Montréal

expérimental / contemporain / Indigenous peoples

Le Vivier/Semaine du Neuf : Dylan Robinson – sxelxéles te tl’etl’áxel / designs for inviting, les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

sxelxéles te tl’etl’áxel / designs for inviting est une performance qui s’interroge sur la manière dont les valeurs autochtones peuvent influencer la présentation de la musique nouvelle (mise en scène, formats de rassemblement) . En prenant comme point de départ des compositions de Linda Catlin Smith et Anna Höstman, Robinson collabore avec la chorégraphe Justine Chambers et le cinéaste Neven Lochhead pour explorer comment la préoccupation centrale de ces œuvres peut être approfondie à travers le geste et le film. Ensemble, les artistes cherchent à définir un nouvel espace de performance inspiré des valeurs autochtones (xwélmexw) de relation et des protocoles de rassemblement.

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous en dit davantage:

“Ce concert est lié à un symposium que les vidéastes organisent sur le commissariat pour et par les artistes autochtones. C’est  aussi une carte blanche donnée à Dylan Robinson, intellectuel autochtone de la nation Skwah  et qui est professeur à l’Université de Colombie-Britannique (UBC). Il a  écrit l’ouvrage  Hungry Listening. Si vous n’avez  pas lu ce livre, je le recommande fortement.”

Voici ce qu’en dit l’éditeur, University of Minnesota Press: Hungry Listening est le premier ouvrage à aborder l’écoute sous l’angle à la fois des peuples autochtones et des colons. Réponse critique à ce qu’on a appelé la « blancheur des études sonores », Dylan Robinson évalue comment les pratiques décoloniales d’écoute émergent d’une prise de conscience croissante de notre positionnement auditif.

“Dylan Robison, ajoute Jeffrey Stonehouse, modifie le point de départ, je pourrais dire. Il questionne les contextes dans lesquels la musique est présentée. Tout ça via un regard, en fait, non occidental. Il a choisi de programmer des œuvres de Linda Kaplan-Smith et d’Anna Hostman, deux compositrices canadiennes, une basée à Toronto, une sur la côte ouest. Elles travaillent avec un trio de musiciens: Pamela Reimer, claviers, Wesley Shen, clavecin, Anna Atkinson, qui est alto.  Ces artistes ont déjà travaillé  avec  Dylan à Vancouver. Il y a deux autres concepteurs, conceptrices qui sont impliqués dans ce projet, la chorégraphe Justine Chambers et le cinéaste Nevin Lockhead.” 

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Programme

Artistes

sxelxéles te tl’etl’áxel / designs for inviting is a performance that questions how Indigenous values can influence the presentation of new music (staging, gathering formats). Taking as a starting point compositions by Linda Catlin Smith and Anna Höstman, Robinson collaborates with choreographer Justine Chambers and filmmaker Neven Lochhead to explore how the central concern of these works can be deepened through gesture and film. Together, the artists seek to define a new performance space inspired by Indigenous (xwélmexw) values of relationality and gathering protocols.

Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, tells us more:

“This concert is linked to a symposium that the videographers are organizing on curating for and by Indigenous artists. It is also a carte blanche given to Dylan Robinson, an Indigenous intellectual from the Skwah Nation who is a professor at the University of British Columbia (UBC). He wrote the book Hungry Listening. If you haven’t read this book, I highly recommend it.”

Here is what the publisher, University of Minnesota Press, has to say about it: Hungry Listening is the first book to address listening from the perspective of both Indigenous peoples and settlers. A critical response to what has been called the “whiteness of sound studies,” Dylan Robinson assesses how decolonial practices of listening emerge from a growing awareness of our auditory positioning.

“Dylan Robison,” adds Jeffrey Stonehouse, “changes the starting point, I would say. He questions the contexts in which music is presented. All this through a non-Western perspective, in fact. He has chosen to program works by Linda Kaplan-Smith and Anna Hostman, two Canadian composers, one based in Toronto, the other on the west coast. They work with a trio of musicians: Pamela Reimer on keyboards, Wesley Shen on harpsichord, and Anna Atkinson on viola. These artists have already worked with Dylan in Vancouver. There are two other designers involved in this project, choreographer Justine Chambers and filmmaker Nevin Lockhead.”

