Agenda

afro-latin / électronique / Europe de l'Est

Mundial Montréal : Valya Levchenko au Petit Campus

par Rédaction PAN M 360

VaLya Levchenko est une vocaliste ukrainienne qui redéfinit la polyphonie ancestrale à travers des collaborations rythmiques internationales. Ancrée dans les chants de la région de Slobojanchtchyna, sa musique mêle voix rituelle, improvisation et rythmes afro-brésiliens, développés en collaboration étroite avec les musiciens brésiliens Kiko et Ed Woiski. Le résultat est une expérience live puissante, où le chant traditionnel ukrainien rencontre une énergie percussive, des textures électroniques et un dialogue musical entre continents.

VaLya Levchenko is a Ukrainian vocalist who redefines ancestral polyphony through international rhythmic collaborations. Rooted in the songs of the Slobojanchtchyna region, her music blends ritual vocals, improvisation, and Afro-Brazilian rhythms, developed in close collaboration with Brazilian musicians Kiko and Ed Woiski. The result is a powerful live experience, where traditional Ukrainian singing meets percussive energy, electronic textures, and a musical dialogue across continents.

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gwo-ka / jazz électro / néo-soul

Mundial Montréal : Celia Wa au Petit Campus

par Rédaction PAN M 360

Célia Wa, éduquée aux rythmes ancestraux de la Guadeloupe, révolutionne la scène avec son Karibfutursound : fusion de neo soul caribéenne, gwo ka, électro, jazz et hip-hop. À 10 ans, elle apprend le ka et la flûte traversière; elle monte sur scène à 12 ans avec le big band Kimbol. De 2013 à 2021, elle signe les EP « WA », « Adan on dòt solèy » et « Wastral ». Son album-manifeste « Fasadé » (2025) consacre ce style unique, capté par Arte, France TV, Qwest TV et diffusé de NPR à France Musique, RFI, FIP, France Inter. Artiste engagée, surnommée la Soul Kréyòl du futur, elle œuvre pour la transmission afro-caribéenne et l’éveil des consciences. Plongez dans le Karibfutursound !

Célia Wa, raised on the ancestral rhythms of Guadeloupe, is revolutionizing the music scene with her “Karibfutursound”: a fusion of Caribbean neo-soul, gwo ka, electro, jazz, and hip-hop. At age 10, she began learning the ka and the transverse flute; she took the stage at age 12 with the Kimbol big band. From 2013 to 2021, she released the EPs “WA,” “Adan on dòt solèy,” and “Wastral.” Her manifesto album “Fasadé” (2025) solidifies this unique style, which has been featured on Arte, France TV, and Qwest TV, and broadcast on stations ranging from NPR to France Musique, RFI, FIP, and France Inter. A socially conscious artist, dubbed the “Soul Kréyòl of the future,” she works to preserve Afro-Caribbean heritage and raise awareness. Dive into the Karibfutursound!

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chanson française / hommage

Une Vie d’Amour au Théâtre Maisonneuve

par Rédaction PAN M 360

Une Vie d’Amour est une célébration vibrante des plus belles chansons d’amour de la francophonie. D’Édith Piaf à Charles Aznavour, de Jacques Brel à Gilbert Bécaud, ces œuvres intemporelles ont accompagné les plus belles histoires d’amour, traversé les générations et marqué à jamais notre mémoire collective.
Porté par les grandes voix que vous avez déjà eu la chance d’entendre à Montréal, ce spectacle réunit quatre chanteurs d’exception : Nathalie Lermitte (Piaf ! Le Spectacle, Piaf Symphonique), Jules Grison (Formidable ! Aznavour, Et Maintenant), Gregory Benchenafi (Douce France, Cyrano de Bergerac) et Stéphanie Impoco (Paris ! Le Spectacle, Et Maintenant). Tous se produisent dans les créations internationales imaginées par Gil Marsalla et Directo Productions, saluées sur les plus grandes scènes à travers le monde.
Accompagnés de quatre musiciens remarquables, ils offrent un récital d’une rare intensité où chaque chanson devient une histoire, chaque mélodie une émotion, chaque interprétation un hommage à celles et ceux qui ont fait rayonner la chanson française.
Une Vie d’Amour est bien plus qu’un concert : c’est un voyage au cœur de notre patrimoine musical, une ode à l’amour sous toutes ses formes et une invitation à redécouvrir des chansons devenues universelles. Un spectacle élégant, émouvant et profondément humain, où l’amour se chante… et se partage.

