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Soul Jazz / soul-roots / Vocal Jazz

Fête de la musique de Tremblant : Dominique Fils-Aimé – Roots à la scène Québecor

by Rédaction PAN M 360

Dominique Fils-Aimé revient sur scène afin de nous présenter son plus récent album, « Our Roots Run Deep », lui ayant permis de décrocher son deuxième prix JUNO en carrière dans la catégorie « Album Jazz Vocal de l’année ». Après avoir exploré ses influences musicales afro-américaines, ce nouveau spectacle plus intime nous invite à explorer les racines de son âme. Elle partage avec nous son désir profond de se connecter autant à elle-même, à ses musiciens qu’à son public, avec le désir de nous envelopper un ressenti humain et réconfortant. Lauréate d’un Félix dans la catégorie « Album jazz de l’année » en 2019, du JUNO « Album Jazz Vocal de l’année » en 2020 et nominée sur la courte liste du prestigieux Prix Polaris en 2019 et 2021, l’autrice-compositrice-interprète originaire de Montréal captive par son timbre envoûtant et un discours aussi poétique qu’empathique.

Dominique Fils-Aimé graces the stage once again, unveiling her latest album, “Our Roots Run Deep,” a masterpiece that clinched her second JUNO award for “Vocal Jazz Album of the Year.” After having explored her African-American musical influences in her album trilogy, this new show invites the audience to delve into the roots of her soul. She manifests a strong desire to connect with her higher self, her musicians along with the audience, with the intention of enveloping the listener in a soothing aural embrace. Fils-Aimé won a Felix in 2019 for Jazz Album of the Year, a JUNO in 2020 for Vocal Jazz Album of the Year and was nominated for the prestigious Polaris Music Prize shortlist in both 2019 and 2021. The mercurial singer-songwriter hailing from Montreal dazzles the listener with her radiant voice and underlying message of empathy.

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afro-soul / Haitian / Jazz

Fête de la musique de Tremblant : Bel & Quinn – Elevator Pitch à la scène Deslauriers

by Rédaction PAN M 360

Bel and Quinn présentent leur nouvel album, Donte sann yo (2023). Combinant les rythmes d’Haïti, le soul, le jazz et le funk, ce projet est un chant de libération et de joie. Le duo rend hommage à leurs ancêtres, à leur mère, aux femmes qui ont marché avant elle, mais également à elles-mêmes. Les deux sœurs d’origine haïtienne offrent leurs chansons à leur public comme un acte de guérison, d’amour et d’acceptation de soi. Elles désirent leur transmettre un message d’espoir. Elles proposent un spectacle excitant et rempli d’authenticité.

Bel and Quinn present their JUNO nominated album, Donte sann yo (2023). Combining Haitian rhythms, soul, jazz, and funk, this project is a song of liberation and joy. The duo pays homage to their ancestors, their mother and the women who walked before them. The two sisters of Haitian descent offer their songs to the audience as an act of healing, love, and self-acceptance. Bel and Quinn want to convey a message of hope. They offer an exciting and authentic show.

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classique / Piano / violon

Fête de la musique de Tremblant : Andrew Wan et Charles Richard-Hamelin en duo interprètent Brahms et Frank à la scène Québecor

by Rédaction PAN M 360

Plongez dans la richesse et l’intensité des œuvres pour violon et piano de Johannes Brahms et César Franck, interprétées par deux virtuoses de renommée internationale : Andrew Wan, violoniste de l’Orchestre symphonique de Montréal, et Charles Richard-Hamelin, pianiste lauréat du prestigieux Concours Chopin.
Après avoir exploré et enregistré les intégrales des sonates de Beethoven et de Schumann (Prix OPUS, JUNO), les artistes se plongent dans ces œuvres majeures de Brahms et Franck dont la musique se situe formellement entre le classicisme et le romantisme. Cette musique allie la douceur lyrique et l’énergie dramatique!

