classique / jazz / musique du monde

Fête de la musique à Tremblant: tout ce dimanche !

par Rédaction PAN M 360

Scène Deslauriers

12h00 à 13h00 – Matt Dupont et Jérémie Roy – Si la harpe m’était récitée

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Si la harpe m’était récitée est une invitation musicale et poétique de deux brillants artistes. À travers ce concert, Matt Dupont vous invite à entendre des œuvres originales pour harpe ponctuées de chefs-d’œuvres littéraires récités par le comédien Jérémie Roy.

Rue des Remparts

12h00 à 12h40, 13h30 à 14h10, 15h00 à 15h40, 16h30 à 17h10 – Ariana Nasr – Ariana Nasr chante

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Chanteuse multilingue à la voix belle et profonde qui redonne vie aux chansons populaires du 20e siècle à l’aide de son accordéon électrique. Cette passionnée à l’énergie communicative va de la chanson française aux standards jazz, blues et musique populaire qu’elle réinvente avec son style personnel.

Place de la famille

12h30 à 13h10, 14h30 à 15h10, 16h15 à 16h55 – sCHNOUTe –

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Poussières sorties d’un juke-box, ces lourdauds de plume, intimement liés à l’image créative de L’Aubergine, s’adaptent aisément à toutes les situations qui s’offrent à eux. Excellents musiciens, ils se jouent de tous les styles. Jamais vu et rarement entendu, vos yeux n’en croiront pas vos oreilles!

Scène Québecor

13h00 à 14h00 – Marianne Trudel et Karen Young – Ode à la nature, ode à la vie!

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Deux grandes artistes au sommet de leur art, la pianiste Marianne Trudel et Karen Young présentent un tout nouveau spectacle inédit rendant hommage à la nature, à la beauté et à la vie! Naviguant entre les mots de Gilles Vigneault, Richard Desjardins, Joséphine Bacon ou encore des Beatles, Neil Young et Abbey Lincoln, ces deux artistes accomplies et en parfaite symbiose, donne une performance gorgée d’émotions.

Ce concert célèbre les 50 ans de carrière de Karen Young!

Place de la famille

13h30 à 14h05, 15h30 à 16h05 – Barbada – L’heure du conte avec Barbada

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L’heure du conte avec Barbada est une activité ludique et sympathique qui vise à amener les enfants à s’ouvrir à la différence et à développer l’amour de la lecture et de la musique. En 2022, elle devient la première drag queen québécoise à la barre d’une émission jeunesse avec la série Barbada, présentée sur ICI TOU.TV, dans laquelle elle invite des artistes à prendre part à son univers coloré afin de faire découvrir aux enfants la musique d’ici. Cette représentation spéciale sera rythmée par des instants musicaux et d’autres qui donneront envie d’entrer dans la danse. Avec son humour, sa candeur et ses valeurs, Barbada, c’est la drag pour tout le monde.

PIANO PUBLIC QUÉBECOR

14h00 à 15h00, 16h00 à 17h00 – Paul Baillargeon – Paul Baillargeon se raconte au piano

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Un de nos plus prolifiques compositeurs de musique de films et de télévision viendra se raconter en paroles en musique. Ce compositeur aguerri a longuement fait carière à New York et Los Angeles. Il a d’ailleurs composé la musique de la célèbre série Star Trek pendant 12 ans, ainsi que la musique de nombreux interprètes de chez nous, dont Céline Dion et Jean-Pierre Ferland. Paul Baillargeon nous parlera de son métier et des défis de la composition à l’image. Une rencontre intime et chaleureuse.

Scène Deslauriers

14h15 à 15h15 – Dominique Beauséjour-Ostiguy et Christ Habib – Hommage à Piazzolla

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Un concert commenté et interpreté par ce duo guitare et violoncelle où les musiciens traversent avec brio le parcours musical et le cheminement intérieur d’un bandonéoniste, devenu le plus grand compositeur de tango du 20e siècle.

Scène Québecor

15h30 à 16h30 – La Nef – Red Sky at Night – Chants de marins

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Sous la direction musicale de Seán Dagher, La Nef prend la mer avec son fidèle équipage et met le cap sur des chansons de navigation périlleuse, d’aventures, de vents forts et de naufrages, et de navigation paisible, de vents doux, d’éloignement et d’amour.

Avec Seán Dagher, direction musicale, voix, cistre; David Gossage, flûtes, voix; Maïa Dagher, violon, voix; Bill Gossage, contrebasse, voix; et les chanteurs Nils Brown, ténor; Michiel Schrey, ténor et Clayton Kennedy, baryton.

Scène Québecor

17h00 à 18h00 – Waahli – Waahli

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Artiste montréalais d’origine haïtienne, et co-fondateur de Nomadic Massive, la musique de Waahli, d’influence Hip-Hop se reconnait entre autres par sa touche afro-caribéenne. Révélation 2023 de Radio-Canada, il décrit sa musique ainsi: rassembleuse, chaleureuse, énergique, antillaise et montréalaise. Waahli est accompagné de ses 5 musiciens sur scène et aime interargir avec son public.

Scène Québecor

19h30 à 21h00 – Natalie Choquette, Florence K, Éléonore Lagacé – Quelle famille!

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Combien de fois avez-vous entendu dire que la musique est dans l’ADN? NATALIE CHOQUETTE, FLORENCE K ET ÉLÉONORE LAGACÉ sauront vous en donner la preuve sur scène! Tel un jeu musical, elles puiseront chacune dans leur propre répertoire et se mettront au défi d’interpréter les chansons préférées les unes des autres… ensemble! Ainsi, entendez Éléonore chanter un air d’opéra avec sa mère, Florence se prêter au pop de sa soeur, Natalie jazzer sur la bossa nova de Florence, Éléonore chanter en portugais, Florence interpréter l’ave maria favori de sa mère et Natalie joindre sa voix à la salsa de son aînée! Que demander mieux que ce voyage musical à travers des générations de femmes qui s’aiment plus que tout et qui prennent un plaisir fou à unir l

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Alternative / indie pop / R&B

