Rouyn-Noranda

Alternative / no wave / post-punk / rock alternatif

FME 2025 : Mary Shelley, une forme de vie réanimée

par Lyle Hendriks

En arrivant dans l’espace sombre et liminal du Bar du Curling, nous sommes immédiatement accueillis par le groupe punk de Brooklyn Mary Shelley. Jeunes, énergiques et débordant de cette fougue typiquement new-yorkaise, il ne faut pas longtemps pour se mettre à sauter partout aux côtés de ce quatuor déjanté et inclassable.

Si certains groupes ont dû travailler dur pour conquérir les dancefloors du FME, cela n’a pas semblé poser le moindre problème à Mary Shelley, qui a capté notre attention et notre énergie dès le début. Après nous avoir pris par les cheveux, ils ont enchaîné un set impressionnant d’intensité, mêlant hard punk, paroles littéraires à la IDLES et indie pop jangly. Il semble n’y avoir aucune influence ou aucun genre hors de portée pour Mary Shelley, qui mélange shoegaze, post-punk et même des touches de hip-hop pour produire un état altéré que je ne parviens toujours pas à expliquer.

Ils échangent leurs instruments, échangent leurs sons et avalent des bières. Ceux qui s’inquiètent de la mort du punk refusent tout simplement de reconnaître cette forme de vie réanimée comme étant la vraie.

Tout comme l’auteur dont ils tirent leur nom, Mary Shelley est d’une subversion effrayante et exaltante de tout ce à quoi vous pouvez vous attendre, même si vous arrivez sans savoir qui ils sont, à la fois démodés et totalement novateurs.

Photos by Jacob Zweig

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pop noire / shoegaze

FME 2025 : APACALDA nous ouvre la porte

par Lyle Hendriks

Alliant des tonalités sombres, une ambiance de boudoir et une sensibilité pop électrisante, APACALDA a été l’un des groupes les plus constants du FME samedi. Cassandra Angheluta a apporté une incroyable intimité à l’environnement autrefois stérile du L’Ordre Loyal des Moose, nous captivant avec des morceaux sombres, lourds, mais incroyablement sobres et raffinés.

Son groupe, composé de Raphy Bedard de Vilca (basse) et Caleb LeBel (batterie), l’accompagne à la perfection, nous entraînant à travers des eaux noires comme des passeurs, tandis que nous sommes bercés par des structures musicales labyrinthiques et des voix captivantes. Bedard de Vilca joue avec assurance et une énergie contenue qui semble inépuisable, tandis que le jeu de batterie complexe et subtil de LeBel apporte une énergie parfaite.

Le mot qui caractérise Apacalda est « retenue ». À l’image d’un bandage serré sur une vieille blessure, Angheluta passe sans effort de passages haletants et secrets à des climax incroyables, dansant sur une corde raide dans un monde qui lui est propre.

Derrière les morceaux initialement entraînants d’Apacalda se cache un profond bassin de vulnérabilité et de douleur, quelque chose qui semble presque trop intime pour être regardé directement. Mais Angheluta nous ramène à chaque fois, nous invitant, puis nous obligeant à regarder les parties ensanglantées d’elle-même qui produisent un son si viscéral et captivant. Apacalda est immédiatement accessible et profondément provocateur, pris entre deux extrêmes pour offrir une tension magnifique, différente de tout ce que nous avons vu ce week-end.

Photos by Jacob Zweig

crowd shot: Julia Mela

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funk psychédélique / néo-psychédélique / rock / rock psychédélique

FME 2025 : La Flemme, un mixeur pour tous

par Stephan Boissonneault

Par le passé, il y a eu beaucoup de groupes de rock psychédélique garage farfelus au FME, des groupes qui peuvent sans aucun doute citer un groupe comme Oh Sees comme principale influence, mais La Flemme est peut-être l’un des plus authentiques. Ce quatuor français originaire de Marseille apporte une intensité débridée à la fête, le genre de personnes à qui vous pouvez vous confier lors d’une soirée endiablée à 4 heures du matin ou au début d’une aventure entrepreneuriale turbulente. Les visuels d’Anthony Piazza étaient légendaires, comme toujours, et mon préféré était sans doute le mixeur cyclonant du glaçage qui représentait en fait la planète Terre.

