OSM : Le Vent du Nord souffle sur l’OSM

par Rédaction PAN M 360

De la féérie de Casse-Noisette à l’entrainante musique traditionnelle du Québec, c’est à un concert très stimulant que vous convient l’OSM et le groupe Le Vent du Nord. Ce dernier proposera des œuvres de son cru et des pièces traditionnelles dans une version orchestrale. Reels, gigues et autres airs enlevés « swingueront » avec la musique scintillante de Tchaïkovski.

From the fairy-tale world of The Nutcracker to toe-tapping Quebec folk music, you’re invited to a rousing concert given by the OSM and Le Vent du Nord. This folk group will perform their own music as well as orchestral versions of traditional songs, and reels, jigs, and other lively tunes will swing alongside Tchaikovsky’s scintillating music.

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cinéma / classique

OSM : Les trois mousquetaires en ciné-concert

par Rédaction PAN M 360

«Un pour tous, tous pour un!» Pour sauver l’honneur de la reine, D’Artagnan et ses amis mousquetaires se lancent dans de périlleuses aventures. La trame sonore de ce film muet sera réalisée au Grand Orgue Pierre-Béique par László Fassang, un virtuose de l’improvisation.

“One for all, all for one!” To defend the Queen’s honour, D’Artagnan and his swashbuckling friends embark upon perilous adventures. The soundtrack to this silent film will be played on the Grand Orgue Pierre-Béique by virtuoso improviser László Fassang.

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électronique / expérimental

Festival Akousma : Soirée 3 – Bloc_1

par Rédaction PAN M 360

Marie Anne (ca)

Marie Anne (elle) est une compositrice et claviériste basée à Montréal. Sa pratique se concentre sur la performance électroacoustique, l’installation sonore et l’utilisation du journal sonore comme méthode compositionnelle. En parallèle, elle s’intéresse à la médiation de la musique électroacoustique. Avec le soutien financier de l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) et de l’Observatoire des médiations culturelles (OMEC), elle est actuellement à la maîtrise en création sonore à l’Université de Montréal. Sa performance Éphémérides a reçu le prix Martin-Gotfrit-Martin-Bartlett dans le cadre du concours Jeu de temps/Times play (JTTP) en 2021.

Marie Anne Bérard (she/her) is a Montreal-based composer and keyboardist. Her practice focuses on electroacoustic and audiovisual performances, sound installation and the use of sound journaling as a compositional method. She is also interested in the mediation of electroacoustic music. With financial support from the Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique(OICRM) and the Observatoire des médiations culturelles (OMEC), she is currently working on a master’s degree in sound creation at the Université de Montréal. Her performance Éphémérides (2021) was awarded the Martin-Gotfrit-Martin-Bartlett prize in the Jeu de temps/Times play (JTTP) competition.

Programme

Solace (2023) 20’00”
Solace : terme anglais signifiant une source de réconfort, d’apaisement, l’action d’aller vers cet état.
Cette performance tente de trouver un chemin vers le solace, autant pour la musicienne que pour le public. La personne sur scène fait entendre les multiples sons de son univers intérieur en recréant en temps réel ses paysages sonores internes.
Cette oeuvre a été composée dans le but d’être jouée auprès des publics en maison de retraite en collaboration avec l’OBNL Cosimu.

Program

Solace (2023) 20’00”
Solace: a term signifying a source of comfort and calmness, the action of moving towards this state.
This live performance of ambient music attempts to find a path to solace, both for the musician and the audience. The person on stage wishes to show the countless sounds of her inner world by recreating personal soundscapes and melodies.
This piece was composed to be performed at a retirement home in Montreal, to introduce its residents to electroacoustic concert music.

Atte Elias Kantonen (fi)

Atte Elias Kantonen est un concepteur sonore et compositeur basé à Helsinki qui travaille dans les domaines de la musique expérimentale et des arts du spectacle.
Dans sa pratique, Kantonen explore le potentiel de la synthèse élastique et du son traité à l’extrême comme vecteurs d’une narration abstraite et fantasmagorique. En construisant des dioramas émotionnellement sonores, il crée des compositions où la sérénité et la discordance se superposent constamment. Il a publié des œuvres sur des labels tels que SODA GONG, kappa et SUPERPANG.

A Helsinki-based sound designer and composer, Atte Elias Kantonen works in the fields of experimental music and performing arts.
Within his practice, Kantonen explores the potential of elastic synthesis and extremely processed sound as vessels for abstract, phantasmagorical storytelling. Building emotionally sonorous dioramas, he creates compositions where the serene and the discordant constantly fold in on each other. He has released on labels such as SODA GONG, kappa, SUPERPANG, among others.

Programme

a path with a name [a reimagined reprise] (2024) 18’00
a path with a name (a reimagined reprise) est une composition basée sur les intrigues sonores de l’album « a path with a name » (SODA GONG, 2023).
La composition poursuit la quête de l’album : dessiner des chemins qui zigzaguent à travers l’herbe numérique, les flaques de rosée synthétiques et les nuages de brume sonore.

Program

a path with a name [a reimagined reprise] (2024) 18’00
a path with a name (a reimagined reprise) is a composition based on the sounding storylines from the album « a path with a name » (SODA GONG, 2023). The composition continues on the album’s quest: drawing paths that zig-zags through digital herbage, synthetic pools of dew and clouds of sonic mist.

Ludwig Berger (de)

Ludwig Berger est musicien, commissaire et artiste du paysage sonore. Dans ses compositions, installations et performances, il permet des rencontres sonores avec des plantes, des animaux, des bâtiments ou des entités géologiques. Il est diplômé en composition électroacoustique, ainsi qu’en musicologie, en histoire de l’art et en littérature. En tant que chercheur et enseignant à l’Institut d’architecture paysagère de l’ETH Zurich, il a étudié la dimension sonore des glaciers alpins et des infrastructures hydrauliques. Son travail a été présenté au GRM Paris, à Ars Electronica et à la Biennale de Venise. Il s’est récemment installé à Montréal après avoir vécu à Zurich et à Milan.