POP Montréal : Jane Penny + Ura Star & Fireball Kid + Naomi + Elan Noon

par Rédaction PAN M 360

Jane Penny

Co-fondé par Jane Penny et son ami d’enfance, David Carriere, à Montréal en 2011, TOPS a émergé de la même scène DIY locale que Grimes et Mac DeMarco. Le groupe s’est rapidement retrouvé à faire des tournées et des spectacles à guichets fermés à l’échelle internationale, à recevoir des éloges, à obtenir des places dans des festivals convoités et à accumuler des millions de streams. Le groupe venait de sortir son quatrième album studio lorsque Penny est tombée malade, souffrant d’une COVID longue pendant plus d’un an, alors qu’elle s’occupait de son partenaire à Berlin, qui était lui-même alité. Inspirée par la scène musicale berlinoise, séparée par la distance et les fuseaux horaires de ses collaborateur·ices habituel·les à Montréal, Penny s’est mise à développer une pratique créative indépendante. Lorsqu’elle a été suffisamment rétablie pour retourner à Montréal, Penny a mis la touche finale à l’EP avec son voisin et collaborateur de longue date, le producteur et musicien Patrick Holland, qui a assuré la production et le mixage de l’EP. « Il y a des choses que je voulais explorer sur le plan sonore et créatif, qui auraient été impossibles dans le contexte de TOPS. Je voulais relever le défi de créer un monde à part entière : écrire toutes les parties incluant la batterie, choisir chaque échantillon, écrire la ligne de basse. Ayant pris le contrôle de l’ensemble du monde musical que je créais, je suis devenue ouverte aux émotions, à la sensualité et à l’intuition qui naissent de la solitude. Il m’a fallu un certain temps pour atteindre un point où je me sentais prête à partager, mais maintenant les portes sont grandes ouvertes et je vais certainement continuer sur cette voie. » TOPS est toujours actif — le groupe travaille actuellement sur un nouvel album. « Il n’y a pas de façon plus satisfaisante de faire de la musique que de la jouer avec d’autres personnes, mais le format d’un groupe a certaines limites sur le plan sonore. Faire de la musique avec TOPS reste l’une de mes priorités dans la vie, et le groupe ne souffre absolument pas de mon travail solo. » « Cet EP est né d’une période d’obscurité et d’un point de faiblesse, mais je me sens responsable d’infuser les auditeurs d’un certain niveau de résilience », déclare Penny. « En tant qu’artiste, c’est mon travail de montrer aux gens qu’il est libérateur d’explorer certains de ces sentiments, mais je veux toujours leur laisser un rayon de lumière, une porte de sortie — pour ne pas que je l’oublie moi non plus. »

Co-founded by Jane Penny and her childhood friend David Carriere in Montreal in 2011, TOPS emerged from the same local DIY scene as the likes of Grimes and Mac DeMarco. The band quickly found themselves touring and selling out shows internationally, earning praise and critical acclaim, scoring highly sought-after festival slots, and racking up streaming numbers in the millions. The band had just released their fourth studio album when Penny became sick herself with long COVID for over a year while acting as a caretaker for her partner in Berlin who had become bedridden. Inspired by the musical scene in Berlin, but also separated by distance and time zones from her usual collaborators in Montreal, it became necessary for Penny to explore an independent creative practice. When she was finally well enough to return to Montreal, Penny put the finishing touches on the EP with her neighbor and long-time collaborator, producer and musician Patrick Holland, who provided additional production and mixing on the EP. “There are things I wanted to explore sonically and creatively, which would be impossible in the context of TOPS. I wanted to challenge myself to create a whole world of my own, to write all of the parts, program the drums, choose every sample, write the bass line. When I took control over the entire world of music that I was creating I felt that it also opened up a lot of emotional space, sensuality and intuition that comes through solitude. It took a while to reach a point where I feel it’s ready to share, but now the gates are open and I’ll definitely be continuing on this path. “ TOPS is still going strong – they’re currently working on a new record. “There isn’t a more soul-satisfying way to make music than to play it with other people, but a band format has certain limitations to its scope sonically. Making music with TOPS is still one of my main priorities in life, and the band definitely isn’t taking a back seat to my solo work.“ “This EP comes out of a period of darkness, and a point of weakness, but I feel responsible to leave listeners with a certain level of resilience,” Penny says. “As an artist, it’s my job to show people that it’s freeing to explore some of these feelings, but I always want to leave them with a ray of light, an escape hatch, because then I’m reminded of it, too.”

Ura Star & Fireball Kid

Depuis leur enfance, Ura Star et Fireball Kid font de l’indie pop à grand renfort de hooks et de fêtes. Tout juste sortis de leurs albums Gas Station, Emotional Bros Hotline et 2024’s Heartracer, ils sont prêts à faire la fête et à faire couler de la bière, dans un esprit de fête de cuisine, comme jamais auparavant.

Ura Star & Fireball Kid have been bringing the hook-heavy, party-inducing indie pop together since they were kids. Coming hot off the releases of their records Gas Station, Emotional Bros Hotline, and 2024’s Heartracer they’re barn-burner ready and bringing beer-spilling, kitchen party spirit to the show in a bigger way than ever before.

Naomi

Naomi est une artiste multidisciplinaire au charisme évident et attire rapidement sur elle les projecteurs grâce à son talent multifacette. Avec son penchant pour les airs estivaux caribéens qu’elle pimente au gré de ses influences pop, RnB et house, Naomi a fait paraître son premier album éponyme en septembre 2022. Danseuse professionnelle, chorégraphe et actrice — on la voit d’ailleurs dans plusieurs vidéoclips d’artistes locaux et internationaux d’envergure telles que Rihanna, Cœur de pirate et Marie-Mai.

Naomi is a multi-disciplinary artist with undeniable charisma who snatches the spotlight with her multi-faceted talent. With her penchant for Caribbean summer tunes spiced up with pop, RnB and house influences, Naomi released her self-titled debut album in September 2022. Professional dancer, choreographer and actress – she has appeared in several music videos for major local and international artists such as Rihanna, Cœur de pirate and Marie-Mai.

Elan Noon

Elan Noon est le nom de scène de l’artiste canado-américain Keenan Mittag-Degala. Tissant librement les genres dans des chansons pop émotives, Elan Noon s’inspire de multi-instrumentistes introspectifs tels qu’Elliott Smith et Judee Sill. Enregistré principalement sur d’anciens accessoires à bande magnétique, le travail d’Elan Noon est truffé de textures décalées et de distorsions ludiques.

