Agenda

chanson keb franco / indie pop

FME : Pierre Lapointe et Édouard Tremblay-Grenier au Paramount

par Rédaction PAN M 360

Édouard Tremblay-Grenier (20h)

Édouard Tremblay-Grenier est un musicien, compositeur et acteur québécois. Dès l’enfance, il développe son oreille musicale et compose sa première chanson à 13 ans. Son talent est remarqué lorsque l’une de ses chansons est intégrée au film Genèse de Philippe Lesage. Il se fait ensuite une place dans le milieu musical en accompagnant Gab Bouchard et Valery Vaughn, et en participant à la tournée des 20 ans de Chihuahua de Mara Tremblay. Multi-instrumentiste passionné, il collabore avec divers artistes de la scène émergente et explore sans cesse de nouvelles sonorités. En 2024, il rejoint le house band du spectacle de la Saint-Jean sur les Plaines d’Abraham, affirmant son engagement envers la culture québécoise. Fortement inspiré par cette identité musicale, il s’apprête à lancer son premier album , un projet qui reflète son parcours riche et son amour pour la chanson francophone.

Édouard Tremblay-Grenier is a Quebec musician, composer, and actor. From childhood, he developed his musical ear and composed his first song at 13. His talent was noticed when one of his songs was included in Philippe Lesage’s film Genèse. He then made a name for himself in the music world by accompanying Gab Bouchard and Valery Vaughn, and by participating in the 20th anniversary tour of Mara Tremblay’s Chihuahua. A passionate multi-instrumentalist, he collaborates with various artists from the emerging scene and constantly explores new sounds. In 2024, he joined the house band for the Saint-Jean show on the Plaines d’Abraham, affirming his commitment to Quebec culture. Strongly inspired by this musical identity, he is preparing to release his first album, a project that reflects his rich background and his love for French song.

Pierre Lapointe (21h)

Après un album foisonnant, Pierre Lapointe revient avec un spectacle étonnant où la virtuosité du duo de pianistes Fortin-Poirier mettra en valeur son répertoire dans la vraie tradition de la chanson. Un spectacle qui oscillera entre les rires et les larmes, comme seul Pierre Lapointe sait le faire.

After a rich album, Pierre Lapointe returns with a stunning show where the virtuosity of the Fortin-Poirier pianist duo showcases their repertoire in the true tradition of song. A show that will oscillate between laughter and tears, as only Pierre Lapointe knows how.

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dream pop / shoegaze

FME : Perma au Polonais Cocktail Bar

par Rédaction PAN M 360

Rencontre entre shoegaze & dreampop, Perma ose osciller dans une approche qui se veut avant tout instinctive ; guitares, voix et synthés s’entremêlent et s’enlacent pour atteindre des textures satinés, mais à la fois inquiétantes. Le duo de guitares souhaitent recréer un décollage d’avion, une onde statique, un sentiment océanique qui s’entend à l’oreille. Des textures accompagnées par une voix imperceptible, et à la fois éloquente dans sa mélancolie.

A cross between shoegaze and dreampop, Perma dares to oscillate in an approach that is above all instinctive; guitars, vocals, and synths intertwine and intertwine to achieve satiny yet disturbing textures. The guitar duo aims to recreate an airplane takeoff, a static wave, an oceanic feeling that can be heard by the ear. These textures are accompanied by an imperceptible voice, yet eloquent in its melancholy.

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garage-rock / néo-yéyé / pop-punk

FME : FIN DE SOIRÉE – Les Breastfeeders et La Flemme au Petit Théâtre du Vieux Noranda 

par Rédaction PAN M 360

La Flemme (23h30)

La Flemme, ce quatuor marseillais au nom trompeur, débarque avec une énergie électrisante et un son garage pop teinté de psychédélisme. Formé de Jules, Stella, Charles et Ronie, le groupe a surgi d’une nuit d’inspiration arrosée avec l’objectif fou de monter un projet scénique en deux mois. Le résultat ? Des compositions frénétiques, à la fois introspectives et exubérantes, qui collent à leur quotidien post-ado. Avec leur premier album La Fête, sorti le 25 avril 2025, La Flemme s’impose comme un acteur incontournable de la scène rock française. Lauréat des Inrocks Super Club, à l’affiche des Inrocks Festival 2025, largement soutenus par les médias (Culturebox, France Inter, RTL2, Rolling Stone, Rock & Folk…), La Flemme a su se faire une place au soleil en un temps record. La Flemme apporte une bouffée d’air frais à la scène rock française, enracinée dans l’esprit marseillais et portée par une énergie sans filtre.

La Flemme, the misleadingly named Marseille quartet, bursts onto the scene with electrifying energy and a garage pop sound infused with psychedelic vibes. Composed of Jules, Stella, Charles, and Ronie, the group emerged from a boozy night of inspiration with the crazy goal of creating a stage-ready project in just two months. The result? Frenetic, introspective yet exuberant tracks that reflect their post-teen lives. With their debut album « La Fête », out on April 25th on EXAG Records, La Flemme cements itself as a key player in the French rock scene, starting the year playing Les Inrocks Festival, lots of venues and festivals in France, soon playing FME in Canada, and being featured in a whole lot of major French media (Quotidien, Plugged, Les Inrocks, Rolling Stone, France Inter, Mowno…). La Flemme brings a breath of fresh air to the French rock scene, rooted in the spirit of Marseille and driven by unfiltered energy.

