Montréal

noise-rock / post-punk / shoegaze

Preoccupations au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

La version intensément brute du post-punk de Preoccupations est à la fois porteuse de vie et imprégnée d’angoisse existentielle. Leur premier album, Viet Cong (2015), mélangeait post-punk, pop psychédélique, shoegaze, noise et électronique de manière audacieuse, tout en conservant une pulsation profondément humaine. Cette connexion à l’humanité est restée une constante à travers leurs albums, bien que leur son ait évolué : plus subtil et ouvert sur Preoccupations (2016), plus hymnique sur New Material (2018), et plus frontal sur Arrangements (2022).

Preoccupations’ beautifully rough version of post-punk is equally life-affirming and well-versed in existential dread. The band’s debut album, 2015’s Viet Cong, mixed post-punk, psych-pop, shoegaze, noise, and electronics in fearless ways that nevertheless maintained a very human pulse. This connection to their humanity remained on all of their albums, though Preoccupations’ music became subtler and more open-ended on 2016’s Preoccupations, more anthemic on 2018’s poised New Material, and more confrontational on 2022’s Arrangements.

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expérimental / jazz

Suoni per il Popolo : Farida Amadou + Jairus Sharif & Mustafa Rafiq + Egyptian Cotton Arkestra à la Casa Del Popolo

par Rédaction PAN M 360

Aux confins de Suoni, une odyssée sonore menée par l’insaisissable Farida Amadou, bassiste électrique bruxelloise aux explorations singulières. En prélude, les défrichages stylistiques d’Egyptian Cotton Arkestra et les contrées bruitistes et jazzy sondées par le tandem Jairus Sharif & Mustafa Rafiq. Une soirée pour les esthètes de l’inouï.

Venture into the sonic realms of Suoni with the singular Brussels-based electric bassist Farida Amadou headlining an evening of audacious musical exploration. As a prelude, experience the stylistic forays of Egyptian Cotton Arkestra and the noise-drenched, jazzy territories charted by the duo Jairus Sharif & Mustafa Rafiq. An evening for connoisseurs of the unheard.

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électronique / post-punk

Fire Talk au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

Kassie Krut a débuté comme projet solo, son nom déformant malicieusement celui de son créateur, Kasra Kurt, guitariste et chanteur de Palm. Tandis que le quatuor de Philadelphie explorait de nouvelles sonorités autour de la guitare, ce projet parallèle permettait à Kurt d’expérimenter avec l’électronique et de développer des idées plus personnelles. Lorsque Palm s’est séparé en 2023 après dix ans et trois albums acclamés, Kurt a déménagé à New York avec Eve Alpert, co-guitariste et chanteuse du groupe, ainsi que Matt Anderegg, producteur de leur dernier disque. Ensemble, ces amis et collaborateurs de longue date ont donné naissance à une nouvelle version de Kassie Krut, désormais un trio.

Kassie Krut began as a solo act, its name impishly garbling that of its maker, Kasra Kurt, who otherwise served as a guitarist and vocalist in Palm. While the Philadelphia-based four-piece undertook bracing new adventures in guitar music, the side project was a venue for Kurt to indulge his taste for electronics and set stray ideas to simmer. When Palm called it quits in 2023, after ten years and three acclaimed albums, Kurt decamped to New York with Eve Alpert, the band’s co-guitarist/vocalist, and Matt Anderegg, who produced Palm’s final record. Playing together, the longtime friends and collaborators christened a new, three-headed incarnation of Kassie Krut.

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électronique / jazz-fusion

Button Masher au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

Jake Silverman, également connu sous le nom de Button Masher, est un arrangeur lauréat d’un GRAMMY, musicien électronique, compositeur et enseignant. En 2018, il a commencé à expérimenter la fusion du jazz fusion avec le chiptune.

Jake Silverman, also known as Button Masher, is a GRAMMY-winning arranger, electronic musician, composer and educator. In 2018, Silverman began to experiment with combining Jazz Fusion with chiptune.

