FIMAV: Sélébéyone

par Rédaction PAN M 360

Selon le New York Times, le saxophoniste-compositeur STEVE LEHMAN est « un penseur musical de fine pointe ». Il compose pour des ensembles de chambre de premier ordre et dirige des groupes de petite et de moyenne taille. Ses compositions tout en nuances s’inspirent de nombreuses avenues musicales et mettent en vedette son jeu inimitable au saxophone alto. SÉLÉBÉYONE est l’une de ses synthèses les plus ambitieuses, un laboratoire d’hybridation des genres pour deux voix radicalement complémentaires du rap contemporain : HPRIZM (HIGH PRIEST d’Antipop Consortium), qui s’exprime en anglais, et le Sénégalais GASTON BANDIMIC, qui s’exprime en wolof. D’autres ingrédients essentiels à la recette sont le batteur DAMION REID, grand manitou du groove post-J Dilla, et le saxophoniste français MACIEK LASSERRE. Après l’album éponyme Sélébéyone (qui signifie « intersection » en wolof), en 2016, est arrivé Xaybu : The Unseen (Pi Recordings, 2022), une grande avancée dans l’histoire de la fusion entre jazz et rap, une prise de position toute contemporaine sur la collaboration interculturelle et intergenre.

According to the New York Times, saxophonist-composer STEVE LEHMAN is « a musical thinker on the cutting edge ». He composes for first-rate chamber ensembles and leads small and medium-sized groups. His nuanced compositions draw inspiration from many musical avenues and feature his inimitable alto saxophone playing. SÉLÉBÉYONE is one of his most ambitious syntheses, a genre-hybridizing laboratory for two radically complementary voices in contemporary rap: HPRIZM (Antipop Consortium’s HIGH PRIEST), who speaks English, and Senegalese GASTON BANDIMIC, who speaks Wolof. Other essential ingredients in the recipe are drummer DAMION REID, post-J Dilla groove maestro, and French saxophonist MACIEK LASSERRE. After the eponymous album Sélébéyone (which means « intersection » in Wolof), in 2016, came Xaybu: The Unseen (Pi Recordings, 2022), a great step forward in the history of jazz-rap fusion, and a very contemporary stance on intercultural and cross-genre collaboration.

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footwork

FIMAV: Kavain Wayne Space / XT Trio

par Rédaction PAN M 360

KAVAIN WAYNE SPACE, mieux connu sous le nom de RP BOO, est un pionnier légendaire de la musique footwork (ou juke) issue de Chicago. Sa carrière a pris son envol autour de l’an 2000, lorsque ce style musical et la danse qui l’accompagne ont évolué à partir de la musique house. Toujours actif dans le monde des DJs, il a croisé, en 2018, la route de l’intrépide duo d’improvisation électroacoustique britannique XT : SEYMOUR WRIGHT au saxophone alto (actuel et potentiel) et PAUL ABBOTT à la batterie (réelle et imaginée). Ensemble, ces trois-là explorent leur amour partagé du groove, de la répétition, de la musique soul de Chicago des années 60 et 70, du disco et du R&B au fil de concerts entièrement improvisés (quatre à ce jour, et toujours présentés en parallèle de performances de DJ de RP BOO) qui tissent des liens entre les nombreuses traditions d’expérimentation de Chicago, allant de Baby Dodds à l’AACM. Le premier album du KAVAIN WAYNE SPACE / XT TRIO, YESYESPEAKERSYES est sorti en février 2024 chez Feedback Moves.