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alt-folk / art-folk / folk

FME 2025 : Bells Larsen dompte la nuit sauvage

par Stephan Boissonneault

D’après mon expérience, il est agréable et bon pour la santé d’aller voir certains des spectacles folk plus légers du FME. D’une légèreté apparente, Bells Larsen a présenté à l’Agora des Arts l’un des spectacles les plus vulnérables et apaisants que j’ai vus depuis des années. Dans cette magnifique salle avec places assises, l’auteur-compositeur-interprète (qui vit désormais à Montréal) a enchaîné les chansons de son fantastique album Blurring Time. Cet album a attiré l’attention nationale après qu’il ait été contraint d’annuler sa tournée aux États-Unis en raison d’une nouvelle loi anti-transgenres sur les visas.

Le public était stupéfait et abasourdi. J’ai même aperçu une femme en larmes vers la fin du concert. C’était un concert intimiste de Bells, qui a toujours affiché ses sentiments au grand jour. Le groupe était également au top, laissant Bells sous les feux de la rampe, mais intervenant à un ou deux moments pour créer une ambiance lumineuse. L’éclairage était sombre, mais avec les formes rouges standard qui jaillissaient des murs, il régnait une atmosphère étrange et presque ésotérique. Je n’ai pu assister qu’à quatre chansons environ (c’est ainsi que se déroulent les festivals de ce type), mais ces quatre chansons resteront gravées dans ma mémoire pendant un certain temps. Un concert merveilleux et sage pour une soirée autrement sauvage et débridée.

Photos by Jacob Zweig

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hard rock / hardcore / punk hardcore / rock

FME 2025 : Puffer est un remède puissant pour l’âme

par Stephan Boissonneault

Puffer était le dernier groupe à se produire lors d’une deuxième journée riche en événements au FME. Ce groupe punk hardcore de Montréal, constitué de travailleurs, ne joue pas souvent dans sa ville natale, alors leur concert à 1 h 30 du matin dans un sous-sol était quelque peu incroyable.

Dès qu’ils ont entamé un morceau de l’album Street Hassle, le pogo a commencé et n’a jamais vraiment cessé jusqu’à la fin du concert. Ce groupe ne ralentit jamais. Je ne les ai jamais vus ralentir ou s’arrêter pour boire un verre d’eau ; juste une pure avalanche de punk heavy. Des riffs lourds, une batterie fracassante et un chanteur menant la charge, du rock n roll pur et dur.

Nous sommes tous en sueur, couverts de bleus et un peu fatigués, mais Puffer donne tout ce qu’il a et nous faisons de même.

C’est toujours agréable de voir d’autres groupes venir voir les héros locaux, mais au premier rang du concert de Puffer se trouvait Lieselot Elzinga, du groupe Baby Berserk d’Amsterdam (qui a donné un concert secret endiablé à minuit dans le parking du Morasse Poutine). Beaucoup prétendent connaître la meilleure façon de terminer une nuit endiablée au FME, mais il ne fait aucun doute que Puffer est un remède hardcore pour l’âme.

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Hip Hop / hip-hop / hip-hop abstrait / hip-hop alternatif

FME 2025 | Travail difficile semble facile chez Super Duty Tough Work

par Lyle Hendriks

Brendan Grey, leader et MC du groupe Super Duty Tough Work originaire du Manitoba, exhale une sincérité certaine. Il a une façon artistique et décousue de débiter ses paroles, semblant brouiller les frontières entre le freestyle et la performance écrite alors qu’il galope à travers son style littéraire.

Soutenu par un groupe live vraiment exceptionnel qui met en valeur les bases classiques du jazz-hop, Grey dirige ses musiciens avec habileté, faisant taire la batterie ici, redirigeant le piano là, tout en débitant sans effort des milliers de syllabes comme s’il prenait simplement une bouffée d’air.

À un moment donné, Grey a pris une pause pour discuter de ce qui motive le groupe. L’amour du public, leur amour pour la musique. Mais avant tout, ce sont les produits dérivés. Il nous fait rire et enchaîne rapidement avec des morceaux plus ésotériques, notamment un titre original inspiré de MF DOOM intitulé Fuck the Police », qui a facilement conquis le public tandis que Grey se pavanait sur scène avec grâce, assurance et une volonté à toute épreuve.

Quand on écoute Super Duty Tough Work, on ressent facilement l’amour et la gratitude que chaque membre dégage. Incroyablement soudé et totalement imprégné de sa musique et de son message, ce groupe mérite votre attention, votre argent et votre temps.

