Foo Fighters. En 1996, lors d’un concert de Noël, Kent Stacks est redevenu le batteur de Scream. Le concert a été enregistré et est sorti en CD, Live at the Black Cat. Au cours des années suivantes, chacun a pris des directions différentes — Franz a rejoint les Foo Fighters pendant un temps et Pete a joué avec Goatsnake et earthlings?. Le groupe est revenu ensemble en 2011, avec Clint Walsh à la seconde guitare, pour enregistrer Complete Control Sessions, qui est sorti en tant qu’EP chez Side One Dummy.

Scream formed in 1979. Drummer Kent Stacks, bassist Skeeter Enoch Thompson and the brothers Pete and Franz Stahl attended school together in Bailey’s Crossroads, Virginia, when they began to discover the punk and new wave scene in DC and the provocative power of making music. Like most of the punk bands in DC, they were influenced by the Bad Brains, but their rock and roll sensibilities set them apart. In 1982, they went into Inner Ear Studio with Ian MacKaye and Eddie Janney to record Dischord’s first full length album, Still Screaming.
They made a few line-up changes along the way, including the addition of their friend Harley Davidson on second guitar, and, when Kent Stacks left the band to start a family, they asked a young local drummer, Dave Grohl, to take over. After a number of years with “the Scream team,” Dave went on to join Nirvana and form The Foo Fighters. In 1996, at a Christmas reunion show, Kent Stacks returned as Scream’s drummer; the show was recorded and released as the CD “Live at the Black Cat.” Over the next few years, everyone branched out in different directions – Franz joined the Foo Fighters for a short period and Pete played with Goatsnake and earthlings? The band returned as a unit, with Clint Walsh on second guitar, in 2011 to record the Complete Control Sessions, which was released as an EP on Side One Dummy and was, until now, the band’s most recent release.

WHITE KNUCKLE

Mort battu, mort fauché, un serpent sans yin

Dead beat, dead broke, a snake with no yin

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Salsa

La Tribu Salsa Band au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Le groupe lauréat des Syli d’or de la musique du monde cette année a fait forte impression! “ En un rien de temps, le parterre s’est transformé en plancher de danse. La 16e édition du concours organisé par les Productions Nuits d’Afrique consacre le meilleur orchestre Salsa au Québec. Un performance simplement parfaite” (Le Devoir, 2023). La Tribu Salsa Band, composée de musiciens d’expérience, c’est la Salsa dura à son meilleur: des pas de danse synchronisés, des costumes chics, mais surtout une section de cuivres énergique, un piano flamboyant, une basse en plein contrôle, des percussions punchées et quatre chanteurs qui mènent le bal avec adresse. Tout pour faire honneur à ce rythme créé dans les années 70 à New York et popularisé par le mythique chef d’orchestre dominicain Johnny Pacheco.

This year’s winner of the Syli d’or de la musique du monde made a big impression! “In no time at all, the audience was transformed into a dance floor. The 16th edition of the competition organized by Productions Nuits d’Afrique honors the best salsa band in Quebec. A simply perfect performance” (Le Devoir, 2023). The Tribu Salsa Band, made up of experienced musicians, is Salsa dura at its best: synchronized dance steps, chic costumes, but above all an energetic brass section, a flamboyant piano, a bass in full control, punchy percussion and four singers who lead the ball with skill. It’s a rhythm created in the 70s in New York and popularized by the legendary Dominican bandleader Johnny Pacheco.

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Americana / Blues / Folk / Hip Hop / R&B