Dive into the richness and intensity of Johannes Brahms and César Franck’ works for violin and piano, performed by two internationally renowned virtuosos: Andrew Wan, violinist with the Montreal Symphony Orchestra, and Charles Richard-Hamelin, pianist and laureate of the prestigious Chopin Competition.
Having previously explored and recorded the complete sonatas of Beethoven and Schumann (OPUS and JUNO Awards), these artists now delve into Brahms and Franck’s major works, situated musically between classicism and romanticism. This music masterfully combines lyrical softness with dramatic energy!

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Amérique latine / classique / conte

Fête de la musique de Tremblant : Florence K au piano public Québecor

by Rédaction PAN M 360

Assise à son piano, elle vous propose un voyage intime à travers les chansons qui ont jalonné sa vie. De la sonate de Mozart apprise dans son enfance, à la pop de son adolescence, en passant par les standards de jazz qu’elle interprétait dans un restaurant, jusqu’aux classiques disco qu’elle chantait dans les casinos et boîtes de nuit du Maroc et d’Atlantic City — chaque morceau a pavé la voie de sa carrière.
Elle vous entraînera ensuite dans l’univers vibrant des musiques cubaines et brésiliennes, qui l’ont profondément marquées dans la vingtaine et sont devenues sa signature artistique. Au rythme de la salsa et de la bossa nova, voyagez avec elle de La Havane à Rio.
Florence revisitera également ses propres compositions, celles qu’elle a préféré écrire et enregistrer, tout en rendant hommage à Piaf, qu’elle a eu le privilège d’interpréter avec l’OSM.
Fidèle à ses talents de conteuse, elle ponctuera son récit musical d’anecdotes savoureuses glanées au fil de ses vingt ans de carrière. La doctorante en psychologie s’amusera aussi à explorer, avec curiosité et humour, l’effet de la musique sur le cerveau et les facteurs qui nourrissent la créativité.
Un concert tout en intimité à ne pas manquer !

Seated at her piano, she invites you on an intimate journey through the songs that have shaped her life.
From the Mozart sonata she learned as a child, to the pop music of her teenage years, from the jazz standards she performed in a restaurant, to the disco classics she sang in casinos and nightclubs in Morocco and Atlantic City — each piece has paved the way for her career.She will then take you into the vibrant world of Cuban and Brazilian music, which deeply influenced her in her twenties and have since become her artistic signature. To the rhythm of salsa and bossa nova, travel with her from Havana to Rio.Florence will also revisit her own original compositions — the ones she most loved writing and recording — while paying tribute to Piaf, whom she had the privilege of interpreting with the OSM (Montreal Symphony Orchestra).True to her talent for storytelling, she will punctuate her musical tale with delightful anecdotes collected over her twenty-year career. A PhD candidate in psychology, she will also explore — with curiosity and humor — how music affects the brain and the factors that fuel creativity.An intimate concert not to be missed!

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fanfare / trad québécois

Fête de la musique de Tremblant : La Fanfare Monfarleau à la Place de la famille

by Rédaction PAN M 360

La Fanfare Monfarleau, véritable ovni musical dans le paysage traditionnel québécois, est originale, festive et audacieuse. Sous la direction de Liette Remon, cette formation composée de musiciens chevronnés revisite avec fraîcheur les airs traditionnels du Québec, dans l’esprit joyeux et coloré des fanfares d’antan.
Jos Bouchard, Louis « Pitou » Boudreault, Madame Bolduc et bien d’autres figures emblématiques reprennent vie au rythme d’une musique irrésistible qui donne envie de giguer jusqu’au petit matin !

La Fanfare Monfarleau, a true musical UFO in Quebec’s traditional music scene, is original, festive, and bold. Under the artistic direction of Liette Remon, this ensemble of seasoned musicians reinvigorates Quebec’s traditional tunes with a fresh spirit, infused by the joyful and colorful energy of old-time brass bands.
Jos Bouchard, Louis “Pitou” Boudreault, Madame Bolduc, and many other iconic figures come alive again through irresistible rhythms that make you want to dance the night away!