Photos de Julia Mela

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darkwave / synth-pop

FME : FIN DE SOIRÉE – Automelodi au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda 

par Rédaction PAN M 360

Officiellement formé en 2006, Automelodi est en fait la suite logique de la démarche électro-pop entamée à la fin des années 90 par Xavier Paradis sous le pseudonyme Arnaud Lazlaud. Paradis se présente maintenant en formule solo mais a également travaillé au fil des années en compagnie de différents collaborateurs, tels que Hayden Payne (Phase Fatale) ou Liz Wendelbo (Xeno & Oaklander), autant sur scène qu’en studio. Souvent nommée Impossible Folk, la musique d’Automelodi porte en sa base un mélange d’influences du vingtième siècle, comme la poésie d’une Brigitte Fontaine récitée sur de l’Italo-Disco désaxé, ou alors au son de synthés japonais trafiqués, dans un échange survolté au fond d’un immeuble brutaliste d’Europe orientale. En réalité (et malgré l’usage d’instruments dits « modernes »), Automelodi suit une trajectoire intemporelle située en parallèle du discours technocentriste souvent associé à la musique électronique. Après un premier album éponyme paru en 2010 sur le défunt label new-yorkais Wierd Records, le deuxième microsillon, Surlendemains acides, paru à l’origine en 2013, fut par la suite réédité par le label Holodeck Records. Une longue tournée européenne avait permis en 2019 de présenter le troisième album, Mirages au futur verre-brisé. Depuis 2020, Paradis partage son temps entre différentes tournées, l’écriture de nouveau matériel pour Automelodi et des travaux de mixage et remix pour différents artistes. Un nouvel EP intitulé Cavallo doit paraître à l’automne 2025.

Formed in 2006, Automelodi is a constantly evolving project based around the solo work of songwriter/producer Xavier Paradis. With a career that spans over two decades, Paradis is a well-established figure in Montreal’s dense electronic music culture, releasing over time with various projects, performance line-ups, or under different monikers such as Arnaud Lazlaud. He also collaborates with artists like Liz Wendelbo (of Xeno & Oaklander) as the duo Liz and László, as well as Latvian Producer Dmitry Distant. Automelodi’s music embraces and re-contextualizes a spectrum of influences that include the lesser-known European synthpop and post-punk of the latter Twentieth Century, combined with literary stylizations reminiscent of Gallic songwriters such as Serge Gainsbourg and Brigitte Fontaine—with nearly all vocals delivered in French. Following the self-released first EP, an eponymous album was released in 2010 by the now defunct Brooklyn label Wierd Records. The second LP, « Surlendemains acides », was released in digital format in 2013. A third LP, “Mirages au futur verre-brisé” was released in 2019 on Austin’s Holodeck Records. The release was followed that same year by an extensive tour of Europe. Automelodi resumed touring in 2023, with several dates across the USA and is currently working on a collection of new songs, including an EP and some singles to be released in 2025. In parallel to his work as Automelodi, Paradis has also been very active over the past two decades as a music producer, focusing primarily on mixing and remixing for other projects and artists such as Bootblacks, Silent EM, The Harrow and Laura Krieg.

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fuzz-rock / glam / prog

FME : SHOW DE CLÔTURE – Teke::Teke, Les Freaks de Montréal (Un hommage à Aut’Chose) et Elle Barbara au Paramount

par Rédaction PAN M 360

Elle Barbara (20h)

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste, metteure en scène de théâtre expérimental, réalisatrice vidéo, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, de disco, de pop sophistiquée, de synth-pop, de prog, de jazz et de glam, avec un intérêt marqué pour la library music, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus de dix ans. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara puise son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, ainsi que des sommités du grand public comme Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Les Freaks de Montréal (Un bummage à Aut’Chose) (21h)

Parlons d’Aut’Chose. Le mythique groupe, formé en 1971 change la donne de l’univers musical au Québec avec ses trois albums déferlés entre ’74 et ’76. Une poésie de ruelle, crue, réelle, sur fond de rocaille sophistiquée et cinglante. En 2005, l’ami de longue date Ron McGregor reforme le groupe autour du guitariste OG Jacques Racine et son chanteur/poète Lucien Francoeur. Le collectif étoilé allie des membres de Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, entre Aut’ et enregistre Chansons d’Épouvante. Une relecture collaborative des morceaux les plus marquants du répertoire. Ce Best Of servira de célébration vivante entre freaks de toutes générations partout en province pour les quinze années à suivre. FME, aujourd’hui. Les Freaks de Montréal se regroupent pour rendre bummage à ses deux capitaines disparus à quelques jours d’intervalle en 2024. Ils seront accompagnés d’invité.es brillants et scintillants, ‘teindus’ chacun à leur manière par l’influence de la musique et le propos hors piste de ce fauve indomptable du rock québecois, devenu légende.