Une Vie d’Amour is a vibrant celebration of the most beautiful love songs from the French music patrimony. From Édith Piaf to Charles Aznavour, from Jacques Brel to Gilbert Bécaud, these timeless works have accompanied the most beautiful love stories, spanned generations, and left an indelible mark on our collective memory.
Featuring the great voices you’ve already had the pleasure of hearing in Montreal, this show brings together four exceptional singers: Nathalie Lermitte (Piaf! Le Spectacle, Piaf Symphonique), Jules Grison (Formidable! Aznavour, Et Maintenant), Gregory Benchenafi (Douce France, Cyrano de Bergerac), and Stéphanie Impoco (Paris! Le Spectacle, Et Maintenant). All perform in the international productions conceived by Gil Marsalla and Directo Prod, acclaimed on the world’s greatest stages.
Accompanied by four remarkable musicians, they offer a recital of rare intensity where every song becomes a story, every melody an emotion, and every performance a tribute to those who have brought French chanson to the world.
Une Vie d’Amour is much more than a concert: it is a journey to the heart of our musical heritage, an ode to love in all its forms, and an invitation to rediscover songs that have become universal. An elegant, moving, and deeply human show, where love is sung… and shared.

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improvisation libre / rock expérimental

Festival Flux : Ava Mendoza + Soledad Coyoli + Acrostiche à la Toscadura

par Rédaction PAN M 360

Ava Mendoza

Ava Mendoza est une guitariste, chanteuse, autrice-compositrice et compositrice établie à Brooklyn. Principalement reconnue pour ses performances en solo à la guitare et à la voix, ainsi que comme fondatrice du groupe de rock expérimental Unnatural Ways, elle est saluée par la critique pour un jeu de guitare qui conjugue avec force virtuosité technique et impact viscéral. Quel que soit le contexte, elle insuffle à sa musique de l’expressivité, de l’énergie et d’une vaste palette sonore. Mendoza s’est produite en tournée aux États-Unis et en Europe. Elle a enregistré et joué avec de nombreux artistes, dont Carla Bozulich, Malcolm Mooney (CAN), Bill Orcutt, Abiodun Oyewole (The Last Poets), Mike Watt, Adele Bertei, Mick Barr, William Hooker, Nels Cline, Matana Roberts, John Zorn, Jamaaladeen Tacuma, Fred Frith, William Parker, Hamid Drake, ROVA, Negativland, Violent Femmes, ainsi que des membres de Caroliner. Ses enregistrements ont paru sur les étiquettes Tzadik, Astral Spirits, Weird Forest, Clean Feed, Resipiscent et New Atlantis. Le magazine Guitar World l’a notamment classée parmi les « 10 guitaristes féminines à connaître ».

Ava Mendoza is a Brooklyn-based guitarist, singer, songwriter and composer. Best known for her solo guitar and vocal performances, and as the leader of the experimental rock band Unnatural Ways, she has received critical acclaim for her guitar work’s compelling combination of technical virtuosity and visceral impact. In any context she is committed to bringing expressivity, energy and a wide sonic range to the music. Mendoza has toured throughout the U.S. and Europe and recorded/performed with musicians including Carla Bozulich, Malcolm Mooney (CAN), Bill Orcutt, Abiodun Oyewole (Last Poets), Mike Watt, Adele Bertei, Mick Barr, William Hooker, Nels Cline, Matana Roberts, John Zorn, Jamaaladeen Tacuma, Fred Frith, William Parker, Hamid Drake, John Zorn, ROVA, Negativland, the Violent Femmes, and members of Caroliner. Recordings are available on labels Tzadik, Astral Spirits, Weird Forest, Clean Feed, Resipiscent, and New Atlantis. She was featured as one of Guitar World‘s “10 Female Guitarists You Should Know”.