Ludwig Berger is a landscape sound artist, musician and curator. In his compositions, installations and performances, he enables sonic encounters with plants, animals, buildings and geological entities. He holds degrees in electroacoustic composition, as well as musicology, art history and literature. As a researcher and educator at the Institute for Landscape Architecture at ETH Zurich, he studied the sonic dimension of alpine glaciers and water infrastructure. His work has been presented at GRM Paris, Ars Electronica and the Venice Biennale. He recently moved to Montreal after living in Zurich and Milan.

Programme

Garden of Ediacara (2024) 20’00
L’éco-fiction musicale Garden of Ediacara dévoile un écosystème spéculatif à travers des voix synthétisées, des instruments de modélisation physique et des enregistrements microscopiques sur le terrain. Imprégné de techniques narratives issues de la science-fiction et de la fantasy, Ludwig Berger entremêle l’écriture mélodique et la conception sonore électroacoustique. Le projet fait allusion à la période géologique d’Ediacara, il y a 600 millions d’années, un écosystème sous-marin paisible habité par des créatures à corps mou, sans yeux ni os, qui ont été complètement anéanties par l’apparition d’une nouvelle espèce. Garden of Ediacara (sorti sous forme d’album sur -OUS) célèbre à la fois les plaisirs de la biodiversité et le deuil de sa perte inévitable.

Program

Garden of Ediacara (2024) 20’00
The musical eco-fiction Garden Ediacara unfolds a speculative ecosystem through synthesized vocals, physical modeling instruments and microscopic field recordings. Infused with storytelling techniques from sci-fi and fantasy, Ludwig Berger intertwines melodic songwriting with electroacoustic sound design. The project alludes to the geological period of Ediacara 600 million years ago —a peaceful underwater ecosystem inhabited by soft-bodied creatures without eyes and bones, which were completely wiped out through the appearance of a new species. Garden of Ediacara (released as album on -OUS) celebrates both the pleasures of biodiversity as well as mourning its inevitable loss.

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folk / folk-pop / indie rock / pop

POP Montréal | Basia Bułat, lumineux crépuscule

par Marianne Collette

Jeudi soir, la compositrice et multi-instrumentiste Basia Bulat a enflammé le ciel montréalais de ses airs folks dynamiques et entraînants. Une excellente participation au festival POP Montréal de la part de celle qui a suspendu pour un soir sa tournée de l’album The Garden pour offrir ainsi à son public une succulente brochette de ses meilleurs morceaux.

« I feel like we’re the Beatles! » s’est exclamée Basia Bulat en début de spectacle. Il est vrai qu’en termes d’emplacement, on peut difficilement faire mieux que le toit du Rialto, surtout lorsque le concert se déroule au coucher du soleil. Au son des premiers accords de Heart of My Own, le ciel a viré au rose et l’atmosphère dorée et vibrante du crépuscule a enrobé chacun des morceaux de ce concert court, certes, mais très réussi.

Soulignons au passage le talent incontestable de l’équipe de son qui a su trouver l’équilibre parfait entre autoharpe, guitares, basse, claviers et batterie, le tout dans un espace à la fois extérieur et restreint. Il s’agit d’un authentique tour de force, surtout lorsqu’il s’agit de musique folk : malgré les défis propres à l’environnement, le public a été en mesure d’apprécier les œuvres dans toutes leurs dimensions, de l’énergie des percussions à la douceur de la voix en passant par l’ardeur plus délicate des instruments à cordes.
Les fans de Basia Bulat étaient au rendez-vous, le spectacle ayant rapidement fait salle comble. La Montréalaise d’adoption a même pris le temps de saluer certains visages connus. Au final, on avait l’impression que ces artistes jouaient pour leurs amis – les anciens comme les nouveaux – sachant insuffler à l’événement une ambiance décontractée et chaleureuse qui ne négligeait en aucun cas la qualité de l’exécution. La chanteuse a d’ailleurs été d’une grande générosité avec son public, allant même jusqu’à interpréter trois chansons inédites, My Angel, Disco Polo et Baby. Le thème de la famille se trouvait au cœur de ces trois chansons et Basia Bualt a candidement avoué que son prochain album s’inspirera grandement de son expérience en tant que nouvelle maman.

crédit photo: L.Longpré

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classique / Piano / poésie

Festival FLUX : Lori Goldston, Stefan Christoff, Christelle Saint-Julien et Elissa Kayal

par Rédaction PAN M 360

Joignez-vous à nous pour un concert présenté par Arts in the Margins avec le soutien de Small Scale Music, Academics for Palestine à l’Université Concordia, le Centre de justice sociale de l’Université Concordia, CJLO et CKUT.
Ce concert sera le lancement d’une compilation au profit du projet de radio palestinien Radio alHara basé en Palestine occupée à Bethléem. Christelle et Stefan apparaissent tou.te.s deux sur la compilation qui sera publiée en collaboration avec Small Scale Music. Il y aura également une vente d’art imprimé lors de cet événement qui permettra de récolter des fonds supplémentaires pour la station de radio palestinienne.
Ce concert est coprésenté et soutenu par Academics for Palestine à l’Université Concordia.
Ce concert sera également le lancement à Montréal de l’album de duos 2024 A Radical Horizon, avec Lori Goldston au violoncelle et Stefan Christoff au piano, sorti chez Beacon Sound à Portland.
La soirée comprendra une performance solo de Lori Goldston, une performance solo de Christelle Saint-Julien, une lecture de la poétesse Elissa Kayal et un duo de Lori Goldston et Stefan Christoff.

Join us for a concert presented by Arts in the Margins with support from Small Scale Music, Academics for Palestine at Concordia University, the Social Justice Centre at Concordia University, CJLO and CKUT.
This concert will mark the launch of a benefit compilation in support of the Palestinian radio project Radio alHara based in occupied Palestine in Bethlehem. Both Christelle and Stefan appear on the compilation that will be released in collaboration with Small Scale Music. Art prints will be available for purchase to raise additional funds for the Palestinian radio station.
This concert is co-presented and supported by Academics for Palestine at Concordia University.
This concert will also be the Montréal launch for the 2024 duet album A Radical Horizon, with Lori Goldston on cello and Stefan Christoff on piano, released by Beacon Sound in Portland.
The evening will feature a solo performance by Lori Goldston, a solo performance by Christelle Saint-Julien, a reading by poet Elissa Kayal and a duet by Lori Goldston and Stefan Christoff.