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Darkwave / Synth-Pop

FME : FIN DE SOIRÉE – Automelodi au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda 

by Rédaction PAN M 360

Officiellement formé en 2006, Automelodi est en fait la suite logique de la démarche électro-pop entamée à la fin des années 90 par Xavier Paradis sous le pseudonyme Arnaud Lazlaud. Paradis se présente maintenant en formule solo mais a également travaillé au fil des années en compagnie de différents collaborateurs, tels que Hayden Payne (Phase Fatale) ou Liz Wendelbo (Xeno & Oaklander), autant sur scène qu’en studio. Souvent nommée Impossible Folk, la musique d’Automelodi porte en sa base un mélange d’influences du vingtième siècle, comme la poésie d’une Brigitte Fontaine récitée sur de l’Italo-Disco désaxé, ou alors au son de synthés japonais trafiqués, dans un échange survolté au fond d’un immeuble brutaliste d’Europe orientale. En réalité (et malgré l’usage d’instruments dits “modernes”), Automelodi suit une trajectoire intemporelle située en parallèle du discours technocentriste souvent associé à la musique électronique. Après un premier album éponyme paru en 2010 sur le défunt label new-yorkais Wierd Records, le deuxième microsillon, Surlendemains acides, paru à l’origine en 2013, fut par la suite réédité par le label Holodeck Records. Une longue tournée européenne avait permis en 2019 de présenter le troisième album, Mirages au futur verre-brisé. Depuis 2020, Paradis partage son temps entre différentes tournées, l’écriture de nouveau matériel pour Automelodi et des travaux de mixage et remix pour différents artistes. Un nouvel EP intitulé Cavallo doit paraître à l’automne 2025.

Formed in 2006, Automelodi is a constantly evolving project based around the solo work of songwriter/producer Xavier Paradis. With a career that spans over two decades, Paradis is a well-established figure in Montreal’s dense electronic music culture, releasing over time with various projects, performance line-ups, or under different monikers such as Arnaud Lazlaud. He also collaborates with artists like Liz Wendelbo (of Xeno & Oaklander) as the duo Liz and László, as well as Latvian Producer Dmitry Distant. Automelodi’s music embraces and re-contextualizes a spectrum of influences that include the lesser-known European synthpop and post-punk of the latter Twentieth Century, combined with literary stylizations reminiscent of Gallic songwriters such as Serge Gainsbourg and Brigitte Fontaine—with nearly all vocals delivered in French. Following the self-released first EP, an eponymous album was released in 2010 by the now defunct Brooklyn label Wierd Records. The second LP, “Surlendemains acides”, was released in digital format in 2013. A third LP, “Mirages au futur verre-brisé” was released in 2019 on Austin’s Holodeck Records. The release was followed that same year by an extensive tour of Europe. Automelodi resumed touring in 2023, with several dates across the USA and is currently working on a collection of new songs, including an EP and some singles to be released in 2025. In parallel to his work as Automelodi, Paradis has also been very active over the past two decades as a music producer, focusing primarily on mixing and remixing for other projects and artists such as Bootblacks, Silent EM, The Harrow and Laura Krieg.

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fuzz-rock / glam / prog

FME : SHOW DE CLÔTURE – Teke::Teke, Les Freaks de Montréal (Un hommage à Aut’Chose) et Elle Barbara au Paramount

by Rédaction PAN M 360

Elle Barbara (20h)

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste, metteure en scène de théâtre expérimental, réalisatrice vidéo, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, de disco, de pop sophistiquée, de synth-pop, de prog, de jazz et de glam, avec un intérêt marqué pour la library music, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus de dix ans. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara puise son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, ainsi que des sommités du grand public comme Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Les Freaks de Montréal (Un bummage à Aut’Chose) (21h)

Parlons d’Aut’Chose. Le mythique groupe, formé en 1971 change la donne de l’univers musical au Québec avec ses trois albums déferlés entre ’74 et ’76. Une poésie de ruelle, crue, réelle, sur fond de rocaille sophistiquée et cinglante. En 2005, l’ami de longue date Ron McGregor reforme le groupe autour du guitariste OG Jacques Racine et son chanteur/poète Lucien Francoeur. Le collectif étoilé allie des membres de Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, entre Aut’ et enregistre Chansons d’Épouvante. Une relecture collaborative des morceaux les plus marquants du répertoire. Ce Best Of servira de célébration vivante entre freaks de toutes générations partout en province pour les quinze années à suivre. FME, aujourd’hui. Les Freaks de Montréal se regroupent pour rendre bummage à ses deux capitaines disparus à quelques jours d’intervalle en 2024. Ils seront accompagnés d’invité.es brillants et scintillants, ‘teindus’ chacun à leur manière par l’influence de la musique et le propos hors piste de ce fauve indomptable du rock québecois, devenu légende.

