Grande finale du Concours OSM – Édition 2026 – Piano
by Rédaction PAN M 360
Depuis 1940, le Concours OSM a révélé des talents exceptionnels qui ont marqué durablement la scène musicale. Parmi ses lauréats figurent des pianistes aujourd’hui reconnus sur la scène internationale, tels que Bruce Liu, Jan Lisiecki et Angela Hewitt, dont les carrières illustrent le rôle déterminant du concours comme tremplin artistique. Pour cette 87e édition, le piano est à l’honneur, avec un programme riche et contrasté où les finalistes, accompagnés par l’Orchestre symphonique de Montréal sous la direction d’Antony Hermus, proposeront une interprétation à la fois virtuose et d’une grande intensité expressive.
Since 1940, the OSM Competition has brought to light exceptional talents who have left a lasting mark on the musical landscape. Among its laureates are pianists now acclaimed on the international stage, such as Bruce Liu, Jan Lisiecki, and Angela Hewitt, whose careers exemplify the competition’s pivotal role as an artistic springboard. For its 87th edition, the spotlight is on the piano, with a rich and contrasting program in which the finalists—performing with the Montreal Symphony Orchestra under the direction of Antony Hermus—will offer interpretations that are both virtuosic and deeply expressive.
Les finalistes et leur programme seront dévoilés à l’issue des épreuves de demi-finale du Concours OSM 2026, le 11 novembre 2026.
The finalists and their programme will be announced following the semifinal rounds of the 2026 OSM Competition, on November 11, 2026.
OM : Héroïnes et passions lyriques à la Maison symphonique
by Rédaction PAN M 360
Certains personnages traversent les siècles et inspirent les plus grands créateurs. Manon Lescaut, héroïne du roman de l’abbé Prévost, est l’archétype d’une passion fatale : amoureuse, séduisante, mais vouée à un triste destin. La soprano Sarah Dufresne nous transporte dans l’univers de cette figure mythique en mêlant les arias de deux adaptations célèbres, celles d’Auber et de Massenet, pour en tracer le fil psychologique. Autour de Manon, Keri-Lynn Wilson dirige l’OM dans des pages orchestrales de Clémence de Grandval, figure marquante de l’opéra qui a su se tailler une place dans un milieu alors essentiellement masculin. Puis, deux fresques symphoniques signées Tchaïkovski et Wagner nous entraînent dans les passions tragiques de Francesca da Rimini, héroïne de La Divine Comédie, et d’Isolde, amante mythique de Tristan.
Some figures endure through the centuries, inspiring the greatest artists. Manon Lescaut, the heroine of the Abbé Prévost novel, embodies tragic passion: smitten and seductive, yet doomed to a cruel fate. Soprano Sarah Dufresne brings this legendary figure to life by combining arias from two famous adaptations, by Auber and Massenet, to map out her psychological journey. Alongside Manon, Keri-Lynn Wilson leads the OM in orchestral works by Clémence de Grandval, a pioneering female composer who carved a place for herself in a predominantly male world. Tchaikovsky and Wagner’s symphonic masterpieces then carry us through the tragic passions of Francesca da Rimini, heroine of The Divine Comedy, and Isolde, Tristan’s mythical lover.