Les Breastfeeders (00h30)

Les Breastfeeders (Montréal, QC) font du rock n’roll d’expression française, qui se teinte parfois de garage, de pop, de yéyé, de psychédélisme. Au fil des ans, le groupe a trimballé sa décoction incendiaire dans les plus grandes villes nord-américaines ainsi que de l’autre côté de l’Atlantique, cassant tout sur son passage, y compris la barrière de la langue. En plus de se distinguer sur scène avec leurs rutilantes guitares, leurs cadences cavalières et leurs vers d’oreille indélogeables, Les Breastfeeders manient la plume avec esprit, proposant une poésie vespérale qui ouvre sur les éternelles questions qui jalonnent la nuit des temps. La bande revient avec La ville engloutie, un 4e long jeu lancé à l’automne 2024.

Les Breastfeeders (Montreal, QC) make French-language rock n’roll, at times tinged with garage, pop, yéyé, and psychedelia. Over the years, the band has brought their incendiary concoction to North America’s biggest cities and across the Atlantic, destroying everything in their path, including the language barrier. In addition to distinguishing themselves on stage with their dazzling guitars, reckless rhythms and relentless earworms, Les Breastfeeders wield the pen with wit, delivering vesperal poetry, while unlocking eternal questions that punctuate the mists of time. The band returns with La ville engloutie, their fourth full-length album, released in fall 2024.

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fuzz-rock / krautrock / shoegaze

FME : Solids et Yoo Doo Right au Cabaret de la Dernière Chance

par Rédaction PAN M 360

Yoo Doo Right (21h)

Le trio de rock expérimental Yoo Doo Right (Montréal, CA) marie guitares mélodiques et bruyantes, trames de synthétiseurs trafiqués, lignes de basse étoffées et déchaînements percussifs calculés, rendant des pièces tentaculaires et cathartiques. Puisant inspiration non seulement du post-rock, du krautrock et du shoegaze, de la musique classique et concrète, comme de l’électroacoustique, il crée un son unique dévoilant « des gigantesques monoliths de riffs rugissants qui se brisent contre des essaims de rythmes turbulents » (PopMatters). Depuis sa formation en 2016, le groupe a fait paraître deux longs jeux (Don’t Think You Can Escape Your Purpose et A Murmur, Boundless to the East), trois EPs (Nobody Panicked and Everybody Got On, EP2 et The Sacred Fuck EP), ainsi qu’une poignée d’extraits, ajoutant maintes tournées au Canada, aux États-Unis et en Europe. Ce faisant, ils ont participé à nombre de festivals de renom tels que SXSW, Levitation, Dunk! Fest, Sled Island, Treefort Music Fest et M pour Montréal, en sus de partager la scène avec Acid Mothers Temple, DIIV, A Place to Bury Strangers, Wooden Shjips, Kikagaku Moyo, FACS et Jessica Moss. Prévu pour le 8 novembre 2024 via Mothland, le solennel et contestataire From the Heights of Our Pastureland s’inscrit parfaitement dans le riche catalogue musical de Yoo Doo Right; un poème sonore sincère et patient traitant de l’expansion effrénée et destructive faite au nom du « progrès », de l’effondrement imminent et de ce qu’implique la reconstruction.

Experimental rock trio Yoo Doo Right (Montréal, CA) wed noisy, melodic guitar parts, effects-laden synthesizer soundscapes, deep bass grooves and patented percussive furies into sprawling, cathartic musical pieces. Drawing inspiration from post-rock, krautrock, shoegaze, classical music, electroacoustics, and musique concrète, they create a unique sound where “towering monoliths of roaring riffs crash against swarms of restless rhythms” (Pop Matters). Since 2016, they have released two full-lengths (Don’t Think You Can Escape Your Purpose, A Murmur, Boundless to the East), three EPs (Nobody Panicked and Everybody Got On, EP2, The Sacred Fuck EP), and a few singles, including a 7” split with Acid Mothers Temple, whilst touring extensively in Canada, the United and Europe. Along the way, they have performed at notorious events such as SXSW, Levitation, Dunk! Fest, Sled Island, Treefort Music Fest, and M for Montreal, also opening for the likes of Acid Mothers Temple, DIIV, A Place to Bury Strangers, Wooden Shjips, Kikagaku Moyo, FACS, and Jessica. Scheduled for November 8th, 2024 via Mothland, From the Heights of Our Pastureland is yet another solemn if defiant entry in Yoo Doo Right’s rich music catalogue, an honest and patient sonic poem about the destructive process of unbridled expansion in the name of « progress », the inevitable collapse and what it means to rebuild.

Solids (22h)

Décembre 2019. Le groupe « rock » (disons, pour faire simple) Solids fait trois spectacles pour souligner ses dix ans d’existence, mais aussi – et surtout – le début d’un de ces fameux hiatus indéfinis (on va tous·tes pogner un deux minutes quand le monde au plus large sens du terme va s’en caller un à son tour à peine quelques mois plus tard en mars 2020, t’sais veux dire). Cinq ans plus tard, une certaine envie de définir le dit hiatus fait son chemin. Des jams se donnent, puis force est d’admettre que ça marche encore cette affaire là. La formation (Xavier Germain Poitras à la guitare & voix et Louis Guillemette à la batterie & voix), qui s’était fortifiée du guitar hero Guillaume Chiasson (Bon Enfant, Jesuslesfilles, Ponctuation…) en spectacle de 2016 à 2019, en profite pour revenir à la formule duo de ses premiers balbutiements et jamme avec de nouvelles bébelles. Le jam est toujours central.