Let’s talk about Aut’Chose. The legendary band, formed in 1971, changed the face of Quebec’s musical landscape with its three albums released between 1974 and 1976. It’s a raw, real, alley-style poetry set against a backdrop of sophisticated and scathing rock. In 2005, longtime friend Ron McGregor reformed the band around OG guitarist Jacques Racine and singer/poet Lucien Francoeur. The star-studded collective brought together members of Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, and Entre Aut’ to record Chansons d’Épouvante. A collaborative reinterpretation of the most memorable pieces from the repertoire. This Best Of album would serve as a vibrant celebration of freaks of all generations across the province for the next fifteen years. FME, today. The Montreal Freaks are reuniting to pay tribute to its two captains who passed away a few days apart in 2024. They will be accompanied by brilliant and scintillating guests, each ‘tinted’ in their own way by the influence of the music and the off-piste words of this indomitable wild beast of Quebec rock, who has become a legend.

TEKE::TEKE (22h)

TEKE::TEKE est un groupe psych-rock japonais basé à Montréal composé des guitaristes Serge Nakauchi Pelletier et Hidetaka Yoneyama, de la flûtiste Yuki Isami et de l’artiste visuelle et chanteuse Maya Kuroki. Mettant en vedette des instruments japonais traditionnels, de la flûte, du trombone, des guitares enragées et une section rythmique palpitante, TEKE::TEKE crée un son rappelant les bandes sonores japonaises psychédéliques des années 60 et 70, avec une touche frénétique et moderne.

While gazing at the sky one afternoon, TEKE::TEKE vocalist Maya Kuroki saw a cloud that looked like it had a bite taken out of it. The word that came to mind—Hagata—captured something profound: a trace, a mark, or a presence left behind. It’s this sense of duality—of being in-between worlds—that defines TEKE::TEKE’s new album Hagata (out June 9 via Kill Rock Stars). The Montreal-based psychedelic rock septet continues the adventurous spirit of their 2021 debut Shirushi, which fused Japanese folk, Brazilian garage, psych rock, and more. After months of expansive touring and free-form experimentation, the band returned to the studio determined not to pick a single path forward. “We went two ways at once,” says guitarist Sei Nakauchi Pelletier, embracing the layered, dreamlike quality of Hagata. From the lush “Jinzou Maria” to the thunderous “Yurei Zanmai,” the album explores transformation, memory, and the unseen forces that shape us. Each track is haunted by a feeling—an imprint that lingers. TEKE::TEKE no longer seeks definitions or binaries. Instead, they fully inhabit the liminal space between, where ghosts roam freely and creativity knows no borders. Hagata is both a mystery and a celebration of what remains.

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deathcore / metalcore

FME : SHOW MÉTAL – Despised Icon, Scorching Tomb et Digital Ghosts au Petit Théâtre du Vieux Noranda

par Rédaction PAN M 360

Digital Ghosts (20h)

Digital Ghosts est un groupe de metalcore originaire de Rouyn-Noranda, fondé en 2023. Il réunit des membres de groupes locaux tels qu’Archons, Evil Prevail, Decrepity et Within the Abyss. Actuellement en studio, le groupe travaille sur son premier mini-album, un opus de six titres qui saura plaire aux amateurs de metalcore, notamment aux fans de Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, et bien d’autres.

Digital Ghosts is a metalcore band from Rouyn-Noranda, founded in 2023. It brings together members from local bands such as Archons, Evil Prevail, Decrepity, and Within the Abyss. Currently in the studio, the band is working on its debut EP, a six-track release that will appeal to metalcore fans, especially those who enjoy Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, and more.