Lori Goldston

Formée à la méthode classique et ayant déconstruit cet héritage avec rigueur, dotée d’un esprit curieux et partiellement sauvage, Lori Goldston est une violoncelliste, compositrice, improvisatrice, productrice, écrivaine et enseignante originaire de Seattle. La voix de son violoncelle, qu’elle soit amplifiée ou acoustique, est pleine, texturée, engagée et originale. Chercheuse infatigable, son travail franchit librement les frontières qui séparent les genres, les disciplines, le temps et la géographie. Parmi ses collaborateur.rice.s et/ou patronn.e.s actuel.le.s et ancien.ne.s, on compte Earth, Nirvana, Mirah, Jessika Kenney, Ilan Volkov, Eyvind Kang, Stuart Dempster, David Byrne, Terry Riley, Jherek Bischoff, Malcolm Goldstein, Steve Von Till, Lonnie Holley, Cat Power, Ellen Fullman, Maya Dunietz, Mik Quantius, Embryo, O Paon, Tara Jane O’Neil, Natacha Atlas, Broken Water, Ed Pias, Christian Rizzo et Sophie Laly, Threnody Ensemble, Cynthia Hopkins, 33 Fainting Spells, Vanessa Renwick, Mark Mitchell, Lynn Shelton, et bien d’autres encore.

Classically trained and rigorously de-trained, possessor of a restless, semi-feral spirit, Lori Goldston is a cellist, composer, improvisor, producer, writer and teacher from Seattle. Her voice as a cellist, amplified or acoustic, is full, textured, committed and original. A relentless inquirer, her work drifts freely across borders that separate genre, discipline, time and geography. Current and former collaborators and/or bosses include Earth, Nirvana, Mirah, Jessika Kenney, Ilan Volkov, Eyvind Kang, Stuart Dempster, David Byrne, Terry Riley, Jherek Bischoff, Malcom Goldstein, Steve Von Till, Lonnie Holley, Cat Power, Ellen Fullman, Maya Dunietz, Mik Quantius, Embryo, O Paon, Tara Jane O’Neil, Natacha Atlas, Broken Water, Ed Pias, Christian Rizzo and Sophie Laly, Threnody Ensemble, Cynthia Hopkins, 33 Fainting Spells, Vanessa Renwick, Mark Mitchell, Lynn Shelton, and many more.

Stefan Christoff

Stefan Spirodon Christoff est un créateur de médias, un activiste communautaire et un artiste vivant à Montréal. Stefan anime l’émission Free City Radio, diffusée chaque semaine sur sept stations de radio communautaires au Canada et partagée mondialement en podcast (Spotify + Apple Podcasts). Stefan réalise de la musique avec de nombreuses personnes à travers le monde, notamment Rêves sonores, Sam Shalabi, Lori Goldston, Adriana Camancho et Anarchist Mountains. Stefan est membre du conseil d’administration du Centre des travailleurs immigrants de Côte-Des-Neiges et organise des événements avec le réseau Cinema Politica. Stefan travaille avec le Centre de justice sociale et est également étudiant à la maîtrise en histoire à l’Université Concordia.

Stefan Spirodon Christoff is a media maker, community activist and artist living in Montréal. Stefan hosts the program Free City Radio, broadcasting weekly on seven community radio stations in Canada and shared globally as a podcast (Spotify + Apple Podcasts). Stefan makes music with many people globally, including Rêves sonores, Sam Shalabi, Lori Goldston, Adriana Camancho and Anarchist Mountains. Stefan is on the board of the Immigrant Workers Centre in Côte-Des-Neiges and organises with Cinema Politica Network. Stefan works with the Social Justice Centre and is also a graduate student in history at Concordia University.

Christelle Saint-Julien

Christelle Saint-Julien est une journaliste, écrivaine, traductrice et musicienne basée à Montréal. Elle travaille dans les domaines des médias, des communications, des arts et de la culture, et s’intéresse aux gens et à leurs histoires, à la fois intangibles et perceptibles.

Christelle Saint-Julien is a journalist, writer, translator, and musician based in Montreal. She works in media, communications, arts and culture, and is interested in people and their stories, both intangible and perceptible.

Elissa Kayal

Elissa Kayal est une poète et critique littéraire, d’origine libano-palestinienne. Ses textes de poésie et de prose sont publiés dans plusieurs revues dont Mœbius, Estuaire, Zinc et Lieu commun.

Elissa Kayal is a Lebanese-Palestinian poet and literary critic. Her poetry and prose have appeared in several magazines, including Mœbius, Estuaire, Zinc and Lieu commun.

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Alternative / électro-pop

POP Montréal : Sheenah Ko

par Rédaction PAN M 360

Sheenah Ko présente en première son nouvel album et concert au Festival La Noce. La claviériste de Besnard Lakes, Blaze Velluto Collection, Antoine Corriveau, dévoile son troisième album auto-produit, “Transformation”, qui sortira en vinyle en septembre 2024. Cette fois, elle s’associe à Félix Petit, producteur d’Hubert Lenoir et Les Louanges, pour apporter la touche finale aux enregistrements. L’album est une prouesse d’écriture entièrement bilingue (français/anglais), explorant la musique pop électronique entre trance et extase, avec des influences des années 90 britanniques, ainsi que de Björk, PJ Harvey et Radiohead.
Les spectacles live de Ko et son groupe offrent une expérience lumineuse de pop psychédélique et vaporeuse, naviguant parfois vers la danse extatique, imprégnée d’un esprit jazz propice à l’improvisation. Ces virtuoses transportent le public et les artistes dans une symbiose envoûtante, partageant un moment festif incandescent, où sourires, applaudissements et danse se fondent dans un univers unique et renversant. Un rendez-vous pour les amoureux de la musique dansante et inspirante.