Let’s talk about Aut’Chose. The legendary band, formed in 1971, changed the face of Quebec’s musical landscape with its three albums released between 1974 and 1976. It’s a raw, real, alley-style poetry set against a backdrop of sophisticated and scathing rock. In 2005, longtime friend Ron McGregor reformed the band around OG guitarist Jacques Racine and singer/poet Lucien Francoeur. The star-studded collective brought together members of Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, and Entre Aut’ to record Chansons d’Épouvante. A collaborative reinterpretation of the most memorable pieces from the repertoire. This Best Of album would serve as a vibrant celebration of freaks of all generations across the province for the next fifteen years. FME, today. The Montreal Freaks are reuniting to pay tribute to its two captains who passed away a few days apart in 2024. They will be accompanied by brilliant and scintillating guests, each ‘tinted’ in their own way by the influence of the music and the off-piste words of this indomitable wild beast of Quebec rock, who has become a legend.

TEKE::TEKE (22h)

TEKE::TEKE est un groupe psych-rock japonais basé à Montréal composé des guitaristes Serge Nakauchi Pelletier et Hidetaka Yoneyama, de la flûtiste Yuki Isami et de l’artiste visuelle et chanteuse Maya Kuroki. Mettant en vedette des instruments japonais traditionnels, de la flûte, du trombone, des guitares enragées et une section rythmique palpitante, TEKE::TEKE crée un son rappelant les bandes sonores japonaises psychédéliques des années 60 et 70, avec une touche frénétique et moderne.

While gazing at the sky one afternoon, TEKE::TEKE vocalist Maya Kuroki saw a cloud that looked like it had a bite taken out of it. The word that came to mind—Hagata—captured something profound: a trace, a mark, or a presence left behind. It’s this sense of duality—of being in-between worlds—that defines TEKE::TEKE’s new album Hagata (out June 9 via Kill Rock Stars). The Montreal-based psychedelic rock septet continues the adventurous spirit of their 2021 debut Shirushi, which fused Japanese folk, Brazilian garage, psych rock, and more. After months of expansive touring and free-form experimentation, the band returned to the studio determined not to pick a single path forward. “We went two ways at once,” says guitarist Sei Nakauchi Pelletier, embracing the layered, dreamlike quality of Hagata. From the lush “Jinzou Maria” to the thunderous “Yurei Zanmai,” the album explores transformation, memory, and the unseen forces that shape us. Each track is haunted by a feeling—an imprint that lingers. TEKE::TEKE no longer seeks definitions or binaries. Instead, they fully inhabit the liminal space between, where ghosts roam freely and creativity knows no borders. Hagata is both a mystery and a celebration of what remains.

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Deathcore / Metalcore

FME : SHOW MÉTAL – Despised Icon, Scorching Tomb et Digital Ghosts au Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Digital Ghosts (20h)

Digital Ghosts est un groupe de metalcore originaire de Rouyn-Noranda, fondé en 2023. Il réunit des membres de groupes locaux tels qu’Archons, Evil Prevail, Decrepity et Within the Abyss. Actuellement en studio, le groupe travaille sur son premier mini-album, un opus de six titres qui saura plaire aux amateurs de metalcore, notamment aux fans de Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, et bien d’autres.

Digital Ghosts is a metalcore band from Rouyn-Noranda, founded in 2023. It brings together members from local bands such as Archons, Evil Prevail, Decrepity, and Within the Abyss. Currently in the studio, the band is working on its debut EP, a six-track release that will appeal to metalcore fans, especially those who enjoy Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, and more.

Scorching Tomb (21h)

Scorching Tomb surgit des entrailles de Montréal pour assaillir les foules de son Death Metal moderne tout en suivant les pas de ses prédécesseurs. Démarqué par leur forte présence sur scène, leur son puissant, viscéral et sans répit, le groupe s’est rapidement hissé au sommet des prospects de l’underground Québécois.