Soledad Coyoli

Lx artiste sonore Soledad Coyoli a grandi entre les peintures surréalistes de Leonora Carrington et Remedios Varo, les sculptures de sa grand-mère, la Malinche, la Llorona, les pièces détachées des robots que son oncle construisait et la musique sacrée que son père écoutait. Son travail sonore s’inspire de la tradition de la chanson mexicaine et latino américaine, et s’intéresse à la rencontre entre différentes voix / langues / cultures / technologies, ainsi qu’aux racines identitaires náhuatl (son nom signie « clochette » en náhuatl). Sa musique, lauréate de l’UNESCO-ASCHBERG en 2014, a été présentée dans certains des centres culturels les plus importants du Mexique, tels que le MUAC (Musée Universitaire d’art Contemporain), le musée Franz Mayer et le Centre de Culture numérique à la ville de Mexique. Depuis son arrivée à Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montréal, son travail a trouvé une nouvelle orientation : la voix et le corps comme territoires uniques, propres et non répétables, mais aussi comme matières fluides, mystérieuses, mutantes et collaboratives. Soledad explore des territoires musicaux et corporels métisses, à la recherche d’une racine – d’une identité – d’un nepantla, un mot náhuatl qui signifie « la terre au milieu » qu’iel peut appeler « sa maison ».

Soledad Coyoli grew up surrounded by the surrealist paintings of Leonora Carrington and Remedios Varo, her grandmother’s sculptures, La Malinche, La Llorona, the robot parts their uncle used to build, and the sacred music her father listened to. Their sound work draws inspiration from the tradition of Mexican – Latin American song and explores the intersection of different languages, cultures, and technologies, as well as their Nahuatl roots (their name means “bell” in Nahuatl). Their music, recipient of the Unesco-Aschberg bursary in 2014, has been presented at some of Mexico’s most important cultural centers, such as the MUAC (University Museum of Contemporary Art), the Franz Mayer Museum, and the Center for Digital Culture in Mexico City. Since arriving in Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montréal, their work has taken a new direction: the voice and the body as fluid, mysterious, mutable and collaborative materials. Soledad explores hybrid musical and bodily territories, in search of a root—an identity—a nepantla, a Nahuatl word often translated as “the land in the middle” that they might call “home.”

Acrostiche

Entre synthétiseurs, électroniques, objets récalcitrants et machines plus ou moins domestiquées, le duo Acrostiche (Belinda Campbell et Raphaël Foisy-Couture) bricolent une musique de répétitions, de collisions et de tensions. Quelque part entre le jeu et le chantier, la précision et le débordement, ils assemblent en temps réel une mécanique sonore dont certaines pièces ont manifestement été montées à l’envers. Mais ça tourne… Un album sortira d’ailleurs quelque part en 2027. Campbell arrive avec une pratique pluri-(in)disciplinaire qui circule entre musique, performance et arts visuels; Foisy-Couture avec une longue fréquentation de l’improvisation, des détournements instrumentaux et des bidouillages en tous genres.

Using synthesizers, electronic devices, quirky objects, and machines that are more or less well-behaved, the duo Acrostiche (Belinda Campbell and Raphaël Foisy-Couture) crafts music built on repetition, collisions, and tension. Somewhere between play and construction work, control and overflow, they build a sound machine in real time — one whose parts occasionally seem to have been installed the wrong way around. Somehow, though, it still runs. An album is also expected to emerge from the process sometime in 2027. Campbell brings a multi-(in)disciplinary practice that moves between music, performance, and visual arts; Foisy-Couture brings a long involvement in improvisation, instrument repurposing, and tinkering of all kinds.

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expérimental / contemporain / poésie

Festival Flux : Kim Zombik’s Origin Stories with Silvervest Quartet + Christelle Saint-Julien + Deanna Smith à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Kim Zombik

ORIGIN STORIES de Kim Zombik est une œuvre autobiographique en cours de création. Son récit évolutif trace les contours d’un fragile chemin vers la guérison, du lien avec les ancêtres et des merveilles de la réappropriation. Que faut-il pour transformer des cicatrices douloureuses en dentelles translucides? Cette version d’Origin Stories réunira certains monologues de la production intégrale ainsi qu’une grande partie de sa musique. La création complète sera présentée à l’hiver 2027. Avec Kim Zombik (voix et texte), Nicolas Caloia (contrebasse), David Ryshpan (claviers) et Jahsun (batterie).