Programme/program

-Anna Höstman: gestures… , 2025
-Linda Catlin Smith: gestures: after the rain/brocade , 2025
Program

Artists

classic rock / hommage

The Bowie Revisited Show au Studio-Cabaret

by Rédaction PAN M 360

Le Bowie Revisited Show n’est pas un simple spectacle de personnificateurs ou de sosies de David Bowie, ni de costumes au « look » androgyne glam rock, mais un spectacle d’envergure international, captivant les publics avec une interprétation unique et authentique de l’œuvre de Bowie. Issu du groupe The Box, ayant collaboré avec des artistes comme Bruno Pelletier, Boom Desjardins, Jean Leloup, Marie Carmen, etc., DANIEL VOLJ incarne vocalement David Bowie tout en assurant la direction musicale. Ce spectacle propose des arrangements et versions inédites des chansons de Bowie, tel que vous ne les avez jamais entendus ! Une véritable célébration de l’héritage musical que David Bowie nous a légué tout au long de sa carrière. De Ziggy Stardust à son dernier opus Black Star, préparez-vous à une soirée explosive, riche en sonorités et textures, qui vous transportera dans l’espace excentrique du « Thin White Duke » ! Sur scène, 6 musiciens professionnels chevronnés vous feront vivre une expérience musicale unique. Grâce à des nouvelles ressources techniques à la pointe de l’innovation, ce spectacle vous propose une ambiance sonore et visuelle sans précédent.

The Bowie Revisited Show is not just a performance of impersonators or David Bowie look-alikes, nor simply glam-rock androgynous costumes, but an international-scale show that captivates audiences with a unique and authentic interpretation of Bowie’s work. Hailing from the group The Box and having collaborated with artists such as Bruno Pelletier, Boom Desjardins, Jean Leloup, Marie Carmen, and others, DANIEL VOLJ vocally embodies David Bowie while also serving as the musical director. This show features never-before-heard arrangements and versions of Bowie’s songs, like you’ve never experienced! A true celebration of the musical legacy David Bowie left us throughout his career. From Ziggy Stardust to his final album Blackstar, get ready for an explosive evening, rich in sounds and textures, that will transport you into the eccentric world of the “Thin White Duke”! On stage, six seasoned professional musicians will deliver a unique musical experience. Thanks to cutting-edge technical innovations, this show offers an unprecedented sonic and visual atmosphere.

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Ce contenu provient de l’Espace St-Denis et est adapté par PAN M 360

chanson keb franco / hommage

Laetitia Isambert | De mémoire, Renée Claude à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Seule en scène entourée de quatre musicien.nes, Laetitia Isambert nous plonge dans l’univers créatif et foisonnant de Renée Claude à travers des archives et des textes inédits. La comédienne et chanteuse nous révèle ainsi une inventivité entravée par une époque qui tenait les femmes à l’écart de la création. Renée Claude a été une transmetteuse de chansons puissantes, qui disaient l’intime, le politique et le collectif. Mais à la fin de sa vie, la maladie d’Alzheimer lui a volé ses souvenirs, brouillant sa mémoire : une tragédie intime, mais aussi symbolique, celle d’une société qui oublie parfois les voix de ses pionnières. Bien que sa carrière ait pris son envol en plein cœur des années 70, décennie des possibles, la liberté de Renée se limitait à son rôle d’interprète. Elle chantait l’émancipation féminine, alors même que cet affranchissement ait été écrit par des hommes.