Born in the sewers of Montreal in 2018, it all started with a simple goal : blending old fashioned death metal and modern hardcore together in a city where technical death metal reigns supreme. It didn’t take long for the band to make a name in the underground tho. Fast, old school riffs, pummeling mosh parts mixed with energetic stage presence quickly earned Scorching Tomb attraction, especially in the hardcore scene. Initially formed by tattoo artist Vincent PL on vocals and axeman Philippe Leblanc, ST has now its hardest lineup to date by adding Miguel Lepage (ex- Blind Witness, ex- Obey the Brave) on bass and Émile Savard (Profane Order, ex- Malebranche) on drums, turning the band from another local act into an absolute fucking weapon. The time has come to follow the path of Cryptopsy, Quo Vadis and Despised Icon and show the world that Montreal is still to this day a reckless, unrelenting force of death metal.

Despised Icon (22h)

Depuis leurs débuts en 2002, Despised Icon ont bouleversé les codes de la musique extrême. Avec Consumed by Your Poison, le groupe montréalais fusionne pour la première fois de façon frontale les éléments du death metal classique avec la brutalité du hardcore, donnant naissance à ce qui deviendra bientôt le genre controversé mais incontournable du deathcore. Rapidement propulsés par des tournées intensives aux côtés de groupes majeurs comme Cryptopsy, Behemoth, Napalm Death ou Hatebreed, Despised Icon s’imposent comme des pionniers d’une nouvelle vague métallique. Leur mélange explosif de blast beats, de breakdowns implacables et de vocaux déchaînés leur confère une signature sonore unique, aussi radicale qu’influente. Après une pause en 2010, les membres poursuivent divers projets avant de revenir en force en 2016, plus déterminés que jamais. Ce retour marque une réaffirmation de leur identité et de leur héritage, sans compromis. Despised Icon n’ont plus rien à prouver : ils incarnent la quintessence du deathcore, un genre qu’ils ont contribué à forger. Aujourd’hui, les vétérans montréalais revendiquent leur trône avec fureur : pas de fioritures, pas de concessions—juste une puissance brute et une fidélité totale à leurs racines. Despised Icon sont de retour, et ils comptent bien le faire savoir.

Despised Icon have long been hailed as pioneers of extreme metal, and their 2002 debut Consumed by Your Poison marked a seismic shift in the genre. At a time when death metal and hardcore rarely intersected, the Montreal band fused both worlds into something ferocious and new—what would soon become known as deathcore. Touring relentlessly with genre titans like Cryptopsy, Behemoth, Morbid Angel, Hatebreed, and Napalm Death, Despised Icon quickly earned respect across a wide musical spectrum. Their sound—defined by savage vocals, explosive breakdowns, and relentless blast beats—helped launch a movement alongside peers like Suicide Silence and Carnifex. Though the term “deathcore” has been debated and dismissed by some, there’s no denying the genre’s impact—and Despised Icon’s foundational role within it. After disbanding in 2010, the group’s members explored other musical paths, returning in 2016 with renewed clarity and intensity. Now, they embrace their legacy without hesitation. Despised Icon are back with full force, standing as one of the original architects of a sound that forever altered extreme music. No frills, no compromise—just pure, unrelenting power. The kings of deathcore have returned, and they’re not going anywhere.