KAVAIN WAYNE SPACE, better known as RP BOO, is a legendary pioneer of footwork (or juke) music from Chicago. His career took off around 2000, when this musical style and its accompanying dance evolved from house music. Still active in the DJ world, in 2018 he crossed paths with the intrepid British electroacoustic improv duo XT: SEYMOUR WRIGHT on alto saxophone (actual and potential) and PAUL ABBOTT on drums (real and imagined). Together, these three explore their shared love of groove, repetition, ’60s and ’70s Chicago soul, disco and R&B in fully improvised concerts (four to date, and always presented alongside RP BOO DJ performances) that weave together Chicago’s many experimental traditions, from Baby Dodds to AACM. KAVAIN WAYNE SPACE / XT TRIO’s debut album, YESYESPEAKERSYES, was released in February 2024 by Feedback Moves.à

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saxophone

FIMAV: Roscoe Mitchell solo

par Rédaction PAN M 360

Pour célébrer en grand cette 40^e édition du FIMAV, le légendaire ROSCOE MITCHELL revient à Victoriaville pour nous offrir un concert solo. Bien qu’il soit surtout connu pour son rôle crucial au sein de l’Art Ensemble of Chicago, MITCHELL a produit ses meilleures musiques sous son propre nom. Ce vaste corpus inclut des compositions pour orchestre (dont une importante collaboration avec le Montreal-Toronto Art Orchestra, Ride the Wind, parue chez Nessa Records en 2017), ses ensembles Note Factory et de l’improvisation en petits alignements. Néanmoins, c’est dans sa musique pour saxophone solo que la singularité de sa recherche musicale ressort le plus. Dans ce contexte, une source musicale (parfois improbable) peut traverser des permutations alchimiques d’une telle intensité, d’une telle audace, qu’on ne peut que penser à de la magie. Ces dernières années, MITCHELL accorde plus de temps à la peinture et aux arts visuels. D’ailleurs, il a récemment exposé à la galerie Corbett vs. Dempsey de Chicago. Comme quoi la créativité et l’originalité de cet homme sont intarissables.

To celebrate the 40th edition of FIMAV in style, the legendary ROSCOE MITCHELL returns to Victoriaville for a solo concert. Although best known for his crucial role with the Art Ensemble of Chicago, MITCHELL has produced some of his finest music under his own name. This vast corpus includes compositions for orchestra (including a major collaboration with the Montreal-Toronto Art Orchestra, Ride the Wind, released by Nessa Records in 2017), his Note Factory ensembles and small-scale improvisation. Nevertheless, it is in his music for solo saxophone that the singularity of his musical research most stands out. In this context, a (sometimes improbable) musical source can undergo alchemical permutations of such intensity and audacity that one can only think of magic. In recent years, MITCHELL has devoted more time to painting and the visual arts. He recently exhibited at Chicago’s Corbett vs. Dempsey gallery. The man’s creativity and originality are inexhaustible.

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expérimental

FIMAV: Bill Orcutt Guitar Quartet

par Rédaction PAN M 360

En 2022, BILL ORCUTT, compositeur-guitariste de San Francisco, publiait l’exceptionnel Music for Four Guitars (Palilalia Records), une synthèse de ses principales recherches musicales, une œuvre de répétitions et de permutations réalisée avec l’impact maximaliste d’un son de guitare viscéral. Sur le disque, il interprète lui-même les quatre parties de guitare de ses compositions riches et rigoureuses. Pour présenter ce matériel sur scène, ORCUTT a recruté trois guitaristes de haut niveau et complémentaires de surcroît : WENDY EISENBERG, AVA MENDOZA et SHANE PARISH. Chacun, avec sa personnalité musicale et son vocabulaire d’improvisation, élargit à sa façon la palette de cette musique interprétée avec une intensité et un volume stupéfiants. « Un quatuor très structuré qui tisse serré de minuscules phrases rythmiques en vastes paysages, en s’inspirant des préceptes du minimalisme des premières heures et de groupes guitaristiques new-yorkais comme le Glenn Branca Ensemble » (Pitchfork).

In 2022, San Francisco composer-guitarist BILL ORCUTT released the exceptional Music for Four Guitars (Palilalia Records), a synthesis of his main musical investigations, a work of repetitions and permutations realized with the maximalist impact of a visceral guitar sound. On the disc, he himself performs the four guitar parts of his rich, rigorous compositions. To bring this material to the stage, ORCUTT has recruited three top-flight guitarists who complement each other perfectly: WENDY EISENBERG, AVA MENDOZA and SHANE PARISH. Each, with his or her own musical personality and improvisational vocabulary, expands in his or her own way the palette of this music performed with stunning intensity and volume. « A highly structured quartet that tightly weaves tiny rhythmic phrases into vast landscapes, drawing on the precepts of early minimalism and New York guitar groups like the Glenn Branca Ensemble » (Pitchfork).