Singing solo, surrounded by four musicians, Laetitia Isambert immerses us in the creative and abundant universe of Renée Claude through archives and unpublished texts. The actress and singer thereby brings to light an inventiveness hampered by an era that kept women away from the creative process. Renée Claude was a powerful storyteller, whose songs spoke of intimacy, politics, and community. However, at the end of her life, Alzheimer’s disease robbed her of her memories, clouding her mind: a personal tragedy, but also a symbolic one, reflective of a society that sometimes forgets the voices of its pioneering women. Although her career took off in the heart of the 1970s – a decade filled with possibilities – Renée’s freedom was limited to her role as a performer. She sang about women’s emancipation, yet the lyrics about this liberation were written by men.

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Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

East African traditional music

Gass’Nay au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Gass’Nay est un groupe musical inspiré par les rythmes et les traditions profondes de Madagascar. Porté par une énergie collective, le groupe est formé de musiciens passionnés qui mêlent instruments traditionnels (guitare, grelot, percussions) et arrangements modernes pour offrir une musique vivante, enracinée et universelle. Au-delà des sons, Gass’Nay incarne une mission : faire résonner l’âme de Madagascar au-delà des frontières, à travers des messages d’unité, de joie et d’identité culturelle. En avril 2024, leur participation au Festival International de Cinéma Vues d’Afrique à Montréal a marqué une étape importante dans leur parcours, où ils ont fièrement représenté leur pays dans le cadre d’un échange culturel vibrant. Gass’Nay continue d’explorer les scènes locales et internationales, en portant haut les couleurs de leur île et l’authenticité de leur art.

Gass’Nay is a musical group inspired by the deep rhythms and traditions of Madagascar. Driven by collective energy, the group is made up of passionate musicians who blend traditional instruments (guitar, tambourine, percussion) with modern arrangements to offer vibrant, rooted, and universal music. Beyond the sounds, Gass’Nay embodies a mission: to let the soul of Madagascar resonate beyond borders, with messages of unity, joy, and cultural identity. In April 2024, their participation in the International Film Festival Vues d’Afrique in Montreal marked an important milestone in their journey, where they proudly represented their country as part of a vibrant cultural exchange. Gass’Nay continues to explore local and international stages, proudly showcasing the colors of their island and the authenticity of their art.

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Flamenco / Jazz / R&B

Syli d’Or : Naïka Champaïgne & AZARA au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Naïka Champaïgne est une artiste haïtienne et queer, multi-instrumentiste et multidisciplinaire, également actrice, modèle et entraîneuse professionnelle, née et élevée à Montréal (Tio’tia:ke). Son univers musical reflète la richesse de son identité et de ses influences, mêlant néo-soul, funk, folk, blues, rock et hip-hop. Passionnée de musique depuis son adolescence, elle a amorcé son parcours à l’école secondaire musicale, où elle a reçu une formation classique en clarinette et en saxophone avant de se tourner vers la composition et l’écriture de ses propres chansons. Peu après, elle fonde le duo Strange Froots avec Mags, développant un style singulier décrit comme de l’« alternative chill-soul ». Son univers riche et éclectique tisse des sonorités multiples à travers des textes poétiques et introspectifs. Après son premier album solo, Painted Imageries, qui explore la narration et l’imaginaire personnel, Naïka prépare la sortie de son deuxième opus, Purple N Blue, prévu pour 2025.
AZARA est un projet musical né à Montréal, ville-carrefour où les cultures se croisent et se réinventent. Porté par une âme andalouse et l’énergie créative de la scène montréalaise, le groupe fusionne les traditions du sud de l’Espagne avec les rythmes d’Amérique latine et l’esprit du jazz contemporain. Son univers mêle copla, bolero, rumba flamenca, salsa et flamenco-jazz dans un langage personnel et vibrant. Au cœur d’AZARA, il y a d’abord une volonté claire : raconter des histoires. Chaque chanson est pensée comme un voyage émotionnel. En concert, AZARA offre une expérience immersive et chaleureuse, marquée par l’expressivité du chant, la complicité des musiciens et cette énergie andalouse capable de passer d’une douce mélancolie à une fête ensoleillée. AZARA propose une musique sincère, métissée et profondément habitée, qui célèbre la rencontre des cultures et la vitalité de Montréal.