Elan Noon is the stage name of Canadian-American artist Keenan Mittag-Degala. Freely weaving genres into emotionally-driven pop songs, Elan Noon takes after introspective multi-instrumentalists like Elliott Smith and Judee Sill. Predominantly recorded on antiquated magnetic tape accessories, Elan Noon’s work is rife with offbeat textures and playful distortions.

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autochtone / Experimental / punk

POP Montréal : Marnie Stern + GLADHANDING + Ribbon Skirt

par Rédaction PAN M 360

Marnie Stern

L’une des guitaristes les plus acclamées du 21e siècle, la compositrice new-yorkaise Marnie Stern s’inspire de diverses influences, dont Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof et King Crimson. Son premier album en dix ans, The Comeback Kid, est sorti en 2023 et a reçu des critiques élogieuses de The Guardian, Fresh Air de NPR avec Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily et plus encore.

One of the most acclaimed guitarists of the 21st century, New York City-based songwriter Marnie Stern’s singular playing draws from various influences, including Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof, and King Crimson. Her first album in ten years, The Comeback Kid, was released in 2023 to rave reviews from The Guardian, NPR’s Fresh Air with Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily and more.

GLADHANDING

1000 cyborg bataille royale

1000 cyborg battle royale

Ribbon Skirt

Guidé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais connu autrefois sous le nom de Love Language. Avec un spectacle captivant, ils ont participé à des festivals à travers le Canada et les États-Unis, incluant SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish et Pop Montréal, et ont partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen et Enumclaw. Leur premier album présente un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité autochtone et à ses pratiques culturelles. Produit par Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et avec beaucoup des expérimentations en studio, le groupe a émergé avec un premier album confiant, mélangeant boîtes à rythmes et synthétiseurs pour compléter l’énergie du groupe sur scène. Continuant à pousser leur son dans une nouvelle direction, le groupe a choisi de travailler avec le légendaire batteur et compositeur expérimental Greg Saunier (Deerhoof) pour le mixage, et l’album a été masterisé par Mikey Young (Total Control).

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. With a captivating live show, they have played festivals across Canada and the US including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen and Enumclaw. Their debut album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. Produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and with endless experimentation in the studio the band emerged with a confident debut album mixing drum machines and synths to compliment the energy of the live band. Continuing in this spirit of pushing their sound into a new direction, the band chose to work with legendary experimental drummer and composer Greg Saunier (Deerhoof) on mixing, and the album was mastered by Mikey Young (Total Control).

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dream-pop / folk / rock n' roll

POP Montréal: Laughing + Bodywash + Bleu Vésuve + Amery

par Rédaction PAN M 360

Qu’est-ce que la paix, l’amour et la compassion ont de si drôle ? Entremêlant quatre voix uniques provenant des quatre coins du Canada, Laughing est un band de rock n’ roll basé à Montréal qui s’inspire de certains des plus grand·es grandes auteur·es-compositeur·ices pop des cinq dernières décennies. Le matériel cousu main et la sublimation temporaire de l’ego leur sont utiles dans leur quête de la chanson parfaite. Leur premier album, Because It’s True, est une tentative honnête de vous inclure dans une immense blague cosmique. Que vous jetiez vos louanges, votre adulation, vos moqueries ou votre mépris sur eux, Laughing rira toujours. Qui rira le dernier ?

What’s so funny about peace, love and compassion? Blending four unique voices from across Canada, Laughing is a Montreal-based rock n’ roll band inspired by some of the greatest pop songwriters of the past five decades. Hand-sewn material and temporary ego-sublimation come in handy in their quest for the perfect song. Their debut album, Because It’s True, is an honest attempt to include you in a huge cosmic joke. Whether you throw your praise, adulation, mockery or scorn at them, Laughing will always laugh. Who’s laughing last?

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folk / Indie / pop / R&B / rock

POP Montréal : Bye Parula + FilliE + Ballsy + Avery Jane

par Rédaction PAN M 360

Bye Parula

Bye Parula, c’est la rencontre entre un Napolitain, un Chilien et un Catalan au cœur de l’effervescence montréalaise. Influencé par la musique de film des années 60-70 ainsi que par l’indie moderne, leur pop progressive oscille entre dépouillement brut et orchestration léchée. Sur scène, c’est un chœur de cinq voix, guitares, basse, claviers et batterie qui se retrouvent.

Bye Parula is the encounter between a Neapolitan, a Chilean and a Catalan in the heart of Montreal’s effervescence. Influenced by film music from the 60’s-70’s as well as modern indie. Their progressive pop oscillates between raw stripping and polished orchestration. Their first album, I, was produced by Robbie Kuster (Patrick Watson, Black Legary, Gros Mené) and released in February 2023.

FilliE 

FilliE oscille entre la désinvolture de la pop et l’insolence du rock. Avec son lexique sincère, il affronte le passage à l’âge adulte en creusant dans l’intimité du quotidien. Son deuxième opus, Vanille contact, voit jour en mars 2024 ; projet fédéré par le désir adolescent de braver les vertiges.

FilliE oscillates between the casualness of pop and the insolence of rock. With its sincere lexicon, it confronts the passage into adulthood by excavating the intimacy of everyday life. Born of the teenage desire to tame vertigo, her second opus, Vanille contact, saw the light of day in March 2024.

Ballsy

Ballsy, l’aventure solo d’Isabelle Banos de Caveboy, est un mélange nostalgique d’indie rock énergique et de dreampop. Son premier EP, Bisou, sorti le 5 avril 2024, a été décrit comme « rempli d’une angoisse lumineuse, ressemblant parfois au style poétique de Springsteen soutenu par The Chromatics » (PAN M 360). Son spectacle électrisant vous ramènera à l’époque des bonbons à 1 cenne grâce à une fusion explosive de riffs de guitare, d’accroches contagieuses et d’émotions non filtrées.