Kim Zombik’s ORIGIN STORIES is work-in-progress autobiographical performance piece. The evolving narrative maps the tentative bridge of healing, the reach of ancestors, and the wonders of reclamation. What does it take to stretch painful scars into transparencies of lace? This version of Origin Stories will include some monologues from the full production, as well as much of the music. Look for the Origin Stories full production in winter 2027. Performers include Kim Zombik (vocalist and writer), Nicolas Caloia (double bass), David Ryshpan, (keyboards) and Jahsun (drums).

Christelle Saint-Julien

Christelle Saint-Julien est journaliste, autrice, traductrice et musicienne ; elle vit et meurt à Montréal. Elle s’intéresse aux gens et à leurs histoires, à l’intangible comme au perceptible.

Christelle Saint-Julien is a journalist, writer, translator and musician living and dying in Montreal. She is interested in people and their stories, intangible and perceptible.

Deanna Smith

Deanna Smith fait partie de la communauté artistique de la grande région de Montréal depuis 2009. Elle est poète et artiste-enseignante. Elle anime des ateliers d’écriture créative et de poésie/slam pour des participants de 4 ans jusqu’à la retraite et au-delà. Ses œuvres touchent l’héritage, l’amour, et la famille. Elle croit profondément au pouvoir de la communication, à la transcendance de solitudes apportée par l’ouverture d’esprit, et au courage d’avoir tort des fois. Deanna s’engage à promouvoir le vivre ensemble en parlant de tout ça pendant ses ateliers, sur scène, et par la création.

Deanna Smith is a Montreal-based poet, performer, and teaching artist. Her practice is inspired by transcendence, faith, the boundless power of love to liberate us, and the growth that comes from deeply reflecting on the self. Her work has been published in “Great Black North – Contemporary African Canadian Poetry” (Frontenac House, 2013), in Montreal Serai Magazine, and in Arc Magazine (translation). She has also consulted on literary projects as a substantive editor and translator. She is currently seeking publication of several children’s books, and is working on a longer poetry manuscript. Deanna facilitates workshops for participants aged 4 and up.

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hommage / jazz vocal

Festival International de Jazz de Montréal : John Pizzarelli sings Tony Bennett au Théâtre Maisonneuve

par Rédaction PAN M 360

Reconnu comme l’un des meilleurs interprètes contemporains du Great American Songbook, John Pizzarelli a élargi son répertoire en y incluant la musique de Paul McCartney, Joni Mitchell, Neil Young, Tom Waits, Antônio Carlos Jobim et les Beatles. Le guitariste et chanteur a également été salué par le Boston Globe pour avoir « redonné vie au Great American Songbook et remis le jazz au goût du jour ». En plus d’être chef d’orchestre et artiste solo, Pizzarelli a été invité spécial sur des enregistrements de grands noms de la pop tels que Natalie Cole, Kristin Chenoweth, Tom Wopat, Rickie Lee Jones et Dave Van Ronk, ainsi que d’artistes de jazz de premier plan tels que Rosemary Clooney, Ruby Braff, Johnny Frigo, Buddy DeFranco, Harry Allen et, bien sûr, son père Bucky Pizzarelli. Il a remporté un Grammy Award dans la catégorie Meilleur album vocal pop traditionnel en tant que coproducteur de l’album American Standard de James Taylor en 2021. Personnalité de la radio depuis ses débuts en 1984, Pizzarelli co-anime, aux côtés de sa femme Jessica Molaskey, l’émission Radio Deluxe with John Pizzarelli. Il s’est produit dans les émissions de télévision nationales les plus populaires des États-Unis, telles que The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, Conan et Great Performances, ainsi que dans les talk-shows de Jay Leno, David Letterman, Regis Philbin et la Macy’s Thanksgiving Day Parade.