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Americana / Indie Rock

FME : Ada Lea au Café-bar L’Abstracto

by Rédaction PAN M 360

Alexandra Levy, alias Ada Lea, est une artiste multidisciplinaire montréalaise qui marie musique et arts visuels avec une grande sensibilité. Son troisième album, when i paint my masterpiece, est une œuvre intuitive, imagée, presque tactile—chaque chanson s’écoute comme on contemple un tableau. Après des années de tournées épuisantes, Levy a ressenti le besoin de se recentrer. Elle s’est éloignée des attentes de l’industrie musicale pour retrouver un processus de création plus lent et authentique, en se tournant vers l’enseignement, la peinture et la poésie. Enregistré en Ontario rural fin 2023 avec son groupe et le producteur Luke Temple, l’album a été capté en grande partie en live, sans clic, favorisant l’imperfection et la spontanéité. On y retrouve une chaleur acoustique et une esthétique proche du folk canadien des années 1970. Inspirée par des artistes comme Olga Tokarczuk et Leonora Carrington, Levy explore les thèmes de la métamorphose, du rêve, et du regard intérieur. when i paint my masterpiece ne cherche pas la perfection, mais célèbre le devenir. C’est une œuvre vivante, ouverte, qui privilégie le processus à l’objet fini—un témoignage poétique et sincère d’une artiste en pleine réinvention.

Alexandra Levy, known as Ada Lea, is a Montreal-based multidisciplinary artist whose third album, when i paint my masterpiece, blends music and visual art through a deeply intuitive and imagistic lens. Each song feels like a painting—tactile, expressive, and full of emotional resonance. After years of relentless touring, Levy stepped away from the pressures of the industry to rediscover a slower, more honest creative process, turning toward teaching, painting, and poetry. The album was largely recorded live in rural Ontario in late 2023, with her core band and producer Luke Temple. Captured without a click track, its warm, acoustic textures recall the golden era of Canadian folk while embracing human error and spontaneity. Influenced by surrealists like Leonora Carrington and writers such as Olga Tokarczuk, Levy’s lyrics explore transformation, dreams, and the act of observing oneself. when i paint my masterpiece doesn’t chase perfection—it embraces becoming. It’s a poetic, open-hearted work where the process takes precedence over the product. With rich instrumentation and surprising melodic turns, Ada Lea continues to carve a singular path through music and art. The masterpiece, ultimately, is not an endpoint—it’s already here, in the making itself.

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Chamber Pop / psych / Synth-Pop

FME : Et on déjeune et Wizaard au Les Mooses

by Rédaction PAN M 360

Wizaard (17h30)

Le groupe montréalais Wizaard est un groupe indie rock psychédélique constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss – tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Wizaard a partagé la scène avec de nombreux groupes, tels que Choses Sauvages, Men I Trust, Paul Jacobs, ou encore Elephant Stone, en passant par les Américains Twin Peaks. Le groupe a également réalisé un remix pour le groupe Spaceface (projet parallèle des Flaming Lips) qui a connu un franc succès avec plus de 1 million de streams sur Spotify. Après avoir sorti deux albums, ‘Starfish Buffet’ (2016), puis “Supernatural Mystics” (2019) sous différentes formations, Wizaard a présenté son premier album à majorité francophone en 2024. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove!

The Montreal band Wizaard is a psychedelic indie rock group made up of Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English songs, the band has become a mainstay of the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. Wizaard has shared the stage with a number of bands, including Choses Sauvages, Men I Trust, Le Couleur and Elephant Stone, as well as the Americans Twin Peaks. The band also produced a remix for the band Spaceface (a Flaming Lips side project), which was a great success, with over 1 million streams on Spotify. After releasing two albums, ‘Starfish Buffet’ (2016) and then ‘Supernatural Mystics’ (2019) under different line-ups, Wizaard has presented their first album with a French-speaking majority in 2024. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

Et on déjeune (18h30)

Fondé en 2020, Et on déjeune est un quintet témiscabitibien 100% féminin. Son style synthpop, punk rock et électro, empreint d’une nostalgie des années 80, a donné naissance à une proposition musicale à la fois douce, explosive, poétique et théâtrale. Après avoir lancé deux simples en 2025, Moquette et Joconde, Et on déjeune s’apprête à dévoiler son tout premier album à l’automne. Des dates de spectacles seront annoncées bientôt.

Founded in 2020, Et on déjeune is an all-female quintet from Témiscamingue. Their synthpop, punk rock, and electro style, imbued with ’80s nostalgia, has given rise to a musical offering that is simultaneously gentle, explosive, poetic, and theatrical. After releasing two singles in 2025, Moquette and Joconde, Et on déjeune is preparing to unveil their debut album this fall. Performance dates will be announced soon.