Scorching Tomb (21h)

Scorching Tomb surgit des entrailles de Montréal pour assaillir les foules de son Death Metal moderne tout en suivant les pas de ses prédécesseurs. Démarqué par leur forte présence sur scène, leur son puissant, viscéral et sans répit, le groupe s’est rapidement hissé au sommet des prospects de l’underground Québécois.

Born in the sewers of Montreal in 2018, it all started with a simple goal : blending old fashioned death metal and modern hardcore together in a city where technical death metal reigns supreme. It didn’t take long for the band to make a name in the underground tho. Fast, old school riffs, pummeling mosh parts mixed with energetic stage presence quickly earned Scorching Tomb attraction, especially in the hardcore scene. Initially formed by tattoo artist Vincent PL on vocals and axeman Philippe Leblanc, ST has now its hardest lineup to date by adding Miguel Lepage (ex- Blind Witness, ex- Obey the Brave) on bass and Émile Savard (Profane Order, ex- Malebranche) on drums, turning the band from another local act into an absolute fucking weapon. The time has come to follow the path of Cryptopsy, Quo Vadis and Despised Icon and show the world that Montreal is still to this day a reckless, unrelenting force of death metal.

Despised Icon (22h)

Depuis leurs débuts en 2002, Despised Icon ont bouleversé les codes de la musique extrême. Avec Consumed by Your Poison, le groupe montréalais fusionne pour la première fois de façon frontale les éléments du death metal classique avec la brutalité du hardcore, donnant naissance à ce qui deviendra bientôt le genre controversé mais incontournable du deathcore. Rapidement propulsés par des tournées intensives aux côtés de groupes majeurs comme Cryptopsy, Behemoth, Napalm Death ou Hatebreed, Despised Icon s’imposent comme des pionniers d’une nouvelle vague métallique. Leur mélange explosif de blast beats, de breakdowns implacables et de vocaux déchaînés leur confère une signature sonore unique, aussi radicale qu’influente. Après une pause en 2010, les membres poursuivent divers projets avant de revenir en force en 2016, plus déterminés que jamais. Ce retour marque une réaffirmation de leur identité et de leur héritage, sans compromis. Despised Icon n’ont plus rien à prouver : ils incarnent la quintessence du deathcore, un genre qu’ils ont contribué à forger. Aujourd’hui, les vétérans montréalais revendiquent leur trône avec fureur : pas de fioritures, pas de concessions—juste une puissance brute et une fidélité totale à leurs racines. Despised Icon sont de retour, et ils comptent bien le faire savoir.

Despised Icon have long been hailed as pioneers of extreme metal, and their 2002 debut Consumed by Your Poison marked a seismic shift in the genre. At a time when death metal and hardcore rarely intersected, the Montreal band fused both worlds into something ferocious and new—what would soon become known as deathcore. Touring relentlessly with genre titans like Cryptopsy, Behemoth, Morbid Angel, Hatebreed, and Napalm Death, Despised Icon quickly earned respect across a wide musical spectrum. Their sound—defined by savage vocals, explosive breakdowns, and relentless blast beats—helped launch a movement alongside peers like Suicide Silence and Carnifex. Though the term “deathcore” has been debated and dismissed by some, there’s no denying the genre’s impact—and Despised Icon’s foundational role within it. After disbanding in 2010, the group’s members explored other musical paths, returning in 2016 with renewed clarity and intensity. Now, they embrace their legacy without hesitation. Despised Icon are back with full force, standing as one of the original architects of a sound that forever altered extreme music. No frills, no compromise—just pure, unrelenting power. The kings of deathcore have returned, and they’re not going anywhere.

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americana / indie rock

FME : Ada Lea au Café-bar L’Abstracto

par Rédaction PAN M 360

Alexandra Levy, alias Ada Lea, est une artiste multidisciplinaire montréalaise qui marie musique et arts visuels avec une grande sensibilité. Son troisième album, when i paint my masterpiece, est une œuvre intuitive, imagée, presque tactile—chaque chanson s’écoute comme on contemple un tableau. Après des années de tournées épuisantes, Levy a ressenti le besoin de se recentrer. Elle s’est éloignée des attentes de l’industrie musicale pour retrouver un processus de création plus lent et authentique, en se tournant vers l’enseignement, la peinture et la poésie. Enregistré en Ontario rural fin 2023 avec son groupe et le producteur Luke Temple, l’album a été capté en grande partie en live, sans clic, favorisant l’imperfection et la spontanéité. On y retrouve une chaleur acoustique et une esthétique proche du folk canadien des années 1970. Inspirée par des artistes comme Olga Tokarczuk et Leonora Carrington, Levy explore les thèmes de la métamorphose, du rêve, et du regard intérieur. when i paint my masterpiece ne cherche pas la perfection, mais célèbre le devenir. C’est une œuvre vivante, ouverte, qui privilégie le processus à l’objet fini—un témoignage poétique et sincère d’une artiste en pleine réinvention.