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jazz / Piano

FIMAV: Sophie Agnel et John Butcher

par Rédaction PAN M 360

Depuis sa première apparition au FIMAV, en 1997, dans le projet « Mouthfull of Ecstasy » de Phil Minton, le saxophoniste britannique JOHN BUTCHER nous a offert plusieurs prestations inoubliables. Le voici en duo avec SOPHIE AGNEL, pianiste française remarquable avec qui il partage plusieurs champs d’intérêt, notamment de riches sonorités à lent déploiement et leurs implications rythmiques et harmoniques, à développer par le biais de la découverte et de la transformation collectives. Ces qualités, on les retrouve en abondance sur La Pierre tachée, paru en 2022 chez Ni vu ni connu, l’exceptionnelle étiquette luxembourgeoise qui a publié une collection d’enregistrements de BUTCHER. Avec sa formation précoce en musique classique et son intérêt pour le jazz actuel, AGNEL possède la plus solide des assises pour ses envolées imaginatives. Quant à BUTCHER, celui-ci demeure un singulier virtuose des saxos soprano et ténor dont les contributions aux musiques improvisées créatives étonnent et ravissent.

Since his first appearance at FIMAV in 1997, as part of Phil Minton’s « Mouthfull of Ecstasy » project, British saxophonist JOHN BUTCHER has given us many unforgettable performances. Here he is in a duo with SOPHIE AGNEL, a remarkable French pianist with whom he shares many areas of interest, including rich, slowly unfolding sonorities and their rhythmic and harmonic implications, to be developed through collective discovery and transformation. These qualities are in abundance on La Pierre tachée, released in 2022 by Ni vu ni connu, the exceptional Luxembourg label that has published a collection of BUTCHER recordings. With his early training in classical music and his interest in contemporary jazz, AGNEL has the most solid foundation for his imaginative flights. As for BUTCHER, he remains a singular soprano and tenor sax virtuoso whose contributions to creative improvised music astonish and delight.

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classique

FIMAV: Splendide Abysse

par Rédaction PAN M 360

Compositeur et clarinettiste, le montréalais PHILIPPE LAUZIER a mis sur pied un quatuor de fantastiques musiciens avec qui il a déjà travaillé en duo : BELINDA CAMPBELL (piano, synthétiseur DX7) et FRÉDÉRIQUE ROY (voix, accordéon), également de Montréal, et le percussionniste CARLO COSTA, un Italien qui vit à New York. LAUZIER a manifestement conçu le langage inusité de SPLENDIDE ABYSSE à partir de minutieuses explorations timbrales avec chacun de ses comparses. Ses compositions, qui allient préparations instrumentales rigoureuses et exquise sensibilité d’exécution, confèrent à l’univers sonore du quatuor une nature scintillante et légèrement aquatique, unique en son genre, où chaque silence est riche de sens. À l’intérieur de ce cadre, chaque instrumentiste a amplement de latitude pour improviser et, ainsi, donner vie à la matière musicale que LAUZIER a créée et affinée spécialement pour ce groupe.

Montreal composer and clarinettist PHILIPPE LAUZIER has assembled a quartet of fantastic musicians with whom he has already worked as a duo: BELINDA CAMPBELL (piano, DX7 synthesizer) and FRÉDÉRIQUE ROY (vocals, accordion), also from Montreal, and percussionist CARLO COSTA, an Italian living in New York. LAUZIER’s unusual language for SPLENDIDE ABYSSE is clearly the result of meticulous timbral explorations with each of his comparses. His compositions, which combine rigorous instrumental preparation and exquisite sensitivity of execution, give the quartet’s sound universe a unique, sparkling, slightly aquatic nature, where every silence is rich in meaning. Within this framework, each instrumentalist is given ample latitude to improvise and, in so doing, bring to life the musical material that LAUZIER has created and refined especially for this group.