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Art Pop / Experimental / Contemporary / Synth-Pop

FME : Nadah El Shazly et N Nao au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

N Nao (17h)

N NAO, nommée Naomie de Lorimier, est une artiste née et basée à Montréal. Elle explore la romance expérimentale par la musique, la performance et la vidéo depuis des millions d’années. Ses compositions s’inscrivent dans une démarche écoféministe, inspirée de rêves et de rituels. Son deuxième album L’eau et les rêves (24 mars 2023 via Mothland) repousse les limites de la chanson entre sonorités électroniques et organiques. En plus d’une reconnaissance du public et de l’industrie, il lui vaut une place sur la Longue Liste du Prix de musique Polaris 2023. En sus de collaborer avec entre autres Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy et Lumière, elle a assuré les premières parties de plusieurs artistes dont Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson et Water From Your Eyes, et joué dans la dernière année notamment à Pop Montréal, Paris, Berlin, Sled Island à Calgary et SXSW au Texas. N NAO nous revenait l’hiver dernier avec Nouveau Langage, son troisième long jeu paru le 31 janvier 2025 via Mothland, deuxième à se retrouver sur Longue Liste du Prix de musique Polaris (2025).

N NAO, also known as Naomie de Lorimier, is a Montréal-born and based artist. For millions of years, she has explored experimental romance by way of music, performance and video. Her compositions employ an ecofeminist approach inspired by dreams and daily rituals. Her second full-length, L’eau et les rêves (March 24th, 2023 via Mothland) challenged traditional singer-songwriter music by aptly blurring the line between electronic and organic sounds. Celebrated by the public and the industry alike, the album made the Long List for the 2023 Polaris Music Prize. On top of stellar collaborations with Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy, and Lumière, she acted as main support for the likes of Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson, and Water from Your Eyes. Over the past year, she took part in POP Montreal, Sled Island (Calgary, AB) as well as SXSW (Austin, TX), while also performing in Paris, FR and Berlin, DE. Last Winter, N NAO came back with Nouveau Langage, her third full-length released on January 31st, 2025 via Mothland, her second album to be long-listed for the Polaris Music Prize (2025).

Nadah El Shazly (18h)

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a débuté sa carrière musicale dans un groupe punk avant de se tourner vers la composition électronique expérimentale. Son premier album Ahwar (2017) a été salué mondialement pour sa fusion novatrice entre traditions musicales arabes et sonorités contemporaines, propulsant El Shazly au premier plan de la scène musicale internationale. Elle figurait en couverture du magazine The Wire en 2018, à l’occasion d’un dossier consacré à la nouvelle vague musicale du Caire. Artiste de scène magnétique, elle combine voix envoûtante, manipulation sonore pointue et collaborations percutantes (Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca). Elle s’est produite sur les scènes des festivals Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Roskilde, FIMAV, entre autres. Également compositrice de musiques de films, elle a signé la bande originale du film Les Damnés ne pleurent pas (2022), remportant deux prix internationaux. En 2024, elle a sorti Pollution Opera, un album abrasif en duo avec Elvin Brandhi. Son œuvre récente, Laini Tani, en collaboration avec 3Phaz, Patrick Graham et Sarah Pagé, illustre une maîtrise totale des textures sonores et une voix puissante, au cœur d’un univers musical dense, urbain et onirique. Nadah El Shazly incarne une figure audacieuse et singulière de la musique expérimentale mondiale.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical path in a Misfits cover band before turning to experimental electronic composition. Her 2017 debut album Ahwar was met with international acclaim for its groundbreaking fusion of Arabic musical traditions and avant-garde production, earning her a leading place in global experimental music. In 2018, The Wire magazine featured her on its cover, highlighting “Cairo’s New Wave.” El Shazly’s performances are immersive experiences that merge her mesmerizing vocals with intricate sonic textures. She has collaborated with forward-thinking artists like Sam Shalabi, Elvin Brandhi, and Maurice Louca, and performed at renowned festivals including Irtijal, Le Guess Who?, Roskilde, FIMAV, and Rewire. As a composer for film, El Shazly’s soundtrack for The Damned Don’t Cry (2022) earned awards at the Bordeaux and Dublin film festivals. In 2024, she released Pollution Opera, a raw, genre-defying album with Elvin Brandhi exploring visceral electroacoustic soundscapes. Her latest project Laini Tani, co-produced with 3Phaz and featuring Patrick Graham and Sarah Pagé, is a sonic labyrinth where El Shazly’s commanding voice guides the listener through bold rhythmic structures and surreal textures. Nadah El Shazly continues to expand the possibilities of contemporary experimental music.