Ballsy, the solo venture of Caveboy’s Isabelle Banos, is a nostalgic blend of energetic indie rock and dreampop. Her debut EP “Bisou”, out April 5th 2024, has been described as “filled with sunshine-drenched angst, sometimes feeling like the poetic stylings of Springsteen backed by The Chromatics” (PAN M 360). Her electrifying live show will bring you back to the days of corner store sugar highs through an explosive fusion of jangly guitar riffs, infectious hooks and unfiltered emotion.

Avery Jane

Avery Jane est une artiste montréalaise originaire de Victoria, en Colombie-Britannique, qui se décrit elle-même comme une artiste « Pop R&B d’inspiration folk ». Après avoir joué pendant des années dans des big bands, des groupes de théâtre, de folk et d’indie-jazz, elle a entamé sa carrière solo. En 2019, Avery a commencé à se produire dans les pubs de Montréal en tant qu’artiste solo, perfectionnant ses compétences et écrivant de la musique. Pendant la pandémie, son travail a changé radicalement, passant de la performance à la création de musique originale. Les paroles d’Avery sont authentiques et perspicaces. Avec des chansons qui traitent de sujets éclectiques comme : oublier d’acheter du dentifrice à l’épicerie ; offrir une chambre à sa mère dans la grande ville; ou encore d’amour inconditionnel – les paroles pertinentes d’Avery abordent l’expérience humaine sous plusieurs angles. L’année 2024 sera dédiée à travailler sur des singles, à établir des liens authentiques dans la communauté musicale et à donner des spectacles avec son nouveau groupe de cinq musicien·nes.

Avery Jane is a Montreal-based artist from Victoria BC, a self-described “Folk-inspired Pop R&B” artist. After years of performing in big bands, theater, folk and indie-jazz bands, she began to pursue her solo career. In 2019, Avery began performing the pub circuit in Montreal as a solo act, honing her skills and writing music. During the pandemic, her work changed drastically from performance-focused to creating original music. Avery’s lyrics are genuine and clever. With songs about forgetting to buy toothpaste at the grocery store, giving her mother a room to visit in the big city, and unconditional love, Avery’s insightful, relatable lyrics touch on many aspects of the human experience.She is spending the 2024 year working on singles, making genuine connections in the musical community and playing shows with her newly gathered 5 piece live band.

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grunge / punk / rap

POP Montréal : Bob Vylan + Jigsaw Youth

par Rédaction PAN M 360

Bob Vylan

Le deux pièces londonien BOB VYLAN est unique. Un chanteur (Bobby) et un batteur (Bobbie). Un étant un porte-parole vital et central, l’autre un créateur et gardien du rythme, un meneur du public, un maître du calme. C’est un groupe qui embrasse à la fois le chaos et la paix, un groupe qui prospère grâce à l’indépendance et créer leur propre chemin, un groupe connu pour ses mosh pits et ses pit câlins. Ils ont un un son unique et en constante évolution, qui traverse les styles et les genres, éliminant le traditionnel et embrassant des dimensions sonores nouvelles et plus uniques. Ils intègrent ces styles dans leur musique dans une tentative de relier et de mélanger les genres et les sous-cultures. C’est ce style très unique et un son qui les a amenés à être adoptés par les foules du rock, du rap, du punk, de la danse et de l’alternative.

London two-piece BOB VYLAN are unique. One vocalist (Bobby) and one drummer (Bobbie). One being a vital and focal mouthpiece, the other a rhythm maker and keeper, one audience ringleader, one master of the calm. They are a band that embraces both chaos and peace, a band that thrives on independence and creating their own path, a band known for mosh pits and pit hugs. They have a unique and ever evolving sound, one that crosses styles and genres, doing away with the traditional and embracing new and more unique sonic dimensions. They incorporate these styles within their music in an attempt to bridge and blend genres and subcultures together. It is this very unique style and sound that has found them embraced by rock, rap, punk, dance and alternative crowds alike.

Jigsaw Youth

Jigsaw Youth est un groupe punk/grunge entièrement féminin de Staten Island, New York, qui apporte une nouvelle vague de distorsion brute et d’éléments du rock alternatif des années 90. Ses membres incluent Maria Alvarez à la basse et au chant, Nastacha Beck à la guitare et Alex Dmytrow à la batterie !

Jigsaw Youth is an all female punk/grunge band from Staten Island, NY that brings a new wave of raw distortion and elements of 90s alternative rock. It’s members include Maria Alvarez on bass and vocals, Nastacha Beck on guitar, and Alex Dmytrow on drums!

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électronique / folk / Indie / new age

POP Montréal : Cassandra Jenkins + Nailah Hunter + Valmy

par Rédaction PAN M 360

Cassandra Jenkins

Comme le ciel nocturne lui-même, le monde de Ma Lumière, Mon Destructeur est en constante expansion. Le troisième album de Cassandra Jenkins ouvre la promesse d’atteindre les limites du nouveau, avec une palette sonore plus large que jamais auparavant, englobant le rock indie piloté par la guitare, le new age, la sophistipop et le jazz. Au centre de tout cela se trouve la curiosité de Jenkins envers les quarks et quasars qui composent son univers, alors qu’elle mélange les enregistrements de terrain avec un lyrisme poétique tour à tour allusif, humoristique, dévastateur et confessionnel – un geste alchimique qui approfondit encore la richesse de l’album.
À ses côtés dans cette immersion, un groupe d’amis issus de tout le spectre du rock indépendant moderne ; producteur Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), El Kempner de Palehound, Meg Duffy de Hand Habits, Isaac Eiger (anciennement de Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producteur et l’instrumentiste Josh Kaufman (de An Overview de Jenkins), la productrice Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange) et l’amie de Jenkins, la réalisatrice/actrice/journaliste Hailey Benton Gates. Avant tout et comme toujours, Jenkins s’inspire de l’électricité bavarde du monde qui l’entoure, louchant les parasites radio avec le désir de mieux comprendre. Tissant habilement l’enregistrement sur le terrain, les sons trouvés et l’audio auxiliaire (comme les sons des trains et les agents de bord), elle attire l’attention sur des moments plus étranges que la fiction qui amènent l’auditeur plus loin.

