Suoni Per Il Popolo : Strange Froots, Fy0re et Ju!ce
par Rédaction PAN M 360
Strange Froots est un duo composé de Mags et Naïka Champaïgne, qui se sont rencontrées lors d’un atelier organisé par des femmes pour encourager les jeunes femmes à s’exprimer musicalement. Leur musique est une fusion de différentes influences musicales et de milieux issus de la même diaspora noire. Elles véhiculent l’idée que chacun doit s’approprier ce qu’il est, peu importe ses origines ou ce qu’il vit. La musique de Fyore peut être décrite comme un mélange de pop alternative et d’indie pop, avec des paroles qui reflètent ses expériences de découverte de la vie adulte à travers une lentille d’anxiété. Sur scène, elle respire la vulnérabilité et la douceur. JU!CE est un artiste polyvalent d’origine haïtienne qui crée une musique inspirée par l’espace et les jeux vidéo. Ce sont des beatmakers autodidactes, des artistes numériques, des chanteurs et des DJ de hip-hop, appelés à élever les vibrations de leurs auditeurs et à encourager la créativité. Leurs créations comprennent des collages numériques, des peintures et de la musique de jeu, créant une expérience d’un autre monde pour leur public.
Strange Froots is a duo consisting of Mags and Naïka Champaïgne, who came together during a women-run workshop to encourage young women to express themselves musically. Their music is a fusion of different musical influences and backgrounds from the same Black diaspora. They convey that everyone should embrace who they are, no matter where they come from or what they’re going through. Fyore’s music can be described as a mix of alternative pop and indie pop, with lyrics that reflect her experiences of discovering adult life through an anxiety-driven lens. On stage, she exudes vulnerability and sweetness. JU!CE is a multi-talented artist of Haitian descent who creates music inspired by space and video games. They are self-taught beatmakers, digital artists, singers, and hip-hop DJs, called to raise the vibrations of their listeners and encourage creativity. Their creations include digital collages, paintings, and gaming music, creating an otherworldly experience for their audience.
Le « Nesraf » est un mouvement rythmique et mélodique dans la musique chaâbi et andalouse. Ce terme signifie le départ et fait référence aux personnes qui ont immigré au fil des ans. C’est grâce à elles que ce patrimoine a pu être chanté, partagé et perpétué dans les quatre coins du monde.
Le groupe Nesraf, composé de plusieurs musiciens et de chanteurs, est la concrétisation d’une dizaine d’année d’amitié et de collaborations artistiques. Ensemble, ils partagent une grande passion, celle de «la musique Chaâbi». Le groupe a eu l’occasion de se concrétiser lors de sa participation à la 24 ème édition du festival de musique du Maghreb (Nuits d’Afrique).
Ce style de musique dont le précurseur n’est autre que l’illustre El Hadj Mohamed El Anka qui l’avait popularisé au début des années 30 est la musique populaire algéroise par excellence. C’est la musique des rues, des cafés et des cérémonies.
Que ce soit en arabe algérien ou en kabyle, le groupe Nesraf revisite des classiques de la musique chaâbi, auxquels il rajoute des arrangements et des sonorités diverses, il nous propose ainsi, à chacune de leur prestation, une promenade musicale riche en rythmes et en mélodies.
« Nesraf » is a rhythmic and melodic movement in chaâbi and Andalusian music. The term means departure and refers to the people who have immigrated over the years. It is thanks to them that this heritage has been sung, shared and perpetuated in the four corners of the world.
The Nesraf group, made up of several musicians and singers, is the culmination of a decade of friendship and artistic collaboration. Together, they share a passion for Chaâbi music. The group had the opportunity to make its mark when it took part in the 24th edition of the Maghreb music festival (Nuits d’Afrique).
This style of music, whose precursor was none other than the illustrious El Hadj Mohamed El Anka, who popularized it in the early 30s, is the popular music of Algeria par excellence. It’s the music of the streets, cafés and ceremonies.
Whether in Algerian Arabic or Kabyle, the Nesraf group revisits chaâbi classics, adding a variety of arrangements and sonorities to each of their performances, offering us a musical promenade rich in rhythms and melodies.