Guitarist and singer John Pizzarelli has been hailed by the Boston Globe for “reinvigorating the Great American Songbook and re-popularizing jazz.” Established as one of the prime contemporary interpreters of the Great American Songbook, Pizzarelli has expanded that repertoire by including the music of Paul McCartney, Joni Mitchell, Neil Young, Tom Waits, Antônio Carlos Jobim and the Beatles. In addition to being a bandleader and solo performer, Pizzarelli has been a special guest on recordings for major pop names such as Natalie Cole, Kristin Chenoweth, Tom Wopat, Rickie Lee Jones and Dave Van Ronk, as well as leading jazz artists such as Rosemary Clooney, Ruby Braff, Johnny Frigo, Buddy DeFranco, Harry Allen and, of course, his father Bucky Pizzarelli. He won a Grammy Award in the Best Traditional Pop Vocal Album category as co-producer of James Taylor’s American Standard in 2021. A radio personality who got his start in the medium in 1984, Pizzarelli is co-host, alongside wife Jessica Molaskey, of Radio Deluxe with John Pizzarelli. He has performed on America’s most popular national television shows such as The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, Conan, and Great Performances, as well as the talk shows of Jay Leno, David Letterman, Regis Philbin and the Macy’s Thanksgiving Day Parade.

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ambient / électro-minimal / néoclassique

Festival International de Jazz de Montréal : Flore Laurentienne à la Maison symphonique

par Rédaction PAN M 360

Mathieu David Gagnon travaille depuis longtemps dans l’ombre de projets remarquables en tant qu’arrangeur, orchestrateur, directeur musical et réalisateur. Tout en continuant de jongler avec les projets des autres, il a secrètement donné suite à une inspiration personnelle et a finalement dévoilé en 2019 son œuvre, Flore Laurentienne, Volume I suivie en 2022 de Volume II. Mariage étrangement naturel entre orchestre à cordes et synthétiseurs analogues des années 60 et 70, Flore Laurentienne est une invitation à la contemplation. Les albums de Flore Laurentienne Volume I et Volume II sortis via Costume Records ont conquis le public et séduit les critiques, récoltant deux Félix au Gala de l’ADISQ 2020 et le trophée du Meilleur album expérimental au GAMIQ la même année. Les albums ont également recueilli plusieurs nominations au Gala de l’ADISQ, au Prix JUNO ainsi que sur la longue liste du prestigieux Prix de musique Polaris. La pièce Fleuve No. 1 s’est retrouvée en ouverture du défilé de la maison Chanel à la Paris Fashion Week 2022. 8 tableaux, le dernier album de Flore Laurentienne, est paru le 1er mars 2024 sur Secret City Records. Sur ce nouvel album concept, le compositeur, orchestrateur et musicien, puise l’inspiration dans les œuvres de Jean Paul Riopelle.

Mathieu David Gagnon has long worked behind the scenes on remarkable projects as an arranger, orchestrator, musical director, and producer. While continuing to juggle other people’s projects, he secretly pursued a personal inspiration and finally unveiled his work, Flore Laurentienne, Volume I in 2019, followed by Volume II in 2022. A strangely natural marriage between string orchestra and analog synthesizers from the 60s and 70s, Flore Laurentienne is an invitation to contemplation. The albums Flore Laurentienne Volume I and Volume II, released via Costume Records, won over audiences and critics alike, garnering two Félix awards at the 2020 ADISQ Gala and the Best Experimental Album trophy at the GAMIQ that same year. The albums also received several nominations at the ADISQ Gala, the JUNO Awards, and on the long list for the prestigious Polaris Music Prize. The piece Fleuve No. 1 was featured as the opening number for the Chanel fashion show at Paris Fashion Week 2022. 8 tableaux, Flore Laurentienne’s latest album, was released on March 1, 2024, on Secret City Records. On this new concept album, the composer, orchestrator, and musician draws inspiration from the works of Jean Paul Riopelle.

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Art Folk / indie pop / pop baroque

Festival International de Jazz de Montréal : Patrick Watson à la scène TD

par Rédaction PAN M 360

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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Indie / néo-soul / R&B

M pour Montréal : Geoffroy, Lou Val et Cherrykim au Ministère

par Rédaction PAN M 360

Lou Val – 22h15

Lou Val est un artiste, auteur-compositeur et innovateur basé à Montréal, originaire de Kano, au Nigéria. Depuis 2017, il façonne un univers sonore distinctif mêlant indie, R&B et influences alternatives, créant une musique fluide et chargée d’émotion. Son travail reflète un profond engagement envers la vulnérabilité et l’exploration artistique, offrant aux auditeurs un espace sonore fait d’intimité, d’expérimentation et d’une quête constante de connexion et de sens.

