dream pop / Electro-Pop / pop symphonique

Ghostly Kisses et l’Orchestre FILMharmonique à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Éthéré, intime et profondément émouvant : l’univers dream-pop de Ghostly Kisses prend une tout autre ampleur avec l’Orchestre FILMharmonique, sous la direction de Francis Choinière Issu d’un univers délicat où la sensibilité règne, Ghostly Kisses – projet musical de la chanteuse et violoniste québécoise Margaux Sauvé et du compositeur et réalisateur québécois Louis-Étienne Santais – s’est d’abord fait remarquer avec des EPs empreints d’onirisme, dont The City Holds My Heart et Alone Together. Avec leur premier album Heaven, Wait paru en 2022, puis Darkroom en 2024, le duo a su toucher un public international grâce à une écriture introspective et à une esthétique à la fois électro-pop et profondément organique. Un pont entre l’intime et l’immense – voici la musique de Ghostly Kisses comme vous ne l’avez jamais entendue : immersive, lumineuse et inoubliable.

Ethereal, intimate, and achingly beautiful: Ghostly Kisses’ dream-pop universe takes on a breathtaking new dimension with the FILMharmonique Orchestra, under the baton of Francis Choinière. Born from a world where sensitivity reigns, Ghostly Kisses – the musical project of Québec singer and violinist Margaux Sauvé and composer and producer Louis-Étienne Santais – first drew attention with a series of dreamy EPs, including The City Holds My Heart and Alone Together. With their debut album Heaven, Wait released in 2022, followed by Darkroom in 2024, the duo has reached an international audience thanks to introspective songwriting and an aesthetic that blends electro-pop textures with a deeply organic, emotional core. A bridge between the intimate and the immense – this is Ghostly Kisses as you’ve never heard them before: immersive, luminous, and utterly unforgettable.

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chanson keb franco / Orchestral Folk / Pop-Rock

Louis-Jean Cormier et l’Orchestre FILMharmonique à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Depuis plus de vingt ans, Louis-Jean Cormier explore l’intime avec une sensibilité qui a marqué le paysage musical québécois. Son univers poétique prend une nouvelle dimension lors d’un concert symphonique exceptionnel aux côtés de l’Orchestre FILMharmonique. L’auteur-compositeur-interprète revisitera les chansons les plus marquantes de son répertoire avec des arrangements orchestraux inédits signés Francis Choinière. Un mariage musical saisissant où chaque morceau gagne en profondeur et en émotion.

For more than twenty years, Louis-Jean Cormier has explored the intimate with a sensitivity that has left a lasting mark on Quebec’s musical landscape. His poetic world takes on a new dimension in this exceptional symphonic concert alongside the FILMharmonique Orchestra. The singer-songwriter revisits the most significant songs from his repertoire in brand-new orchestral arrangements by Francis Choinière. A striking musical union in which each piece gains depth and emotional power.

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classique / musique de chambre / période romantique

OSM : D’un quatuor à l’autre

by Rédaction PAN M 360

À seize ans, Schubert signe un Quatuor plein d’élan, héritage de ses concerts familiaux. Debussy, quant à lui, apporte à son unique Quatuor des harmonies inédites et un lumineux jeu de couleurs sonores. Avec Dreams, Ian Cusson offre une musique évocatrice inspirée d’un film japonais, où chaque mouvement déploie son propre imaginaire. Concert de musique de chambre

At sixteen, Schubert composed a quartet brimming with youthful energy, a legacy of his family concerts. Debussy, in turn, infused his only quartet with bold harmonies and a luminous play of tonal colors. With Dreams, Ian Cusson offers evocative music inspired by a Japanese film, where each movement unfolds its own imaginative world. Music chamber concert

Programme

Franz Schubert, Quatuor à cordes nᵒ10 en mi bémol majeur, D.87
Ian Cusson, Yume (Dreams) pour quatuor à cordes
Claude Debussy, Quatuor à cordes en sol mineur, op.10