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électronique

FIMAV: Amma Ateria – « Concussssion »

par Rédaction PAN M 360

La compositrice-électronicienne AMMA ATERIA nous arrive de la région de San Francisco et nous présente « CONCUSSSSION », une étude évolutive née d’un impact au crâne (os frontal et orbital). Au fil de son rétablissement, depuis juin 2021, ses mouvements sonores ont poursuivi un processus de changement et de développement, à coup de rythmes binauraux à basse fréquence, d’entraînement des ondes cérébrales, de courbes isosoniques et d’altérations temporelles. Ce projet se décline en compositions sonores, en enregistrements, en partitions visuelles, en concerts et en projections algorithmiques, en guise de documentation de la variation des réactions neurologiques aux ondes delta, thêta, alpha, bêta et gamma. « SSSS » symbolise les périodes de désorientation auditive qu’a vécues l’artiste, comme des moments d’extension prolongée des fréquences sifflantes de la voix humaine. Les compositions traduisent ces expériences d’immobilité, d’inconscience et d’hallucinations auditives, transfigurées en moments de lévitation, de transformation et de neurogenèse.

Composer-electronica AMMA ATERIA arrives from the San Francisco area to present « CONCUSSSSION », an evolutionary study born of an impact to the skull (frontal and orbital bones). In the course of his recovery since June 2021, his sound movements have continued a process of change and development, using low-frequency binaural rhythms, brainwave entrainment, isosonic curves and temporal alterations. The project takes the form of sound compositions, recordings, visual scores, concerts and algorithmic projections, documenting the variation in neurological responses to delta, theta, alpha, beta and gamma waves. « SSSS » symbolizes the periods of auditory disorientation experienced by the artist, like moments of prolonged extension of the whistling frequencies of the human voice. The compositions translate these experiences of immobility, unconsciousness and auditory hallucinations, transfigured into moments of levitation, transformation and neurogenesis.

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ambient / électronique

FIMAV: Stéphane Diamantakiou présente « Le Double »

par Rédaction PAN M 360

« Le Double » est le projet de STÉPHANE DIAMANTAKIOU, bassiste et compositeur d’origine française domicilié à Joliette. Cet ensemble, composé de musiciens d’exception basés à Québec, Montréal et Chicoutimi, est issu d’une résidence dans cette dernière ville en compagnie du collectif musical CEM. « Le Double » comprend des épisodes de bruitisme électronique ambiant qui cèdent la place à des rythmiques puissantes et à des solos enlevants, suivant un savant processus d’intensification, de déploiement et de relâchement, avec des clins d’œil au dub, au post-rock et aux années 70 de Miles Davis. Ce que nous présente DIAMANTAKIOU, c’est une synthèse du son d’ensemble électroacoustique, qu’il sculpte avec grâce et l’aide de ses talentueux musiciens : GENEVIÈVE GAUTHIER, SÉBASTIEN SAUVAGEAU, SÉBASTIEN DELORME, SCOTT BEVINS, DAVID SIMARD, ROBERT PELLETIER et DAVÎ SIMARD.

« Le Double » is the project of STÉPHANE DIAMANTAKIOU, a French-born bassist and composer based in Joliette. This ensemble, made up of exceptional musicians based in Quebec City, Montreal and Chicoutimi, grew out of a residency in the latter city with the CEM music collective. « Le Double » features episodes of ambient electronic noise that give way to powerful rhythms and soaring solos, following a skilful process of intensification, unfolding and release, with nods to dub, post-rock and 70s Miles Davis. DIAMANTAKIOU presents a synthesis of electroacoustic ensemble sound, gracefully sculpted with the help of his talented musicians: GENEVIÈVE GAUTHIER, SÉBASTIEN SAUVAGEAU, SÉBASTIEN DELORME, SCOTT BEVINS, DAVID SIMARD, ROBERT PELLETIER and DAVÎ SIMARD.