POP Montréal : Hua Li + Yves Jarvis + Luka Kuplowsky + Louie Sanchez

by Rédaction PAN M 360

Hua Li

Le projet de Hua Li a souvent travaillé la tension fructueuse entre des forces opposées, qu’elle soit métisse, bisexuelle, ou ouvertement politique et doucement vulnérable. Aujourd’hui, la « demi-chinoise, demi-militante, demi-rappeuse de votre cœur » est de retour avec « ripe fruit falls but not in your mouth », son album le plus ambitieux et le plus personnel à ce jour. Jouant entre le R&B brumeux, le hip-hop, le jazz et l’électronique, le deuxième album de Hua Li prend le jardin imaginaire comme moyen de cultiver son chez-soi. Avec des arrangements vocaux complexes, une production luxuriante d’Alex Thibault (aka Gloze) et un mixage important et vibrant de Lunice de TNGHT, le fruit mûr est une confession privée sur un disque bruyant. Après Dynasty en 2019 et Yellow Crane EP en 2020, acclamé par la critique, ripe fruit est d’un libertinage caractéristique. Texturée et sensuelle, la Montréalaise aux multiples traits d’union équilibre son ton riche et ondulant avec des signatures électroniques dansantes. La rappeuse est féroce et souvent drôle, jaillissant d’un parcours vaporeux pour délivrer un uppercut rapide qui pique. Avec des featuring accrocheurs et addictifs d’Ambrose Getz et de Darkus Millon, ripe fruit est un disque intime de guérison, avec la vie nocturne de Montréal en son cœur. Collaboratrice talentueuse, Hua Li a coécrit et joué sur Masquerade, l’album de Gayance sélectionné pour le prix Polaris 2023, et est la DJ de tournée de Riit, le chanteur de gorge électro-pop inuk. Son charisme sur scène l’a amenée à parcourir le monde, notamment lors de tournées avec Cadence Weapon et Fat Tony (dont elle a été la DJ de tournée), au Secret Solstice Festival de Reykjavik, au Festival international de jazz de Montréal et à Pride Toronto. Lumineux et convaincant, Hua Li montre qu’il faut de la tendresse pour laisser mûrir les choses et du cran pour les laisser mourir. Entre les deux, il y a une sorte de ravissement qui ne demande qu’à être savouré.

Hua Li’s project has often worked the fruitful tension between opposing forces, whether being mixed-race, bisexual, or overtly political and softly vulnerable. Now the “half-Chinese, half-militant, half-rapper of your heart” is back with ripe fruit falls but not in your mouth, her most ambitious and personal record to date. Playing between hazy R&B, hip-hop, jazz and electronic, Hua Li’s sophomore LP takes the imaginary garden as a proxy for cultivating home. With complex vocal arrangements, lush production by Alex Thibault (aka Gloze), and big, vibrant mixing by TNGHT’s Lunice, ripe fruit is a private confessional on a loud-ass record. Following 2019’s Dynasty and 2020’s critically acclaimed Yellow Crane EP, ripe fruit is characteristically libertine. Textured and sensual, the Montreal multi hyphenate balances her rich, waveforming tone with danceable, electronic signatures. The rapper is fierce and frequently funny, erupting from gauzy runs to deliver a quick uppercut that stings. With hooky, addictive features by Ambrose Getz and Darkus Millon, ripe fruit is an intimate record of healing, with Montreal’s nightlife at its heart. An artful collaborator, Hua Li co-wrote and performed on Gayance’s 2023 Polaris short-listed album, Masquerade, and is the touring DJ for Inuk electro-pop throat singer, Riit. Her charismatic stage show has taken her around the world, including tours with Cadence Weapon and Fat Tony (serving as the former’s touring DJ), to Reykjavik’s Secret Solstice Festival, the Montreal International Jazz Festival, and Pride Toronto. Luminous and compelling, Hua Li shows it takes tenderness to let things ripen, and guts to let things die. In-between is a kind of rapture that begs to be savoured.

Yves Jarvis

Yves Jarvis se distingue par son son — une chose chaleureuse et vivante qui semble à la fois être un tricot fait à la main et une feuille de métal précieux. Il est dédié à une musique qui condense le folk, le R&B, le country, le blues, l’Americana — avec un toucher contemporain, voire futuriste, et fusionne une impressionnante gamme d’influences, de Serge Gainsbourg et Judee Sill à Ray Charles, Brian Eno et Throbbing Gristle

Yves Jarvis is distinguished by his sound—a warm, vivid thing that feels at once like a handknit piece of fabric and a sheet of precious metal. He is dedicated to a music that condenses folk, R&;B, country, blues, Americana—with a touch that’s contemporary, even futuristic, and smashes together a stunning array of influences, from Serge Gainsbourg and Judee Sill to Ray Charles, Brian Eno and Throbbing Gristle.