Le FMCM s’est donné pour mission d’encourager les meilleurs talents au monde. Tout récent récipiendaire du Premier Prix du Concours international de quatuor à cordes de Banff en 2022, le Quatuor à cordes Isidore interprète la musique qui lui a valu une reconnaissance internationale. En plus de ce grand prix, l’ensemble a remporté le Prix Haydn et le Prix de la meilleure interprétation de l’œuvre commandée pour l’occasion. Lors de cet exceptionnel concert du 17 juin, il collaborera avec le gagnant d’un Prix Juno 2023, le pianiste virtuose canadien Phillip Chiu.
Fresh from their 1st Prize win at the 2022 Banff International String Quartet Competition, the Isidore Quartet performs music that garnered them international recognition. In addition to their grand prize, they won the Haydn Prize and the prize for the best performance of the commissioned composition. For this exceptional concert, they will be collaborating with 2023 Juno Award winner, Canadian and virtuoso pianist Philip Chiu.
Farida Amadou (née en 1989) est une bassiste autodidacte originaire de Liège, en Belgique, qui s’est rapidement imposée comme une étoile montante de la scène internationale de la musique libre et improvisée. Alors que la basse électrique est son instrument principal depuis 2011, elle a commencé à explorer divers genres musicaux, tels que le blues, le jazz et le hip-hop, en 2013. Après avoir passé un an en tant que bassiste du groupe punk belge Cocaine Piss, Farida s’est concentrée sur sa pratique de l’improvisation en solo et sur des collaborations avec des musiciens de renom tels que Thurston Moore, Peter Brötzmann et Steve Noble. Elle a également collaboré avec d’autres personnalités occasionnelles, dont Mette Rasmussen, Linda Sharrock, Chris Pitsiokos, Eve Risser, Alex Ward et Jerusalem in My Heart. Elle fait preuve d’une grande originalité et est l’une des artistes belges les plus prometteuses de la scène internationale du free et de l’improvisation.
Radwan Ghazi Moumneh est un ingénieur du son, producteur et musicien canadien d’origine libanaise qui fait partie intégrante de la scène musicale indépendante de Montréal depuis plusieurs décennies. Il a commencé par jouer dans divers groupes punk dans les années 90, tels que The Black Hand et IRE. En 2004, il a cofondé le studio d’enregistrement Hotel2Tango avec Howard Bilerman, Efrim Menuck et Thierry Amar, tous membres des groupes Godspeed You! Black Emperor et Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra. Le travail de Moumneh en tant qu’ingénieur du son et producteur comprend des collaborations avec divers artistes, tels que Suuns, Mashrou’ Leila, Matana Roberts et Ought.
Farida Amadou (b.1989) is a self-taught bass player from Liège, Belgium, who has quickly become recognized as a rising star in the international free and improv music scene. While the electric bass has been her main instrument since 2011, she began exploring various musical genres, such as blues, jazz and hip-hop, in 2013. After spending a year (2017) as the bass player for the Belgian punk band Cocaine Piss, Farida shifted her focus to her solo improvisation practice and collaborations with renowned musicians such as Thurston Moore, Peter Brötzmann, and Steve Noble.
Radwan Ghazi Moumneh is a Canadian recording engineer, producer, and musician of Lebanese origin who has been an integral part of Montreal’s independent music scene for several decades. His early days were spent playing in various punk bands in the 90s, such as The Black Hand and IRE. In 2004, he co-founded the Hotel2Tango recording studio with Howard Bilerman, Efrim Menuck, and Thierry Amar. Moumneh’s work as a recording engineer and producer has included collaborations with various artists, such as Suuns, Mashrou’ Leila, Matana Roberts, and Ought. Moumneh’s music project, Jerusalem in My Heart, began in 2005 and has since released two full-length albums with various collaborators. He spends a few months each year in the Beirut experimental music scene, where he actively participates. His extensive experience and tireless contributions make Radwan Ghazi Moumneh a pillar of the Montreal independent music community.