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classique

FIMAV: Quatuor Bozzini présente « Jürg Frey: String Quartet No. 4 »

par Rédaction PAN M 360

Le compositeur suisse JÜRG FREY écrit des paysages sonores magistraux, calmes et vastes, et l’exceptionnel QUATUOR BOZZINI sait comment leur donner vie. Avec son oreille sensible pour les couleurs, les sons et la précision, FREY compose une musique d’une grande sérénité et d’un grand lyrisme; une apesanteur poétique, à la recherche du silence dans le son. « Ma musique est lente, parfois statique, et oscille souvent délicatement entre l’immobilité et le mouvement. Et pourtant, après plus d’une heure, cette musique est arrivée à un autre endroit. À l’arrêt, il ne se passe pas grand-chose – c’est de cette atmosphère que ma musique émerge et où elle revient toujours. Parfois, elle y reste. C’est mon monde. » C’est par ces mots que FREY parle de son « String Quartet No. 4 » (Quatuor à cordes no 4), fraîchement paru sur disque en janvier 2024 chez Collection QB et du troisième quatuor composé à l’intention du QUATUOR BOZZINI, pour souligner plus de vingt ans de collaboration et de confiance mutuelle.

Swiss composer JÜRG FREY writes masterful soundscapes, calm and vast, and the exceptional QUATUOR BOZZINI knows how to bring them to life. With his sensitive ear for color, sound and precision, FREY composes music of great serenity and lyricism; a poetic weightlessness, in search of silence in sound. « My music is slow, sometimes static, and often oscillates delicately between immobility and movement. And yet, after more than an hour, this music has come to a different place. At a standstill, nothing much happens – it’s from this atmosphere that my music emerges and to which it always returns. Sometimes it stays there. It’s my world. » With these words, FREY speaks of his « String Quartet No. 4 », freshly released on disc in January 2024 by Collection QB and the third quartet composed for the QUATUOR BOZZINI, to mark over twenty years of collaboration and mutual trust.

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classique

FIMAV: « Basileus » au Carré 150

par Rédaction PAN M 360

Compositeur, chef d’orchestre et directeur artistique (Temps Fort), PASCAL GERMAIN-BERARDI signe la conception et la création de « Basileus », un oratorio en quatre actes sur un livret de SÉBASTIEN JOHNSON. Cette œuvre d’une ambition démesurée, mise en scène par le MARIE-ÈVE GROULX, fait monter une cinquantaine d’artistes québécois sur scène. À la base, il s’agit d’un drame familial se déroulant dans une époque violente. Ses protagonistes ont soif d’honneur, de liberté et de domination. Cette tragédie de lignée et d’anxiété des origines met en vedette quatre personnages, tous parents, qui cherchent à s’affranchir du passé, tout en étant en quête de liberté personnelle et de responsabilité collective. Ces rôles sont interprétés par des solistes dynamiques et complémentaires : SARAH ALBU (« la Matriarche »), CHARLOTTE GAGNON (« Ades ») et DOMINIC LORANGE (« Agis »). Ils sont accompagnés par un gigantesque orchestre de guitares, de cuivres et de percussions, sans oublier l’inimitable intensité de la chorale de hurleurs heavy métal GROWLERS CHOIR.

Composer, conductor and artistic director (Temps Fort), PASCAL GERMAIN-BERARDI is responsible for the conception and creation of « Basileus », an oratorio in four acts based on a libretto by SÉBASTIEN JOHNSON. This ambitious work, directed by MARIE-ÈVE GROULX, brings some 50 Quebec artists to the stage. Basically, it’s a family drama set in violent times. Its protagonists thirst for honor, freedom and domination. This tragedy of lineage and anxiety about origins features four characters, all related, who seek to free themselves from the past, while searching for personal freedom and collective responsibility. These roles are played by dynamic, complementary soloists: SARAH ALBU (« the Matriarch »), CHARLOTTE GAGNON (« Ades ») and DOMINIC LORANGE (« Agis »). They are accompanied by a gigantic orchestra of guitars, brass and percussion, not forgetting the inimitable intensity of the GROWLERS CHOIR heavy metal howling choir.

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jazz

Festival international de musique actuelle de Victoriaville : John Zorn, New music for trios

par Rédaction PAN M 360

Dans ce premier de deux concerts consacrés à JOHN ZORN, le maître nous propose de nouvelles musiques pour deux trios bien différents.