Luka Kuplowsky

La voix de Luka Kuplowsky est un paradoxe : elle semble parfois trop feutrée pour être capturée, comme si elle allait disparaître comme de la fumée, puis, l’instant d’après, elle est aussi grande que le ciel. C’est une voix qui fait plier l’oreille et dont la musique crée un espace unique pour le langage poétique et l’improvisation. Sur son nouveau double album How Can I Possibly Sleep When There Is Music, Kuplowsky approfondit son intérêt pour les ensembles d’improvisation et l’enregistrement en direct, tandis que son groupe de sept musiciens (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole et Philippe Melanson) crée un son singulier fait d’espace, d’expérimentation et d’expressivité débridée qui traverse les traditions du jazz, du folk et du blues. Conçu comme un disque d’adaptations et de réponses « à un millénaire de poésie », l’album rassemble les poèmes de Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai et La Fontaine, en les plaçant dans un environnement dynamique d’expression extatique et imaginative. Produit par Sandro Perri, producteur et auteur-compositeur torontois de renom, ce nouvel album réunit des influences littéraires et musicales internationales et des éléments hyperlocaux de Toronto, dans un magnifique disque tentaculaire d’aventurisme sonore méditatif et en roue libre.

Luka Kuplowsky’s voice is a paradox — at times it sounds too hushed to be captured, as if it’s going to disappear like smoke, then in the next instant it’s as big as the sky. It is a voice that bends the ear to listen and whose music carves out a unique space for poetic language and improvisatory playfulness. On his new double LP How Can I Possibly Sleep When There Is Music Kuplowsky extends his interest with improvisational ensembles and live recording, as its seven-piece band (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole and Philippe Melanson) craft a singular sound of spaciousness, experimentation and unbridled expressiveness that traverses traditions of jazz, folk and blues. Conceived as a record of adaptations and responses “to a millennia of poetry”, the album draws together the poetry of Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai, and La Fontaine, placing them within a dynamic environment of ecstatic and imaginative expression. Produced by the luminary Toronto producer/songwriter Sandro Perri, the new LP enfolds international literary and music influences alongside hyper-local Toronto touchstones into a beautiful sprawling record of meditative and free-wheeling sonic adventurism.

Louie Sanchez

Louie Sanchez est le projet solo d’Eirene Cloma, musicienne basée à Toronto et membre de l’ensemble de kulintang Pantayo. Inspiré par le harana (une tradition philippine de sérénade) et le country folk, Louie raconte des histoires de travail, de perte et de nostalgie à travers ses expériences en tant qu’homme de la classe ouvrière philippino-canadienne.

Louie Sanchez is the solo project of Eirene Cloma, a Toronto-based musician and member of the kulintang ensemble Pantayo. Inspired by harana (a Filipino courtship tradition of serenading) and country folk, Louie narrates stories of labor, loss, and longing through their experiences as a masculine working-class Filipino-Canadian.

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Indie Folk / Indie Pop / latino

POP Montréal : Silvana Estrada + Lapelúda + Gabriella Olivo

by Rédaction PAN M 360

Silvana Estrada

Silvana Estrada est lauréate du Latin GRAMMY pour le meilleur nouvel artiste (2022), trois fois nominée aux Latin GRAMMY et nominée aux GRAMMY pour la meilleure performance musicale mondiale (2024). La multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice qui plie les genres est devenue connue pour fusionner les traditions nord-américaines et latino-américaines qui se croisent avec l’héritage jarocho d’influence africaine de sa Veracruz natale, au Mexique.

Silvana Estrada is a Latin GRAMMY-winner for Best New Artist (2022), three-time Latin GRAMMY-nominee, and GRAMMY-nominee for Best Global Music Performance (2024). The genre-bending multi-instrumentalist, singer, and songwriter has become known for melding North and Latin American traditions that intersect with the African-influenced jarocho heritage of her native Veracruz, Mexico.

Lapelúda

La musique de Lapelúda nous emmène à travers son voyage de réconciliation grâce à un mélange unique et chaleureux de musique indie-folk et d’inspiration latine. Basée à Tiohtià:ke (Montréal), l’artiste embrasse son identité colombienne et québécoise dans son premier album trilingue “Caídas” (2022). Cet album tisse des liens de guérison entre l’innocence, la trahison, la transformation et la réconciliation. En 2023, l’album reçoit sa première nomination aux Latin Awards Canada dans la catégorie Album de l’année.

Lapelúda’s music takes us through her journey of reconciliation via a unique warm blend of Indie-Folk and Latin inspired music. Based in Tiohtià:ke (Montreal), the artist embraces her Colombian and Quebecois identity in her first trilingual album “Caídas” (2022) This album weaves healing connections between innocence, betrayal, transformation and reconciliation. In 2023, the album received its first nomination at the Latin Awards Canada for Album of the Year.

