Avec son projet “Phases“, AzemCa parle à la fois des changements dans sa vie tout en s’inspirant des gens qui l’entourent. À travers les différentes collaborations et rencontres musicales, découvrez sa vision du monde tout en vous laissant transporter par ses textes vibrants d’authenticité. Elle s’est donnée pour défi d’écrire un “hit” dans chaque style musical tant que ça la fait groover. Avec Phases: séries de trois EP au style bien différent, le défi commence!
With her project “Phases“, AzemCa talks about the changes in her life while being inspired by the people around her. Through various collaborations and musical encounters, discover her vision of the world while being transported by her vibrant and authentic lyrics. She has set herself the challenge of writing a “hit” in every musical style as long as it makes her groove. With Phases: a series of three EP’s with different styles, the challenge begins!
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Ce contenu provient des Productions Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360.
Une soirée de conversation avec Robert Fripp et David Singleton, incluant des vidéos inédites
par Rédaction PAN M 360
Robert Fripp est un membre fondateur de King Crimson et collaborateur de Brian Eno, David Bowie, Daryl Hall, David Sylvian, Peter Gabriel, Posh Poppers Toyah Willcox et Simon Darlow, ainsi que nombre d’autres artistes émérites. Il est le directeur original des programmes Guitar Craft et Guitar Circle… et, depuis la COVID et le confinement, il remet en question les idées reçues sur Youtube dans Toyah & Robert’s Sunday Lunch.
David Singleton a créé DGM avec Robert Fripp en 1993 et gère (à contrecœur) King Crimson depuis 2018. David est le producteur de King Crimson et l’auteur de The Vicar Chronicles. Les gens font la file pour poser des questions cruciales à Fripp. Dans la plupart des cas, cependant, il vaudrait mieux laisser David Singleton y répondre! Bref, c’est l’occasion de poser à Fripp et à Singleton des questions sur ce qui les stimule toujours, comme :
D’où vient la musique?
Que faut-il pour survivre dans le domaien de la musique?
Quand l’impossible devient-il possible?
La musique peut-elle changer le monde?
Qui est le « Vicar »?
Pourquoi Fripp a-t-il enfilé un tutu et dansé sur « Le Lac des Cygnes » dans son jardin?
Rafael Payare dirige la Symphonie « Résurrection » de Mahler
par Rédaction PAN M 360
Rafael Payare inaugurera cette nouvelle saison de l’OSM avec la monumentale Symphonie no 2, « Résurrection », de Gustav Mahler. Cette œuvre au caractère métaphysique et existentiel, long périple symphonique traversé par de nombreuses courbes dramatiques, se conclura en compagnie du Chœur de l’OSM dans une proclamation de la vie éternelle. L’Orchestre présentera en ouverture la création mondiale d’une œuvre de l’Autrichien Thomas Larcher, l’un des compositeurs les plus innovants à l’heure actuelle.
Rafael Payare inaugurates the OSM’s new season with Gustav Mahler’s Symphony no. 2, “Resurrection.” A metaphysically and existentially texted work, this symphonic odyssey extends over several dramatic arcs to conclude, with the OSM Chorus, in a proclamation of Eternal Life. To open the concert, the Orchestra presents the world premiere of a work by Austrian composer Thomas Larcher, one of today’s most innovative creators.
Pufty est originaire du pays de Saint-Vincent-et-les-Grenadines, dans le sud des Caraïbes. Il a émigré au Canada à l’âge de quatorze ans, commençant sa carrière musicale cinq ans plus tard, avec les West Can Folk Dancers, un groupe de danseurs et de batteurs anglo-caribéens. Il a ensuite fait un groupe similaire appelé RIO FESTIVAL, qui mettait l’accent sur les éléments festifs du carnaval brésilien de Rio.
Ressentant le besoin de s’exprimer en tant que chanteur et compositeur, Pufty a ensuite rejoint les groupes de reggae de JAH CUTTER et d’autres groupes similaires. Dès lors, il a commencé à composer et arranger ses propres chansons Soca, participant et parfois gagnant des concours locaux de calypso à Montréal.
Pufty a fait la première partie des spectacles d’artistes tels que Mighty Sparrow, Calypso Rose, Machel Montano et bien d’autres. Pufty est devenu membre du célèbre Vincentian Dynamite Calypso Tent basé à New York et se produit pour le public caribéen en Amérique du Nord.