Depuis quelques années déjà, BRIAN MARSELLA (Zion80, Nels Cline Singers) est devenu le pianiste de choix de ZORN pour tout ce qui relève de l’univers jazz. Avec raison d’ailleurs, puisqu’il allie la fougue d’un Uri Caine à la finesse d’un Craig Taborn. Suite for Piano, sortie sur disque l’été dernier, est composée pour piano, contrebasse et batterie. Chacun de ses mouvements (aux titres tels « Sarabande », « Scherzo » ou « Menuet ») subvertit merveilleusement les codes de la musique classique.

Depuis la conclusion du projet « Moonchild » (2006-2014), SIMULACRUM est le véhicule « rock pesant » par excellence de ZORN. En huit ans, et au fil de neuf albums studio (dernier en lice : Spinoza, avril 2022), ses membres ont développé une synergie remarquable autour de musiques riches en rebondissements qui combinent lignes complexes et rugissements d’orgue et de guitare électrique.

In the first of two concerts devoted to JOHN ZORN, the master will be bringing new music for two very different trios.

In the past few years, BRIAN MARSELLA (Zion80, Nels Cline Singers) has become ZORN’s go-to piano player for everything jazz-related. And with good reason, as MARSELLA blends Uri Caine’s fierceness with Craig Taborn’s finesse. Suite for Piano, released last summer, is written for piano, doublebass and drum kit. Each movement (with titles like “Sarabande”, “Scherzo” or “Menuet”) wonderfully subverts classical music codes.

Since the “Moonchild” project (2006-2014) reached its conclusion, SIMULACRUM has been ZORN’s “heavy” vehicle of choice. In eight years and nine studio albums (the most recent one is Spinoza, April 2022), its members have developed a remarkable level of synergy around some of ZORN’s most eventful compositions, combining complex lines and ferocious roars from organ and electric guitar.

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jazz

Festival international de musique actuelle de Victoriaville : John Zorn New Masada Quartet

par Rédaction PAN M 360

Aux yeux du public et de la critique du monde du jazz, chaque grand musicien a son groupe « classique » : quand on dit LE quartet de Miles Davis ou LE quartet de John Coltrane, tout le monde sait de quoi on parle, même si c’est très réducteur.

Chez JOHN ZORN, pour plusieurs, il s’agit du MASADA QUARTET, qui puisait son répertoire dans les deux « Masada Song Books » qui regroupent des centaines de mélodies originales s’inspirant des musiques juives. Le groupe (trompette, contrebasse, batterie et ZORN au saxophone) a fait la pluie et le beau temps tout au long des années 90.

En 2019, ZORN a surpris tout le monde en mettant sur pied un NEW MASADA QUARTET, dont le premier élan s’est buté contre la pandémie. Qu’à cela ne tienne : depuis 2022, le groupe est remonté sur les planches et a sorti deux excellents disques. L’instrumentation diffère légèrement (guitare électrique au lieu de la trompette), le corpus est réabordé avec beaucoup de fraîcheur, et ZORN n’a rien perdu de sa verve et de son lyrisme au saxophone. Un rendez-vous à ne pas manquer!

For jazz critics and fans, all the “greats” have had their classic line-up. When we say Miles Davis’ Quartet or John Coltrane’s Quartet, everyone knows what we’re talking about, however reductive that may be.

With JOHN ZORN, for many, that was the MASADA QUARTET, a group that drew its repertoire from ZORN’s “Masada Song Books” I & II, which contained hundreds of original melodies inspired by Jewish music. That band (trumpet, bass, drums, and ZORN on saxophone) ruled the jazz roost throughout the 1990s.

In 2019, ZORN surprised the whole world by putting together a NEW MASADA QUARTET. The band’s initial momentum was cut short by the pandemic, but ZORN reactivated it last year with a handful of performances and two fabulous records. The instrumentation has changed slightly (electric guitar instead of trumpet), the musicians bring a very fresh take on the material, and the master is as forceful and lyrical on the saxophone as ever. You can’t miss this show!

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