Gabriella Olivo

Née et élevée à Québec d’une mère mexicaine et d’un père québécois, Gabriella Olivo fait honneur à ses origines mexicaines avec ses chansons en espagnol ancrées dans un univers doux à saveur indie-pop. Introspective, planante, rêveuse, ses chansons et sa voix douce nous transportent dans son monde d’amour et de haine, de passion et de déception.

Born and raised in Quebec City of a Mexican mother and a Quebecois father, Gabriella Olivo honors her Mexican roots with songs in Spanish, rooted in a gentle indie-pop universe. Introspective and dreamy, her songs and her gentle voice transport us into her world of love, passion and disappointment.

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Dream Pop / Hip Hop / Indie Pop / Pop-Rock

POP Montréal : Mint Simon + Luella + The Petras + Almond Milk

by Rédaction PAN M 360

Mint Simon

MINT SIMON, c’est le projet solo du leader du band indie-pop Caveboy. Originaire de Montréal, Mint est un enfant du théâtre devenu pop star, existant quelque part sur le spectre du genre entre Ferris Bueller et Prince. Sa musique est une exploration sonore et lyrique de l’amour, des occasions manquées, du désir et de la libération sexuelle. Mint s’y découvrir et s’y exprime, développant une sonorité musicale unique pour raconter sa quête d’acceptation de soi avec des chansons pop fluides, captivantes et accrocheuses. Tout de cuire et de cuirette, scintillant et résolument queer — ce prince de la pop puise dans ses influences des années 80 et 90, tout en demeurant aussi libre qu’authentique.

MINT SIMON is the solo project of the front person of indie-pop band, Caveboy. Born & raised in Montreal, Mint is a theatre kid, turned band lead, turned pop star living somewhere on the gender spectrum between Ferris Bueller and Prince. Their music is a sonic and lyrical exploration of love, missed opportunities, desire and sexual liberation. Mint is using this as a vehicle for self-discovery and expression, as they develop their unique musical sound as a solo act while sharing their journey of self-acceptance with captivating and effortlessly catchy pop tunes. Leather, pleather, shimmer n’ glimmer – they are unapologetically queer – a pop prince tapping into their 80s and 90s influences, while being unabashedly themselves and having zero restrictions.

Luella

Luella est le projet musical de Liv Whitfield, une artiste de 20 ans basée à Kingston. Sa sonorité dreampop soul est surtout connue pour ses lignes de base accrocheuses, ses voix nettes et ses paroles honnêtes. Son premier album sorti en 2022, Luna, a été produit en collaboration avec son père, Zane Whitfield, au studio North of Princess (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). En moins d’un an, Luella a tranquillement accumulé quelque 30 000 streams vidéo et plus de 100 000 streams sur Spotify, tout en jouant à guichets fermés aux côtés de fanclubwallet, Dizzy et Claudia Bouvette. Le nouvel album de Luella, Summer Bummer, est un testament à ses dernières années de jeune fille, capturant l’essence douce-amère des étés éphémères, des tourments du premier amour et des cœurs inévitablement brisés. Cet album est plus audacieux, transmettant une nouvelle confiance en soi chez Luella, qui demeure néanmoins fidèle à la vulnérabilité qui la caractérise.

Luella is the musical project of 20-year-old Kingston-based artist Liv Whitfield. Her soulful dream-pop sound is most notable for its catchy baselines, crisp vocals, and honest lyrics. 2022 brought the release of her debut album, Luna, produced in collaboration with her father, Zane Whitfield, at North of Princess Studio (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). In less than a year, Luella quietly amassed 30k video streams, and over 100,000 streams on Spotify while playing sold-out shows alongside fanclubwallet, Dizzy, and Claudia Bouvette.
Luella’s newly released sophomore album, Summer Bummer, is a testament to her final years of girlhood, capturing the bittersweet essence of fleeting summers and the complexities of first love and inevitable heartbreak. This album is bolder with a newfound confidence all while staying true to her trademark vulnerability.

The Petras

The Petras est un groupe pop-rock indépendant entièrement féminin de Kingston, en Ontario. Inspiré par les rockers The Runaways et The Beaches, leur son distinctif mélange des sensibilités rétro et modernes avec un puissant mélange de voix captivantes, de solos mélodiques et de rythmes entraînants. Les Petras exploitent une énergie féminine unique dans leurs spectacles animés, proposant des chansons originales accrocheuses et des reprises percutantes avec une ambiance rebondissante, fraîche et amusante!