Suoni: Slash Need + Crasher + Laura Krieg
par Rédaction PAN M 360
Assoiffez-vous d’électro-punk, d’industriel et de new wave lorsque ces artistes remarquables monteront sur scène. Slash Need, un dramaturge conflictuel et séduisant, est réputé pour ses performances théâtrales très énergiques qui laissent le public bouche bée. Fortement lié à la communauté DIY de Toronto, Slash Need s’est produit dans des lieux non conventionnels tels que des bâtiments abandonnés, des galeries, des skateparks et des raves. CRASHER, un groupe dynamique de punk électronique composé de trois membres et dirigé par Ash Wood, connu pour son travail avec Doldrums et Errhead, combine la force motrice de la batterie et des percussions de Tyrin Kelly avec les lignes de basse puissantes de Kai Thorpe. Leur cassette récemment publiée, « STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD », a déjà attiré l’attention, et ils ont partagé la scène avec des artistes acclamés comme Holy Fuck. Laura Krieg présente une méthode d’autodéfense géocritique qui mêle pop brutaliste et rythmes captivants. Armée d’une boîte à rythmes, d’un micro et de paillettes argentées, Laura Krieg est sérieuse.
Avec Trap Door
Get thirsty for some electro-punk, industrial, and new wave when these remarkable artists take the stage. Slash Need, a confrontational and seductive dramaturge, is renowned for their high-energy theatrical performances that leave audiences in awe. With strong ties to Toronto’s DIY community, Slash Need has graced unconventional venues such as abandoned buildings, galleries, skateparks, and raves. CRASHER, a dynamic three-piece electronic punk band fronted by Ash Wood, known for their work with Doldrums and Errhead, CRASHER combines the driving force of drums and percussion by Tyrin Kelly with Kai Thorpe’s powerful basslines. Their recently released tape, « STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD, » has already garnered attention, and they have shared stages with acclaimed artists like Holy Fuck. Laura Krieg presents a geocritical self-defence method that melds brutalist pop with captivating rhythms. Armed with a drum machine, a microphone, and silver glitter, Laura Krieg means it.
Richard Séguin sera en spectacle au Théâtre Maisonneuve dans le cadre de la 34e édition des Francos de Montréal!
« J’arrive à vous avec des chansons qui me tiennent à cœur, des inédites, des anciennes et bien sûr des classiques. J’apporte avec moi des mots et des musiques pour les saisons, pour les grandes forêts de l’espoir, pour s’entendre dans notre propre langue et pour éveiller la mémoire.» – Richard Séguin
Pour l’occasion, les musiciens Simon Godin, Raphaël D’Amours et Alexis Martin accompagneront Richard Séguin sur scène.
Avec ses dix titres nés au fil des hasards heureux de la vie, Mercure en mai, le douzième album de Daniel Bélanger, célèbre la complicité humaine et les joies inattendues.
Des mots attentifs aux étonnements, au soudain, à ces « petites Californies » qui dorment au fond de nous; des musiques naviguant entre le minimal et le luxuriant, avec motifs en boomerangs et passages secrets : tout ici raconte l’impromptu, ce qui échappe aux agendas et à la raison.
Ce spectacle met en vedette plusieurs artistes marquants du Hip Hop Québécois : Taktika, Yvon Krevé, SP de Sans Pression, Connaisseur Ticaso, Onze, Cobna, Canox et DJ Crowd. Les spectateurs pourront réentendre les grands classiques du genre et revivre cette grande époque où le rap québécois est entré comme une tonne de brique dans la province. Nostalgie et mains en l’air assurées!
Proposant un rock alternatif, fortement influencé par la musique des années ’70, Les Hôtesses d’Hilaire offrent un vrai «show» sur scène. Leur prog pschyco-délique, avec des textes percutants livrés par un chanteur plus grand que nature, fait voyager dans l’espace temps et partout dans les contrées canadiennes.
Avec plus de 600 spectacles depuis ses débuts, le groupe a trimballé sa musique de l’Atlantique au Pacifique jusqu’à l’Océan Arctique lors de 7 tournées en Europe, plus une incursion en Louisiane et en Australie.