Pufty is originally from the southern Caribbean country of St. Vincent and the Grenadines. He emigrated to Canada at the age of fourteen, beginning his musical career five years later with the West Can Folk Dancers, a group of Anglo-Caribbean dancers and drummers. He later formed a similar group called RIO FESTIVAL, which focused on the festive elements of the Brazilian carnival in Rio.
Feeling the need to express himself as a singer and songwriter, Pufty then joined the JAH CUTTER reggae bands and other similar groups. From then on, he began composing and arranging his own Soca songs, participating and sometimes winning local calypso contests in Montreal.
Pufty has opened for artists such as Mighty Sparrow, Calypso Rose, Machel Montano and many others. Pufty became a member of the renowned Vincentian Dynamite Calypso Tent based in New York City and performs for Caribbean audiences in North America.
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Ce contenu provient des Productions Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360.
Ranee Lee vit depuis 35 ans à Montréal, au Québec, où elle connait une carrière variée et truffée de succès, et elle est reconnue comme l’une des plus populaires chanteuses de jazz au pays, une actrice de premier plan, une compositrice, et une fière auteure de livres pour enfants. Ranee a enregistré douze albums, son œuvre constituant une discographie digne de fierté et auquel ont contribué plusieurs des plus grands musiciens jazz de notre époque.
Ranee Lee is now celebrating thirty-five years in Montreal, Canada, where she enjoys a successful, multi faceted career as one of Canada’s most popular jazz vocalists, an award-winning actress, a songwriter, and a proud author of children’s books. Ranee has recorded twelve albums, a proud discography of acclaimed recordings that feature some of the finest jazz musicians of our time among its sidemen.
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Esse Ran est un producteur de musique électronique basé à Montréal. Sa pratique basée sur le matériel donne lieu à une techno industrielle obscure où les rythmes et les textures partagent un terrain commun, ce qui met en avant l’expérimentation comme un principe central de sa pratique.
Esse Ran is an electronic music producer based in Montreal. His hardware-based practice gives rise to an obscure industrial techno where both rhythms and textures share a common ground, which foregrounds experimentation as a central tenet to his practice.
Ce contenu provient d’Esse Ran et est adapté par PAN M 360.
DJ S. Chioini
Issu de la communauté dynamique d’artistes expérimentaux de Montréal, Simon Chioini crée un mélange d’esthétique de musique nouvelle et de sons électroniques fusionnant les genres. À travers des pièces électroacoustiques de longue durée et des productions technoïdes pointues, ses exercices de composition abstraite liés à des éléments de club ont des racines honnêtes.
Emerging from Montréal’s vibrant community of experimental artists, Simon Chioini creates a hybrid of new music aesthetics and genre-fusing electronic sounds. Through long-form electroacoustic pieces and sharp technoïd productions, his exercises in abstract composition tied with club elements have honest roots.
Ce contenu provient de S. Chioini et est adapté par PAN M 360.
VJ Diagraf
Dans son approche empreinte de cinéma, Diagraf combine une esthétique minimaliste et des progressions graphiques évolutives pour subtilement engendrer l’émotion. Sensiblement empreint des univers sonores des musiciens·nes avec lesquels il collabore, Diagraf crée souvent du matériau original inspiré par leur approche, travaillant ensuite comme un réalisateur qui monterait son film en direct.
With a filmmaker’s perspective on visual thematics and narrative, Diagraf combines minimalist aesthetics and complex evolutive graphics with emotive cinematic content. Keenly tuned in to the sounds of the musicians and producers he works alongside, Diagraf often creates new content inspired by their music, working much like a filmmaker in reverse as he edits his images live while the musical performance unfolds.
Ce contenu provient de MUTEK et est adapté par PAN M 360.
VJ Axel Helios
Avec sa musique, Axel Helios cherche à concevoir quelque chose de complexe et d’expérimental, mais facile à comprendre et à ressentir, développant ainsi de nouveaux espaces et environnements que l’auditeur·trice est invité·e à explorer.
With his music, Axel Helios seeks to design something complex and experimental, yet easy to understand and feel, developing new spaces and environments in which the listener is invited to explore.
Après son passage très remarqué en 2018 sur la grande scène du Festival International Nuits d’Afrique, FLAVIA COELHO revient pour un Sound System exceptionnel.