December 2019. The « rock » band (let’s just say, to put it simply) Solids is doing three shows to celebrate its tenth anniversary, but also – and above all – the beginning of one of those famous indefinite hiatuses (we’re all going to get a two-minute hiatus when the world in the widest sense of the term gets one in turn just a few months later in March 2020, you know, I mean). Five years later, a certain desire to define said hiatus is making its way. Jams are held, and then we have to admit that this thing is still going strong. The band (Xavier Germain Poitras on guitar & vocals and Louis Guillemette on drums & vocals), which was strengthened by the guitar hero Guillaume Chiasson (Bon Enfant, Jesuslesfilles, Ponctuation…) in live performances from 2016 to 2019, is taking the opportunity to return to the duo formula of its early days and jam with new gadgets. The jam is still central.

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chanson keb franco / folk-pop / pop de chambre

FME : Stéphanie Boulay et Bells Larsen à l’Agora des Arts

par Rédaction PAN M 360

Bells Larsen (20h)

Avec Blurring Time, Bells Larsen propose un album profondément intime et réfléchi, où le temps devient un espace fluide et cérémoniel. Pensé en résonance avec sa transition de genre, le disque incarne une volonté de réconcilier passé et présent : enregistré d’abord avec sa voix d’avant, Larsen a ensuite attendu que sa voix change sous testostérone pour y superposer des harmonies graves, créant ainsi un dialogue bouleversant entre différentes versions de lui-même. Avec l’aide de Georgia Harmer, il construit une œuvre où chaque voix trouve sa place. Réalisé par Graham Ereaux, Blurring Time navigue entre indie lo-fi des années 90 et folk contemplatif. Les arrangements évoquent l’élégance d’artistes comme Elliott Smith ou Adrienne Lenker, tandis que les textes abordent les liens fraternels, la construction d’un monde queer et la complexité du devenir. Pour Larsen, il ne s’agit plus de choisir entre l’avant et l’après, mais de dire « et » plutôt que « ou ». Cet album est autant une œuvre musicale qu’un geste politique et personnel : il explore la continuité de l’identité à travers le changement, avec une grâce rare. C’est une célébration de l’introspection, de la transformation et de la tendresse envers soi-même.

On Blurring Time, Bells Larsen transforms time into a series of patient, ceremonial acts. Reflecting their gender transition, the album is a bold exploration of identity in flux. Larsen intentionally recorded their higher, pre-testosterone voice and instrumentation in 2022, then waited for their voice to deepen before enlisting longtime collaborator Georgia Harmer to arrange harmonies with their present, lower voice—creating a poignant and intentional duet with the self. Produced by Graham Ereaux, the album blends ’90s indie lo-fi with emotionally rich folk ballads. Unlike previous work where Larsen’s voice remained subdued, Blurring Time brings both past and present voices to the forefront. The result is an emotionally resonant, sonically layered album drawing comparisons to Elliott Smith, Sufjan Stevens, and Adrienne Lenker. Themes include sibling relationships, queer world-building, and quiet revelations, wrapped in lush, intimate soundscapes. Rejecting the binary of “before and after,” Larsen embraces the connective thread of “and.” In their words, “I wanted to reach out to older versions of myself and carry them with me as I grow.” Blurring Time is a radical act of self-compassion—a musically rich and politically tender portrait of transition, memory, and becoming.

Stéphanie Boulay (21h)

C’est avec le cœur léger et plus de confiance en ses propres moyens que jamais que Stéphanie Boulay, « la moitié blonde » du duo Les sœurs Boulay, remonte sur scène en solo oui, mais entourée de ses ami.e.s précieux (Charles Blondeau, Camille Gélinas et Alexandre Martel) pour défendre son deuxième album solo, Est-ce que quelqu’un me voit? Habile à créer chaque soir des moments qui n’existaient pas encore et qui n’existeront plus jamais sous la même forme, à faire rire et à se livrer avec autodérision et impudeur, Stéphanie présentera ses chansons toutes neuves, qu’elle a travaillé deux ans durant à extirper d’elle-même, avec l’aide du réalisateur Alexandre Martel (Anatole, Hubert Lenoir, Thierry Larose, Lou-Adriane Cassidy).

It is with a light heart and more confidence in her own abilities than ever that Stéphanie Boulay, “the blonde half” of the duo Les sœurs Boulay, returns to the stage — solo, yes, but surrounded by her cherished friends (Charles Blondeau, Camille Gélinas, and Alexandre Martel) — to perform her second solo album, Est-ce que quelqu’un me voit? Skilled at creating moments each night that have never existed before and will never exist again in the same way, at making people laugh, and at opening up with both self-deprecation and bold honesty, Stéphanie will present her brand-new songs, which she spent two years drawing out of herself, with the help of producer Alexandre Martel (Anatole, Hubert Lenoir, Thierry Larose, Lou-Adriane Cassidy).