Alexandra Levy, known as Ada Lea, is a Montreal-based multidisciplinary artist whose third album, when i paint my masterpiece, blends music and visual art through a deeply intuitive and imagistic lens. Each song feels like a painting—tactile, expressive, and full of emotional resonance. After years of relentless touring, Levy stepped away from the pressures of the industry to rediscover a slower, more honest creative process, turning toward teaching, painting, and poetry. The album was largely recorded live in rural Ontario in late 2023, with her core band and producer Luke Temple. Captured without a click track, its warm, acoustic textures recall the golden era of Canadian folk while embracing human error and spontaneity. Influenced by surrealists like Leonora Carrington and writers such as Olga Tokarczuk, Levy’s lyrics explore transformation, dreams, and the act of observing oneself. when i paint my masterpiece doesn’t chase perfection—it embraces becoming. It’s a poetic, open-hearted work where the process takes precedence over the product. With rich instrumentation and surprising melodic turns, Ada Lea continues to carve a singular path through music and art. The masterpiece, ultimately, is not an endpoint—it’s already here, in the making itself.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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pop de chambre / psych / synth-pop

FME : Et on déjeune et Wizaard au Les Mooses

par Rédaction PAN M 360

Wizaard (17h30)

Le groupe montréalais Wizaard est un groupe indie rock psychédélique constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss – tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Wizaard a partagé la scène avec de nombreux groupes, tels que Choses Sauvages, Men I Trust, Paul Jacobs, ou encore Elephant Stone, en passant par les Américains Twin Peaks. Le groupe a également réalisé un remix pour le groupe Spaceface (projet parallèle des Flaming Lips) qui a connu un franc succès avec plus de 1 million de streams sur Spotify. Après avoir sorti deux albums, ‘Starfish Buffet’ (2016), puis « Supernatural Mystics » (2019) sous différentes formations, Wizaard a présenté son premier album à majorité francophone en 2024. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove!

The Montreal band Wizaard is a psychedelic indie rock group made up of Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English songs, the band has become a mainstay of the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. Wizaard has shared the stage with a number of bands, including Choses Sauvages, Men I Trust, Le Couleur and Elephant Stone, as well as the Americans Twin Peaks. The band also produced a remix for the band Spaceface (a Flaming Lips side project), which was a great success, with over 1 million streams on Spotify. After releasing two albums, ‘Starfish Buffet’ (2016) and then ‘Supernatural Mystics’ (2019) under different line-ups, Wizaard has presented their first album with a French-speaking majority in 2024. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

Et on déjeune (18h30)

Fondé en 2020, Et on déjeune est un quintet témiscabitibien 100% féminin. Son style synthpop, punk rock et électro, empreint d’une nostalgie des années 80, a donné naissance à une proposition musicale à la fois douce, explosive, poétique et théâtrale. Après avoir lancé deux simples en 2025, Moquette et Joconde, Et on déjeune s’apprête à dévoiler son tout premier album à l’automne. Des dates de spectacles seront annoncées bientôt.

Founded in 2020, Et on déjeune is an all-female quintet from Témiscamingue. Their synthpop, punk rock, and electro style, imbued with ’80s nostalgia, has given rise to a musical offering that is simultaneously gentle, explosive, poetic, and theatrical. After releasing two singles in 2025, Moquette and Joconde, Et on déjeune is preparing to unveil their debut album this fall. Performance dates will be announced soon.