De tous les groupes qui ont émergé dans le sillage immédiat du punk rock à la fin des années 70, peu ont été aussi durables et populaires que The Cure. Dirigé par le guitariste/chanteur Robert Smith, le groupe s’est d’abord fait connaître par ses chansons lentes et lugubres et par le look exagérément gothique de Smith, une image publique qui a souvent caché la diversité de la musique de The Cure. Au début, ils jouaient des chansons pop déchiquetées et nerveuses, avant d’évoluer lentement vers un groupe plus texturé. C’est l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, mais au moment où le gothique s’est imposé au milieu des années 80, les Cure avaient évolué vers un son plus soigné et plus réfléchi (même s’il était encore souvent déprimant). À la fin des années 80, le groupe est entré dans le courant dominant, non seulement dans son pays natal, l’Angleterre, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe. Après avoir embrassé la mélodie et la pop synthétisée sur The Head on the Door (1985), le groupe atteint un sommet artistique avec l’épopée Disintegration (1989), d’une beauté et d’une douleur stupéfiantes, et se classe pour la première fois dans les charts britanniques avec Wish (1992). La production de nouveaux albums s’est quelque peu ralentie, mais The Cure est resté une attraction populaire dans les années 2000 et au-delà, et son influence s’est clairement fait sentir sur de nombreux nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.
Out of all the bands that emerged in the immediate aftermath of punk rock in the late ’70s, few were as enduring and popular as the Cure. Led through numerous incarnations by guitarist/vocalist Robert Smith, the band initially became well-known for its slow, gloomy dirges and Smith’s exaggeratedly gothic look, a public image that often hid the diversity of the Cure’s music. At the outset, they played jagged, edgy pop songs before slowly evolving into a more textured outfit. They were one of the bands that built the foundations for goth rock, but by the time goth caught on in the mid-’80s, the Cure had moved toward a more polished and thoughtful (if still often depressing) sound. By the end of the ’80s, the band had crossed over into the mainstream not only in their native England, but also in the United States and in various parts of Europe. After embracing melody and synth pop on 1985’s The Head on the Door, the band hit an artistic high-water mark with their stunningly pained and beautiful 1989 epic Disintegration, and scored their first number one album on the U.K. charts with 1992’s Wish. New studio output slowed somewhat as the band soldiered on, but the Cure remained a popular concert draw into the 2000s and beyond, and their influence could be heard clearly on scores of new bands in the new millennium, including many that had little to do with goth.
Lancement d’album: Tevet Salsa Quartet au Upstairs
par Rédaction PAN M 360
Un concert de célébration pour la sortie du nouvel album de Tevet – ‘Live at the Rex’. Enregistré lors d’une résidence d’une semaine au club de jazz Rex (Toronto). L’album capture une performance authentique et de bon goût, pleine de sagesse, d’émotion et d’histoires.
A celebration concert for the release of Tevet’s new album – ‘Live at the Rex’. Recorded during a week-long residency at the Rex jazz club (Toronto). The album captures a tasteful and authentic performance, full of wisdom, emotion and storytelling.
RÉSERVATIONS PAR TÉLÉPHONE AU 514-931-6808
Ce contenu provient du Upstairs Jazz et est adapté par PAN M 360.
Un 15 juin aux Francos : Anatole, Dumas, Fuudge
par Théo Reinhardt
L’équipe de PAN M 360 se fait un plaisir de fourmiller un peu partout aux Francos, dans les recoins évidents et moins évidents, pour le public francophile. Suivez notre couverture!
Anatole l’impassible
Crédit photo: Théo Reinhardt
À 19h sur la scène Siriusxm, Anatole et sa bande ont allégé les esprits le temps de quelques chansons. Lui et ses cinq musiciens, tous assis sur des chaises ou des tabourets, ont visé une performance libre et décomplexée. Anatole était ainsi présenté sous une lumière authentique et claire, ce qui lui a permis de faire briller les petits détails.
Anatole, alias Alexandre Martel, cherche à ralentir la cadence. Il converse avec le public entre ses chansons, question d’amoindrir la distance entre scène et parterre. On se regarde dans les yeux et, pour une rare fois, on peut sentir que ça connecte. L’air est léger, les corps relaxés, c’est un moment bienvenu de ressourcement dans la folie des Francos.