Programme
AUBER et MASSENET, Arias de Manon Lescaut GRANDVAL, Pages symphoniques d’opéras TCHAÏKOVSKI, Francesca da Rimini WAGNER, Tristan und Isolde : Prélude et Liebestod
Program
AUBER and MASSENET, Arias from Manon Lescaut GRANDVAL, Symphonic pages from operas TCHAIKOVSKY, Francesca da Rimini WAGNER, Tristan und Isolde: Prelude and Liebestod
Festival du monde Arabe : Le Livre des Reines à la salle Pierre-Mercure
by Rédaction PAN M 360
Le Livre des Reines, création originale de la chanteuse lyrique persanophone Camille Bordet, fait dialoguer des œuvres féminines de la Perse et de l’Europe, d’aujourd’hui et d’hier. Poétesses, compositrices, héroïnes, mystiques et penseuses, leurs paroles franchissent les siècles pour rejoindre notre présent. L’artiste française au parcours atypique les fait surgir comme des présences vivantes qui interrogent encore notre rapport à l’amour, à la mémoire, à la liberté et à la transmission, nous rappelant que les histoires oubliées continuent d’habiter le monde, attendant simplement d’être écoutées. La soirée s’ouvre comme on franchit le seuil d’un éden, avec la création Le Jardin des Roses des artistes montréalais Juulie Rousseau et Saeed Kamjoo. Des vers de Saadi, Rûmî et Hafez aux pages du Petit Prince et de Charles Baudelaire, la rose apparaît comme un fil invisible reliant les mondes. Fleur de beauté autant que de perte, elle révèle les élans de l’amour, les blessures de la séparation et les métamorphoses de l’être. Cette double soirée révèle les liens profonds qui unissent des traditions que l’histoire a trop souvent séparées. Les textes persans répondent aux répertoires anciens européens, les traditions orales rencontrent la création contemporaine, et les imaginaires se croisent sans renoncer à leur singularité. Avec Camille Bordet et Habib Hosseini au chant (ainsi que Juulie Rousseau dans la première partie), Saeed Kamjoo au kamancheh, Madeleine Owen au luth et au théorbe, Maryam Tazhdeh au tar, Sheila Hannigan au violoncelle et Hamin Honari aux percussions, chacun apporte la mémoire de son instrument, la profondeur de sa tradition et la sensibilité de son parcours. À cet ensemble s’ajoute, dans la première partie, la derviche tourneuse Shraddha Danielle Blaney, dont le mouvement circulaire incarne visuellement cette quête d’absolu. Ensemble, ils composent un univers musical et chorégraphique où l’écoute devient le premier geste de création et où les voix s’entrelacent dans les dédales de la différence. Les deux créations se rejoignent dans une grande finale, partageant avec le public un moment de communion et de générosité, et fusionnant tous les temps dans un même espace de résonance. Dans cet instant suspendu, la Perse et l’Occident n’écrivent plus seulement un dialogue : ils s’offrent un récit vivant, un poème épique en l’honneur de la rencontre de leurs passions les plus créatives.
Le Livre des Reines, an original creation by French Persian-language classical singer Camille Bordet, brings together works by women from Persia and Europe, spanning past and present. Poets, composers, heroines, mystics, and thinkers— their words transcend centuries to speak to our time. Through her unconventional artistic journey, the French artist brings these voices to life as living presences that continue to challenge our understanding of love, memory, freedom, and transmission, reminding us that forgotten stories still inhabit the world, waiting simply to be heard. The evening opens like stepping into an Eden, with Le Jardin des Roses, a creation by Montréal-based artists Juulie Rousseau and Saeed Kamjoo. From the verses of Saadi, Rumi, and Hafez to the pages of The Little Prince and the works of Charles Baudelaire, the rose emerges as an invisible thread connecting worlds. A flower symbolizing both beauty and loss, it reveals the intensity of love, the wounds of separation, and the transformations of the human spirit. This double bill reveals the profound connections between traditions that history has too often kept apart. Persian texts enter into dialogue with early European repertoires, oral traditions meet contemporary creation, and diverse imaginations intertwine without losing their distinct identities. Featuring Camille Bordet and Habib Hosseini on vocals, alongside Juulie Rousseau in the opening performance, Saeed Kamjoo on kamancheh, Madeleine Owen on lute and theorbo, Maryam Tazhdeh on tar, Sheila Hannigan on cello, and Hamin Honari on percussion, each artist brings the memory of their instrument, the depth of their tradition, and the sensitivity of their personal journey. Joining them in the opening performance is whirling dervish Shraddha Danielle Blaney, whose circular movements visually embody this quest for the absolute. Together, they create a musical and choreographic universe in which listening becomes the first act of creation and voices intertwine through the intricate paths of difference. The two creations converge in a grand finale, sharing a moment of communion and generosity with the audience and bringing all eras together in a single space of resonance. In this suspended moment, Persia and the West do more than engage in dialogue: they offer a living narrative, an epic poem celebrating the meeting of their most creative passions.