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art-pop / expérimental / synth-pop

FME : Nadah El Shazly et N Nao au QG Salle de spectacles

par Rédaction PAN M 360

N Nao (17h)

N NAO, nommée Naomie de Lorimier, est une artiste née et basée à Montréal. Elle explore la romance expérimentale par la musique, la performance et la vidéo depuis des millions d’années. Ses compositions s’inscrivent dans une démarche écoféministe, inspirée de rêves et de rituels. Son deuxième album L’eau et les rêves (24 mars 2023 via Mothland) repousse les limites de la chanson entre sonorités électroniques et organiques. En plus d’une reconnaissance du public et de l’industrie, il lui vaut une place sur la Longue Liste du Prix de musique Polaris 2023. En sus de collaborer avec entre autres Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy et Lumière, elle a assuré les premières parties de plusieurs artistes dont Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson et Water From Your Eyes, et joué dans la dernière année notamment à Pop Montréal, Paris, Berlin, Sled Island à Calgary et SXSW au Texas. N NAO nous revenait l’hiver dernier avec Nouveau Langage, son troisième long jeu paru le 31 janvier 2025 via Mothland, deuxième à se retrouver sur Longue Liste du Prix de musique Polaris (2025).

N NAO, also known as Naomie de Lorimier, is a Montréal-born and based artist. For millions of years, she has explored experimental romance by way of music, performance and video. Her compositions employ an ecofeminist approach inspired by dreams and daily rituals. Her second full-length, L’eau et les rêves (March 24th, 2023 via Mothland) challenged traditional singer-songwriter music by aptly blurring the line between electronic and organic sounds. Celebrated by the public and the industry alike, the album made the Long List for the 2023 Polaris Music Prize. On top of stellar collaborations with Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy, and Lumière, she acted as main support for the likes of Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson, and Water from Your Eyes. Over the past year, she took part in POP Montreal, Sled Island (Calgary, AB) as well as SXSW (Austin, TX), while also performing in Paris, FR and Berlin, DE. Last Winter, N NAO came back with Nouveau Langage, her third full-length released on January 31st, 2025 via Mothland, her second album to be long-listed for the Polaris Music Prize (2025).

Nadah El Shazly (18h)

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a débuté sa carrière musicale dans un groupe punk avant de se tourner vers la composition électronique expérimentale. Son premier album Ahwar (2017) a été salué mondialement pour sa fusion novatrice entre traditions musicales arabes et sonorités contemporaines, propulsant El Shazly au premier plan de la scène musicale internationale. Elle figurait en couverture du magazine The Wire en 2018, à l’occasion d’un dossier consacré à la nouvelle vague musicale du Caire. Artiste de scène magnétique, elle combine voix envoûtante, manipulation sonore pointue et collaborations percutantes (Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca). Elle s’est produite sur les scènes des festivals Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Roskilde, FIMAV, entre autres. Également compositrice de musiques de films, elle a signé la bande originale du film Les Damnés ne pleurent pas (2022), remportant deux prix internationaux. En 2024, elle a sorti Pollution Opera, un album abrasif en duo avec Elvin Brandhi. Son œuvre récente, Laini Tani, en collaboration avec 3Phaz, Patrick Graham et Sarah Pagé, illustre une maîtrise totale des textures sonores et une voix puissante, au cœur d’un univers musical dense, urbain et onirique. Nadah El Shazly incarne une figure audacieuse et singulière de la musique expérimentale mondiale.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical path in a Misfits cover band before turning to experimental electronic composition. Her 2017 debut album Ahwar was met with international acclaim for its groundbreaking fusion of Arabic musical traditions and avant-garde production, earning her a leading place in global experimental music. In 2018, The Wire magazine featured her on its cover, highlighting « Cairo’s New Wave. » El Shazly’s performances are immersive experiences that merge her mesmerizing vocals with intricate sonic textures. She has collaborated with forward-thinking artists like Sam Shalabi, Elvin Brandhi, and Maurice Louca, and performed at renowned festivals including Irtijal, Le Guess Who?, Roskilde, FIMAV, and Rewire. As a composer for film, El Shazly’s soundtrack for The Damned Don’t Cry (2022) earned awards at the Bordeaux and Dublin film festivals. In 2024, she released Pollution Opera, a raw, genre-defying album with Elvin Brandhi exploring visceral electroacoustic soundscapes. Her latest project Laini Tani, co-produced with 3Phaz and featuring Patrick Graham and Sarah Pagé, is a sonic labyrinth where El Shazly’s commanding voice guides the listener through bold rhythmic structures and surreal textures. Nadah El Shazly continues to expand the possibilities of contemporary experimental music.

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Ce contenu provient du Festival de musique émergente et est adapté par PAN M 360

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