Ce contexte n’a toutefois pas empêché Anatole et sa bande de faire de la musique captivante. Debout ou assis, l’auteur-compositeur-interprète et réalisateur (Hubert Lenoir, Lou-Adriane Cassidy, Thierry Larose, Alex Burger, Lumière) se dandine et s’active, comme si ses chansons éveillaient une bête en lui dont il ne peut s’extirper. Tantôt frénétique, tantôt calme, son interprétation semble provenir d’une profondeur insondable qui jette un voile attrayant de mystère. À un moment, Anatole se lève nonchalamment et dégaine un solo de guitare qu’il filtre dans un talkbox. Surprise mystifiante pour le public, qui n’avait pas encore repéré le petit tube de plastique accroché à l’un des micros.
Il était plaisant de voir Anatole enfin sous la lumière, alors qu’il semble plus souvent opérer dans l’ombre. Il reste évasif malgré sa portée et son implication dans une multitude de projets. Le temps d’un concert, on a peut-être pu accéder à une des réelles formes de son existence. C’est la preuve que, parfois et encore, la solution se trouve dans la retenue, dans la sobriété, dans l’essentiel.
Dumas le rassembleur
Crédit photo: Benoit Rousseau
À 20h, devant la scène Loto-Québec, le parterre était rempli d’un public qui traversait les générations. Il était l’heure pour l’habitué Dumas de se présenter le temps d’un retour en arrière vers son second album Le cours des jours. Il est toujours agréable de voir des musiciens aguerris présenter un spectacle bien huilé. On sait que ça marche. Et avec un travail d’éclairage palpitant, les yeux pouvaient être autant ravis que les oreilles.
Dumas et son profil fascinant, c’est-à-dire à la fois sincère, banal et spectaculaire, un peu drôle aussi (peut-être sans le vouloir), mais toujours bienveillant, a vite charmé le public. Avec des « attention à vous! » dirigés vers la foule, des « Merci Montréal! » et des « To the bridge! » qui se répétaient, le personnage s’est vite trouvé à l’aise et communicatif. Toujours en train de bouger sur la scène, de gauche à droite, mettant un pied sur les moniteurs pour saluer la foule, on voyait bien qu’il se faisait plaisir.
Les musiciens aussi. Chacun a eu ses moments pour briller, surtout lors de la longue et entraînante Le désir comme tel, morceau d’une dizaine de minutes. Le clou du spectacle,
Vers la fin, Dumas raconte ses débuts en tant qu’artiste, et comment il a été aidé par d’autres, plus établis. Faisant désormais partie de ces autres plus établis, et ayant envie de redonner au suivant, il invite Émile Bourgault. Avec Dumas, ce jeune auteur-compositeur-interprète qu’on a pu voir sur la scène Hydro-Québec le 9 juin, chantera l’hymne pop-rock Les secretsi. Une belle surprise qui témoigne d’une gentillesse de la part de l’artiste, et qui fera sans doute un beau souvenir pour l’invité.
Fuudge les écraseurs
À 22h sur la scène Sirius xm, le groupe montréalais arrive comme une tonne de briques et envoie écraser le son dans l’air. Ces quatre musiciens, qui en sont à leur troisième Francos, s’inspirent du grunge, du noise et de la musique psychédélique. Le chanteur grogne, crie et beugle, la basse enveloppe tout de son ton râpeux, les percussions courent frénétiquement au son épais des toms, et la guitare lead déchire avec sa voix criarde. Des harmonies vocales, des mélodies sombres qu’on fait exprès de ne pas toujours rendre consonantes, des solos cuisants, le tout rehaussé par des tons planants de synthés en arrière-plan… Fuudge livre sa musique sur un plateau d’argent écorché, et le public a faim. Au devant de la foule, on voit une petite tempête de corps qui se déchargent au rythme des distorsions. « Ta yeule, toute va ben » crient les membres du groupe lors de leur chanson du même titre, et ils ont raison. Ça parlait peu, et tout allait bien.
Alors si vous cherchez du lourd, optez pour Fuudge. Si vous cherchez un dessert, tenez-vous en loin.
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