Naïka Champaïgne is a Haitian and queer multi-instrumentalist and multidisciplinary artist — also an actor, model, and professional trainer — born and raised in Montreal (Tio’tia:ke). Her musical universe reflects the richness of her identity and influences, blending neo-soul, funk, folk, blues, rock, and hip-hop. Passionate about music since her teenage years, she began her journey at a music-focused high school, where she received classical training in clarinet and saxophone before turning to songwriting and composition. Shortly after, she co-founded the duo Strange Froots with Mags, developing a distinctive style described as “alternative chill-soul.” Her eclectic sound weaves together diverse influences through poetic and introspective lyrics. Following her first solo album, Painted Imageries—an exploration of storytelling and personal imagination—Naïka is preparing the release of her second project, Purple N Blue, expected in 2025.
AZARA is a musical project born in Montreal, a crossroads city where cultures meet and reinvent themselves. Driven by an Andalusian soul and the creative energy of Montreal’s vibrant music scene, the group fuses the traditions of southern Spain with Latin American rhythms and the spirit of contemporary jazz. Its sound blends copla, bolero, rumba flamenca, salsa, and flamenco-jazz into a personal and expressive musical language. At the heart of AZARA lies a simple yet powerful intention: to tell stories, each song conceived as an emotional journey. On stage, AZARA delivers a warm and immersive experience, marked by expressive vocals, musical chemistry, and that distinctive Andalusian energy that moves effortlessly from gentle melancholy to joyful celebration. The project offers sincere, cross-cultural, and deeply heartfelt music that celebrates both cultural encounters and Montreal’s creative vitality.

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Afro-Cuban / Jazz / Zouglou

Syli d’Or : Rooty Naky And The Rootables & Sal de Calle au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Formé en 2021 dans la région d’Ottawa-Gatineau, Rooty Naky and the Rootables est un groupe aux sonorités métissées, puisant dans le reggae, la neo soul, l’afrobeats et diverses influences africaines. Mené par Rooty Naky (chanteur et guitariste), le collectif réunit Queen Abi, Howie, Jerry, King David, Chris Leblanc, Blaise et Marco, unis par une même énergie et une vision musicale tournée vers la paix, l’amour et la justice. Depuis leurs débuts, ils se produisent sur de nombreuses scènes locales, notamment au festival de la rue Eddy et à l’Afrofest en 2024, puis au Kichesippi Festival et à l’Afrofest Ottawa en 2025. Leur premier single, SEÏKO, a marqué un tournant, remportant l’adhésion du public. Multilingues, ils chantent en français, anglais et dans plusieurs langues africaines, créant un pont entre cultures et générations. Leur devise, « Humanity First » (L’humanité d’abord), résume leur mission : célébrer la diversité et rappeler que, par-delà les différences, c’est l’humanité qui nous unit tous.
Sal de Calle est un collectif musical qui fusionne les rythmes afro-cubains (son, rumba, musique sacrée) avec l’énergie et la liberté du jazz. Réunissant des musiciens de Cuba, du Brésil, de France et du Canada, il crée une musique vibrante où se mêlent chants puissants, percussions envoûtantes et improvisations audacieuses. Chaque performance est une célébration vivante, alliant ferveur rythmique et richesse instrumentale, offrant une expérience à la fois festive et immersive. Au-delà de la danse et du partage, Sal de Calle rend hommage à une histoire profondément marquée par l’héritage afro-descendant, une mémoire de souffrance et de résilience qui a donné naissance à un foisonnement artistique libérateur. À travers cette fusion, le collectif tisse un pont entre tradition et modernité, incarnant la force et la beauté d’une culture en perpétuelle évolution.