Sheenah Ko is premiering her brand new album at POP Montreal. As the keyboardist for The Besnard Lakes and Blaze Velluto Collection, she unveils her third self-produced album, “Transformation,” set to release on vinyl in September 2024. This time, she has joined forces with Félix Petit, known for his work with Hubert Lenoir and Les Louanges, to add the final touches to the recordings. The album is completely bilingual (French/English) and delves deep into the realms of electronic pop music, oscillating between trance and ecstasy, with hints of Ko’s influences, including the British electronic scene of the 90s, Björk, PJ Harvey, and Radiohead.
Ko’s live show offers a luminous experience of psychedelic and ethereal pop, at times venturing into ecstatic dance, infused with a jazz spirit that encourages improvisation. These virtuosos transport both the audience and themselves into a captivating symbiosis, sharing an incandescent festive moment, where smiles, applause, and dancing seamlessly merge into a unique and energetic universe.

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Orchestre Métropolitain, concert d’ouverture: Figures légendaires

par Rédaction PAN M 360

Bruckner l’architecte construit ici une véritable cathédrale, un monument grandiose, ciselé à la perfection, bouleversant de dévotion. N’ayant pas pu achever sa neuvième et dernière symphonie, il a lui-même suggéré que son célèbre Te Deum soit joué en guise d’ultime mouvement de cette œuvre. Le résultat, aujourd’hui interprété par quatre solistes de calibre international et le Chœur Métropolitain, est tout simplement monumental. L’OM et Yannick Nézet-Séguin, tandem brucknérien par excellence, reconnu depuis son enregistrement de l’intégrale des symphonies du compositeur, lui rendent avec ce programme un vibrant hommage soulignant son 200^eanniversaire de naissance. Comme le veut la tradition à l’OM, les premières notes de la saison seront celles d’un compositeur autochtone. Andrew Balfour, chef d’orchestre d’origine crie, a écrit de nombreuses œuvres chorales et a été en nomination aux prix Juno pour le meilleur album classique en 2023.

INFOS et BILLETS ICI

Durée approximative du concert : 1 h 33. Veuillez noter que ce concert est présenté sans entracte.

électronique / expérimental

Festival Akousma : Soirée 1 – Bloc_1

par Rédaction PAN M 360

Mikael Meunier-Bisson (ca)

Mikael Meunier-Bisson est un compositeur de musique expérimentale et électroacoustique montréalais. Ce n’est qu’aux alentours de 2020 que son attention se pose sur la composition de musique ambiante et de texture. Cette pratique autodidacte s’est rapidement complexifiée grâce aux dernières années de flirt avec les techniques acousmatiques. Son travail récent cherche à se sortir de la “localité” de l’ambient en travaillant le “global”, à explorer la tonicité sur un mode abstrait, pour ultimement rejoindre les affects, le ressenti, par des combinaisons de méthodes qui nous sont encore peut-être inconnues. Il poursuit depuis 2023 des études au baccalauréat en Musiques Numériques à l’Université de Montréal. Sa pièce “musicfriend” fut composée sous la direction de Martin Bédard à l’hiver 2024.

Mikael Meunier-Bisson is a Montréal-based experimental and electroacoustic music composer. Around 2020, his compositional focus shifted to explore the realms of ambient and textural music. This self-taught practice quickly became more intricate in recent years as he flirted with acousmatic techniques. His current work aims to transcend the “locality” of ambient music by engaging with the “global,” to explore tonality in an abstract way, and ultimately reach emotional resonance through combinations of methods that may still be unfamiliar to us. Since 2023, he is pursuing a bachelor’s degree in Musiques Numériques at Université de Montréal. His work ‘musicfriend’ was composed under the teaching of Martin Bédard in the winter of 2024.

Programme

musicfriend (2024) 8’00”
Faisant l’objet de rencontres franches entre plusieurs tableaux, musicfriend est l’aboutissement de multiples réorganisations. Teintée d’une matériologie suggestive, à fort accent, la rhétorique de ce projet est parsemée de doutes, d’essais, d’erreurs, dans un va et vient continu entre le référentiel, l’onirique et le ludique.

Program

musicfriend (2024) 8’00”
Arising as the outcome of frank encounters between several frames, musicfriend is the culmination of many reorganizations. Infused with a suggestive and strongly accentuated materiality, the rhetoric of this project is strewn with doubts, trials and errors, in a continual vacillation between the referential, the dreamlike and the playful.

Vivian Li (cn/ca)

Vivian Li est une artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Animée par une fascination pour les propriétés thérapeutiques et temporelles du son, sa musique combine des mélodies hypnotiques, des ambiances synthétiques apaisantes, des enregistrements de terrain autobiographiques et des textures bruiteuses pour explorer des moments d’introspection et d’intimité.
Elle a joué et présenté son travail dans des lieux et festivals nationaux et internationaux, tels que MUTEK (Montréal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montréal), perte de signal (Montréal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montréal), Hectolitre (Bruxelles) et Karachi Biennale.
Depuis 2021, Vivian anime une émission de radio mensuelle – Lo Signal – sur la station de radio communautaire de Montréal CKUT 90.3fm. Ce créneau de deux heures sert de terrain de jeu sonore où elle partage ses fragments ambiants, enregistrements de terrain, drones, montages expérimentaux et journal audio.

Vivian Li is a Tiohtià:ke /Montreal based interdisciplinary artist working primarily in sound and music. Driven by a fascination with the therapeutic and time binding properties of sound, her music combines hypnotic melodies, soothing synth ambiences, autobiographical field-recordings and soft noises to explore moments of introspection and intimacy.
She has performed and presented work at venues and festivals nationally and internationally, such as MUTEK (Montreal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montreal), perte de signal (Montreal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montreal), Hectolitre (Brussels) and Karachi Biennale .
Since 2021, Vivian hosts a monthly radio show – Lo Signal – on Montreal’s community radio station CKUT 90.3fm. This two-hour slot serves as a sonic playground where she shares her ambient scraps, field recordings, drones, experimental edits, and audio diary.

Programme

Memory Playback (2024) 7’00”
Cette pièce explore le potentiel du son à préserver et ressusciter les souvenirs. Profondément autobiographiques, la plupart des enregistrements proviennent du parcours personnel de la compositrice. Dans ce paysage auditif, des fragments d’intimité et de souvenirs refont surface, de manière distordue, presque distante, oscillant à la limite de la désintégration totale. Alors que ces bribes du passé se superposent, elles créent de nouvelles images et sensations, transcendant en « hyper souvenirs » (Maria Chávez, 2020).