Program

Franz Schubert, String Quartet no. 10 in E-flat major, D. 87
Ian Cusson, Yume (Dreams) for String Quartet
Claude Debussy, String Quartet in G minor, op. 10

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classique / Création / musique contemporaine

OSM : Prix Azrieli de musique

by Rédaction PAN M 360

Découvrez la puissance de l’Orchestre dans les premières mondiales des lauréats des Prix de musique Azrieli 2026. Le programme aborde des thèmes allant des sacrifices en Pologne à l’énigme médiévale, en passant par l’héritage des trobairitz occitanes et des paysages canadiens évocateurs. Avec des solistes à la viole de gambe, au thérémine et au violoncelle, ce concert offre un voyage musical unique. Créés en 2014, les Prix de musique Azrieli comptent parmi les grands concours de composition au Canada.

Experience the Orchestra’s power in the world premieres of the 2026 Azrieli Music Prizes laureates. The program spans themes from sacrifice in Nazi-occupied Poland to a centuries-old riddle, the legacy of Occitan trobairitz, and evocative Canadian landscapes. With soloists on viola da gamba, theremin and cello, this concert offers a unique musical journey. Created in 2014, the Azrieli Music Prizes are now among Canada’s major composition competitions.

Programme/progam

Hana Ajiashvili, Riddle
Adrian Mocanu, de l’encra escafada (« from faded ink”)
Dalit Hadass Warshaw, Letter From Across the River
Nicholas Denton Protsack, Height of Land

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Electronic / House / Techno

Piknic Électronik : Eli Brown et plus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

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Electronic / Minimal Techno / Progressive House

OfF Piknic : Steve Angello et plus au parc Jean-Drapeau

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Electronic / expérimental / contemporain

Le Vivier : Albane Tamagna – Les gens qui partent à la salle Bleue de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Cette performance musicale et documentaire explore les identités relatives aux déplacements à travers la flûte, l’électronique et la parole collectée. Le projet s’inscrit dans les territoires traversés et propose de collecter les voix d’ici et les amener à les faire entendre ailleurs. Ce projet de création musicale et documentaire interroge les notions de déplacement, de frontière et d’identité à partir d’une expérience incarnée du terrain. Porté par la flûte comme instrument central, enrichi par l’électronique, le son documentaire et la parole collectée, le projet tisse un lien étroit entre écriture musicale contemporaine et récits de vies traversées par le départ. La forme scénique dépasse le concert pour proposer une expérience immersive, où le corps de l’interprète, l’espace et le son dialoguent constamment. À la croisée du politique et de l’intime, le projet cherche moins à expliquer qu’à faire ressentir, en ouvrant un espace d’écoute pour des voix souvent invisibilisées.

This musical and documentary creation explores displacement, borders, and identity through an embodied, field-based approach. Centered on the flute and enriched by electronics, documentary sound, and collected voices, the project weaves contemporary musical writing with lived narratives shaped by departure and migration. Testimonies gathered in border territories — notably around the Mediterranean and along the U.S.–Mexico border — become a core artistic material, transformed and fragmented through sound and instrumental gesture. The stage form moves beyond the concert format to create an immersive experience, where the performer’s body, space, and sound are in constant dialogue. Positioned at the intersection of the political and the intimate, Les gens qui partent does not seek to explain but to evoke, opening a space of deep listening for voices that are often unheard or marginalized.

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Électro / Folk / Indie

Mundial Montréal : Chances à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Forte de son nouvel album, And Now You Become a Seeker, où folk et électro s’unissent avec audace et délicatesse, la formation CHANCES propose un spectacle unique et immersif. Porté par des harmonies vocales captivantes, des percussions vibrantes et des arrangements à la fois raffinés et intenses, l’ensemble trace une musique lumineuse, profondément tournée vers l’humain. Fondé en 2016 par Chloé Lacasse (clavier, guitare, voix), Geneviève Toupin (guitare, clavier, accordéon, voix) et Vincent Carré (batterie, percussions), Chances puise dans ses racines francophones, anglophones et métissées pour façonner une identité musicale unique en son genre. Entre textures organiques et sonorités électroniques, le trio célèbre la diversité culturelle et la force du collectif à travers une musique sensible et innovante.