Coup de cœur francophone : Embo/phlébite au Quai des Brumes
by Rédaction PAN M 360
Embo/phlébite, projet né d’une convalescence prolongée dans un sous-sol de Laval, se spécialise en dérapages contrôlés. Collage dynamique de jangle pop, post punk, art rock et indie rock, le groupe parle du commun dans toute son absurde splendeur. Embo, comme dans « embolie pulmonaire » ou caillots de sang au poumon. Phlébite, comme dans « obstruction d’une veine suite à un caillot de sang ».
Embo/phlébite, a project born out of a prolonged convalescence in a basement in Laval, specializes in controlled deviations. A dynamic blend of jangle pop, post-punk, art rock, and indie rock, the band explores the everyday in all its absurd splendor. Embo, as in “pulmonary embolism” or blood clots in the lung. Phlebitis, as in “blockage of a vein due to a blood clot.”
oui merci, c’est d’abord une histoire d’amitié. Primes représentant·es québécois·es de l’indie sleaze, Mathilde, Ludovic, Laurent, Marc-Antoine et Gabriel unissent leurs forces (et leurs faiblesses) pour concocter une musique colorée, empreinte d’une passion communicative, et marquée par des arrangements oscillant entre précision chirurgicale et accidents volontaires. Via les ballades grandioses et les hymnes rock imprévisibles issu·es de son deuxième album La distance n’est pas vraiment là, le groupe propose un spectacle qui témoigne de tout ce qui nous lie, nous traverse et nous galvanise dans l’amitié.
oui merci, it’s first and foremost a story of friendship. As leading figures in Quebec’s indie sleaze scene, Mathilde, Ludovic, Laurent, Marc-Antoine, and Gabriel join forces (and embrace their weaknesses) to craft colorful music, imbued with infectious passion and marked by arrangements that oscillate between surgical precision and deliberate imperfections. Through the grandiose ballads and unpredictable rock anthems from their second album, La distance n’est pas vraiment là, the band delivers a show that captures everything that binds us, moves us, and galvanizes us through friendship.
Coup de cœur francophone : Forêt et Virginie Reid au Ministère
by Rédaction PAN M 360
Forêt
Discret, voire effacé depuis une douzaine d’années, FORÊT revient sur scène pour une première fois en presque autant de temps – et pour un soir seulement. Émilie Laforest et Joseph Marchand redonnent vie à leur « pop de recherche » sensible et impressionniste, portée par les volutes naturellement entrelacées de la voix de la première et de la guitare du second. Pour cette rare occasion, la paire s’adjoint les services du talentueux Cédric Dind-Lavoie, avec quelques apparitions de l’émouvante Myriam Gendron.
Having kept a low profile—even a somewhat reclusive one—for the past dozen years, FORÊT returns to the stage for the first time in nearly as long—and for one night only. Émilie Laforest and Joseph Marchand breathe new life into their sensitive, impressionistic “experimental pop,” carried by the naturally intertwined melodies of her voice and his guitar. For this rare occasion, the duo is joined by the talented Cédric Dind-Lavoie, with a few appearances by the moving Myriam Gendron.
Virginie Reid
Les compositions de la pianiste et claviériste montréalaise Virginie Reid tiennent de doux paradoxes qui révèlent un univers sensible, d’une profondeur à la fois touchante et puissante. Instrumentale en évoquant des mots, électronique tout en se déployant organiquement, sa musique rejoint la définition enoesque de l’ambient, i.e. on la visite comme un lieu, comme un état – qui fait du bien, qui fait œuvre utile. Notamment connue comme claviériste et choriste de Klô Pelgag et via le projet La Renarde, elle se met aujourd’hui en lumière à son tour, et c’est un baume qu’on accueille : en compagnie de Jérémi Roy (contrebasse, synthés), elle revisite les pièces de son plus récent album Mille Soleils à l’oeil nu.