Like the night sky itself, the world of My Light, My Destroyer is always expanding. Cassandra Jenkins’ third full-length cracks open the promise of reaching the edge of the new, with a wider sonic palette than ever before—encompassing guitar-driven indie rock, new age, sophistipop, and jazz. At the center of it all is Jenkins’ curiosity towards the quarks and quasars that make up her universe, as she blends field recordings with poetic lyricism that is at turns allusive, humorous, devastating and confessional—an alchemical gesture that further deepens the richness of the album.
Joining her in this immersion is a cast of friends pulled from across the modern indie rock spectrum; producer Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), Palehound’s El Kempner, Hand Habits’ Meg Duffy, Isaac Eiger (formerly of Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producer and instrumentalist Josh Kaufman (of Jenkins’ An Overview), producer Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange), and Jenkins’ friend, director/actor/journalist Hailey Benton Gates.
Above all and as ever, Jenkins is drawing inspiration from the chattering electricity of the world around her, squinting through radio static with the desire to gain a greater understanding. Deftly weaving field recording, found sound, and ancillary audio (like train sounds & flight attendants) she brings attention to stranger-than-fiction moments that bring the listener further in.

Nailah Hunter

Nailah Hunter est une multi-instrumentiste et compositrice basée à Los Angeles. Sa musique pour harpe, électronique et voix scintille d’un rayonnement spirituel, plein de magie, d’émerveillement et d’énergies curatives.

Nailah Hunter is a multi-instrumentalist and composer based in Los Angeles. Her music for harp, electronics and voice shimmers with spiritual radiance, full of magic, wonder, and healing energies.

Valmy

Valmy est une auteure-compositrice-interprète et multi-instrumentiste originaire de l’Ontario qui a suivi l’océan et s’est installée sur la côte est. Explorant les thèmes de l’émerveillement, du deuil et de la guérison, elle utilise sa musique d’influence folk pour raconter des histoires sur l’amour et sur la façon de se frayer un chemin dans l’obscurité. Basée à St. John’s, Terre-Neuve, Valmy crée en tissant son écriture contemplative à des vagues mélodiques inspirées de la nature et des harmonies atmosphériques. Son premier album, The In Between, est sorti en septembre 2023 et a été chaleureusement accueilli par le public, avec une critique élogieuse de Tony Ploughman chez Fred’s Records : « Les rythmes et les mélodies enveloppent l’esprit et l’âme comme une courtepointe soigneusement rapiécée… Il y a une cohésion dans cet album qui offre des réflexions méditatives sur l’équilibre de notre état mental en harmonie avec la nature, ses chansons fournissant un processus méthodique pour atteindre cet équilibre. Et l’intensité sous-jacente qui nous pousse à suivre l’appel de nos pensées et de nos émotions pour créer est constante… Habilement produit, réalisé et mixé, The In Between est l’une des meilleures sorties NL de 2023 ». Valmy a clos l’année 2023 avec deux nominations aux MusicNL Awards, a été sélectionnée aux East Coast Music Awards 2024 et a également été sélectionnée pour trois MusicNL Awards 2024 dans les catégories Artiste alternatif, Artiste solo et Auteur-compositeur Ron Hynes de l’année. Elle est très enthousiaste à l’idée de rencontrer son public lors de sa tournée d’automne de l’est du Canada pour The In Between.

Valmy is a singer-songwriter and multi-instrumentalist from Ontario who’s been following the ocean and making home on the East Coast. Exploring themes of wonder, loss, and healing, she uses her folk-influenced music to tell stories about loving and stumbling your way through the dark. Based in St. John’s, Newfoundland, Valmy creates and performs by weaving nature-inspired melodic swells and atmospheric harmonies with her contemplative writing. Her debut full-length album ‘The In Between’ was independently released in September 2023 and warmly received by listeners, with a thoughtful review from Tony Ploughman of Fred’s Records: “The rhythms and melodies wrap around the mind and soul like a lovingly patched quilt… There is a cohesiveness to this full album offering meditative musings on balancing one’s own mental state in harmony with nature, the songs providing a methodical process to achieve that balance. And the underlying intensity to follow through on the beckoning of one’s thoughts and emotions to create is constant…Deftly produced, engineered and mixed, “The In Between” is one of 2023’s finest NL Releases”. Valmy concluded 2023 with two MusicNL nominations, was a 2024 East Coast Music Award nominee, and was also nominated for three 2024 MusicNL awards for Alternative Artist, Solo Artist, and Ron Hynes Songwriter of the Year. She is excited to be connecting with audiences on her Autumn Tour in support of ‘The In Between’, through Eastern Canada.

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country-folk

POP Montréal: Iris Dement + Nico Paulo

par Rédaction PAN M 360

Sur son nouvel album transcendant, Workin’ On A World, Iris DeMent fait face au monde moderne – tel qu’il est actuellement – ​​avec sa catastrophe climatique, ses pandémies et ses épidémies de violence et d’injustice sociale – et ne se contente pas de nous demander comment nous pouvons continuer à le faire. œuvre pour un monde meilleur, mais nous implore de nous aimer les uns les autres, malgré nos façons de voir très différentes. Ses chansons sont sa façon de guérir nos espaces intérieurs et extérieurs brisés.

Le résultat est un album plein d’espoir – scintillant de brillants éclairs d’humour poignant et de tendresse édifiante – qui dit la vérité, « de la même manière que la vérité est toujours porteuse d’espoir », explique-t-elle. En réfléchissant aux paroles de la chanson « The Sacred Now » (« voyez ces murs/fayons-les tomber / ce n’est pas un rêve ; c’est le sacré maintenant »), DeMent se souvient de Jésus disant que le Royaume de Dieu est en vous. et le moine activiste bouddhiste Thich Nhat Hanh disant que la rose est dans le compost ; le compost est dans la rose. Sur Workin’ On A World, Iris DeMent démontre que les chansons sont la guérison et que la guérison surgit à travers la chanson.

On her transcendent new album, Workin’ On A World, Iris DeMent confronts the modern world – as it is now – with its climate catastrophe, pandemics and epidemics of violence and social injustice – and doesn’t just ask us how we can continue to do so. works for a better world, but implores us to love one another, despite our very different ways of seeing. Her songs are her way of healing our broken inner and outer spaces.