Lou Val is a Montreal-based artist, songwriter, and innovator originally from Kano, Nigeria. Since 2017, he has been crafting a distinctive sound that blends indie, R&B, and alternative influences, creating a fluid and emotionally rich musical universe. His work reflects a deep commitment to vulnerability and artistic exploration, offering listeners a sonic space shaped by intimacy, experimentation, and a constant search for connection and meaning.

Geoffroy – 21h30

Le chanteur, auteur-compositeur et producteur montréalais Geoffroy façonne depuis plus de dix ans une musique qui trouve aussi naturellement sa place sur la scène d’un grand festival que sur une plage au coucher du soleil ou lors d’un retour à la maison à l’aube. Mariant électro indie, instrumentation organique et écriture pop tout en finesse, il cumule des centaines de millions d’écoutes tout en rassemblant un public fidèle à l’international, séduit par la chaleur, la sincérité et l’esprit d’évasion de son univers. Depuis la sortie de son premier album salué par la critique, Coastline, Geoffroy n’a cessé d’évoluer sans jamais perdre l’intimité de l’écriture qui caractérise sa musique. Chacun de ses projets reflète un nouveau chapitre de son parcours, passant de compositions introspectives et atmosphériques à des œuvres plus lumineuses et rythmées, inspirées par des années de voyages et d’exploration créative à travers le monde. Son plus récent album, Good Boy, est son projet le plus ambitieux et éclatant à ce jour, intégrant des influences rythmiques latino-américaines et africaines à son mélange distinctif de textures électroniques et de mélodies empreintes d’émotion. Artiste de scène captivant, Geoffroy transforme chacune de ses chansons en une expérience immersive, naviguant avec aisance entre moments de contemplation et refrains fédérateurs. Ses performances allient la profondeur émotionnelle d’un auteur-compositeur à l’énergie d’un spectacle électronique, créant un concert à la fois profondément intime et résolument rassembleur.

Montreal singer, songwriter and producer Geoffroy has spent the last decade crafting a sound that feels equally at home on a festival main stage, a late-night beach, or a sunrise drive home. Blending indie electronic, organic instrumentation and understated pop songwriting, his music has earned hundreds of millions of streams while building a devoted international audience drawn to its warmth, honesty and sense of escape. Since emerging with the acclaimed debut album Coastline, Geoffroy has continually evolved without losing the intimate songwriting that first defined his music. Each release has captured a different chapter of his life—from introspective, atmospheric recordings to brighter, rhythm-driven work inspired by years of travel and creative exploration across the globe. His latest album, Good Boy, marks his most vibrant and expansive release yet, weaving Latin and African rhythmic influences into his signature blend of electronic textures and heartfelt melodies. A captivating live performer, Geoffroy transforms his songs into immersive experiences that effortlessly move between reflective moments and euphoric singalongs. His performances balance the emotional depth of a songwriter with the energy of an electronic act, creating a set that feels both deeply personal and unmistakably communal.

Cherrykim – 20h30

Cherrykim est un chanteur, auteur-compositeur et multi-instrumentiste basé à Montréal, qui fusionne soul rétro, néo-soul et R&B contemporain dans un son chaleureux et intemporel. Né en Corée du Sud et ayant grandi à travers l’Amérique du Nord, sa musique reflète une vie façonnée par des cultures et des expériences multiples. Autodidacte et entièrement indépendant, il s’inspire de la soul des années 70, de D’Angelo et du R&B actuel pour créer des morceaux intimes, centrés sur le groove, l’émotion et la narration personnelle.

Cherrykim is a Montreal-based singer, songwriter, and multi-instrumentalist blending retro soul, neo-soul, and modern R&B into a warm, timeless sound. Born in South Korea and raised across North America, his music reflects a life shaped by multiple cultures and lived experiences. Self-taught and fully independent, he draws from ’70s soul, D’Angelo, and contemporary R&B to craft intimate, groove-driven songs centered on emotion, connection, and personal storytelling.