With their new album, And Now You Become a Seeker, in which folk and electronic music blend with boldness and delicacy, the band CHANCES presents a unique and immersive show. Driven by captivating vocal harmonies, vibrant percussion, and arrangements that are both refined and intense, the group creates luminous music that is deeply rooted in the human experience. Founded in 2016 by Chloé Lacasse (keyboards, guitar, vocals), Geneviève Toupin (guitar, keyboards, accordion, vocals), and Vincent Carré (drums, percussion), Chances draws on its French-speaking, English-speaking, and mixed-heritage roots to forge a musical identity that is one of a kind. Blending organic textures with electronic sounds, the trio celebrates cultural diversity and the power of community through sensitive and innovative music.

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Baroque / East African traditional music

Concert at the 9th Floor : the African essence of the chaconne

by Frédéric Cardin

Yesterday was the first concert in the VoixMonde series, led by percussionist Ziya Tabassian. A series that will take us later this season to China, Latin America and the Jewish world of klezmer (with the Montrealer Socalled). Yesterday at 5 PM in the Art Deco panorama on the 9th floor of the Eaton Centre in Montreal, it was the African essence of Rwanda taking the stage, with singer and musician Deo Munyakazi, performer of the inanga, a traditional instrument at the heart of the traditions of this small country in the Great Lakes region of Africa.

The uniqueness of the VoixMonde series, and also its mission, is to enable a dialogue between non-European scholarly traditions and Western classical music. Thus, for the needs of this dialogue, violinist Karin Cuellar and baroque cellist Kyran Assing joined Munyakazi, as well as Ziya Tabassian himself on percussion.

In a one-hour program, we heard beautifully unfolded melodies by Munyakazi’s assured voice, which is elegantly accompanied by his plucked-string instrument, whose body somewhat resembles a concave surfboard. The sound that rises from this instrument is very soft, very velvety, but sometimes has to fight a losing battle against the greater power of his Western companions, despite the amplification. In the last piece, Ngwino urare, Munyakazi came out of his general reserve, standing up and urging the audience to sing along with him. This reserve was perhaps imposed by the venue itself, as I have seen and heard this musician elsewhere, and he knows how to get the audience up with considerable energy.

The intersection between Rwandan tradition and classical music was made through two chaconnes by relatively obscure composers of the European Baroque: Antonio Bertali (1605-1669) and Nicola Matteis (1650-1713). The reason for this historically plausible dialogue lies in the origins of this form, initially danced in the Spanish colonies. These were already a space of syncretism between Spanish, indigenous, and especially African cultures, stemming from the slave trade. Obviously, all of this was largely distilled into the final European result, but the nod served as sufficient justification to allow Deo Munyakazi (and Ziya Tabassian on percussion) to integrate into the musical play of the two baroque specialists (Cuellar and Assing). I would have liked Munyakazi’s inanga to play a bigger role, though. He was very discreet (and only present in Matteis’ chaconne). A polite crossover, then, but nevertheless some beautiful musical moments, especially with regard to the violinist Karin Cuellar, a very good interpreter of early music. In the continuo, Assing, who is equally good, did not have much space to shine. But that is the nature of much of the music from that era for the cello.

Finally, we were treated to a pleasant and respectful meeting, a chic interculturalism that was sometimes touching, and high-quality melodies (like the one in the video above). A program perfectly calibrated for the imposing aura of the 9th floor.