The result is a hopeful album – sparkling with brilliant flashes of poignant humor and uplifting tenderness – that tells the truth, “in the same way that the truth is always hopeful,” she explains. Reflecting on the lyrics of the song “The Sacred Now” (“see these walls/let’s tear them down/it’s not a dream; it’s the sacred now”), DeMent is reminded of Jesus saying that the Kingdom of God is within you. and Buddhist activist monk Thich Nhat Hanh saying that the rose is in the compost; the compost is in the rose. On Workin’ On A World, Iris DeMent demonstrates that songs are healing, and that healing happens through song.

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punk rock / rock

POP Montréal : Scream + Soulside + WHITE KNUCKLE + Punk Police DJs

par Rédaction PAN M 360

Soulside

Soulside est né à Washington, DC, en 1985 — s’est séparé en 1989 — puis est revenu ensemble en 2014. Il n’ont pas arrêté de jouer et d’écrire de la musique depuis. Après avoir sorti leur premier album chez Sammich/Dischord, ils ont enregistré Trigger (Dischord, 1988) et Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), qui ont été réunis sur le CD Soon Come Happy en 1990. Le groupe a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Europe au cours de ces années, y compris des concerts en Pologne et à Berlin-Est en 1989, juste avant la chute du mur de Berlin. Soon Come Happy a été remastérisé en 2003. En 2020, Soulside sortait This Ship, leur premier 7’’ depuis 30 ans, enregistré à Prague.

Soulside formed in Washington, DC, in 1985, split up in 1989, then reformed in 2014 and has continued playing and writing music since then. After releasing their debut album on Sammich/Dischord, they recorded Trigger (Dischord, 1988) and Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), which were combined on the Soon Come Happy CD in 1990. The band toured extensively in the US and Europe during these years, including groundbreaking shows in Poland and East Berlin shortly before the Berlin Wall fell in 1989.  In 2020, Soulside put out a new 7-inch, This Ship, their first release in 30 years, which was recorded in Prague. Happy”, released in 1990 and re-mastered in 2003.

Scream

Scream voit le jour en 1979. Le batteur Kent Stacks, le bassiste Skeeter Enoch Thompson et les frères Pete et Franz Stahl vont à l’école ensemble à Bailey’s Crossroads, en Virginie, lorsqu’ils commencent à découvrir la scène punk et new wave de Washington et le pouvoir provocateur de la musique. Comme la plupart des groupes punk de Washington, ils sont influencés par Bad Brains, mais ils se distinguent par leur sensibilité rock n’ roll. En 1982, ils se rendent au studio Inner Ear avec Ian MacKaye et Eddie Janney pour enregistrer le premier album complet de Dischord, Still Screaming. Le groupe a depuis connu quelques changements, notamment l’ajout de leur ami Harley Davidson à la seconde guitare, et, lorsque Kent Stacks a quitté le groupe pour fonder une famille, ils ont demandé à un jeune batteur local, Dave Grohl, de prendre la relève. Après un certain nombre d’années au sein de « l’équipe Scream », Dave a rejoint Nirvana et a formé les Foo Fighters. En 1996, lors d’un concert de Noël, Kent Stacks est redevenu le batteur de Scream. Le concert a été enregistré et est sorti en CD, Live at the Black Cat. Au cours des années suivantes, chacun a pris des directions différentes — Franz a rejoint les Foo Fighters pendant un temps et Pete a joué avec Goatsnake et earthlings?. Le groupe est revenu ensemble en 2011, avec Clint Walsh à la seconde guitare, pour enregistrer Complete Control Sessions, qui est sorti en tant qu’EP chez Side One Dummy.

Scream formed in 1979. Drummer Kent Stacks, bassist Skeeter Enoch Thompson and the brothers Pete and Franz Stahl attended school together in Bailey’s Crossroads, Virginia, when they began to discover the punk and new wave scene in DC and the provocative power of making music. Like most of the punk bands in DC, they were influenced by the Bad Brains, but their rock and roll sensibilities set them apart. In 1982, they went into Inner Ear Studio with Ian MacKaye and Eddie Janney to record Dischord’s first full length album, Still Screaming.
They made a few line-up changes along the way, including the addition of their friend Harley Davidson on second guitar, and, when Kent Stacks left the band to start a family, they asked a young local drummer, Dave Grohl, to take over. After a number of years with “the Scream team,” Dave went on to join Nirvana and form The Foo Fighters. In 1996, at a Christmas reunion show, Kent Stacks returned as Scream’s drummer; the show was recorded and released as the CD “Live at the Black Cat.” Over the next few years, everyone branched out in different directions – Franz joined the Foo Fighters for a short period and Pete played with Goatsnake and earthlings? The band returned as a unit, with Clint Walsh on second guitar, in 2011 to record the Complete Control Sessions, which was released as an EP on Side One Dummy and was, until now, the band’s most recent release.

WHITE KNUCKLE

Mort battu, mort fauché, un serpent sans yin

Dead beat, dead broke, a snake with no yin

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salsa

La Tribu Salsa Band au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Le groupe lauréat des Syli d’or de la musique du monde cette année a fait forte impression! “ En un rien de temps, le parterre s’est transformé en plancher de danse. La 16e édition du concours organisé par les Productions Nuits d’Afrique consacre le meilleur orchestre Salsa au Québec. Un performance simplement parfaite” (Le Devoir, 2023). La Tribu Salsa Band, composée de musiciens d’expérience, c’est la Salsa dura à son meilleur: des pas de danse synchronisés, des costumes chics, mais surtout une section de cuivres énergique, un piano flamboyant, une basse en plein contrôle, des percussions punchées et quatre chanteurs qui mènent le bal avec adresse. Tout pour faire honneur à ce rythme créé dans les années 70 à New York et popularisé par le mythique chef d’orchestre dominicain Johnny Pacheco.

This year’s winner of the Syli d’or de la musique du monde made a big impression! « In no time at all, the audience was transformed into a dance floor. The 16th edition of the competition organized by Productions Nuits d’Afrique honors the best salsa band in Quebec. A simply perfect performance » (Le Devoir, 2023). The Tribu Salsa Band, made up of experienced musicians, is Salsa dura at its best: synchronized dance steps, chic costumes, but above all an energetic brass section, a flamboyant piano, a bass in full control, punchy percussion and four singers who lead the ball with skill. It’s a rhythm created in the 70s in New York and popularized by the legendary Dominican bandleader Johnny Pacheco.