Formed in 2021 in the Ottawa-Gatineau area, Rooty Naky and the Rootables blends reggae, neo soul, afrobeats, and a variety of African musical influences. Led by Rooty Naky (singer and guitarist), the band features Queen Abi, Howie, Jerry, King David, Chris Leblanc, Blaise, and Marco—a collective united by a vibrant energy and a shared message of peace, love, and justice. Since their debut, they have performed at numerous local events, including Festival de la rue Eddy and Afrofest in 2024, followed by Kichesippi Festival and Afrofest Ottawa in 2025. Their first single, SEÏKO, was warmly received and marked an important milestone in their musical journey. Multilingual in French, English, and several African languages, they create a universal connection that transcends cultural and linguistic barriers. Their guiding motto, “Humanity First,” encapsulates their vision: celebrating diversity and reminding everyone that, beyond our differences, it is our shared humanity that truly unites us.
Sal de Calle is a musical collective that blends Afro-Cuban rhythms (son, rumba, sacred music) with the energy and freedom of jazz. Bringing together musicians from Cuba, Brazil, France, and Canada, the group creates a vibrant sound where powerful vocals, mesmerizing percussion, and bold improvisations come together. Each performance is a dynamic celebration, combining rhythmic intensity with rich instrumentation for a festive and immersive experience. Beyond dance and celebration, Sal de Calle pays tribute to the Afro-descendant heritage, a history of struggle and resilience that has given rise to a powerful artistic expression. Through this fusion, the collective builds a bridge between tradition and modernity, embodying the strength and beauty of an ever-evolving culture.

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classique / musique de film

OSM : La magie de Harry Potter

by Rédaction PAN M 360

Depuis la sortie du film Harry Potter à l’école des sorciers, il y a 25 ans, l’engouement pour la célèbre série fantastique et ses personnages de Poudlard n’a cessé de croître. Redécouvrez les mélodies légendaires de ces films emblématiques, composées par John Williams. Que vous soyez Serpentard, Gryffondor, Poufsouffle ou Serdaigle, revêtez les couleurs de votre maison et venez vivre cette aventure en famille!

Since the release of the film Harry Potter and the Sorcerer’s Stone 25 years ago, the beloved fantasy series and its Hogwarts characters have continued to captivate audiences. Relive the unforgettable melodies from these iconic films, composed by John Williams. Whether you belong to Slytherin, Gryffindor, Hufflepuff, or Ravenclaw, don your house colours and bring the entire family for this magical adventure!

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classique / musique contemporaine / Piano

OSM : L’ensorcelant Oiseau de feu de Stravinsky

by Rédaction PAN M 360

Lauréat du Concours OSM en 2022 et du Concours international de piano de Leeds, le Canadien Jaeden Izik-Dzurko amorce une brillante carrière pianistique. Venez l’écouter dans ce concert au format réduit animé par Philippe-Audrey Larrue-St-Jacques, dans le Concerto de Grieg : une œuvre qui séduit par son irrésistible mélange de lyrisme et de vigueur. Laissez-vous ensuite charmer par la féérie de L’Oiseau de feu, dont les somptueuses couleurs orchestrales créent un véritable enchantement sonore.

Canadian pianist Jaeden Izik-Dzurko, who launched a stellar career after winning the 2022 OSM Competition and the Leeds International Piano Competition, takes the stage in this intimate concert hosted by Philippe-Audrey Larrue-St-Jacques. Hear him perform Grieg’s Piano Concerto, a piece known for its captivating mix of lyricism and vigour. Then, allow yourself to be swept away by the enchanting beauty of The Firebird, where lush orchestral colours paint a mesmerizing sonic landscape.

Programme

Edvard Grieg, Concerto pour piano, op. 16 (30 min)
Igor Stravinsky, L’Oiseau de feu, Suite pour orchestre (1919) (23 min)

Program

Edvard Grieg, Concerto for Piano, Op. 16 (30 min)
Igor Stravinsky, The Firebird, Suite for Orchestra (1919) (23 min)

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classique / période romantique / Piano

Ronald Brautigam – Les impromptus de Schubert à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

L’un des meilleurs interprètes actuels du pianoforte propose un programme tout Schubert, à l’image de son plus récent disque paru chez BIS. Celui qui fut l’élève du grand Rudolf Serkin est réputé expert dans le répertoire du romantisme naissant et en fait ici la démonstration avec ces Impromptus attachants.