The Petras is an all-female, indie pop-rock band from Kingston, Ontario. Inspired by rockers The Runaways and The Beaches, their distinctive sound blends retro and modern sensibilities with a powerful mix of captivating vocals, melodic solos, and driving beats. The Petras tap into a unique female energy in their lively shows, serving up catchy original songs and kickin’ covers with a bouncy vibe that’s fresh and fun!

Almond Milk

Almond Milk est le projet audiovisuel emblématique de Simon Kerr, producteur et chanteur de 18 ans. Almond Milk joue avec les conventions de la pop et du hip-hop pour créer un son unique et captivant. Ses performances sont empreintes d’une énergie et d’un élan incroyables, et il fait vibrer le public avec son énergie et ses explorations audiovisuelles.

Almond Milk is the iconic audio-visual project of Simon Kerr, an 18 year old producer and singer. Almond Milk plays with pop and Hip-hop conventions to create a sound that is unique and captivating. His performances carry an incredible weight of energy and momentum, and he strives to shake the room with energy and audio-visual exploration.

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latino

Less Toches at Balattou

by Rédaction PAN M 360

Less Toches takes its name from a Latin-American bird, which is also a Colombian term for “clumsy.”

Humour and freedom trascend into a fresh and deep interpretation of the peasant and zesty spirit of Accordeon-based Colombian Cumbia. Pura parranda sabanera.

Less Toches emprunte son nom d’un oiseau latino-américain, et une expression colombienne voulant dire “maladroit”. L’humour et l’envol se traduisent en interprétation fraîche et deep de l’esprit paysan et riverain de la cumbia colombiana et la música de acordeón. Pura parranda sabanera.

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This content comes from Club Balattou and is adapted by PAN M 360.

Salsa

TEAM SALSA Sextet at Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

TEAM SALSA is a group formed by musicians from different countries who wish to express the rich essence of the Afro-descendant rhythms of “Salsa del Barrio” (Salsa From The Neighborhood) with the power of trombones, haunting harmonies and the energy of percussion. Marc Knight, founder of Team Salsa, grew up in New York City and brings the sound and swing found in the New York and Afro-Caribbean salsa style. The musicians of TEAM SALSA have accompanied many international salsa artists and now come together to bring the original sound of salsa to life.

TEAM SALSA est un groupe formé par des musiciens de différents pays qui souhaitent exprimer la riche essence des rythmes afro-descendants de ‘’Salsa del Barrio’’(Salsa From The Neighborhood) avec la puissance des trombones, les harmonies envoûtantes et l’énergie des percussions. Marc Knight, fondateur de Team Salsa, a grandi à New York et apporte le son et le swing trouvés dans le style de la salsa new-yorkaise et afro-caribéenne. Les musiciens de la TEAM SALSA ont accompagné de nombreux artistes internationaux du genre salsa et se réunissent maintenant pour faire vivre le son original de la salsa.

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This content comes from the Club Balattou and is adapted by PAN M 360.

MUTEK Forum 2024 : Electronic Music is BLACK Music

by Elsa Fortant

Last day for MUTEK Forum, last summary for PAN M 360. We close this series with a panel close to my heart: “Electronic Music is Black Music — Reclaiming and Tracing Electronic Music’s Roots, Present, and Future”. Fabienne Leys, G L O W Z I, Miquelle Skeete alias OmniDirectional Groove, and moderator Melissa Vincent explored the deep connections between electronic music, Black culture, and counterculture. The discussion opened thoughts about how electronic music, while often mainstreamed and commercialized, remains rooted in Afro-descendant and Black cultural expressions and innovations.

Anyone familiar with electronic dance music will recognize The Belleville Three and Underground Resistance as pivotal in bringing techno to the global stage. However, this panel delves deeper, exploring the broader cultural and historical contexts that have shaped the genre and its significance through time.

As Melissa Vincent’s stated right from the beginning, having this discussion during MUTEK’s 25th anniversary is highly symbolic, as electronic music provided the very foundation upon which MUTEK was built.