The compositions of Montreal-based pianist and keyboardist Virginie Reid are filled with gentle paradoxes that reveal a sensitive world of depth that is both moving and powerful. Instrumental yet evocative of words, electronic yet unfolding organically, her music aligns with the Enos-esque definition of ambient music—that is, it is experienced like a place, like a state of being—one that feels good and serves a purpose. Best known as a keyboardist and backing vocalist for Klô Pelgag and through the project La Renarde, she is now stepping into the spotlight herself, and it’s a soothing balm we welcome: accompanied by Jérémi Roy (double bass, synths), she revisits tracks from her latest album, Mille Soleils à l’oeil nu.
Coup de cœur francophone : Les Chiens au Verre Bouteille
by Rédaction PAN M 360
Y a de quoi célébrer : non seulement Les Chiens sont de retour au Verre Bouteille le 14 novembre 2026 à la suite du spectacle donné à guichet fermé en avril dernier – déjà ça c’est pas pire – mais ils soulignent aussi du même coup leurs 30 ans d’existence ainsi que les 60 piges de leur chanteur, Eric Goulet! Habité d’une énergie renouvelée, le groupe dévoilait plus tôt cette année Éloge de la chute, un sixième album via lequel il continue de faire résonner son rock sensible et passionné. Y a de quoi célébrer, disions-nous : et pour l’occasion, attendez-vous à des (invité·es) surprises!
There’s plenty to celebrate: not only are Les Chiens returning to Le Verre Bouteille on November 14, 2026, following their sold-out show last April—which is already pretty great—but they’re also marking their 30th anniversary and their lead singer Eric Goulet’s 60th birthday! Fueled by renewed energy, the band released Éloge de la chute earlier this year, a sixth album through which they continue to showcase their sensitive and passionate rock sound. As we said, there’s plenty to celebrate—and for the occasion, expect some surprise guests!
LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!
Ce contenu provient de Coup de cœur francophone et est adapté par PAN M 360
Coup de cœur francophone : Kat Pereira et Chénier au Quai des Brumes
by Rédaction PAN M 360
Kat Pereira
Un microcosme lumineux et foisonnant où se croisent néo-soul, hyperpop, jazz et électro, où la poésie engagée se mêle au groove, où l’intime et l’universel sont sublimés par une scénographie immersive : c’est ce que propose Kat Pereira dans une éclatante humilité. Connue comme accompagnatrice (Alfa Rococo, Eli Rose, Laura Niquay, Laraw), la Montréalaise se dévoile en solo depuis 2025, forte de vert de lichen, un premier album de pop alternative vaste et sensuelle, co-réalisé avec Félix Petit.
A luminous and vibrant microcosm where neo-soul, hyperpop, jazz, and electro intersect; where socially conscious poetry blends with groove; where the personal and the universal are elevated by an immersive stage design: this is what Kat Pereira offers with radiant humility. Known as a session musician (Alfa Rococo, Eli Rose, Laura Niquay, Laraw), the Montrealer has been performing solo since 2025, building on the success of Vert de Lichen, a vast and sensual debut alternative pop album co-produced with Félix Petit.
Chénier
Fragilité et puissance, contemplation et mouvement – les pôles de l’identité artistique de Chénier se transposent dans un spectacle où une poésie personnelle et envoûtante rencontre une pop électronique aussi éclatante que viscérale. Par sa voix à la fois intime et vertigineuse, elle transpose le romantique du quotidien en soulignant les contradictions de l’être et en s’abreuvant de la lumière qui filtre à travers les failles. Le public est invité à traverser un univers où les mots occupent autant d’espace que la musique – lors d’une soirée où l’artiste dévoilera le deuxième single de Les fantômes, ainsi que la date de parution de ce premier album attendu.
Fragility and power, contemplation and movement—the two poles of Chénier’s artistic identity come together in a performance where a personal and spellbinding poetry meets electronic pop that is as dazzling as it is visceral. With her voice—at once intimate and dizzying—she captures the romance of everyday life by highlighting the contradictions of existence and drawing inspiration from the light that filters through the cracks. The audience is invited to journey through a world where words take up as much space as the music—during an evening in which the artist will unveil the second single from Les fantômes, as well as the release date of her highly anticipated debut album.