Flavia a parcouru tous les chemins du monde, depuis les morros de Rio de Janeiro aux rues pavés de Paris. Sur son dernier album DNA, tout comme sur scène, elle y déploie son être et déplie son âme !
Dans la tradition des soundsystems Jamaïcains qui ont bercé son enfance dans le Nordeste du Brésil, Flavia balancera ses flows sur des riddims originaux, remix et classics, du Roots Reggae à la Cumbia en passant par des sonorités plus electro. Un rayon de soleil, une invitation à la danse !
Ces horizons lointains ont nourri DNA – l’album à la fois le plus personnel et le plus universel de Flavia Coelho. Enregistré entre le Quartier Latin et le Var, les deux studios de Victor Vagh-Weinmann, il brille par son hybridité musicale.
Le baile funk y croise la trap et les musiques caribéennes, la cumbia y est réinventée, le hip hop épouse le reggae, l’Orchestre de chambre de Paris passe dans les parages… Le tout porté par une impressionnante volonté pop. « La musique populaire, c’est le peuple, et je suis une femme du peuple », résume Flavia.
Ici, elle confirme son engagement viscéral sur des mélodies aussi entraînantes que les rythmiques. « C’est très sud-américain de chanter des choses très sombres sur de la musique festive », rappelle-t-elle.
Face aux méandres de l’actualité politique brésilienne, la parole de la plus française des chanteuses brésiliennes s’est libérée. Et toujours en portugais, sa langue maternelle.
After her highly acclaimed performance in 2018 on the main stage of the Festival International Nuits d’Afrique, FLAVIA COELHO returns for an exceptional Sound System.
Flavia has traveled all over the world, from the morros of Rio de Janeiro to the cobblestone streets of Paris. On her latest album DNA, just like on stage, she unfolds her being and her soul!
In the tradition of the Jamaican soundsystems which rocked her childhood in the North-East of Brazil, Flavia will swing her flows on original riddims, remixes and classics, from Roots Reggae to Cumbia through more electro sounds. A ray of sunshine, an invitation to dance!
These distant horizons have nourished DNA – Flavia Coelho’s most personal and universal album. Recorded between the Latin Quarter and the Var, Victor Vagh-Weinmann’s two studios, it shines by its musical hybridity.
The baile funk crosses the trap and the Caribbean music, the cumbia is reinvented, the hip hop marries the reggae, the Orchestre de chambre de Paris passes by… All carried by an impressive pop will. “Popular music is the people, and I am a woman of the people,” says Flavia.
Here, she confirms her visceral commitment on melodies as catchy as the rhythms. “It is very South American to sing very dark things on festive music,” she recalls.
Faced with the meanders of Brazilian political news, the most French of Brazilian singers has freed her voice. And always in Portuguese, her mother tongue.
Avec la formation Tajoa (Côte d’Ivoire), place au zouglou, dont le groupe Magic System, dans sa dimension festive, est le plus célèbre ambassadeur ! Alliant textes engagés, chorégraphies songées et rythmes entraînants, véritable mouvement plus qu’un genre musical, le zouglou est, depuis trente ans maintenant, à l’image de la jeunesse ivoirienne, allumée, drôle, solidaire et rêvant d’un avenir meilleur.
With Tajoa (Ivory Coast), make way for zouglou, of which the group Magic System, in its festive dimension, is the most famous ambassador! Combining committed texts, thoughtful choreography and catchy rhythms, a real movement more than a musical genre, zouglou has been, for thirty years now, the image of the Ivorian youth, lively, funny, united and dreaming of a better future.
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Ce contenu provient des Productions Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360.
Remi Bolduc Invitation Series : Luis Deniz au Dièse Onze
par Rédaction PAN M 360
Rémi Bolduc présente une série de quatre concerts à l’automne 2022. Il invitera quatre saxophonistes exceptionnels qui sauront inspirer le grand public et les connaisseurs. Pat Labarbera de Toronto, un musicien chevronné qui a notamment joué dans le groupe d’Elvin Jones. Luiz Denis, saxophoniste cubain, vivant à Toronto. L’un des meilleurs altistes du pays. Camille Thurman, saxophoniste et chanteuse. L’une des musiciennes les plus actives sur la scène internationale du jazz en ce moment. Et pour terminer la série, Jerry Bergonzi, saxophoniste ténor de Boston. Une légende du saxophone. Pour ce dernier concert du 3 décembre, Rémi Bolduc lancera son nouvel album enregistré en juillet 2022.