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art-pop / électro-pop / fuzz-rock

FME : ÉVÉNEMENT SIRIUSXM – Klô Pelgag, Ariane Roy, Population II et DJ Rip Pop Mutant à la scène principale

par Rédaction PAN M 360

Population II (20h)

Population II, c’est le fruit d’une amitié fusionnelle et d’un amour profond pour les sons lourds et libres. Depuis leurs débuts, le trio — Pierre-Luc Gratton (voix, batterie), Tristan Lacombe (guitare, claviers) et Sébastien Provençal (basse) — cultive une identité sonore unique : un mélange de rock psychédélique dense, de funk fiévreux, de jazz libéré et de punk naissant. Le tout est tissé de riffs tortueux, de gammes mineures héritées du heavy metal et de textes introspectifs portés par la voix singulière de Gratton. Né à Pointe-Calumet, à l’écart de la scène montréalaise, Population II puise autant dans la scène garage-funk de Détroit que dans le krautrock ou le Miles Davis électrique, créant un univers marécageux, hors du temps. Après quelques sorties indépendantes, le groupe signe chez Castle Face Records et lance À la ô Terre en 2020. S’ensuivent des tournées nord-américaines et un second album, Électrons libres du Québec, en 2023 chez Bonsound. En 2024, le groupe revient avec l’EP Serpent Échelle, un split avec Mulch, et remporte deux prix au GAMIQ. Population II prépare maintenant Maintenant Jamais, un album qui affirme sa place parmi les formations les plus singulières et audacieuses du rock actuel.

Population II is the product of deep-rooted friendship and a shared devotion to unrestrained, heavy sound. The Montréal-area trio — Pierre-Luc Gratton (vocals, drums), Tristan Lacombe (guitar, keys), and Sébastien Provençal (bass) — blend dense psychedelic rock with feverish funk, the philosophy of jazz, early punk energy, and a flair for minor-key heaviness. Gratton’s distinctive vocals and introspective, offbeat lyrics add a further layer of uniqueness. Formed in Pointe-Calumet, far from the buzz of Montréal’s indie scene, Population II took inspiration from Detroit’s late-’60s garage-funk scene, Canterbury prog, German krautrock, and Miles Davis’s electric period. This mix, shaped by years of jamming and near-telepathic chemistry, birthed a timeless, murky, and explosive sound. Following self-released material, they caught the attention of Castle Face Records and dropped their debut À la ô Terre in 2020. After touring across Canada and the US, they returned in 2023 with Électrons libres du Québec on Bonsound—more direct yet just as distinctive. In 2024, they released the Serpent Échelle EP, a split with punk band Mulch, and picked up two GAMIQ awards. Now, with Maintenant Jamais, Population II continues to push their sonic boundaries, delivering a bold and shape-shifting third album.

Ariane Roy (21h)

Couronnée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2022 et nommée dans la catégorie Album francophone de l’année aux Prix JUNO 2023, Ariane Roy s’inscrit dans cette nouvelle vague d’artistes qui redéfinissent la chanson québécoise. Suite à l’éclatante série de concerts Le Roy, La Rose et le Lou[p] qui a brillé partout dans la province dans les deux dernières années ainsi qu’à sa première tournée medium plaisir, elle revient sur scène avec son projet solo en nous présentant son deuxième album Dogue, co-réalisé avec Félix Petit. Avec la fougue qu’on lui connaît, elle se montre à nous cette fois sous des jours plus sombres, le verbe plus mordant, la voix plus caustique, dans une lumière résolument contemporaine. Dogue montre les dents, oui pour sourire, mais aux dépends de qui ? Peu nous importe puisque l’on ne peut résister à se coucher devant les crocs, espérant se joindre à la meute.

Crowned Revelation of the Year at the 2022 ADISQ Gala and nominated for Francophone Album of the Year at the 2023 JUNO Awards, Ariane Roy is part of a new wave of artists redefining Québécois chanson. Following the dazzling concert series Le Roy, La Rose et le Lou[p], which shone across the province over the past two years, and her first tour medium plaisir, she returns to the stage with her solo project, presenting her second album Dogue, co-produced with Félix Petit. With the fiery energy she’s known for, she now reveals a darker side—sharper lyrics, a more caustic voice, and a resolutely contemporary edge. Dogue bares its teeth—yes, to smile, but at whose expense? We hardly care, because we can’t resist lying down before the fangs, hoping to join the pack.

Klô Pelgag (22h)

« Abracadabra comme une quête d’absolu, comme un désir de croire encore à quelque chose. Pour tous les nœuds qu’on doit faire disparaître pour apparaître tel qu’on est véritablement, sans peur et sans gêne. Une formule qu’on aimerait voir tout régler, tout résoudre. Un mot qu’on se répète en fixant la fenêtre. À force de le répéter, finira-t-il par ouvrir une porte à l’intérieur de soi? Abracadabra, un mot ridicule mais pourtant beau qui nous épargnerait les efforts que ça prend pour aider notre prochain ou pour s’aider soi-même. Abracadabra, un mot qui m’appelle à le déconstruire et auquel je voudrais offrir un autre sens. Abracadabra comme cette pilule magique que me prescrit mon médecin pour dormir, comme mon téléphone qui m’empêche de penser quand mon esprit part en couille, comme l’alcool qui me console et me redonne cette joie qui me quitte trop souvent. Et dans cette quête d’absolu et de sens, dans cette constante chasse au fun se retrouve le désir de créer quelque chose que je ne connais pas mais qui me ressemble pourtant. Une musique qui me transperce aussi férocement que mes émotions, un sentiment de bout de falaise et de chute infinie qui créent l’urgence d’écrire. Et de toutes les manières et pour toujours probablement, je tenterai d’attraper cette chose intangible et innommable, chose à ressentir momentanément et qui me donne parfois l’absurde envie de le dire: ça y est, abracadabra. » – Klô Pelgag