One of the world’s leading fortepianists presents an all-Schubert programme in the wake of his 2024 Schubert sonatas album for BIS Records. Brautigam, who studied under the great Rudolf Serkin, displays his mastery of the early Romantic repertoire by performing Schubert’s beloved Impromptus.

Programme/program

SCHUBERT Impromptus, D. 899 et/and D. 935

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classique / musique contemporaine / Poetry

Brett Polegato & Stephen Hargreaves à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

La poésie est au cœur de ce concert qui illustre la manière dont les compositeurs puisent leur inspiration dans les textes de grandes femmes de lettres, de la Torontoise Gil Adamson à l’Américaine Emily Dickinson. Leurs mots sont ici portés par le baryton Brett Polegato, renommé pour sa voix brillante et envoûtante.

This vocal recital has poetry at its core. With his brilliant baritone voice, the renowned Brett Polegato sings the words of great women authors from Emily Dickinson to Torontonian Gil Adamson, showing clearly why their poems have inspired composers past and present.

Programme

VAUGHAN WILLIAMS Four Poems by Fredegond Shove (extraits)
Julian PHILIPS Swift Partitions (extraits) sur des poèmes d’Emily Dickinson  
John ESTACIO Création inspirée sur des poèmes de Gil Adamson 
Matthew RICKETTS Songs for Judith sur des poèmes de Edna St. Vincent Millay

Program

VAUGHAN WILLIAMS Four Poems by Fredegond Shove (excerpts)
Julian PHILIPS Swift Partitions (excerpts) on poems by Emily Dickinson  
John ESTACIO New work inspired by poems by Gil Adamson (premiere)
Matthew RICKETTS Songs for Judith on poems by Edna St. Vincent Millay

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classique / Piano / post-romantique

Intégrale des sonates pour piano de Prokofiev – Concert 2 : Un nouveau classicisme à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

L’un des 15 meilleurs pianistes canadiens de tous les temps selon la CBC, David Jalbert nous mène sur le chemin passionnant des sonates pour piano de Prokofiev ! Dans une intégrale en trois concerts-événements, ce projet s’inscrit dans la foulée de ses enregistrements chez ATMA Classique. Entre introspection et virtuosité, romantisme et modernité, ces œuvres reflètent le parcours et la vie de ce compositeur visionnaire.

This concert echoes the performers’ Japanese and European roots—a blend of influences also found in the music of Tōru Takemitsu, an illustrious Japanese composer who was profoundly influenced by Debussy. Spirited and lyrical sonatas by Mozart and Brahms perfectly round out this programme.

Programme

PROKOFIEV
Sonate pour piano no 4 en do mineur, op. 29
Sonate pour piano  no 2 en ré mineur, op. 14
10 pièces pour piano, op. 12 (extraits)
Sonate pour piano no 6 en la majeur, op. 82

Program

PROKOFIEV
Piano Sonata No. 4 in C minor, Op. 29
Piano Sonata No. 2 in D minor, Op. 14
Ten Pieces for Piano, Op. 12 (excerpts)
Piano Sonata No. 6 in A major, Op. 82

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danse / Electronic / Minimalist / Post-Minimalist

Overwhelmed by LA(HORDE)

by Frédéric Cardin

In Age of Content, presented from February 27 to March 7, 2026, at the Maisonneuve Theatre of the Place des Arts in Montreal, the audience is hit head-on by a rolling fire of post-industrial transhumanist urban aesthetics. I can testify to the power of this hyper-contemporary creation that questions human nature, and this in a construction that goes against contemporary developments.