Program

Memory Playback (2024) 7’00”
This piece explores the potential of sound to preserve and resurrect memories. Profoundly autobiographical, most recordings originate from the composer’s personal journey. Within this auditory landscape, fragments of intimacy and souvenirs resurface, in a distorted, almost distant manner, teetering on the brink of utter disintegration. As these bits and pieces of the past overlap on each other, they create new imageries and feelings, transcending to “hyper memories” (Maria Chávez, 2020).

Byron Westbrook (us)

Byron Westbrook, arrivé sur la scène musicale expérimentale new-yorkaise au cours de la dernière décennie et désormais basé à Los Angeles, tisse des tapisseries sonores complexes qui relient les mondes de l’art sonore, de l’installation, de la musique électronique d’avant-garde et de la synthèse.
Westbrook crée des compositions sculpturales et immersives. Ses albums, très acclamés, ont été publiés sur des labels comme Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex et Ash International, et il a présenté son travail au Walker Art Center, à l’ICA de Londres, au MOCA de Los Angeles, au MoMA PS1, au MaerzMusik et aux festivals Rewire, entre autres. Son dernier album, Translucents, a été publié par Shelter Press en 2024.

First emerging from within New York’s experimental music scene over the last decade and a half and now based in Los Angeles, Byron Westbrook has woven intricate tapestries of sonority that bridge the worlds of sound art, installation, avant-garde electronic music and synthesis. Westbrook creates sculptural and immersive compositions, with highly acclaimed full-lengths on imprints like Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex, and Ash International, and presentations at the Walker Art Center, ICA London, MOCA Los Angeles, MoMA PS1, MaerzMusik and Rewire Festivals among others. His newest release Translucents was published by Shelter Press in 2024.

Programme

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspirée des panneaux de couleurs du peintre abstrait Blinky Palermo, Translucents explore le concept de «l’image sonore rémanente». L’œuvre présente une série de scènes sonores, avec l’intention de s’imprimer dans l’esprit de l’auditeur afin d’influencer la façon dont chaque scène consécutive apparaît. Elle expérimente une dynamique entre la perception de la présence dans l’espace où l’on écoute et la perception d’un espace ou d’un lieu extérieur. Il s’agit d’un jeu avec la mémoire, avec la présence et avec le temps. Translucents est présentée ici sous une forme « Remix » différente de sa version publiée, en exclusivité pour Akousma.

Program

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspired by the color panels of abstract painter Blinky Palermo, Translucents explores the concept of « audio after-image ». The work presents a series of audio scenes, with the intention of imprinting on the listener’s mind in order to influence the way each consecutive scene appears. It is a play with memory, with presence, and with time. It experiments with a dynamic between perceiving presence in the space where one is listening vs the perception of an external space or place. Translucents is presented here in a « Remix » form that differs from its published release, exclusively for Akousma.

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avant-garde / électronique / jazz / Piano

Festival FLUX : Wadada Leo Smith, Sylvie Courvoisier et Rehab Hazgui

par Rédaction PAN M 360

Wadada Leo Smith

Wadada Leo Smith est un trompettiste et compositeur américain. Il est devenu membre de l’Association for the Advancement of Creative Music, basée à Chicago, en 1967, et a enregistré et joué de nombreuses œuvres depuis lors. Leo Smith sera accompagné de la pianiste Sylvie Courvoisier pour interpréter Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith a été finaliste du prix Pulitzer de musique 2013 pour Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), une collection de compositions inspirées par le mouvement des droits civiques et publiée sous la forme d’un coffret de 4 CD.
Smith a été nommé compositeur de l’année par le magazine DownBeat en 2013.
En 2016, Smith a reçu un Doris Duke Artist Award et un doctorat honorifique de CalArts, où il a également été célébré en tant que professeur émérite. En outre, le musée Hammer lui a décerné en 2016 le prix Mohn pour l’ensemble de sa carrière, qui rend hommage à sa brillance et à sa résilience. En 2018, il a reçu le prix Religion et Arts de l’Académie américaine de religion. En 2019, il a reçu la médaille UCLA, la plus haute distinction décernée par l’université de Californie à Los Angeles. United States Artists a nommé Smith 2021 USA Fellow, et il a été sélectionné comme 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow au Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Il a joué et/ou enregistré avec Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, parmi beaucoup d’autres.

Wadada Leo Smith is an American trumpeter and composer. He became a member of the Chicago based Association for the Advancement of Creative Music in 1967 and has recorded and performed extensively since this time. Smith will be joined by pianist Sylvie Courvoisier to perform Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith was a finalist for the 2013 Pulitzer Prize in Music for Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), a collection of compositions inspired by the civil rights movement and released as a 4-CD boxed set. Smith was named DownBeat Magazine’s Composer of the Year in 2013.
In 2016 Smith received a Doris Duke Artist Award and earned an honorary doctorate from CalArts, where he was also celebrated as Faculty Emeritus. In addition, he received the Hammer Museum’s 2016 Mohn Award for Career Achievement “honoring brilliance and resilience.” In 2018 he received the Religion and The Arts Award from the American Academy of Religion. In 2019 he received the UCLA Medal, the highest honor bestowed by the University of California, Los Angeles. United States Artists named Smith a 2021 USA Fellow, and he has been selected as a 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow at the Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Smith has performed and/or recorded with Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, among many others.

Sylvie Courvoisier

La pianiste-compositrice Sylvie Courvoisier, originaire de Suisse et installée à Brooklyn, lauréate du prix international de piano jazz en Allemagne en 2022, est réputée pour son équilibre entre deux mondes distincts : la musique de chambre profondes et riches de subtilités liées à ses racines européennes et les sons groovy et syncopés de la scène avant-jazz de New York, où elle vit depuis plus de vingt ans.
Peu d’artistes se sentent vraiment à l’aise à la fois dans les salles de concert et dans les clubs de jazz, qu’ils jouent de la musique improvisée ou composée. Mais Mme Courvoisier – « une pianiste à la fois audacieuse et pleine d’assurance », selon le New York Times – est aussi convaincante lorsqu’elle interprète l’épique Sacre du printemps de Stravinsky, avec le pianiste de musique nouvelle Cory Smythe, que lorsqu’elle improvise avec son propre trio de jazz adulé par la critique et composé du contrebassiste Drew Gress et du batteur Kenny Wollesen.
Ses collaborations avec des sommité.e.s telles que John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley et Mary Halvorson ont largement contribué à ouvrir toujours davantage ses oreilles.