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cinéma / classique / hommage

OSM : 2001 - L’Odyssée de l’espace

par Rédaction PAN M 360

L’Orchestre et le Chœur de l’OSM accompagnent le mythique film de science-fiction réalisée par Stanley Kubrick, 2001 : l’Odyssée de l’espace, pour un voyage philosophique où futurisme et poésie se rencontrent. Le film explore l’évolution humaine sous l’influence d’un mystérieux monolithe extraterrestre, de la préhistoire à l’ère spatiale. L’intelligence artificielle HAL 9000 se retourne contre l’équipage du vaisseau Discovery One. L’astronaute Bowman, seul survivant, traverse un portail cosmique et renaît sous une forme supérieure, symbolisant une nouvelle étape de l’humanité. Les images époustouflantes prennent vie au rythme du célèbre Beau Danube bleu de Johann Strauss, ainsi qu’avec des œuvres de Richard Strauss et des compositions envoûtantes de György Ligeti. Une expérience cinématographique et musicale à voir absolument.

Embark on a philosophical journey with the Orchestre symphonique de Montréal and the OSM Chorus as they accompany Stanley Kubrick’s iconic sci-fi masterpiece, 2001: A Space Odyssey. This fusion of futurism and poetry takes you through humanity’s evolution, from prehistory to the space age, guided by an enigmatic alien monolith. As the sentient supercomputer HAL 9000 turns on the crew of the spaceship Discovery One, astronaut Bowman becomes the last survivor. He passes through a cosmic gateway and is reborn as a higher life form symbolizing the next stage of humanity’s evolution. Stunning visuals are brought to life by Johann Strauss’ Blue Danube, works by Richard Strauss and the captivating compositions of György Ligeti. A cinematic and musical experience you won’t want to miss!

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alt-folk / Indie

The Weather Station au Théâtre Beanfield

par Rédaction PAN M 360

Projet de la chanteuse et autrice-compositrice Tamara Lindeman, The Weather Station se distingue par des chansons à la fois musicales et émotionnellement agiles, portées par sa voix cristalline et ses paroles lucides. Sur ses premiers albums, comme All of It Was Mine (2011), elle développe un style terre-à-terre, influencé par la scène folk de Toronto et construit autour de la guitare, du banjo et de textes introspectifs. Avec Loyalty (2015), sa musique devient plus abstraite, tandis que son écriture gagne en précision et en profondeur. Par la suite, Lindeman accompagne la complexité de ses paroles d’une musique tout aussi ambitieuse : The Weather Station (2017) fusionne son interprétation du rock & roll avec une réflexion féministe, tandis que Ignorance (2021) et son pendant plus feutré, How Is It That I Should Look at the Stars (2022), mêlent des méditations sur le changement climatique à des sonorités jazz et soft rock luxueuses. Avec Humanhood (2025), elle explore l’improvisation pour capturer le tumulte de l’existence dans les années 2020. Malgré ces évolutions, la musique de Lindeman reste constamment captivante, confirmant les comparaisons avec des figures comme Joni Mitchell et Leonard Cohen, ainsi qu’avec des contemporains tels que Weyes Blood et Bill Callahan.

The project of singer/songwriter Tamara Lindeman, the Weather Station’s musically and emotionally nimble songs are defined by her silvery voice and clear-eyed lyrics. On Lindeman’s earliest albums, like 2011’s All of It Was Mine, she cultivated a down-to-earth style informed by her time in Toronto’s folk scene and driven by her guitar, banjo, and confessional lyrics. By the time she released 2015’s Loyalty, her music had grown more abstract, and her songwriting more detailed and analytical. Later, Lindeman matched the intricacy of her words with equally ambitious music. 2017’s The Weather Station paired her version of rock & roll with feminist insights; 2021’s Ignorance and its hushed 2022 companion, How Is It That I Should Look at the Stars, combined musings on climate change with luxurious jazz and soft rock; the improvisations of 2025’s Humanhood reflected the tumult of being alive in the 2020s. Amidst the Weather Station’s changes, Lindeman’s music remained consistently compelling, proving the comparisons to forebears like Joni Mitchell and Leonard Cohen and contemporaries such as Weyes Blood and Bill Callahan were more than warranted.

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classique / post-romantique

OSM : Roméo et Juliette de Prokofiev

par Rédaction PAN M 360

Prokofiev dépeint les amours impossibles de Roméo et Juliette avec un lyrisme passionné et une grande inventivité mélodique; Abel Selaocoe raconte l’Afrique du Sud avec sa voix puissante, ses rythmes explosifs et son incroyable créativité dans Fours Spirits : àla croisée des traditions, les deux mondes sonores se rejoignent pour donner naissance à une expérience musicale exaltante et vous faire vivre le concert autrement grâce à l’œuvre participative de Selaocoe.