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americana / blues / folk / hip-hop / R&B

POP Montréal : Hua Li + Yves Jarvis + Luka Kuplowsky + Louie Sanchez

par Rédaction PAN M 360

Hua Li

Le projet de Hua Li a souvent travaillé la tension fructueuse entre des forces opposées, qu’elle soit métisse, bisexuelle, ou ouvertement politique et doucement vulnérable. Aujourd’hui, la « demi-chinoise, demi-militante, demi-rappeuse de votre cœur » est de retour avec « ripe fruit falls but not in your mouth », son album le plus ambitieux et le plus personnel à ce jour. Jouant entre le R&B brumeux, le hip-hop, le jazz et l’électronique, le deuxième album de Hua Li prend le jardin imaginaire comme moyen de cultiver son chez-soi. Avec des arrangements vocaux complexes, une production luxuriante d’Alex Thibault (aka Gloze) et un mixage important et vibrant de Lunice de TNGHT, le fruit mûr est une confession privée sur un disque bruyant. Après Dynasty en 2019 et Yellow Crane EP en 2020, acclamé par la critique, ripe fruit est d’un libertinage caractéristique. Texturée et sensuelle, la Montréalaise aux multiples traits d’union équilibre son ton riche et ondulant avec des signatures électroniques dansantes. La rappeuse est féroce et souvent drôle, jaillissant d’un parcours vaporeux pour délivrer un uppercut rapide qui pique. Avec des featuring accrocheurs et addictifs d’Ambrose Getz et de Darkus Millon, ripe fruit est un disque intime de guérison, avec la vie nocturne de Montréal en son cœur. Collaboratrice talentueuse, Hua Li a coécrit et joué sur Masquerade, l’album de Gayance sélectionné pour le prix Polaris 2023, et est la DJ de tournée de Riit, le chanteur de gorge électro-pop inuk. Son charisme sur scène l’a amenée à parcourir le monde, notamment lors de tournées avec Cadence Weapon et Fat Tony (dont elle a été la DJ de tournée), au Secret Solstice Festival de Reykjavik, au Festival international de jazz de Montréal et à Pride Toronto. Lumineux et convaincant, Hua Li montre qu’il faut de la tendresse pour laisser mûrir les choses et du cran pour les laisser mourir. Entre les deux, il y a une sorte de ravissement qui ne demande qu’à être savouré.

Hua Li’s project has often worked the fruitful tension between opposing forces, whether being mixed-race, bisexual, or overtly political and softly vulnerable. Now the “half-Chinese, half-militant, half-rapper of your heart” is back with ripe fruit falls but not in your mouth, her most ambitious and personal record to date. Playing between hazy R&B, hip-hop, jazz and electronic, Hua Li’s sophomore LP takes the imaginary garden as a proxy for cultivating home. With complex vocal arrangements, lush production by Alex Thibault (aka Gloze), and big, vibrant mixing by TNGHT’s Lunice, ripe fruit is a private confessional on a loud-ass record. Following 2019’s Dynasty and 2020’s critically acclaimed Yellow Crane EP, ripe fruit is characteristically libertine. Textured and sensual, the Montreal multi hyphenate balances her rich, waveforming tone with danceable, electronic signatures. The rapper is fierce and frequently funny, erupting from gauzy runs to deliver a quick uppercut that stings. With hooky, addictive features by Ambrose Getz and Darkus Millon, ripe fruit is an intimate record of healing, with Montreal’s nightlife at its heart. An artful collaborator, Hua Li co-wrote and performed on Gayance’s 2023 Polaris short-listed album, Masquerade, and is the touring DJ for Inuk electro-pop throat singer, Riit. Her charismatic stage show has taken her around the world, including tours with Cadence Weapon and Fat Tony (serving as the former’s touring DJ), to Reykjavik’s Secret Solstice Festival, the Montreal International Jazz Festival, and Pride Toronto. Luminous and compelling, Hua Li shows it takes tenderness to let things ripen, and guts to let things die. In-between is a kind of rapture that begs to be savoured.

Yves Jarvis

Yves Jarvis se distingue par son son — une chose chaleureuse et vivante qui semble à la fois être un tricot fait à la main et une feuille de métal précieux. Il est dédié à une musique qui condense le folk, le R&B, le country, le blues, l’Americana — avec un toucher contemporain, voire futuriste, et fusionne une impressionnante gamme d’influences, de Serge Gainsbourg et Judee Sill à Ray Charles, Brian Eno et Throbbing Gristle

Yves Jarvis is distinguished by his sound—a warm, vivid thing that feels at once like a handknit piece of fabric and a sheet of precious metal. He is dedicated to a music that condenses folk, R&;B, country, blues, Americana—with a touch that’s contemporary, even futuristic, and smashes together a stunning array of influences, from Serge Gainsbourg and Judee Sill to Ray Charles, Brian Eno and Throbbing Gristle.

Luka Kuplowsky

La voix de Luka Kuplowsky est un paradoxe : elle semble parfois trop feutrée pour être capturée, comme si elle allait disparaître comme de la fumée, puis, l’instant d’après, elle est aussi grande que le ciel. C’est une voix qui fait plier l’oreille et dont la musique crée un espace unique pour le langage poétique et l’improvisation. Sur son nouveau double album How Can I Possibly Sleep When There Is Music, Kuplowsky approfondit son intérêt pour les ensembles d’improvisation et l’enregistrement en direct, tandis que son groupe de sept musiciens (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole et Philippe Melanson) crée un son singulier fait d’espace, d’expérimentation et d’expressivité débridée qui traverse les traditions du jazz, du folk et du blues. Conçu comme un disque d’adaptations et de réponses « à un millénaire de poésie », l’album rassemble les poèmes de Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai et La Fontaine, en les plaçant dans un environnement dynamique d’expression extatique et imaginative. Produit par Sandro Perri, producteur et auteur-compositeur torontois de renom, ce nouvel album réunit des influences littéraires et musicales internationales et des éléments hyperlocaux de Toronto, dans un magnifique disque tentaculaire d’aventurisme sonore méditatif et en roue libre.