Abracadabra, like a quest for the absolute, like a desire to still believe in something. For all the knots we must unravel to appear as we truly are, without fear or embarrassment. A formula we would like to see everything sorted, everything resolved. A word we repeat to ourselves while staring out the window. By repeating it over and over, will it end up opening a door to our inner self? Abracadabra, a ridiculous yet beautiful word that would spare us the effort it takes to help our neighbor or ourselves. Abracadabra, a word that calls me to deconstruct it and to which I would like to offer another meaning. Abracadabra like the magic pill my doctor prescribes for me to sleep, like my phone that prevents me from thinking when my mind goes to shit, like alcohol that consoles me and gives me back the joy that too often leaves me. And in this quest for the absolute and for meaning, in this constant hunt for fun, lies the desire to create something that I don’t know but that nevertheless resembles me. A music that pierces me as fiercely as my emotions, a feeling of being on the edge of a cliff and of an infinite fall that creates the urgency to write. And in every way and probably forever, I will try to catch this intangible and unnameable thing, something to feel momentarily and which sometimes gives me the absurd desire to say: that’s it, abracadabra. – Klô Pelgag

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indie pop / rock

FME : Oui Merci au Café-bar L’Abstracto

par Rédaction PAN M 360

Formé en 2019 dans l’élan d’une amitié bien réelle — et peut-être d’une bière partagée —, oui merci rassemble Mathilde Joncas, Ludovic Leblond, Laurent Massie, Marc-Antoine Lavallée et Gabriel Couture autour d’un projet indie-rock en français à la fois vibrant, délicat et fougueux. Leur musique, influencée par Dirty Projectors, Animal Collective et Feist, marie précision artisanale et spontanéité, dans un mélange d’émotions qui ne triche pas. Après un passage remarqué aux Francouvertes 2021, ils lancent leur premier EP chaque chose, puis poursuivent leur exploration sonore sur ok bebye (2023), un premier album intense et éclaté, qui évoque aussi bien les amitiés perdues que les élans d’euphorie. L’album mène le groupe sur les scènes du Québec : La Noce, Santa Teresa, FEQ, FRIMAT (en première partie de Karkwa), Petite-Vallée et bien d’autres. En 2024, le single Bébé et deux live sessions au Madame Wood poursuivent cette lancée, culminant avec un concert à guichets fermés à la Sala Rossa au printemps 2025, entouré·es d’ami·es artistes. Dans l’univers de oui merci, tout commence par l’amitié — et chaque chanson est une main tendue vers les autres.

Born out of real friendship—and maybe a shared beer or two—oui merci came together in 2019 when Mathilde Joncas, Ludovic Leblond, Laurent Massie, Marc-Antoine Lavallée, and Gabriel Couture decided to craft music that’s as intricate as it is impulsive. Drawing inspiration from Dirty Projectors, Animal Collective, and Feist, the band delivers a French indie-rock sound that blends precise arrangements with joyful chaos—an emotional whirlwind rooted in honesty. After a standout performance at 2021’s Francouvertes, the band released their debut EP chaque chose, followed by their critically acclaimed first album ok bebye in 2023. The record oscillates between tender reflections and bursts of pure energy—songs about friendship, loss, joy, and everything in between. Their heartfelt live shows took them across Quebec, gracing major festivals like La Noce, Santa Teresa, FEQ, Petite-Vallée, and FRIMAT, where they opened for Karkwa. In 2024, the single Bébé and two live sessions at Madame Wood extended their sonic universe. A sold-out headline show at Sala Rossa in March 2025—with a lineup of friends and collaborators—affirmed their growing place in the francophone music scene. For oui merci, it all starts with friendship—and every song is an invitation to feel more, together.

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darkwave / dream-pop / shoegaze

FME : Meggie Lennon et Apacalda au Les Mooses

par Rédaction PAN M 360

APACALDA (17h30)

APACALDA est le projet de la chanteuse, compositrice et productrice montréalaise Cassandra Angheluta, qui utilise la musique pour exprimer ce qui ne se dit pas toujours à voix haute. Ancrée dans une pop alternative aux teintes gothiques, elle développe un son fluide et atmosphérique, à la fois intense et sans compromis. Son premier album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (13 juin 2025), a été réalisé en collaboration avec Mishka Stein (Patrick Watson) et Samuel Woywitka, reconnu pour son travail primé avec Half Moon Run, avec la participation de Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) et Dayhills. L’album a été salué par The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, Le Canal Auditif, entre autres, et s’est retrouvé sur plusieurs playlists éditoriales. En 2025, APACALDA a assuré les premières parties de Sheenah Ko, Kandle Osborne et Meggie Lennon, présentant un spectacle immersif sur des scènes à travers le Québec et l’Ontario.