Prokofiev depicted the star-crossed romance of Romeo and Juliet with ardent lyricism and great melodic inventiveness, while in Four Spirits, Abel Selaocoe tells of South Africa using his powerful voice, explosive rhythms, and astounding creativity. At the crossroads of traditions, these two soundscapes come together for a glorious musical experience and, with Selaocoe’s participatory work, an uncommon concert experience.

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DJ set / électronique / hyperpop

SUICIDAL-IDOL & rouri404 au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

SUICIDAL-IDOL

SUICIDAL-IDOL est le projet principal d’Alupe Tolentino, une artiste de musique dance/électronique de 20 ans basée à Los Angeles. SUICIDAL-IDOL a commencé à faire de la musique à la fin de l’année 2021, inspirée par d’autres artistes de sa scène tels que syris, Rebzyyx et 6arelyhuman. Son single Ecstacy a officiellement été certifié Platine aux États-Unis avec des millions de plays et de vues à travers le monde. SUICIDAL-IDOL comptabilise actuellement 4,5 millions d’auditeurs mensuels sur Spotify, et ses chiffres continuent de croître. Elle continue de sortir de la nouvelle musique et de nouveaux clips régulièrement. Elle collabore avec des artistes tels que syris, 6arelyhuman, skypebf, hubithekid, Kaneda7, parmi bien d’autres. SUICIDAL-IDOL est un membre clé du super-collectif de musique dance/électronique FabFantasy. SUICIDAL-IDOL se produira en concert à travers le monde, tandis que sa carrière fulgurante continue de croître aux côtés de ses fans.

SUICIDAL-IDOL is the primary project of Alupe Tolentino, a 20-year old LA-based dance/electronic music artist. SUICIDAL-IDOL Started making music in late 2021 – inspired by other artists in her scene such as syris, Rebzyyx, and 6arelyhuman. Her single Ecstacy has officially gone Platinum in the USA with millions of plays and views across the world. SUICIDAL-IDOL is currently at 4.5 million monthly listeners on Spotify and her numbers continue to grow. SUICIDAL-IDOL is continuing to release new music and new videos on a regular basis. She collaborates with fellow artists syris, 6arelyhuman, skypebf, hubithekid, Kaneda7, among many others. SUICIDAL-IDOL is a key member of the dance/electronic music super-collective FabFantasy. SUICIDAL-IDOL will be performing at concerts across the World as her whirlwind career continues to grow alongside her fans.

rouri404

rouri404 est un artiste émergent originaire d’Orlando, en Floride, qui fait sensation avec son mélange unique de hyperpop, pop punk et emo-rap. À seulement 20 ans, il a rapidement gagné en popularité dans le milieu underground sur Soundcloud avec la sortie de son single de 2021, narcissist, suivi de son EP GORE en 2022, un projet collaboratif avec Vaeo, un artiste bien connu de la scène hyperpop. Sa musique a été décrite comme émotionnellement chargée, passionnée et versatile, les fans saluant sa capacité à passer d’un genre à l’autre tout en conservant son son brut et distinctif. Son dernier single, fisheye, en est un parfait exemple, avec des mélodies accrocheuses et un style glitchy inspiré des années 2000.

rouri404 is an up-and-coming artist hailing from Orlando, Florida, who has been making waves with his unique blend of hyperpop, pop punk, and emo-rap. At just 20 years old, he quickly rose to underground fame on Soundcloud with the release of his 2021 single “narcissist” followed by his 2022 EP ‘GORE,’ a collaboration project with Vaeo, a prominent artist in the hyperpop scene. His music has been described as emotionally charged, passionate, and versatile, with fans praising his ability to seamlessly flow between genres while still maintaining his signature raw sound. His latest single “fisheye” demonstrates just that, with catchy melodies set against his glitchy 2000s-inspired stylings.

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classique moderne

OCM : Bernstein et ses ‘’side stories’’ à l’honneur

par Frédéric Cardin

L’Orchestre classique de Montréal donnait un concert bénéfice sous les auspices de la musique de Leonard Bernstein, le samedi 3 mai 2025. En vedette, la soprano Sharon Azrieli, la mezzo Julie Nesrallah, le baryton James Westman et le violon solo de l’orchestre, Mark Djokic. Rappelons que l’argent amassé permettra d’offrir un accès à des concerts classiques aux nouveaux arrivants, aux personnes âgées en milieu de santé et à d’autres groupes qui ne bénéficient pas des mêmes opportunités que la population en général. 