Rémi Bolduc presents a series of four concerts in the fall of 2022. He will invite four exceptional saxophonists who will inspire the general public and connoisseurs alike. Pat Labarbara from Toronto, a seasoned musician who played in Elvin Jones’ band. Luiz Denis, a Cuban saxophonist living in Toronto. One of the best alto players in the country. Camille Thurman, saxophonist and singer. One of the most active musicians on the international jazz scene at the moment.
And to finish the series, Jerry Bergonzi, tenor saxophonist from Boston. A saxophone legend. For this last concert on December 3rd, Rémi Bolduc will launch his new album recorded in July 2022.
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Sophie Fustec est née à Paris d’une mère Vénézuélienne et d’un père Français. Elle a grandi au sein du 20ème arrondissement de Paris, Belleville, mais aussi à Merida (l’ouest du Venezuela) où elle partait régulièrement rendre visite à sa famille maternelle. Sophie a débuté la musique très jeune, par le violon et puis le piano qu’elle étudiera pendant 13 ans au conservatoire.
La Chica a fait paraître son premier album CAMBIO, qui veut dire «changement», ou «je change», en 2019. Un album se montrant incisif et brut, sans délaisser complètement l’introspection lucide qui marquait ses précédentes compositions. Dans celui-ci, elle y exprime sans ambiguïté ses désirs de changement voire de métamorphose. Ses textes s’inspirent davantage du réel, notamment des derniers événements au Venezuela, et les compositions se font plus tranchées construisant un album contrasté où elle sait passer avec bonheur d’un chant de guerrière à un poème murmuré à elle-même.
Sophie Fustec was born in Paris to her Venezuelan mother and French father. She grew up in Belleville, a neighbourhood in the 20th arrondissement of Paris, as well as Merida, in the west of Venezuela where she regularly went to see relatives on her mother’s side. Sophie started playing music at a young age. First the violin, then the piano, which she went on to study for 13 years at the Conservatoire de Paris, a prestigious music and dance college.
La Chica released her debut album CAMBIO—meaning “change”—in 2019. A poignant and raw album without completely moving away from the lucid soul-searching that defined her previous releases. She states without any ambiguity her yearning to change, to even become a new being. Lyrically, she’s been inspired by what’s going on in the real world, particularly the latest crisis in Venezuela. Through her distinct compositions, she’s created an album of contrasts, flipping from joyful war chants to whispering poems.
Kurt Rosenwinkel Quartet avec Aaron Parks, Eric Revis & Gregory Hutchison au Upstairs Jazz
par Rédaction PAN M 360
L’influence conceptuelle de la musique de Kurt Rosenwinkel peut être facilement observée à l’échelle mondiale. Que ce soit dans les salles de concert, les jam sessions des clubs de jazz, les salles de pratique du conservatoire ou les ondes des stations de radio, la voix distinctive de Rosenwinkel en tant que compositeur et guitariste a eu un impact indéniable sur la musique du 21e siècle.
The conceptual influence of Kurt Rosenwinkel’s music can be readily observed on a global scale. Whether in concert halls, basement jazz club wee hours jam sessions, conservatory practice rooms or radio station airwaves, Rosenwinkel’s distinctive voice as a composer and guitarist has had an undeniable impact on music in the 21st century.
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Ce contenu provient du Upstairs Jazz et est adapté par PAN M 360.
Les musiciens électroniques les plus excitants d’Europe sont un duo appelé HVOB. Basés à Vienne, ils conquièrent le monde de la musique électronique depuis 2012.
Les deux musiciens qui se cachent derrière HVOB sont Anna Müller et Paul Wallner. Anna Müller compose, produit et assure également le chant captivant et hypnotique. La production finale des morceaux est réalisée en collaboration avec Paul Wallner dans son studio de Vienne. Ensemble, ils sont responsables de la création du son unique de HVOB.
Europe’s most exciting electronic musicians are a duo called HVOB. Based in Vienna, they are conquering the world of electronic music since 2012.
The two musicians behind HVOB are Anna Müller and Paul Wallner. Anna Müller composes, produces and also provides the captivating, hypnotic vocals. Final production of the tracks is done in collaboration with Paul Wallner in his Vienna studio. Together they are responsible for creating the unique sound of HVOB.
Ce contenu provient de Liaison Artists et est adapté par PAN M 360.
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