Montreal’s APACALDA is the moniker of songwriter, vocalist, and producer Cassandra Angheluta, who uses music to process what can’t always be said out loud. Building from a foundation of goth-tinged alternative pop, APACALDA shapes a genre-fluid sound that’s both atmospheric and unflinching. Her debut album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (June 13, 2025), was produced in collaboration with Mishka Stein (Patrick Watson) and Samuel Woywitka, known for his award-winning work with Half Moon Run and features additional collaborations from Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) and Dayhills. The record has been featured by The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, and Le Canal Auditif and more and has earned placements on several editorial playlists. In 2025, APACALDA has supported artists such as Sheenah Ko, Kandle Osborne, and Meggie Lennon, bringing her immersive live show to stages across Quebec and Ontario.

Meggie Lennon (18h30)

L’univers chatoyant de l’artiste montréalaise Meggie Lennon est un délicat canevas d’indie pop éthérée et de soft rock voluptueux, un appel à la rêverie, à la douceur et à la sensualité. Les chansons de cette auteure-compositrice-interprète abordent, avec maturité, l’amour, les désirs libérés, la découverte de soi, la résilience et les complexités de la vie moderne. Louder than War note que son premier album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – « fusionne le psychédélisme des années 60 et du début des années 70 pour créer une ambiance indie dream pop », ajoutant également : « Les chansons parlent de désir et de péchés mignons, tout en exprimant une vision mature de l’amour à une époque où la romance est insaisissable et fragile. De temps en temps, c’est un peu épicé aussi ». Le deuxième album de Meggie Lennon, Desire Days, est paru le 20 juin 2025, toujours sur l’étiquette Mothland. Le long jeu réalisé avec Samuel Gemme met en vedette des musicien.ne.s de groupes renommés tels que Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat et The Besnard Lakes, de même que le Quatuor Esca sur des arrangements d’Antoine Gratton, promettant ainsi un nouveau chapitre dans l’évolution de la sonorité et de la vision de l’artiste montréalaise.

The shimmering world of Montréal artist Meggie Lennon is a delicate canvas of ethereal indie pop and lush soft rock, inviting the listener into a space of reverie, gentleness and introspection. The singer-songwriter’s mature songs deal with love, desires, self-acceptance, resilience and the complexities of modern life. Louder than War notes that her debut album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – “fuses 60s and early 70s psychedelia to create an indie dream pop vibe”, also adding: “The songs are of desire and playful sins, yet they convey a mature take on love in this era of elusive and brittle romance. Occasionally it’s a bit spicy too.” Meggie Lennon’s sophomore album, Desire Days, produced with Samuel Gemme, and featuring musicians from celebrated outfits such as Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat, and The Besnard Lakes, along with Quatuor Esca playing arrangements by Antoine Gratton, was released on June 20th, 2025 via Mothland, promising a new chapter in her evolving sound and vision.

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boom bap / rap

FME : Super Duty Tough Work et Mosez Jones au QG Salle de spectacles

par Rédaction PAN M 360

Mosez Jones (17h)

Mosez Jones, natif de Montréal, se distingue comme un artiste et producteur hip-hop avant-gardiste, dépassant les frontières conventionnelles grâce à une identité sonore unique. Sa plume poétique ne se contente pas de capturer des instants : elle les tisse avec finesse dans une véritable tapisserie musicale. Dès ses débuts sur la scène locale, Mosez Jones a marqué les esprits, s’imposant par des collaborations percutantes allant du rap au R&B/Soul. Libéré des limites de genre, il navigue avec aisance entre divers univers musicaux, révélant une polyvalence mise en valeur par des singles au charme indéniablement classique.

Mosez Jones, a Montreal native, stands out as an avant-garde hip-hop artist and producer, transcending conventional boundaries with a unique sonic identity. His poetic songwriting not only captures moments but intricately weaves them into a tapestry of musical expression. From the outset of his career in the local scene, Mosez Jones made a resounding impact, establishing himself through dynamic collaborations spanning the realms of Rap to R&B/Soul. Unconstrained by genre limitations, he effortlessly navigates through diverse musical landscapes, showcasing a versatility that is underscored by singles exuding an undeniably classic aura.

Super Duty Tough Work (18h)

Un goût d’âge d’or, une ère futuriste. Du Paracétamol pour les migraines capitalistes. De la débauche basée sur la résistance pour les méchants désabusés. Attaché à la tradition, mais résolument tourné vers l’innovation, Super Duty Tough Work est un projet d’art-rap en constante évolution mené par le visionnaire discret Brendan Grey. Deux fois nominé au Polaris et une fois lauréat des Western Canadian Music Awards, Super Duty Tough Work a subtilement élargi sa portée ces dernières années grâce à des productions de qualité et à des tournées internationales. Ancré dans la tradition des arts de résistance noirs américains, Super Duty Tough Work est connu pour son humour mordant et ses analyses approfondies, promouvant ses idées radicales de révolution, de fête et de conneries, sur disque comme sur scène. Inspiré par le son jazz crasseux du hip-hop de la côte Est des années 90, Super Duty Tough Work incarne en live la quintessence de la culture hip-hop, se produisant en tant que groupe mais déployant un son qui s’apparente davantage à un échantillonneur MPC ou SP-404. Réputés pour leurs sets soigneusement sélectionnés, SDTW mêle rap décontracté et interprétations cinglantes à des boucles hypnotiques et des transitions fluides, gardant le public en haleine et captivé par l’attente de la suite. En bref : l’internationalisme est le thème, la libération par l’hédonisme le rêve, et la satisfaction est garantie par une équipe dont la spécialité est d’emmener le public dans un voyage à travers une culture où les boucles sont explosées et les bijoux sont les outils du métier.