Audace? Témérité? Intégrité artistique? Ce sont des œuvres austères’’, dans le panthéon bernsteinien, qui ont dominé la soirée (Arias and Barcarolles, et la Serenade (selon le banquet de Platon)). À peine deux extraits de West Side Story (le Mambo et Somewhere, placés aux deux extrémités du concert) et un air de Candide, même pas celui auquel nous sommes habitués (Glitter and be gay) mais plutôt I am so easily assimilated, qui mérite pleinement d’être entendu lui aussi. 

Si le Candide était réussi avec la soprano Sharon Azrieli en forme aguicheuse, le Mambo a souffert de décalages rythmiques (un péché mortel dans ce genre de musique) et Somewhere n’était pas plus que correct, avec les trois solistes vocaux et l’orchestre. Une fois ces bémols appuyés mentionnés, cela dit, je suis heureux de dire que le corpus central du concert était, lui, extrêmement réussi, voire splendide. 

Arias and Barcarolles est la dernière œuvre majeure de Bernstein (1988, un an avant sa mort). C’est un cycle de neuf mélodies qui forment un tout narrativement cohérent, tel un mini opéra, pour mezzo-soprano, baryton et orchestre. En moins de trente minutes, sont évoqués les aléas d’une vie de couple, des débuts à l’âge avancé, avec des réflexions sur l’amour, la vie, etc. L’écriture resserrée laisse tout de même transparaître une large panoplie de styles musicaux, tels le jazz, le blues et l’atonalisme moderne. Contrairement à Mass, par contre, point de collisions frontales, et même déboussolantes, entre les genres cités. Plutôt une grande maturité dans l’organisation des oppositions et de l’éclectisme. Une œuvre qui mérite d’être bien plus vastement entendue. 

Les solistes, Nesrallah et Westman, étaient en très bonne forme, surtout la mezzo, criante d’authenticité et de justesse dans le jeu scénique offert (et dans les limites de ce que pouvait permettre la situation). Je n’avais jamais vu cette dame, également animatrice à la CBC, sur scène auparavant. Je voudrais la revoir dans une véritable mise en scène opératique. La partition d’orchestre est, soulignons-le, redoutable. Chacun est à nu, les rythmes s’entrecroisent, les jaillissements de notes sont d’une précision imparable, et tout doit être mené avec un doigté et une fermeté technique impeccable. La cheffe Mélanie Léonard, discrète mais fiable, a relevé le défi, avec les musiciens.

L’autre gros morceau était la Serenade, un concerto pour violon qui ne dit pas son nom. Bien que mieux connue que la précédente, cette œuvre reste relativement exigeante pour un public profane qui retient du maestro états-unien ses comédies musicales et sa direction mémorable des grands chefs-d’œuvre symphoniques. 

Le violon solo de l’Orchestre, Mark Djokic, a offert une prestation remarquable, avec un timbre d’instrument lumineux et scintillant, et une incarnation émotionnelle très convaincante. Pour un ‘’petit’’ orchestre comme l’OCM, la présence d’un soliste du calibre de Djokic est une véritable aubaine. On leur souhaite d’en profiter pleinement et très longtemps. Encore une fois, l’orchestre que Bernstein ne laisse pas souvent se reposer, a été à la hauteur de l’occasion, sous la baguette assurée de Mme Léonard. 

Votre humble serviteur n’avait pas accès au coquetèles et aux petits fours qui venaient avec les billets plus dispendieux (et plus utiles à la mission), mais on peut être assurés que messieurs dames Nesrallah, Westman, Djokic et Léonard (et tous les autres musiciens) ont dû recevoir des accolades bien méritées à leur arrivée parmi les convives après le concert (nonobstant les quelques bémols mentionnés en début d’article). 

gothique / Indie / post-punk

Bria Salmena au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

La chanteuse et auteure-compositrice torontoise Bria Salmena apporte une intensité inlassable à sa musique, fusionnant des genres disparates allant du punk et du goth au country et à l’indie rock ambiant. Elle s’est d’abord fait connaître à la fin des années 2010 en tant que leader du groupe post-punk acclamé par la critique, Frigs, avant de passer un certain temps au sein du groupe de tournée d’Orville Peck. Au début des années 2020, elle a lancé une carrière solo, publiant plusieurs EPs de covers éclectiques, puis a signé chez Sub Pop pour son premier album complet, Big Dog, prévu pour 2025.