To start the conversation, each panelist recounted how they first connected with electronic music, highlighting the diverse paths that led them to the genre. For Fabienne Leys, pop radio served as her introduction, particularly with the influence of Pump Up The Jam by Technotronic. G L O W Z I’s journey began with exposure to Bran Van 3000 on MusiMax. Miquelle Skeete, with her classical music background, found her pivotal moment at a Kerri Chandler show in Toronto, which offered a premiere transformative spiritual experience outside a church.

During the discussion, Melissa Vincent asked about the social conditions and contexts that have shaped the legacy, past, and future of electronic music. G L O W Z I responded by describing electronic music as a creole art form, intricately woven around the world and differing from one region to another. She highlighted South Africa’s ongoing legacy, where the Gqom genre has created a unique listening experience, especially through the use of taxis as key venues for music. Miquelle added that electronic music allows Afro-descendant people to tap into ancestral rhythms, offering a full range of emotional expression. She emphasized that, unlike other forms, electronic music provides space for both positive and tense emotions, while Afro-descendant and Black people are relegated to express only positive emotions.

The panelists discussed the multifaceted nature of what is electronic music, emphasizing that it’s not just about sound, but also about embodiment and the ability to play with textures and rhythms that might not be considered musical in other contexts. Electronic music was described as a unifying force, a source of joy, and a global phenomenon. However, Fabienne Leys noted that exclusivity and accessibility remains a significant issue within communities of color. As she highlighted, social media has helped bring regional music movements, such as Amapiano, to the forefront and we witnessed the resurgence of house music in the pop landscape with Beyoncé’s Renaissance. Yet, challenges persist, at different levels: may it be the access to material resources (electronic music gear is expensive) or the critical issue of representation within the electronic music industry, particularly among decision-makers who have the power to position artists.

That said, and in a context where different narratives are being pushed by different forces (underground vs commercial): how do we ensure the right people get recognition?

To ensure the right people get recognition in the electronic music industry, the panel emphasized the importance of having the courage to say no to corporate influence. In other words: collective efforts matter. They stressed the need to maintain spaces that are inclusive and open to all, yet protected from corporate exploitation. Refusal, in this context, is a crucial political tool to preserve the integrity and authenticity of artistic communities.

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Mutek Forum 2024 – Storytelling For All

by Elsa Fortant

The panel Storytelling For All: Using Technology To Place Humans At The Core Of Experiences, presented by TAIT at Monument-National on August 22, explored how designers and engineers (mainly from TAIT) are transforming the way we experience physical and digital spaces, from theme parks to immersive installations to large-scale concerts.

To put people at the heart of the experience and “reach them where they are”, we first need to question our own biases and take the time to self-assess before we even start designing. While taking into account the diversity of the participants’ backgrounds, you need to be able to touch on what might unite them in the experience.

The discussion highlighted the importance of creating shared experiences where individuals can connect with each other, offering paths of engagement tailored to different audiences. The discussion also touched on corporate accountability in the implementation of large-scale experiences. A responsibility that must “come from the top”. Discussions surrounding this notion of accountability are often difficult to have, since the priorities and interests defended by operational teams often differ from those of executive teams and corporate leadership.

As a PhD candidate interested in music communities redeploying themselves on subscription-based sociofinancing platforms like Patreon, I was challenged by the idea that designing a Taylor Swift concert amounts to “building a community, a mini society”. This raises an ontological question: what is a community, and where and how does it exist? In my opinion, it’s not the design of the concert that builds a community, but as one element among many – it offers a framework within which an already existing community can be in a particular context. The community is neither born nor dies at these events: it exists independently and in other spaces, and the design helps to reinforce these ephemeral links. This synchronous experience shared by members of the community will then be integrated into the memory of part of the community, and in this way, perhaps, the design of the concert participates in its construction.

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expérimental / contemporain

Centre PHI: Pitchblack Playback – RITUAL par Jon Hopkins

by Jacob Langlois-Pelletier

Pour célébrer la sortie du nouvel album de Jon Hopkins, RITUAL, rejoignez-nous pour une expérience audio spatial dans l’espace de concert du Centre PHI le 5 septembre.

Cette célébration se poursuivra avec des séances d’écoute en petits groupes dans notre salle d’écoute, Habitat Sonore, du 6 au 8 septembre et du 13 au 15 septembre.

Une semaine après sa sortie officielle, le public aura l’occasion de découvrir le prochain album de Jon Hopkins, RITUAL (Domino Record), dans son intégralité au Centre PHI.