Golden-era taste, future-era based. Tylenol 3 for capitalist migraines. Resistance based-debauchery for disaffected baddies. Committed to tradition, yet set on innovation, Super Duty Tough Work is a constantly evolving, art-rap project led by quiet visionary Brendan Grey. Two-time Polaris nominees and one time Western Canadian Music Award winners, Super Duty Tough Work have subtly been growing their reach over the last few years through quality offerings and international touring. Rooted in the tradition of Black American resistance arts, Super Duty Tough Work is known for their scathing wit and thorough analysis, pushing their radical politic of revolution, party and bullshit, on record and on stage. Inspired by the dirty jazz sample sound of 90s east coast hip hop, Super Duty Tough Work are the live incarnation of hip hop culture’s quintessential era, appearing as a band but manifesting a sound that’s more akin to something straight out of an MPC or SP-404 sampler. Revered for their methodically curated sets, SDTW mixes laidback rap action and razor-sharp delivery with hypnotic loops and effortless transitions, keeping audiences on their feet and transfixed in anticipation for what’s coming next. Simply put: internationalism is the theme, liberation through hedonism is the dream, and satisfaction is guaranteed from the team whose specialty is taking audiences on a journey through a culture where loops are slayed and jewels are the tools of the trade.

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dance-punk / post-punk

FME : SHOW DE NUIT – Mary Shelley au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda

par Rédaction PAN M 360

Mary Shelley est un groupe punk de Brooklyn à l’énergie débridée, qui transforme chaque prestation en invitation à danser, sauter, cogner ou simplement perdre le contrôle. Ce quatuor électrique brise les barrières de genre avec audace : leurs rythmes post-punk se mêlent à des influences disco, shoegaze, hip-hop et bien plus encore. Le résultat est un cocktail sonore imprévisible, où chaque morceau est unique, porté par une impulsion créative qui refuse toute répétition. Leur son rappelle à la fois l’urgence d’IDLES, l’excentricité de Talking Heads, la densité de Radiohead, l’intensité de Kendrick Lamar et même l’esprit libre de Dolly Parton ou Viagra Boys. Des critiques enthousiastes, comme The Deli ou Look At My Records!, célèbrent leur chaos (presque) contrôlé et leur charisme singulier. Sur scène, Mary Shelley enflamme les foules, qu’ils jouent dans une cave, une arrière-cour ou un théâtre de 500 places. Le groupe a tourné en Amérique du Nord, en Europe et au Royaume-Uni, notamment en première partie de Gogol Bordello, dont le chanteur Eugene Hütz a publié deux de leurs morceaux sur son label Casa Gogol Records. Mary Shelley, c’est du punk dansant, irrévérencieux et furieusement vivant.

Mary Shelley is Brooklyn’s genre-defying punk band known for turning chaos into groove. Fusing post-punk with dance rhythms, disco, shoegaze, hip-hop, and more, their shape-shifting sound channels raw energy and artistic spontaneity. Each track reinvents the band’s sonic identity, refusing formulas in favor of fearless exploration. Their inspirations stretch far and wide—from IDLES, Talking Heads, and Radiohead, to Kendrick Lamar, Dolly Parton, and Viagra Boys. Critics have embraced the band’s intensity and eccentricity: The Deli says their music « will probably make you wanna dance the pogo or smash things,” while Look At My Records! likens their energy to the “(barely) controlled chaos of The Birthday Party” with shades of Mark Mothersbaugh and Jim Morrison « on a triple shot red eye. » Their electrifying live shows have captivated audiences in basements, backyards, and major venues across North America, Europe, and the UK. A 2023 West Coast tour with Gogol Bordello helped elevate their reach, with frontman Eugene Hütz releasing two Mary Shelley songs on his Casa Gogol Records label. With infectious rhythms and irreverent lyrics that probe both human nature and their own absurdities, Mary Shelley offers punk you can dance to—fierce, unpredictable, and undeniably alive.

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hyperpop / Neo-soul

FME : Virginie B à la scène Fizz

par Rédaction PAN M 360

L’excentricité envoûtante de Virginie B n’a d’égal que sa créativité débordante. L’autrice-compositrice-interprète, réalisatrice et multi-instrumentiste propose une réappropriation unique des codes de l’hyperpop en y incorporant des touches de nu-jazz, de funk et de R&B. Accompagnée de son talentueux collaborateur et co-réalisateur Louis Jeay-Beaulieu, elle applique cet amalgame de styles à la fois distinctif et versatile à l’exploration de sa psyché, de sa féminité et de son rapport à la technologie et à la nature. En septembre 2024, Virginie B présente Astral 2000, un deuxième album qui allie mélodies accrocheuses, expérimentations stylistiques et textures recherchées à une poésie à la fois introspective, profonde et accessible.