Toronto singer/songwriter Bria Salmena brings a restless intensity to her music, blending disparate genres from punk and goth to country and ambient indie rock. She first made her name in the late 2010s as the frontwoman for the critically lauded post-punk band Frigs, then spent some time as part of Orville Peck’s touring band. In the early 2020s, she launched a solo career, releasing a handful of eclectic covers EPs, then signed to Sub Pop for her full-length debut, 2025’s Big Dog.

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chant lyrique / classique

Concours musical international de Montréal : Finale du Prix Mélodie du CMIM

par Rédaction PAN M 360

Les cinq finalistes de la première épreuve MÉLODIE, sélectionnés parmi les chanteuses et les chanteurs les plus talentueux de leur génération, vous transportent au cœur de l’univers envoûtant de la mélodie. Le programme unique de cette finale de prix réunit des chefs-d’œuvre du répertoire, sublimant chaque voix et donnant vie à des récits empreints d’émotion, où poésie et musique s’unissent en parfaite harmonie. Une expérience musicale intime et profonde qui promet de captiver autant les amateurs de musique classique que les passionnés de poésie.
Les concurrents livreront des performances émouvantes en présentant des programmes où se côtoient des mélodies françaises, des lieder allemands, des art songs anglaises, des canciones artísticas espagnoles, des romances russes, des canzoni artistiche italiennes, ainsi que d’autres œuvres de récital. Ces prestations, présentées dans l’acoustique exceptionnelle de la Salle Bourgie du Musée des beaux-arts de Montréal, sauront ravir tant le public que le grand jury international.
Venez vivre un moment d’exception où l’excellence artistique est à l’honneur en assistant à cette finale du Prix Mélodie!

The five finalists in the Stage 1 ART SONG, selected from among the most exceptional singers of their generation, will transport you to the heart of the spellbinding world of Art Song. The unique program for this prize final brings together masterpieces from the repertoire, giving life to passionate works where poetry and music come together in perfect harmony. An intimate and profound musical experience that promises to captivate classical music lovers and poetry enthusiasts alike.
The competitors deliver moving performances in a program featuring French mélodies, German lieder, English art songs, Russian romances, Italian and Spanish art songs, and other recital works. These performances, presented in the exceptional acoustics of Salle Bourgie at the Montreal Museum of Fine Arts, will delight both the public and the international grand jury. Reserve your place or one of our packages now for an unforgettable musical and emotional experience in the company of exceptional singers.
Enjoy an unforgettable musical and emotional experience in the company of exceptional singers.

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death metal progressif / grindcore / trash metal

Shred Fest 2025 au Théâtre Fairmount

par Rédaction PAN M 360

Avec/With :

Obscura

Groupe de heavy metal novateur originaire de Landshut, en Bavière, Obscura propose un mélange audacieux et complexe de death metal technique et de thrash progressif, qui a été salué dès la sortie de leur premier album, Retribution, en 2006. Avec une formation en perpétuel changement, le guitariste et chanteur Steffen Kummerer (connu pour sa guitare Ran à sept cordes au design unique) reste le seul membre constant du groupe. Depuis 2002, il dirige le navire noir Obscura, livrant des albums d’un extrême métal aussi inventif que brutal, comme Omnivium (2011) et Diluvium (2018). Après plusieurs remaniements, le groupe sort A Valediction en 2021, suivi en 2023 par A Celebration I: Live in North America, publié chez Nuclear Blast. En 2024, Kummerer renouvelle entièrement le line-up pour enregistrer et tourner avec l’album A Sonication, prévu pour 2025.

An innovative heavy metal group from the Bavarian town of Landshut, Germany, Obscura employ a heady and jarring blend of technical death metal and progressive thrash that drew accolades with the release of their 2006 debut album, Retribution. Featuring a rotating cast of virtuoso players, guitarist and vocalist Steffan Kummerer (known for his custom-shaped, seven-string Ran guitar) is the group’s sole constant member, and he has steered the black ship Obscura since 2002, issuing singular extreme metal outings like Omnivium (2011) and Diluvium (2018) that are as inventive as they are punishing. In 2021, after several lineup changes, the band issued A Valediction. Two years later, Nuclear Blast issued A Celebration I: Live in North America. Kummerer cleaned house in 2024, hiring an entirely different lineup to record and tour behind 2025’s studio outing A Sonication.