Pianist-composer Sylvie Courvoisier, a Brooklyn-based native of Switzerland and winner of Germany’s International Jazz Piano Prize in 2022, has earned renown for balancing two distinct worlds: the deep, richly detailed chamber music of her European roots and the grooving, hook-laden sounds of the avant-jazz scene in New York City, her home for more than two decades.
Few artists feel truly at ease in both concert halls and jazz clubs, playing improvised or composed music. But Courvoisier — “a pianist of equal parts audacity and poise,” according to The New York Times — is as compelling when performing Stravinsky’s epochal Rite of Spring in league with new-music pianist Cory Smythe as she is when improvising with her own acclaimed jazz trio, featuring bassist Drew Gress and drummer Kenny Wollesen.
Then there are her ear-opening collaborations with such luminaries as John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley and Mary Halvorson.

Rehab Hazgui

Rehab Hazgui est compositrice et écologiste sonore. Ses œuvres d’art explorent les moyens d’apprendre de nouvelles formes de langages par l’écoute consciente et la relation que les êtres entretiennent avec leur culture, leur patrimoine, leur société et leur paysage en tant que participants impliqués et vivants. Ses recherches portent sur la manière dont le son émerge à travers des paysages dynamiques, y compris ceux qui sont biologiques, géophysiques et issus des conséquences humaines. Rehab Hazgui s’intéresse principalement à l’acte d’écoute lui-même, dans la mesure où il est lié à notre perception de l’espace, à notre relation avec lui et au niveau profond d’engagement avec le monde que nos oreilles nous procurent. Dans sa musique, elle explore constamment le mouvement sans fin du son, la répétition et l’utilisation du silence comme une troisième dimension permettant de naviguer entre différentes formes d’écoute.
Au cœur de sa recherche sonore se trouve le concept d’interaction cognitive synergique, qui intègre une collaboration transparente entre les humains et les machines afin de créer une performance musicale liminale. Sa musique est une expérience unique et innovante qui transcende les notions traditionnelles de musique et de technologie, offrant à l’auditeur.rice. un voyage sonore sans précédent. Ses créations sonores défient la perception du temps et de l’espace de l’auditeur.rice., mettant en valeur son approche distincte de l’expérimentation et de l’exploration sonores. Le travail de Rehab Hazgui a été présenté dans de nombreux festivals et lieux : The Art Week (Singapour), Phonetics (Alger), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgique), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montréal), Sight & Sound (Montréal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Allemagne) ; ainsi que d’innombrables ateliers à travers l’Europe consacrer à la construction de synthétiseurs et d’appareils audio DIY.

Rehab Hazgui is a composer and sound ecologist. Her artworks explore ways to learn new forms of languages through conscious listening and the relationship that beings have with their culture, heritage, society and landscape as involved and living participants. Her research examines the ways in which sound emerges through dynamic landscapes, including those that are biological, geophysical, and human consequences. Rehab Hazgui’s primary focus is on the act of listening to itself, as it relates to our perception of space, our relationship to it, and the profound level of engagement that our ears provide with the world. In her music she is constantly exploring the endless movement of sound, repetition, and the use of silence as a third space to navigate between different forms of listening.
At the heart of her sonic research is the concept of achieving a synergetic cognitive interaction, which involves the seamless collaboration between human and machine to create an integrated and boundary-pushing musical performance. Her music is a unique and innovative experience that transcends traditional notions of music and technology, offering an unparalleled sonic journey for the listener. Her sonic creations challenge the listener’s perception of time and space, showcasing her distinct approach to sonic experimentation and exploration. Rehab Hazgui’s work has been presented in many festivals and venues: The Art Week (Singapore), Phonetics (Algiers), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgium), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montreal), Sight & Sound (Montreal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Germany); as well as countless workshops across Europe on building DIY synthesizer and audio devices.

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avant-garde / installation / japon / percussions

Festival FLUX : Nakatani Gong Orchestra, Tatusuya Nakatani solo et ARTS CARE

par Rédaction PAN M 360

Tatsuya Nakatani

Tatsuya Nakatani est un percussionniste d’avant-garde, un compositeur et un artiste sonore. Actif sur la scène internationale depuis les années 1990, Nakatani a publié plus de 80 enregistrements et effectué de nombreuses tournées, donnant plus de 150 concerts par an. Il se consacre principalement à son travail en solo et à son projet de grand ensemble, le Nakatani Gong Orchestra. Il donne des classes de maîtres et des conférences dans les universités et les conservatoires de musique du monde entier. Originaire du Japon, il vit dans la ville désertique de Truth or Consequences, au Nouveau-Mexique. Grâce à ses activités dans les domaines de la musique nouvelle, de l’improvisation et de la musique expérimentale, Nakatani multiplie les collaborations.
La musique de Nakatani est centrée sur un gong adapté pour être joué à l’archet, soutenu par un ensemble de tambours, de cymbales et de bols chantants. Avec ses archets Kobo qu’il sculpte à la main, il a consacré des décennies à affiner et développer son univers sonore, tel un agencement de formations vibratoires, enchâssées dans des strates scintillantes de silence et de texture. Au cœur de cette œuvre contemporaine, on perçoit encore le rythme dramatique, l’élégance formelle et l’espace (ma) caractéristiques de la musique traditionnelle japonaise.

Tatsuya Nakatani is an avant-garde percussionist, composer, and artist of sound. Active internationally since the 1990s, Nakatani has released over 80 recordings and tours extensively, performing over 150 concerts a year. His primary focus is his solo work and his large ensemble project, the Nakatani Gong Orchestra. He teaches master classes and lectures at universities and music conservatories around the world. Originally from Japan, he makes his home in the desert town of Truth or Consequences, New Mexico. With his activity in new music, improvisation, and experimental music, Nakatani has a long history of collaboration.
Nakatani’s distinctive music centered around his adapted bowed gong, supported by an array of drums, cymbals, and singing bowls. In consort with his personally hand-carved Kobo Bows, he has spent decades refining and developing his sound as an arrangement of formations of vibrations, incorporated in shimmering layers of silence and texture. Within this contemporary work, one can still recognize the dramatic pacing, formal elegance and space (ma) felt in traditional Japanese music.