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Ce contenu provient du Festival de musique émergente et est adapté par PAN M 360

fuzz-rock / psych

FME : FIN DE SOIRÉE – Fangus et Cure-Pipe au bar du Curling

by Rédaction PAN M 360

Cure-Pipe (00h)

Cure-Pipe, projet mené par l’auteur-compositeur-interprète Thomas Dakin, est une proposition musicale audacieuse et débridée. Porté par une fusion unique de rock psychédélique, garage pop, hyperpop et rock classique, Cure-Pipe livre une musique brute, éclatée et résolument sincère. Thomas ne fait aucun compromis : chaque morceau est une immersion totale dans son univers intense, vibrant et profondément personnel. Depuis la sortie de Mazeless Loudness en 2021, Cure-Pipe s’est rapidement imposé sur la scène québécoise grâce à des performances marquantes et une esthétique psyché envoûtante. Avec Le Pire (2022), il opère un virage plus pop sans renier ses racines crasseuses et garage. Mais c’est avec J’avais (2023) que Cure-Pipe connaît un réel tournant : l’album séduit tant le public que les professionnels, propulsant Thomas parmi les artistes les plus originaux et prometteurs de sa génération. Demi-finaliste aux Francouvertes, nommé aux GAMIQ, et fort d’une mini-tournée européenne, Cure-Pipe revient gonflé à bloc avec J’ai trouvé Jésus. Ce nouvel album s’annonce comme un concentré de “gras saguenéen” assumé, prêt à nourrir les amateurs de musique singulière. Thomas Dakin continue d’imposer sa voix unique sur la scène alternative, entre éclat psyché et pop brute.

Cure-Pipe is the explosive musical project of singer-songwriter Thomas Dakin, who surrounds himself with talented collaborators to deliver a raw, genre-blending sound. Combining psychedelic rock, garage pop, hyperpop, and classic rock, Cure-Pipe’s music is gritty, unexpected, and deeply authentic. Thomas offers no half-measures—his work is bold, immersive, and uncompromising. Following the release of his debut album Mazeless Loudness in 2021, Cure-Pipe quickly gained attention across Quebec for his intense live performances and hypnotic psychedelic aesthetic. With Le Pire (2022), he leaned into a more pop-forward direction while staying true to his garage roots. But it was 2023’s J’avais that marked a turning point: the album drew praise from fans and industry alike, solidifying Cure-Pipe’s status as a rising force in Quebec’s alternative music scene. That momentum carried through a packed year that included a Francouvertes semi-final, GAMIQ nominations, and a short European tour. Now, Cure-Pipe returns with J’ai trouvé Jésus, an album infused with what he calls “pure Saguenay grease”—bold, wild, and unapologetically his own. Thomas Dakin’s voice and vision are unmistakable. With each release, Cure-Pipe pushes boundaries and redefines what modern Quebec rock can be: messy, beautiful, and entirely true.

Fangus (1h)

Apparu comme par magie à Montréal à l’été 2022, Fangus attire de plus en plus d’adeptes dans leur culte du freak rock grâce à des performances choquantes et envoûtantes. Errant dans les catacombes de l’ancien heavy rock, du proto-métal & du psychédélique, le groupe libère sa colère sur le monde… Et tous ceux qui y vivent admireront la bête.

Magically spawned in Montreal on midsummer 2022, Fangus is currently luring more and more followers into their freak rocking cult through shocking, yet bewitching perfomances. Wandering in the catacombs of ancient heavy rock, proto-metal and psychedelia, the gang is now on the brink to release their wrath upon the world… And all who dwell on earth will worship the beast.

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Ce contenu provient du Festival de musique émergente et est adapté par PAN M 360

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