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Afrique / reggae

Festival international Nuits d’Afrique : TONTON IDRISS & ses révélations JDTJ et Emma au Club Balattou

par Rédaction PAN M 360

Avec son charisme et son petit côté entertainer, à la manière d’un animateur enthousiaste de radio-crochet, Idriss le Viking Noir était la personne toute indiquée pour accueillir cette série qui applaudit la grande influence, le modernisme et la versatilité des musiques mandingues, que Nuits d’Afrique n’a eu de cesse de mettre de l’avant ces 40 dernières années. Sur des grooves du feu de Dieu, tel un sage un peu frondeur, Idriss, conquérant sympathique et décomplexé, distille ses conseils et conte la vie, de sa voix qui porte et de laquelle pointent des accents reggae.
Pour terminer le Festival en apothéose, Idriss le Viking Noir, qu’on surnomme affectueusement Tonton pour souligner son rôle auprès de la relève, invite ses « petits » du Togo et de Côte d’Ivoire à se mêler à la fête.

A born showman with the ebullience of a radio talent show host, the charismatic Idriss le Viking Noir was the obvious choice to host this series, which celebrates the versatility, contemporary appeal and undeniable influence of Mandinka music, which Nuits d’Afrique has proudly promoted for the past 40 years. Set to groovy beats, like a slightly rebellious sage, the charming and fun-loving Idriss shares his wisdom and recounts stories about life in his resonant voice with its subtle reggae inflections.
For an uplifting close to the Festival, Idriss le Viking Noir—affectionately known as Tonton (Uncle) because of his commitment to emerging talent—invites his “young’uns” from Togo and Côte d’Ivoire to join in the festivities.

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folk expérimental / post-punk / punk rock

POP Montréal 2026 : The American Devices, 110%, Sari Lightman et Laurie Torres au Mario Park

par Rédaction PAN M 360

The American Devices

The American Devices est le groupe de « rock » montréalais en activité depuis le plus longtemps (fondé en 1980) ; ce sont des légendes locales (et nationales) qui ont inspiré de nombreux autres groupes au fil des décennies. La formation se compose du guitariste et auteur-compositeur Rick Trembles (musicien, bédéiste et artiste de renommée internationale), du guitariste et auteur-compositeur Rob Labelle (membre fondateur de l’un des groupes punk pionniers du Canada, The Normals), du bassiste prolifique et puissant André Asselin (Nutsak, Galaxy of Terror) et du batteur Howard Chackowicz (également membre des groupes Nutsak et Manners, bédéiste et ancienne figure de l’émission Wiretap sur les ondes de CBC). Leur musique est souvent qualifiée de « post-punk », mais ils proposent en réalité une variété de sonorités et de styles, reconnaissables avant tout au jeu de guitare unique et aux entrelacements mélodiques caractéristiques de Trembles et Labelle. Asselin et Chackowicz (une section rythmique basse-batterie soudée depuis plus de 30 ans) assurent une assise rythmique massive et pleine de groove. Si certains morceaux sont lourds et rock, d’autres se font plus expérimentaux ou empruntent des voies totalement différentes ; tous partagent toutefois une signature stylistique singulière — que ce soit dans le ressenti, le timing ou l’intensité — sans jamais perdre en cohérence ni en musicalité. Bien qu’ils se soient toujours tenus à l’écart des normes de la musique « grand public », The American Devices ont su fidéliser leur public grâce à leur talent, à leur complicité musicale quasi magique et à leur puissance, ainsi qu’à leurs concerts toujours dynamiques et divertissants.