Les musicien.ne.s de cette édition du Tatsuya Nakatani Gong Orchestra seront:

Geneviève Ackerman
Miel Azevedo
Annabelle Chouinard
Oscar Coyoli
Marilou Craft
Susanna Hood
Atsushi Ikeda
Chloe Jackson-Reynolds
Pablo Jimenez
Jean Néant aka Joni Void
Shota Nakamura
Roxanne Nesbitt
Fahmid Nibesh
Élise Paradis
Christelle Saint-Julien
Tahlia Stacey

The musicians for this edition of the Tatsuya Nakatani Gong Orchestra will be:

ARTS CARE

ARTS CARE est une installation sonore interactive de l’artiste interdisciplinaire Jesse Stewart qui sera exposée dans le hall de la Sala Rossa avant le concert du Nakatani Gong Orchestra. Des gongs-lettres en aluminium épelant les mots « ARTS » et « CARE » résonneront grâce à l’instrument de musique à usage adapté (AUMI), conçu à l’origine par la compositrice et improvisatrice américaine Pauline Oliveros. Les visiteur.rice.s sont invité.e.s à se mouvoir autour de l’œuvre en se déplaçant dans le champ de vision d’un iPad équipé de l’AUMI détectant les mouvements et les convertissant en impulsions électriques qui sont ensuite envoyées à des percuteurs mécaniques. Ces derniers font vibrer les gongs-lettres en réponse aux déplacements des visiteur.rice.s.

ARTS CARE is an interactive sound installation by interdisciplinary artist Jesse Stewart that will be on display in the lobby of the Sala Rossa during this concert. Aluminum letter-gongs that spell the words “ARTS” and “CARE” are activated by the Adaptive Use Musical Instrument (AUMI), originally conceived by American composer, improviser, and humanitarian, Pauline Oliveros. Visitors are invited to engage with the work by moving within the field of view of an AUMI-equipped iPad that detects motion and converts it into electrical impulses that are sent to mechanical strikers that will play the letter-gongs in response to visitors’ movements.

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Électronique / expérimental

Festival Akousma : Soirée 2 – Bloc_2

par Rédaction PAN M 360

Horacio Vaggione (ar/fr)

Horacio Vaggione (Argentine, 1943), vit à Paris depuis 1978. Etudes de composition à l’Université Nationale de Cordoba, puis doctorat en musicologie à l’Université de Paris VIII. Études d’informatique musicale à l’Université de l’Illinois (1966). Co-fondateur du Centre de Musique Expérimentale de l’Université de Cordoba (1965-68), membre du groupe de musique électronique ALEA de Madrid (1969-73), il a travaillé en France à l’IRCAM, à l’INA-GRM, au GMEB. Résident à Berlin (DAAD, 1987-1988). Entre 1989 et 2012 il a été professeur titulaire (composition et recherche) à l’université de Paris VIII, où il est actuellement professeur émérite.

Horacio Vaggione (Argentina, 1943), has lived in Paris since 1978. Composition studies at the National University of Cordoba, then doctorate in musicology at the University of Paris VIII. Studied computer music at the University of Illinois (1966). Co-founder of the Center for Experimental Music at the University of Cordoba (1965-68), member of the electronic music group ALEA of Madrid (1969-73), he worked in France at IRCAM, at INA- GRM, at GMEB. Resident in Berlin (DAAD, 1987-1988). Between 1989 and 2012 he was full professor (composition and research) at the University of Paris VIII, where he is currently professor emeritus.

Programme

Gymell I (2003) 9’20 suivi de Gymell III (2024) 16’00
On peut penser le principe actif (corpusculaire) de ces Gymel en s’inspirant des mots de Bachelard (1932) : «Le corpuscule n’a plus de réalité que la composition qui le fait apparaitre».
Et encore : «Autant dire que l’existence du corpuscule a une racine dans tout l’espace».
Ceci explique non seulement l’irréalité du corpuscule — s’il n’est pas habité par la composition — mais aussi la réalité de l’espace où il apparait en tant que continuité.
Quant aux oeuvres : Gymel I a été produit en 2003 au studio du CICM, Université de Paris VIII. Il a engendré par la suite plusieurs avatars, dont Gymel III, créé récemment, en 2024, à l’ICST (University of the Arts) de Zürich.
Les deux Gymel réunies ici sont donnés en création canadienne.

Program

Gymell I (2003) 9’20 followed by Gymell III (2024) 16’00
We can think of the active (corpuscular) principle of these Gymel by drawing inspiration from the words of Bachelard (1932): “The corpuscle has no more reality than the composition which makes it appear”.
And again: “Suffice it to say that the existence of the corpuscle has a root in all space.”
This explains not only the unreality of the corpuscle —if it is not inhabited by the composition— but also the reality of the space where it appears as continuity.
As for the works: Gymel I was produced in 2003 at the CICM studio, University of Paris VIII. It subsequently spawned several avatars, including Gymel III, created recently, in 2024, at the ICST (University of the Arts) of Zurich.
The two Gymel gathered here are Canadian premieres.