Contrepartie cinétique de la précédente sortie de l’artiste, l’odyssée introspective célébrée Music For Psychedelic Therapy, cette nouvelle œuvre est une piste unique. Une épopée cérémonielle de 41 minutes, construite à partir de basses caverneuses, de percussions hypnotiques et d’interactions mélodiques transcendantes. Tendue, immersive et triomphante, cette odyssée est la culmination des thèmes explorés au cours des 22 ans de carrière de l’artiste.

« Je n’ai aucune idée de ce que je fais quand je compose. Je ne sais pas d’où ça vient, ni où ça va. Je sais juste quand c’est terminé. Ce qui est clair, c’est que cette composition avait la structure d’un rituel. Je sais ce que ce celui-ci signifie pour moi, mais ce sera différent pour vous. Tout ce que je sais, c’est qu’il avait le pouvoir d’un outil, voire d’une machine, pour ouvrir des portails dans votre monde intérieur, pour débloquer des choses cachées et enfouies. Cela ne ressemble donc pas à un album, mais plutôt à un processus à traverser, quelque chose qui agit sur vous. » – Jon Hopkins

Construit avec amour et soin à partir de plusieurs centaines de composantes par une équipe de collaborateur·trice·s de confiance, Jon perçoit son rôle comme semblable à celui d’un « constructeur de temple », avec en main chaque brique et détail ayant été soigneusement façonnés et colorés au service de l’ensemble.

Les résultats de cette réjouissante entreprise de divination sonore seront disponibles en audio spatial pour que tout le monde puisse les découvrir dans la salle d’écoute immersive Habitat Sonore du Centre PHI.

To celebrate the release of Jon Hopkins’ new album, RITUAL, join us for a spatial audio experience in the PHI Centre concert space on September 5.

This celebration will continue with small-group listening sessions in our listening room, Habitat Sonore, from September 6 to 8 and September 13 to 15.

One week after its official release, the public will have the opportunity to discover Jon Hopkins’ next album, RITUAL (Domino Record), in its entirety at the PHI Center.

A kinetic counterpart to the artist’s previous release, the celebrated introspective odyssey Music For Psychedelic Therapy, this new work is a one-off track. A 41-minute ceremonial epic, built from cavernous bass, hypnotic percussion and transcendent melodic interplay. Tense, immersive and triumphant, this odyssey is the culmination of themes explored over the artist’s 22-year career.

“I have no idea what I’m doing when I compose. I don’t know where it’s coming from, or where it’s going. I just know when it’s finished. What is clear is that this composition had the structure of a ritual. I know what this one means to me, but it will be different for you. All I know is that it had the power of a tool, a machine even, to open portals into your inner world, to unlock hidden and buried things. So it doesn’t feel like an album, but more like a process to go through, something that works on you.” – Jon Hopkins

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Ce contenu provient du Centre PHI et est adapté par PAN M 360.

Electronic

Centre PHI x MUTEK: Habitat Sonore MUTEK 25 (17 au 31 août)

by Jacob Langlois-Pelletier

PHI célèbre les 25 ans du festival MUTEK avec une expérience d’écoute exclusive dans Habitat Sonore.

Venez célébrer les 25 ans du festival MUTEK en vivant une expérience unique mettant en avant des artistes qui explorent le mix spatialisé. Trois programmes sont à votre disposition et ce, pour une durée limitée.

PHI celebrates 25 years of MUTEK with an exclusive listening experience in Habitat Sonore.

Celebrate 25 years of MUTEK with a unique experience featuring artists exploring the spatial mix. Three programs are available for a limited time.

DU 17 AU 31 AOÛT

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Ce contenu provient du Centre PHI et est adapté par PAN M 360.

Electronic

MUTEK: Expérience 6

by Jacob Langlois-Pelletier

Tous les jours dès 17h, la scène extérieure gratuite accompagne les Montréalais·es et les touristes sous le signe de la fête, de l’éclectisme et de la rencontre des styles musicaux sur l’esplanade Tranquille. À noter que plusieurs surprises seront dévoilées cet été pour un plaisir augmenté en temps et dans l’espace.

Every day from 5 p.m., the free outdoor stage on the Tranquille esplanade accompanies Montrealers and tourists alike in a festive, eclectic mix of musical styles. A number of surprises will be unveiled this summer, for added pleasure in time and space.

Ribambel CA/QC | Persuasion CA/QC | Flabbergast CA/QC | Virginia DE/PT

CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT

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