Atheist

Sans doute le groupe de metal progressif ultime de son époque, Atheist a développé un death-jazz d’une complexité vertigineuse, trop avancé même pour les amateurs de metal les plus aguerris. Au fil de trois albums enregistrés avec une détermination admirable malgré de nombreuses difficultés, leur style inventif mais difficile d’accès leur a valu un respect durable, tout en limitant leurs chances d’atteindre un succès grand public.

Arguably the ultimate progressive metal band of their day, Atheist’s impossibly Byzantine death-jazz proved too advanced even for committed metalheads to stomach. Over the span of three albums admirably recorded in spite of crippling adversity, the band’s inventive but inaccessible style has earned them a lasting respect, but likewise compromised their chances of attaining widespread success.

Origin

Basé à Topeka, Kansas, le quintette Origin se spécialise dans un death/grind metal d’une technicité, rapidité et brutalité exceptionnelles. Depuis leur premier EP de 1997 et l’album éponyme de 2000 chez Relapse, le groupe a misé sur un picking tremolo/sweep furieux à travers les guitares et la basse, des triplets/quintuplets de notes en 16e sur des cordes en accordage bas, et une orgie de blastbeats. Le guitariste Paul Ryan est le seul membre original. Le batteur John Longstreth a joué avec le groupe de 1999 à 2003 avant de revenir en 2007, tandis que le bassiste Mike Flores a rejoint en 2002. Le chanteur Jason Keyser est le frontman du groupe depuis la fin de 2011. L’album Antithesis (2008) a reçu leurs critiques les plus constantes depuis leurs débuts, tandis que Entity (2011) a été enregistré par le trio Origin avant l’arrivée de Keyser. Omnipresent (2014) a marqué le retour triomphal du groupe en tant que quatuor avec un jeu légèrement plus lent. Unparalleled Universe (2017) a signalé un retour au death metal technique, rapide et brutal. Abiogenesis: A Coming Into Existence (2019) a compilé les démos du groupe et d’autres premiers morceaux composés par Ryan, tandis que Chaosmos (2022) a marqué le véritable retour du quatuor en studio.

Topeka, Kansas-based quintet Origin specializes in ridiculously technical, fast, and punishing death/grind metal. Since 1997’s debut EP and 2000’s self-titled Relapse full-length, the band put all of its chips down on furious tremolo/sweep picking across guitars and bass, downtuned, sixth string-riding triplet/quintet 16th notes, and an orgy of blastbeats. Guitarist Paul Ryan is the only original member. Drummer John Longstreth served from 1999 until 2003 and re-joined in 2007, while bassist Mike Flores joined in 2002. Vocalist Jason Keyser has fronted the band since late 2011. 2008’s Antithesis scored their most consistent reviews since their debut, while 2011’s Entity saw Origin record as a pre-Keyser trio. 2014’s Omnipresent showcased the triumphant return of the band as a somewhat slower-playing quartet. 2017’s Unparalleled Universe marked a return to speedy, brutal, technical death metal. 2019’s Abiogenesis: A Coming Into Existence compiled the band’s demos and other early Ryan-composed material, while 2022’s Chaosmos marked the quartet’s proper return to recording.