Free Jazz / Modern Jazz

Festival Flux : Bill Cole + Ras Burnett + Althea SullyCole + Taylor Ho Bynum + Bob Stewart à la Chapelle Saint-Louis

by Rédaction PAN M 360

Bill Cole

Bill Cole est un musicien de jazz, compositeur, pédagogue et auteur américain. Innovateur reconnu, il marie avec brio les sonorités d’instruments non tempérés à une forme d’art américaine : le jazz. Cole se spécialise dans les instruments à vent non occidentaux, particulièrement ceux à anche double, notamment les sonas chinoises; les hojok et piri coréens; les nagaswaram et shehnai indiens; et la trompette tibétaine. Il joue également du didgeridoo australien et de la flûte ghanéenne. Pendant 31 ans, il a dirigé l’Untempered Ensemble, groupe qu’il a fondé en 1992. Il s’est produit avec Sam Rivers, Billy Bang, Jayne Cortez, Julius Hemphill, Ornette Coleman, James Blood Ulmer, William Parker, Fred Ho, Gerald Veasley et plusieurs autres, notamment au Carnegie Hall, au Lincoln Center, au Town Hall et à Symphony Space, ainsi que dans de nombreuses salles aux États-Unis et en Europe. Ses enregistrements ont paru sur l’étiquette Boxholder Records.

Bill Cole is an American jazz musician, composer, educator and author. An admired innovator, Cole successfully combines the sounds of untempered instruments with an American art form – jazz. Cole specializes in non-Western wind instruments, especially double reed horns: including Chinese sonas, Korean hojok and piri; Indian nagaswarm and shenai and Tibetan trumpet; as well as the Australian didgeridoo and Ghanaian flute. For 31 years Cole led the Untempered Ensemble, a group he founded in 1992. He has performed with Sam Rivers, Billy Bang, Jayne Cortez, Julius Hemphill, Ornette Coleman, James Blood Ulmer, William Parker, Fred Ho, Gerald Veasley and others; at Carnegie Hall, Lincoln Center, Town Hall, Symphony Space and venues around the U.S. and in Europe; and has recorded for Boxholder Records.

Ras Burnett

Ras Burnett est un saxophoniste, flûtiste, compositeur, auteur et pédagogue né à Brooklyn. Issu d’une famille de musiciens, il a été initié à la musique par son grand-père et son père, tous deux saxophonistes et compositeurs. Il a étudié auprès d’eux tout en jouant au sein d’ensembles scolaires, de la cinquième année jusqu’à la fin de ses études secondaires. Dès 1987, il se produit avec des groupes de reggae locaux et des ensembles de percussions africaines,à parallèlement à un engagement de longue date envers le free jazz. Il obtient en 2018 un baccalauréat en études musicales de SUNY Empire State College, puis, en août 2023, une maîtrise en composition musicale du Vermont College of Fine Arts. Il a reçu des bourses de la Jerome Foundation, de New Music USA et de Media Alliance Inc. Ras croit profondément au pouvoir de la musique créative et à sa capacité de susciter des transformations sociales et personnelles.

Ras Burnett is a Brooklyn born saxophonist, flautist, composer, writer and educator. He hails from a musical family via his grandfather and father, both saxophonist/composers. He studied music with both as well as public school bands from 5th grade through high school. In 1987 he began performing in local reggae bands and African drum ensembles concurrent with his lifelong free jazz engagement. In 2018 he received a BA in Music Studies from SUNY/Empire State College and in August 2023, his MFA in Music Composition from Vermont College of Fine Arts. He is a recipient of grants from The Jerome Foundation, New Music USA and Media Alliance Inc. Ras believes in the power of creative music and its effect on social and personal change.