Festival du monde Arabe : Al Qahwa au Théâtre Plaza
by Rédaction PAN M 360
Le café, dans les grandes villes du Moyen-Orient, n’a jamais été un simple lieu de passage : les voix, la poésie, les récits et les nouvelles du jour s’y mêlaient aux parfums du lieu et à la fumée tardive des veillées. C’est cette mémoire vivante que ravive Al Qahwa, « la maison du café », un ensemble torontois dont le chant traverse les frontières avec une aisance rare. Au riqq et au qanun, Maryem Tollar déploie un art vocal façonné par des années d’apprentissage auprès des grands maîtres du chant arabe classique, des muwashahat syriens aux mélodies dévotionnelles soufies. Sa voix, à la fois précise et habitée, porte l’héritage d’un Orient qui refuse de se figer dans le passé. Autour d’elle, Ernie Tollar aux instruments à vent, Waleed Abdulhamid à la basse, Omneya Tollar aux chœurs et Jaash Singh aux percussions tissent un répertoire où compositions originales et grands classiques arabes se répondent, des incantations sacrées aux mélodies populaires de l’âge d’or de la musique égyptienne. Le temps d’une soirée, Montréal devient à son tour Al Qahwa, où l’on vient, comme autrefois, écouter le monde se raconter en musique. Les voix se répondent, les instruments dialoguent et, dans cet espace suspendu, chaque auditeur redevient, l’instant d’un chant, un peu plus proche de l’autre.
In the great cities of the Middle East, the coffeehouse was never a mere place of passage: voices, poetry, stories, and the news of the day mingled there with the fragrances of the room and the late-night smoke of long evenings. It is this living memory that Al Qahwa revives, ‘the house of coffee,’ a Toronto-based ensemble whose singing crosses borders with rare ease. On riqq and qanun, Maryem Tollar deploys a vocal artistry shaped by years of study under the great masters of classical Arab song, from Syrian muwashahat to devotional Sufi melodies. Her voice, at once precise and deeply inhabited, carries the legacy of an Orient that refuses to remain frozen in the past. Around her, Ernie Tollar on wind instruments, Demetri Petsalakis on oud, Naghmeh Farahmand on percussion, Waleed Abdulhamid on bass and vocals, and Lauren Barnett on vocal harmonies and saxophone weave together a repertoire in which original compositions and beloved Arab classics answer one another, from sacred incantations to the popular melodies of Egypt’s golden age. For the span of an evening, Montreal itself becomes Al Qahwa, a place where one comes, as in days gone by, to hear the world tell its story in music. Voices answer one another, instruments converse, and in this suspended space, every listener becomes, for the length of a song, a little closer to the other.
Festival du monde Arabe : Mes gants prennent feu chaque fois à l’Espace Culturel Kawalees
by Rédaction PAN M 360
À l’occasion du lancement du balado PoésieGo! Mes gants prennent feu chaque fois, le Festival de la poésie de Montréal et le FMA présentent une soirée de poésie. Refuser la retenue du discours convenu, retirer les gants blancs, ouvrir une brèche, de ce triple geste naît une soirée où la parole brûle à même la peau. Le titre, Mes gants prennent feu chaque fois, est emprunté au poète palestinien Mosab Abu Toha, extrait de son recueil Ce que vous trouverez caché dans mon oreille. Plusieurs voix de la diaspora arabe s’y répondent, mains nues, dans une salle où la chaleur des mots se substitue à toute politesse de circonstance. Le balado lancé lors de cette soirée rassemble cinq poètes basés au Québec : Elissa Kayal, Nadine Ltaif, Nada Sattouf, Nour Symon et Eli Tareq El Bechelany-Lynch, ainsi que deux poètes tunisiens, Emna Louzyr et Moëz Majed. On y entend battre les récits de l’exil, les colères tues et les tendresses qui persistent malgré tout, dans une langue qui ose nommer ce que l’usage a appris à taire. Dans un désir de continuer le geste, la soirée présente des lectures de quelques poètes ayant participé au balado ainsi que d’autres voix qui viennent réchauffer à leur tour ce chœur pluriel. Les mots s’y répondent comme des braises que l’on se passe de main en main, jusqu’à ce que la salle entière devienne un espace incandescent où le silence lui-même vient se loger contre la voix. On y ressent moins une performance qu’une confidence collective, portée à voix haute. Le temps d’une soirée, la colère, l’exil et la mémoire ne se murmurent pas. Ils se disent à mains nues, à peau découverte, jusqu’à ce que l’air lui-même semble vibrer et que la langue, dépouillée de tout gant, prenne feu à son tour.