Luka Kuplowsky’s voice is a paradox — at times it sounds too hushed to be captured, as if it’s going to disappear like smoke, then in the next instant it’s as big as the sky. It is a voice that bends the ear to listen and whose music carves out a unique space for poetic language and improvisatory playfulness. On his new double LP How Can I Possibly Sleep When There Is Music Kuplowsky extends his interest with improvisational ensembles and live recording, as its seven-piece band (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole and Philippe Melanson) craft a singular sound of spaciousness, experimentation and unbridled expressiveness that traverses traditions of jazz, folk and blues. Conceived as a record of adaptations and responses “to a millennia of poetry”, the album draws together the poetry of Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai, and La Fontaine, placing them within a dynamic environment of ecstatic and imaginative expression. Produced by the luminary Toronto producer/songwriter Sandro Perri, the new LP enfolds international literary and music influences alongside hyper-local Toronto touchstones into a beautiful sprawling record of meditative and free-wheeling sonic adventurism.

Louie Sanchez

Louie Sanchez est le projet solo d’Eirene Cloma, musicienne basée à Toronto et membre de l’ensemble de kulintang Pantayo. Inspiré par le harana (une tradition philippine de sérénade) et le country folk, Louie raconte des histoires de travail, de perte et de nostalgie à travers ses expériences en tant qu’homme de la classe ouvrière philippino-canadienne.

Louie Sanchez is the solo project of Eirene Cloma, a Toronto-based musician and member of the kulintang ensemble Pantayo. Inspired by harana (a Filipino courtship tradition of serenading) and country folk, Louie narrates stories of labor, loss, and longing through their experiences as a masculine working-class Filipino-Canadian.

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garage-rock / Indie / lo-fi

POP Montréal : Meagre Martin + Andreya Casablanca + Florian TM Zeisig

par Rédaction PAN M 360

Meagre Martin

Le trio Meagre Martin, basé à Berlin, a été fondé à l’été 2021 par la musicienne et compositrice afro-américaine Sarah Martin (guitare), bientôt rejointe par Federico « Freddy » Corazzini (batterie) et Max Hirtz-Wolf (basse). Mélangeant des éléments de lo-fi et de new-Americana, Meagre Martin est l’aboutissement d’une expérience enracinée dans la guérison, s’appuyant sur un lyrisme qui arrive à densifier la nostalgie et extraire du deuil tout son pouvoir. Leur premier album, GUT PUNCH (sorti en novembre 2023 chez Mansions and Millions), crée un son inspiré du shoegaze, de l’indie des années 90, ou de la « fausse country », en juxtaposant des paysages sonores magnifiquement tendres à des paroles qui ajoutent à la douceur du son de la vulnérabilité et de la profondeur. Malcom, leur plus récent album, sorti le 4 mars dernier, évoque la précarité financière et le dynamisme des classes ouvrières américaines. Inspirées par le chaos familier de « Malcolm in the Middle », les paroles retracent le parcours qui mène des traumas générationnels à la libération. Après avoir participé à plusieurs festivals et concerts en Europe, au Royaume-Uni et en Amérique du Nord, le groupe s’apprête à entamer une année de tournée bien remplie, avec notamment des concerts au C/O Pop et au Reeperbahn Festival, en plus d’assurer la première partie de Chastity Belt lors de leur tournée européenne.

Berlin-based trio Meagre Martin was founded in the summer of 2021 by the African-American musician and songwriter Sarah Martin (guitar, she/her) and quickly joined by Federico „Freddy” Corazzini (drums, he/him) and Max Hirtz-Wolf (bass, he/him). Blending together elements of lo-fi and new-Americana, Meagre Martin is a culmination of experience rooted in healing, through lyricism that gives nostalgia new layers and harnesses the power of grief. Their debut GUT PUNCH (release in November 2023 via Mansions and Millions) create a sound inspired by shoegaze, 90’s indie, or ‘faux country,’ as the band calls it, and juxtaposes these beautifully light soundscapes with lyrics that belie the sweetness of the sound with their vulnerability and depth. Their newest release “Malcom” (out March 4th) addresses financial instability and the vibrancy of lower/middle class American life. Inspired by the relatable chaos of “Malcolm in the Middle.” The lyrics mirror a journey from generational trauma to breaking free. After playing a bunch of festivals and shows in EU/UK and North America, the band is set for a busy year of touring including performances at C/O Pop, Reeperbahn Festival and opening for Chastity Belt on their European run.

Andreya Casablanca

Avec son projet solo, Andreya Casablanca, du duo indie berlinois « Gurr », prouve qu’elle n’hésite pas à sortir de sa zone de confort pour expérimenter avec les genres. Ses propres chansons mélangent un son de guitare classique de Garage Rock à des beats de LinnDrum, une touche Dance-Mix 2000 et des lignes vocales poétiques. Andreya s’éloigne des arrangements indie classiques et s’immerge dans des sonorités pop à tendance Lo-Fi explosive.

Known as half of Berlin-based indie duo “Gurr”, Andreya Casablanca’s solo project proofs that she doesn’t shy away to experiment with genres outside of her comfort zone. Her own songs mash up the classic Garage Rock-based guitar sound with Linn Drum sounds, a little bit of 2000s MTV dance music and poppy vocal lines. Andreya is breaking out of the classic indie arrangement and dips into poppier realms, that inevitably still vibe in a Lo-Fi and explosive manner.

Florian TM Zeisig

Florian TM Zeisig est un artiste multidisciplinaire et un producteur basé à Berlin. Son approche minimaliste de la musique résulte en un tout sensible et profondément émotif. Le travail solo et collaboratif de Florian est sorti chez West Mineral, Stroom, Enmossed, Constellation Tatsu et Somewhere Press, entre autres. Il a travaillé et collaboré avec des artistes tels que Kelela, Loraine James, More Eaze et John Daniel (aka Forest Management).

Florian TM Zeisig is a multidisciplinary artist and producer currently based in Berlin. His music is minimalist in approach, sensitive and deeply emotional in its results. Florian’s solo and collaborative work is released by such labels as West Mineral, Stroom, Enmossed, Constellation Tatsu and Somewhere Press amongst others. He has worked and collaborated with artists such as Kelela, Loraine James, More Eaze and John Daniel (aka Forest Management).

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