Decrepit Birth

Fusionnant une puissance physique brute avec une attaque d’une précision infaillible, Decrepit Birth est un groupe de death metal technique originaire de Santa Cruz, Californie. L’histoire du groupe commence au milieu des années 90, lorsque le chanteur Bill Robinson rencontre le guitariste Matt Sotelo, et qu’ils découvrent qu’ils partagent l’ambition de créer une musique véritablement intransigeante. En 2001, les choses se concrétisent lorsque Robinson et Sotelo s’associent au bassiste Derek Boyer et commencent à assembler du matériel. En 2003, le groupe avait déjà acquis une réputation grâce à leurs concerts marquants et a sorti leur premier album, … And Time Begins, avec le batteur Tim Yeung. Yeung ne resta pas longtemps avec le groupe, et en 2004, K.C. Howard est devenu leur nouveau batteur. Après une tournée intensive, Sotelo a commencé à écrire des morceaux qui donnaient à Decrepit Birth un son plus mélodique sans réduire leur férocité. Le résultat fut leur deuxième album, Diminishing Between Worlds (2008). Bien que Joel Horner jouait de la basse avec le groupe à ce moment-là, il ne figure pas sur l’album, Sotelo jouant également de la basse et des claviers en plus de la guitare. Selon les standards de Decrepit Birth, leur album suivant a été réalisé rapidement, avec Polarity sorti en 2010 sur le label metal respecté Nuclear Blast. La formation Robinson/Sotelo/Horner/Howard a été complétée en studio par les guitaristes Dan Eggers et Ty Oliver, ainsi que par le batteur Lee Smith. À la fin de 2010, Sam Paulicelli est devenu leur nouveau batteur, remplaçant K.C. Howard, et Sean Martinez a pris la place de Horner à la basse en 2013. Bien que Decrepit Birth ait tourné intensivement pour promouvoir Polarity, le groupe a pris une pause lorsque Sotelo est devenu père pour la première fois et a voulu rester à la maison avec son jeune fils. Cependant, il n’a pas cessé d’écrire de nouvelles chansons pendant son congé paternité, et avec Sot

Merging brutal physical power with an unerringly precise attack, Decrepit Birth are a technical death metal band from Santa Cruz, California. The band’s story begins in the mid-’90s, when vocalist Bill Robinson met guitarist Matt Sotelo, and the two discovered they shared an ambition to create truly uncompromising music. In 2001, things got serious when Robinson and Sotelo teamed up with bassist Derek Boyer and began assembling material. By 2003, the band had developed a reputation for their striking live shows, and they released their debut album, … And Time Begins, with the three musicians joined by drummer Tim Yeung. Yeung didn’t last long with the group, and in 2004 K.C. Howard became their new drummer. After extensive touring, Sotelo began writing material that gave Decrepit Birth a more melodic sound without cutting back on their ferocity. The result was their second full-length album, 2008’s Diminishing Between Worlds. While Joel Horner was playing bass with the band by this time, he didn’t appear on the album, with Sotelo playing bass and keyboards as well as guitar. By Decrepit Birth’s standards, their next album was completed quickly, with Polarity released in 2010 by respected metal label Nuclear Blast; the Robinson/Sotelo/Horner/Howard lineup was supplemented in the studio by guitarists Dan Eggers and Ty Oliver and drummer Lee Smith. By the end of 2010, Sam Paulicelli became the group’s new drummer, replacing KC Howard, and Sean Martinez took over from Horner on bass in 2013. While Decrepit Birth toured hard in support of Polarity, the group took a break after Sotelo became a father for the first time and wanted to stay home with his young son. However, he didn’t stop writing new songs while on paternity leave, and with Sotelo and Martinez recording in their respective home studios and Paulicelli cutting drum tracks at a studio in Canada, Decrepit Birth returned in 2017 with the album Axis Mundi.

Fractal Universe

Fractal Universe est un groupe français de metal progressif fondé en 2014.
Avec leur deuxième album Rhizomes Of Insanity sorti en 2019 chez Metal Blade Records, le groupe a créé l’une des œuvres les plus complexes et captivantes du metal progressif du XXIe siècle, tant sur le plan musical, lyrique qu’émotionnel. Le groupe a fortement tourné pour promouvoir cet album, rejoignant les poids lourds d’Obscura en février/mars 2020, participant ainsi à l’une des dernières tournées avant la pandémie, et satisfaisant leurs fans tout en gagnant de nombreux nouveaux adeptes. Avec son successeur, The Impassable Horizon, ils sont allés encore plus loin, suivant sans effort la trajectoire qu’ils s’étaient fixée pour créer un album captivant du début à la fin.

Fractal Universe is a French Progressive Metal Band founded in 2014.
With their 2019’s sophomore record Rhizomes Of Insanity, released on Metal Blade Records the band created one of the most musically, lyrically, and emotionally complex and compelling progressive metal works of the twenty-first century. The band toured the record hard, joining heavyweights Obscura in February/March of 2020, making for one of the last tours in the world pre-pandemic, and in doing so sated their faithful while winning legions of new followers. With its successor, The Impassable Horizon, they have gone even deeper, effortlessly following the trajectory they set themselves on to create an album that is riveting from start to finish.

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