Virginie B’s irresistible quirkiness is matched only by her boundless creativity. The singer-songwriter, producer and multi-instrumentalist offers a unique reappropriation of hyperpop by incorporating touches of nu-jazz, funk and R&B, complemented with a refined conceptual approach inherited from art pop and a pronounced taste for maximalism and glamour. Accompanied by her talented collaborator and co-producer Louis Jeay-Beaulieu, she applies this distinctive and versatile combination of styles to the exploration of her psyche, femininity and relationship with technology and nature. The result is an outlet through which she expresses her desires and excesses without taking herself too seriously, reflecting her vulnerability and confidence. In September 2024, Virginie B presents Astral 2000, a second album that combines catchy melodies, stylistic experimentation and intricate textures with poetry that is at once introspective, profound and accessible.

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darkwave / psych / synth-pop

FME : FIN DE SOIRÉE – We Are Wolves et Baby Berserk au Petit Théâtre du Vieux Noranda

par Rédaction PAN M 360

Baby Berserk (23h30)

Originaire d’Amsterdam, Baby Berserk est un projet né de la collaboration entre Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen et Lieselot Elzinga. Alliant musique et mode, le groupe incarne l’énergie brute de la scène live et l’attrait irrésistible de la culture club. Leur nouvel album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, agit comme un exutoire sonore, à la fois revigorant et libérateur. Plongeant dans le tumulte de la culture contemporaine, l’album questionne les normes et célèbre l’expression de soi. Entre fantasmes médiatiques (« Entertainment ») et cris de révolte pour la liberté (« Piggy Piggy »), chaque morceau explore les contrastes d’une nuit effervescente—des premières montées d’adrénaline aux souvenirs marquants du lendemain. Le résultat : une électro-pop grinçante, mêlant rythmes lents, synthés tranchants et une énergie viscérale. À mi-chemin entre l’élégance subversive et la fureur dansante, Baby Berserk délivre un manifeste sonore pour les esprits libres. Après le succès du single What I Mean (2020), le groupe propose ici un disque conçu autant pour les clubs que pour les salles rock. Les compositions luxuriantes de Mano s’entrelacent aux paroles évocatrices de Lieselot, offrant un album aussi stylé que revendicateur—un appel à vivre sans compromis, perles au cou et feu au ventre.

Hailing from Amsterdam, Baby Berserk is the brainchild of Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen, and Lieselot Elzinga. Known for fusing music and fashion, the band channels the intensity of live performance with the magnetic pull of club culture. Their new album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, is an electrifying dose of sonic liberation—for the body, mind, and spirit. Diving headfirst into the chaos of modern life, the album explores media spectacle, personal freedom, and emotional excess. Tracks like « Entertainment » tap into TV-fueled fantasies, while « Piggy Piggy » roars with defiance and a call for equality. The album mirrors a night out: seductive, erratic, euphoric—ending in catharsis and transformation. With slow-burning beats, slithering synths, and raw lyrical intensity, Baby Berserk delivers a sound that’s equally suited to sweaty rock venues and pulsing dance floors. Following the acclaimed 2020 single What I Mean, the band’s debut album finally arrives, pairing Mano’s rich production with Lieselot’s striking, imagery-driven lyrics. Slightly Hysterical Girls With Pearls is more than an album—it’s an anthem for radical self-expression. Stylish, rebellious, and unapologetically bold, Baby Berserk invites you to surrender to the beat and come out stronger, freer, and fiercely yourself.

We Are Wolves (00h30)

Le monde prend feu… Tout part en ruine… Pardon pour le retard : We Are Wolves construisait un bunker. Nous vous fournirons un code de réduction pour votre séjour. Retirez les piles du détecteur de fumée. Le dossier de spams est désormais votre boîte de réception. Il y a des microplastiques au bout de l’arc-en-ciel. Le monde prend feu. We Are Wolves a pris le contrôle du bunker. Entrez. On entend toujours le même refrain : on vit à une époque de changements profonds, de conflits et de chaos. Mais qu’est-ce qui mérite vraiment notre attention? La plupart d’entre nous avons l’impression d’être prisonniers d’un monde sens dessus dessous. Sur son sixième opus, le groupe montréalais We Are Wolves tente d’imaginer un avenir où l’on peut danser malgré l’enfer qui nous entoure. Sur cet album de dance-rock dystopique, les musiciens présentent une formule envoûtante qui nous pousse à revoir la finalité des choses et à accueillir le changement. Oubliez le chaos et laissez-vous porter par ce divertissement. Le bunker s’effondre, mais tout va bien se passer. Entrez.

Everything is on fire… The world lies in ruins… We apologize for the delay: We Are Wolves have been building a bunker. We will provide a discount code for your stay. Take the batteries out of the smoke detector. Your spam folder is now your inbox. There are microplastics at the end of the rainbow. Everything is on fire. We Are Wolves have condemned the bunker—Go in. Noting that we are living through an era of seismic change, conflict, and chaos is a tired observation at this point—but what else merits our attention? Most of us feel like we’re living in Upside-Down World, 24/7. On their sixth full-length album, Montreal’s We Are Wolves nevertheless try to imagine a future: one in which we dance through the inferno instead of succumbing to it. You can call it dystopian dance-rock (which it is), but really their new album is a magic spell inviting us to reimagine The End as merely a transition. It is entertainment for a brief period of chaos. The bunker is collapsing, but it’s going to be OK. Go in.

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