Machinist fetishism

The interior of an industrial warehouse. A car enters through the curtains at the back of the stage. A car carcass, rather, a simple remote-controlled skeleton, on which a first dancer will begin to curl up, leading to a kind of sexual fetishism reminiscent of David Cronenberg’s Crash. Isn’t there a kind of selfie masturbation in every person who seeks to appropriate a tool (mechanical/electronic) in order to climb to its peak and go viral? Why? Attracting attention? That’s exactly what happens. And when we invite others to admire what we are and what we possess, we also potentially invite them to want to take it away from us. There, you understand what’s coming.

Human beings are conflict.

Another dancer arrives, wants to take over the machine. Fight. Others join the brawl, which turns into a civil war. The car itself dances (an ingenious hydraulic system making it sway from left to right and back and forth), to music that oscillates between ambient electro, celestial choral, and pulsating techno. Bravo Pierre Aviat (excerpts from pieces like The Age of Dragons, Army of Love, Shishi Odoshi, etc.) for avoiding drowning everything in beats, while occasionally indulging in it. It makes the whole thing much more subtle, more refined, less literal. And absolutely not superficial. 

Finally, what is this? A humanity that bows before machinery? Who fades away in front of the synthetic technique/culture of the web? That’s what we can guess. But there might be more as well. Your humble chronicler missed the pre-show discussion. I therefore allow myself to jot down some impressions and intuitions here. Also aided by the indispensable “+1” that accompanied my evening. Thank you, Claudia, for your insights!

Impressions and intuition will indeed be the main recourse for most of those who go to see this stunning show.

Here is the first act (there will be four) dissected. We are already captivated. LA(HORDE) is a trio of choreographers/dance artists who lead the National Ballet of Marseille. Have you ever seen that elsewhere, a classical dance company led by a trio of artists raised on street/geek/platinum culture? Well, hats off for the audacity. It works great.

But let’s continue.

Androids and their fantasies

A second tableau features a first character that we quickly identify as a robot. Not the kind from the 80s, a bit too stiff in its movements. Rather the more recent models. Those that are about to enter our homes, our factories, our restaurants. And who will do work similar to ours. There is still something jerky about the movements, but with a more beautiful elegance, a kind of fluidity punctuated by vital pulses, like mechanical breaths. In short, the aforementioned roboto is joined by others, and more. They are everywhere. Have they replaced humans? Dunno. But something is happening: they begin to examine each other, to “physicalise” together in violent and clumsy simulations of a kind of sexual exchanges.

At the back of the stage, the curtains have given way to a dark and misty set. We’re in Blade Runner, or something like that. Do Androids Dream of Electric Sheep? That’s the original title Philip K. Dick gave to his novella that inspired the well-known film. Here, we wonder if they have sex using telescopic rods and motor oiled cavities. Always this music that mixes minimalism, choral transcendence, and a rumbling beat. Uncertainty, then, but beauty, seduction, despite the strangeness. And it moves, it bubbles with contained energy then released. You can’t look away.

Choreographing group intercourse

The third tableau leaves one a bit more perplexed, even though it is fascinating. One wonders if the humans have returned or if the androids have “mutated”? In short, continuing from the previous momentum, we see them become completely lascivious, in a sort of virtuoso orgy, both explicit and anti-vulgar. I have rarely seen such an ability to evoke different sexual acts, almost pornographic, with such perfect success in doing so with elegance and respect. You will have to see it to understand.

Final ecstasy

The final act is a kind of sensory ecstasy that summons the eyes (a true choreographic whirlwind) and the ears (music by Philip Glass: The Grid excerpt from Koyaanisqatsi). For about fifteen minutes, which turn into a collective buzz and an aesthetic-spiritual trance, the dancers seem to celebrate life in the most visceral and cathartic way possible, in an explosion of happiness.

Victory of the human? Humanism? Or a perfect symbiosis between machine and organic, what is called transhumanism? It doesn’t matter. It’s just masterful, captivating, enchanting, utterly gripping. We are out of breath. We can’t even imagine the artists themselves.

Age of Content continues until March 7, 2026. Don’t miss it.

DETAILS AND TICKETS

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