On the occasion of the launch of the podcast PoésieGo! Mes gants prennent feu chaque fois, the Festival de la poésie de Montréal and the Arab World Festival present an evening of poetry accompanied by the music of Muchid Khalaf. To refuse the restraint of received discourse, to remove the white gloves, to open a breach: from this threefold gesture is born an evening in which speech burns against bare skin. The title, Mes gants prennent feu chaque fois, is drawn from Palestinian poet Mosab Abu Toha’s collection Things You May Find Hidden in My Ear: Poems from Gaza. Several voices of the Arab diaspora answer one another there, bare-handed, in a room where the warmth of words replaces all customary courtesy. The podcast launched on this occasion brings together five Quebec-based poets: Elissa Kayal, Nadine Ltaif, Nada Sattouf, Nour Symon and Eli Tareq El Bechelany-Lynch, alongside two Tunisian poets, Emna Louzyr and Moëz Majed. Within it beat the stories of exile, the silenced angers and the tenderness that persists nonetheless, in a language daring to name what habit has taught us to keep quiet. In the wish to carry the gesture further, the evening offers readings by some of the podcast’s poets alongside other voices who, in turn, add their warmth to this plural chorus. Words answer one another there like embers passed from hand to hand, until the whole room becomes an incandescent space where even silence comes to rest against the voice. What is felt is less a performance than a collective confidence, spoken aloud. For the space of one evening, anger, exile and memory are not murmured. They are spoken bare-handed, skin bared, until the air itself seems to tremble and language, stripped of every glove, catches fire in its turn.
Salle Bourgie | Catalyst: a quartet at the peak of its art
by Frédéric Cardin
A beautiful program of discoveries and sure values, linked by evident stylistic coherence, that is the essence of last night’s lineup at the Bourgie Hall. At least the conceptual essence, because at the musical and artistic level, it was a demonstration of excellence. These four artists are, together, fabulous storytellers. Each piece, each movement becomes an episode of an exciting series that we devour while waiting for the next one. It’s a shame that the audience felt obliged to applaud between each movement.
In this program featuring two well-crafted works by Afro-British (and partially Sierra Leonean) Samuel Coleridge-Taylor (1875-1912), namely the Five Fantasiestücke for string quartet, op. 5, and the Clarinet Quintet in F-sharp minor, op. 10, as well as Dvořák’s String Quintet No. 3 in E-flat major, op. 97, “American,” the Catalyst Quartet was joined by violist Jordan Bak, who integrated into the ensemble in two of the three works on the program (the two quintets).
From the very first movement of the Fantasiestücke, one is captivated. The clarity of the lines, the surgical precision of the articulations, and the passion infused into the music evoke beautiful emotions in music lovers. These are youthful pieces by Coleridge-Taylor that we discover here, but they already demonstrate a solid mastery of the essential foundations of great music: a sense of construction, the creation of notable colours, and above all, evident melodic skills. Pieces based on folklore that above all testify to a real sublimation of the original material. It is Dvořák-like, of course, but excellent Dvořák. One might say that Coleridge-Taylor does not yet exhibit a strong personality, which is probably to be expected in a young man, but the qualities that are evidently combined in a single mind are impressive enough to suggest a bright future. Which will be the case, but too briefly, as Coleridge-Taylor will die at the age of only 37 from pneumonia. Listen to his cantata Hiawatha to be convinced of the expressive and creative power of the one whom some called in his time, the “Black Mahler.”
The violist Jordan Bak joined the Quartet for the next piece, the Clarinet Quintet by the same Coleridge-Taylor. Obviously, the clarinet was replaced by the alto here. The difference in timbre between the clarinet and the viola may not do the latter any favours. The “blend” with the rest of the strings often makes the extra viola disappear. Originally, the colour of the clarinet was enough to make its interventions stand out compared to the strings, which is not the case with the viola.