The American Devices is Montreal’s longest-running « rock » band (founded in 1980), local (and national) legends who have inspired many other musical groups over the decades. The band is comprised of guitarist/songwriter Rick Trembles (internationally renowned musician, cartoonist and artist), guitarist/songwriter Rob Labelle (founding member of one of Canada’s pioneering punk bands – The Normals), the prolific, powerhouse bassist André Asselin (Nutsak, Galaxy of Terror) and drummer Howard Chackowicz (also in the bands Nutsak and Manners, a cartoonist and one-time radio personality from CBC’s Wiretap, as well). Their music has often been described as « post-punk » but, in actuality, they present a variety of sounds and styles, most recognizable by the distinct and unique guitar intertwining between Trembles and Labelle. Asselin and Chackowicz (a tight bass/drum team going back over 30 years) provide the massive, groovy, rhythmic backups. Some tunes are heavy and rocking, some are more experimental, other songs may be something else entirely – but they all share idiosyncratic stylings, sometimes in terms of feel, timing or intensity, while never losing cohesion and musicality. Although The American Devices have always been outside the norms of « mainstream » music, they’ve kept a loyal fanbase due to their skill, magical-musical interconnectedness and power and for always having dynamic, fun live shows!

110%

Originaire d’un groupe d’amis d’enfance, 110% est un supergroupe basé à Montréal ancré dans la communauté et la collaboration créative. Ces dernières années, des collaborateurs de confiance et loyaux sont devenus de nouveaux membres, faisant du groupe le septuor qu’il est aujourd’hui; quatre chanteurs, un bassiste, un guitariste et une harpiste. Ensemble, n’ayant rien d’autre à perdre que leur perception par les autres, leur dernier EP Exposure Therapy a vu le jour. Si votre humilité était en liberté, la laisseriez-vous se libérer?

Originated by a group of childhood friends, 110% is a Montreal based supergroup rooted ion community and creative collaboration. In recent years, trusted and loyal affiliates were turned into new members making the band the septet that is is today; four vocalists, a bassist, guitarist and a harpist. Together with nothing else to lose but their perception from others, their latest EP Exposure Therapy came to be. If your humility was at large, would you let it run free?

Sari Lightman

Sari Lightman s’est taillé une place dans la scène musicale canadienne avec sa sœur jumelle, Romy, en formant un duo folk expérimental sous une série de noms : Tasseomancy, Lightman & Lightman, aujourd’hui Lightman Sisters. Au fil des ans, les deux sœurs ont élargi leur univers sonore commun, créant un folklore mélodique : synthés chatoyants et arrangements acoustiques tissés de fils mythiques et familiaux, explorant leurs idées sur la foi, les blagues cosmiques, la sensualité et la défiance. Avec son disque solo, Lightman quitte l’habit expérimental pour s’inscrire dans la tradition des troubadours folk : Leonard Cohen, Bridget St John, John Prine. « Ces chansons sont ma tentative de dessiner une silhouette : la figure d’une personne qui semble à la fois passagère et intime, une tranche de vie ordinaire, comme celles dont proviennent mes chansons préférées. »

Sari Lightman has forged a presence in the Canadian music scene with her twin sister, Romy as an experimental folk duo with a series of musical appellations: Tasseomancy, Lightman & Lightman, now Lightman Sisters. Over the years, the sisters expanded their shared sonic landscape, creating a melodic lore: shimmering synths and acoustic arrangements woven within mythic and familial threads, exploring their ideas of faith, cosmic punchlines, sensuality, and defiance. With her solo debut, Lightman sheds the experimental suit to follow in the tradition of the folk troubadours: Leonard Cohen, Bridget St John, John Prine. “These songs are my attempt to draw a silhouette — a figure of a person that feels momentary and intimate.; a casual slice of life that my favorite songs are drawn from.”

Laurie Torres

Laurie Torres est une musicienne et compositrice née et élevée à Montréal. Depuis 2008, elle est une interprète de confiance sur scène comme en studio. Son premier album, Après coup, centré sur le piano, la batterie et le synthétiseur, est paru en février 2025 sur Tonal Union, une étiquette qui brouille les genres. Cet album est le fruit d’un travail d’improvisation méticuleux et intuitif, reflet de son évolution artistique et de son exploration de nouvelles formes d’expression.

Laurie Torres is a musician and composer born and raised in Montreal. Since 2008, she has been a trusted stage and studio performer. Her debut album, Après coup, which centers around the piano, drums and synthesizer, was be released in February 2025 on the genre blurring label imprint Tonal Union. This album is the result of meticulous and intuitive improvisational work, reflecting her artistic evolution and her exploration of new forms of expression.

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Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360

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