Althea SullyCole

Althea Sully Cole est une multi-instrumentiste, compositrice et ethnomusicologue originaire de New York. Elle vit actuellement à Montréal, où elle est professeure adjointe d’ethnomusicologie à l’École de musique Schulich de l’Université McGill. Althea a étudié son instrument principal, la kora — une harpe à 21 cordes originaire de la région mandingue d’Afrique de l’Ouest — auprès des koristes Yacouba Sissoko et Edou Manga. Elle a également consacré trois années à l’étude de l’instrument à Dakar, au Sénégal. Outre son travail en solo, elle a collaboré avec Billy Harper, Billy Bang, Fred Ho, Daara J Family, Sahad Sarr, Royal Messenger, LaFrae Sci, Lisette Santiago, Joseph Daley, Craig Harris et son père, Bill Cole, parmi de nombreux autres artistes.

Althea SullyCole is a multi-instrumentalist, composer, and ethnomusicologist from New York City. She is currently based in Montréal, QC, where she is Assistant Professor of Ethnomusicology at the Schulich School of Music at McGill University. Althea studied her primary instrument, the kora, a 21-stringed harp from the Mandé region of West Africa, under korists Yacouba Sissoko and Edou Manga. She spent 3 years studying the instrument in Dakar, Senegal. In addition to her solo work, she has worked with Billy Harper, Billy Bang, Fred Ho, Daara J Family, Sahad Sarr, Royal Messenger, LaFrae Sci, Lisette Santiago, Joseph Daley, Craig Harris and father Bill Cole, among many others.

Taylor Ho Bynum

Taylor Ho Bynum est un interprète, compositeur et chef d’ensemble accompli. Il dirige l’ensemble de jazz et de musique créative du Dartmouth College, où il enseigne également la composition et l’improvisation. Ses activités éclectiques comprennent la direction de ses propres formations — dont son Sextet, actif depuis de nombreuses années, et The PlusTet, son orchestre créatif de 15 musiciens —, ses Acoustic Bicycle Tours, dans le cadre desquels il parcourt des milliers de kilomètres à vélo pour se rendre à ses concerts, ainsi que son engagement auprès de la Tri-Centric Foundation d’Anthony Braxton. Il en a été le directeur général de 2010 à 2018, produisant de nombreux projets majeurs de Braxton et y participant comme interprète, notamment deux opéras et plusieurs festivals. Bynum a travaillé avec des figures légendaires telles que Bill Dixon et Cecil Taylor. Il poursuit aujourd’hui différents projets avec des artistes novateurs de sa génération, dont Tomas Fujiwara, Mary Halvorson et Tomeka Reid.

Taylor Ho Bynum is an accomplished performer, composer, and bandleader. He is the director of the jazz and creative music ensemble at Dartmouth College, where he also teaches composition and improvisation. His varied endeavors include leading his own bands (such as his long-running Sextet and his 15-piece creative orchestra The PlusTet), his Acoustic Bicycle Tours (where he travels to concerts solely by bike across thousands of miles) and his stewardship of Anthony Braxton’s Tri-Centric Foundation (which he served as executive director from 2010-2018, producing and performing on many major Braxton projects, including two operas and multiple festivals). Bynum has worked with legendary figures such as Bill Dixon and Cecil Taylor and maintains current collaborative projects with forward thinking peers like Tomas Fujiwara, Mary Halvorson, and Tomeka Reid, among others.

Bob Stewart

Bob Stewart est un tubiste pionnier et un pédagogue de jazz réputé. Il s’est produit et a enregistré aux États-Unis comme à l’international avec le First Line Band, son quintette actuel, ainsi qu’avec Carla Bley, Charlie Mingus, Arthur Blythe, Gil Evans, Bill Frisell, Taj Mahal, Henry Threadgill, McCoy Tyner et d’innombrables autres artistes.

Bob Stewart is a pioneering tubist and renowned jazz educator who has toured and recorded nationally and internationally with the First Line Band (his current quintet), as well as with Carla Bley, Charlie Mingus, Arthur Blythe, Gil Evans, Bill Frisell, Taj Mahal, Henry Threadgill, McCoy Tyner, and countless others.

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