It truly becomes a string quintet, in fact. But a most charming quintet with, once again, Coleridge-Taylor’s innate sense for effective construction and seductive melodies. Bak and Catalyst gave their all, revealing a work that one will want to hear again and again.
I would like to highlight the series of four albums (titled Uncovered) released by Catalyst Quartet on Afro-descendant composers, which I strongly encourage you to explore at this link. Coleridge-Taylor, of course, but also William Grant Still, Chevalier de Saint-Georges, George Walker, Florence Price. The series, played with such authentic respect, is captivating.
The evening ended with Dvořák’s Quintet No. 3, the heart-pounding centrepiece of the concert. Catalyst unfolds, without a hitch, a remarkable discursive clarity. Everything is crystal-like, every twist, every bounce, every transition of the score has its place and suffers from no narrative ambiguity. The clear resonances with the style and melodic themes of the 9th Symphony are more than evident, and magnified by the musicians. Vibrant solos of intensity are to be highlighted (Paul Laraia on the viola and Abi Fayette on the violin). Impeccable technique, assured accuracy, total commitment.
In that, Bak stands out more strongly than in Coleridge-Taylor. Of course, his score was designed to complement that of the other four instruments in a relevant way. Now, one perceives from him a beautiful warm and ample sound, displaying a seductive dark colour, but quite clear. This makes one want to hear him in a concerto setting or as a soloist more detached from the collective play.
The concert was organised in collaboration with the Afro-Canadian Cultural Center of Montreal (CCAM), the Jamaican Association of Montreal (JAM), and the Round Table for Black History Month. An admirable initiative.
It was the first visit of the Catalyst, and Jordan Bak, in Montreal. If the programmers have any sense at all, it won’t be the only one.
Coup de cœur francophone : Valery Vaughn et Vincent Khouni au Quai des Brumes
by Rédaction PAN M 360
Valery Vaughn
Valery Vaughn, c’est Vincent et Victor : une quantité déraisonnable de V, mais aussi deux amis qui ont décidé de faire le party à leur manière. Duo basse et batterie offrant un fuzz-rock aux échos emo, minimaliste dans la forme mais massif dans l’impact, VV se fait à la fois dansant, abrasif et mélancolique : parce que le moshpit c’est ben la meilleure place pour ressasser des sentiments. Sont-ils les rois de l’underground… de l’underground? Peut-être, mais une chose est sûre : l’amitié, c’est le band; le band, c’est l’amitié.
Valery Vaughn is Vincent and Victor: an absurd number of V’s, but also two friends who’ve decided to party their own way. A bass-and-drums duo delivering fuzz-rock with emo undertones—minimalist in form but massive in impact—VV is at once danceable, abrasive, and melancholic: because the mosh pit is definitely the best place to mull over your feelings. Are they the kings of the underground… of the underground? Maybe, but one thing is certain: friendship is the band; the band is friendship.
Vincent Khouni
Artiste visuel à temps perdu, Vincent Khouni aime jouer avec les images, les mots et leurs résonances, créant des chansons comme il fait des collages. Aussi leader du groupe rock garage montréalais Double Date with Death (DDWD), c’est en solo qu’il explore des textures plus intimes, allant de la psych-pop à l’électro et au post-rock. Suivant 8:12pm, un premier mini-album salué par Le Devoir comme « une dose de réconfort », il offrait l’hiver dernier Accident, un EP comme une micro-odyssée intérieure, où les émotions se fondent dans la matière sonore.
A visual artist in his spare time, Vincent Khouni enjoys playing with images, words, and their resonances, creating songs the same way he makes collages. Also the frontman of the Montreal garage rock band Double Date with Death (DDWD), he explores more intimate textures as a solo artist, ranging from psych-pop to electro and post-rock. Following 8:12pm, a debut mini-album hailed by Le Devoir as “a dose of comfort,” he released Accident last winter—an EP that feels like a micro-odyssey of the inner self, where emotions blend into the soundscape.