Florence-Delphine Roux (ca)

Florence-Delphine Roux est une artiste numérique et sonore originaire de la ville de Québec et basée à Tiohtà:ke/Montréal. Son travail explore l’intersection entre l’art, la science et la technologie, avec une orientation vers le médium radiophonique. Ses créations se manifestent sous forme d’expériences d’écoute, d’installations sonores immersives, de performances, de vidéos d’art et d’œuvres radiophoniques.
Porté par une pratique liée au son, qui trouve en particulier sa source dans une matière emmagasinée à partir d’enregistrements effectués en grande partie en extérieur, la travail de Florence-Delphine Roux tient pour beaucoup d’une réflexion basée sur la possibilité de jouer avec des textures non perceptibles de manière rétinienne, des champs électromagnétiques notamment, participant ainsi d’une perturbation du réel.
Avec la volonté de développer une pratique de la fiction, l’artiste investit également le champ de la production radiophonique, avec comme ambition l’élaboration d’un « cinéma pour l’oreille ». “

Florence-Delphine Roux is a digital and sound artist originally from Quebec City and based in Tiohtà:ke/Montreal. Her work explores the intersection of art, science, and technology, with a focus on the medium of radio. Her creations take the form of listening experiences, immersive sound installations, performances, video art, and radio works.
Driven by a sound-based practice, largely sourced from material stored from outdoor recordings, Florence-Delphine Roux’s work is significantly based on the possibility of playing with textures that are not perceptible to the eye, particularly electromagnetic fields, thus contributing to a disruption of reality.
With a desire to develop a practice of fiction, the artist also invests in the field of radio production, with the ambition of creating a « cinema for the ear».

Programme

Cime propose une ascension disruptive dans le paysage sonore de l’un des sommets les plus mystérieux du Québec, le Mont-Saint-Hilaire. Inscrit dans l’imaginaire collectif des habitants de la Montérégie, ce mont a inspiré un grand nombre de légendes, dont les mythes perdurent, nourris par de nouvelles croyances liées au paranormal. L’artiste naviguera entre captation de paysage sonore ambiphonique, très basse fréquence radio naturelle, et synthèse analogique et granulaire.
Cette œuvre puise dans des archives phonographiques réalisées dans le cadre d’un projet de recherche performatif sur la littératie extrasensorielle et l’écoute disruptive du territoire de la Réserve Naturelle Gault.

Program

Cime (2024) 11’00
Cime proposes a disruptive ascent into the soundscape of one of Quebec’s most mysterious peaks, Mont-Saint-Hilaire. Embedded in the collective imagination of the residents of Montérégie, this mountain has inspired numerous legends, with myths that endure, fueled by new beliefs related to the paranormal. The artist will navigate between capturing ambisonic soundscapes, natural very low-frequency radio signals, and analog and granular synthesis.
This work draws from phonographic archives created as part of a performative research project on extrasensory literacy and disruptive listening of the Gault Nature Reserve.

Shane Turner (ca)

Shane Turner fait usage des propriétés fluides de l’art acousmatique afin de créer des expériences qui vont à l’encontre de l’essentialisme. Sa pratique comprend des compositions individuelles et collectives, des bandes sonores, des œuvres de nature installative ainsi que des performances électroniques en direct. Son travail a été diffusé par le netlabel Panospria sous Notype, par la CEC et a été présenté dans divers festivals, dont Mutek. Turner a étudié la composition musicale électroacoustique à l’Université Concordia.

Shane Turner is a composer who is drawn to the mutable boundaries and properties of acousmatic music as a way of expressing experiences omitted by essentialism. Their music encompasses solo fixed works, audio for installations, popular forms in soundtracks, as well as group performances with live electronics and synthesis. Shane’s works have been released on the Panospria Label under NoType, by the CEC, and performed at various festivals, including Mutek. They studied electroacoustic music composition at Concordia University.

Programme

rumors, approximated (2024) 10’00
rumors, approximated est une exploration de la synthèse sonore, du chant (Simone Pitot/Delorca) et d’un modèle conjuguant les deux.
Cartographier la discordance sensorielle : dissolution et resynthèse perpétuelle des sens, événements vécus lors du passage entre régimes sensoriels contradictoires au cours d’une année particulièrement dynamique. Des écosystèmes d’information complets alimentés par des algorithmes privés, reflétant et modelant leurs sensoriums permissibles, sont entrés en collision frontale, pendant que des schismes culturels surgissaient sur les assises de formes d’expressions anciennes et inédites.

Program

rumors, approximated (2024) 10’00
rumors, approximated is an exploration of synthesis, vocals (Simone Pitot/Delorca) and a model combining the two.
Charting sensory discord: the constant dissolution and resynthesis of the senses experienced while moving between conflicting sensory regimes over the course of a particularly dynamic year. Complete information ecosystems, fed by private algorithms that reflected and molded their permissible sensoriums, ran headlong into collision while cultural schisms arose over the basis of old and nascent forms of expression.

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expérimental / industriel / no-wave / shoegaze

Festival FLUX : Phew et Celestial Cabbage Foundation

par Rédaction PAN M 360

Phew

Phew, également connu sous le nom de Hiromi Mortani, est une musicienne basée à Kanagawa, au Japon. Alors qu’elle était à la tête de Aunt Sally, l’un des premiers groupes punk d’Osaka, Phew a joué un rôle essentiel dans le développement de la scène musicale underground japonaise. L’œuvre de Phew couvre un large éventail de sons expérimentaux : des hymnes de synthétiseurs no-wave, des sons poétiques, shoegaze et industriels, ou encore des drones sinistres et incandescents. Depuis les années 1970, la voix dynamique et irrésistible de Phew, ainsi que son engagement en faveur d’une expérimentation sans entrave, ont contribué à définir les sonorités de la musique d’avant-garde, tant au Japon qu’à l’étranger.

Phew, otherwise known as Hiromi Mortani, is a musician based in Kanagawa, Japan. While fronting Aunt Sally, one of Osaka’s earliest punk groups, Phew played a critical role in developing Japan’s underground music scene. Phew’s oeuvre spans a vast array of experimental sounds: from no-wavey synth-hymns; to poppy, shoegazing, industrial undertones; to eerie incandescent drones. Since the 1970s, Phew’s dynamic, compelling voice, and her commitment to unfettered experimentation has been critical in shaping the sound of avant-garde music both in Japan and internationally.

Celestial Cabbage

Celestial Cabbage Foundation, composée de Maya Kuroki et Sarah Pagé, accompagnées de Joni Void, propose un mélange expérimental de voix avec des paysages sonores psychédéliques cultissimes à base de voix et d’éléments bruitistes.

Celestial Cabbage Foundation, consisting of Maya Kuroki and Sarah Pagé, accompanied by Joni Void, delivers an experimental blend of vocals featuring cultish psychedelic vocal-based soundscapes and noise elements.

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