Théâtre Rialto

acadie / country-folk / folk-rock

POP Montréal 2026 : Les Hay Babies, Chad VanGaalen et Sarah Julia au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Les Hay Babies

Les Hay Babies, c’est d’abord des amies : le fun passe avant le travail, pis le travail se fait dans le fun. Acadiennes d’origine néo-brunswickoise, Julie Aubé, Katrine Noël et Vivianne Roy avancent leur folk-rock pluriel et pétillant depuis plus d’une décennie, renouvelant leur proposition musicale à chaque parution. Découvertes via l’EP indie-folk / country Folio en 2012, elles rappliquent deux ans plus tard avec Mon homesickheart en 2014, un premier album aux sonorités folk-rock contemporaines. Le rock 60s / 70s et les ballades 80s de La 4ième dimension (version longue) suivent en 2016, puis la pop / disco 70s de Boîte aux lettres en 2020. Le quatrième album, Tintamarre, celui-ci inspiré du roots rock des jukeboxes louisianais, est paru en octobre 2024. Changements de cap toujours, donc – ce qui fait autant la marque du groupe que son entrain indéfectible et son intérêt pour l’actualisation des sons passés.

Les Hay Babies are friends first: fun comes before work and work is done while having fun. New Brunswick-born Acadians Julie Aubé, Katrine Noël and Vivianne Roy have been bringing forth their sparkling, multifaceted folk-rock for over a decade, renewing their musical proposition with each new release. Since forming a band in 2011, they have launched their EP Folio (2012) and the albums* Mon homesick heart* (2014), La 4ième dimension (version longue) (2016), and Boîte aux lettres (2020), shifting from indie-folk and country to classic rock and disco. They once again reinvented their sound with their fourth album, Tintamarre: a trademark of theirs as much as their unwavering drive and interest in actualizing sounds from past decades.

Chad Van Gaalen

Je suis un artiste qui vit et travaille à Calgary / Mohkinstsis. Je crée des œuvres sculpturales cinétiques ainsi que de la musique. Le projet musical sur lequel je me concentre actuellement s’appelle Full Moon Bummer. C’est de la musique folk / rock. Je joue cette musique avec Ryan Bourne et Chris Dadge. Ce sont deux amis très proches.

I am an artist living and working in Calgary/mohkinstsis I make kinetic sculptural works as well as music. the musical project I am focusing on right now is Full Moon Bummer. it is folk/rock music. I play this music with Ryan Bourne and Chris Dadge. they are both close friends.

Sarah Julia

La musique de Sarah Julia est un exercice de tendresse, empreinte de sororité et marquée par une vulnérabilité poignante. Leur folk indie profondément introspectif puise ses racines dans une enfance partagée : le fruit de souvenirs entremêlés et d’une bande-son formatrice collective qui se manifeste dans leurs voix pures, enlacées avec harmonie, abordant avec délicatesse l’amour, le chagrin et la famille. Dès leur plus jeune âge, elles ont développé une passion commune pour la musique, s’échangeant des recommandations d’albums, notamment de Bon Iver et Ben Howard, pour compléter l’univers de Cat Stevens et Jim Croce qui les avait bercées durant leur enfance. Elles ont ensuite chacune commencé à composer. Mais c’est suite à un bouleversement familial qu’elles ont commencé à unir leurs efforts, cherchant une catharsis commune dans l’écriture de chansons.

Sarah Julia’s music is an exercise in tenderness, bound by sisterhood and defined by a haunting, piercing vulnerability. Their deeply introspective brand of indie folk is forged from a shared childhood: the product of overlapping memories and a communal formative soundtrack that presents itself in the pure vocals that cradle each other in harmony as they delicately address love, heartache and family. From a young age, they developed a shared love of music – trading album recommendations for the likes of Bon Iver and Ben Howard to expand on the Cat Stevens and Jim Croce their parents raised them on – before they individually began dabbling in making music themselves. But it wasn’t until a significant change in their family occurred that they began intertwin

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alt-folk / dream pop / indie pop

POP Montréal 2026 : Luna, Hanako et sundayclub au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Luna

Le groupe légendaire de dream pop Luna a été formé à New York en 1992 et a enregistré pour Elektra Records, Beggars Banquet et Double Feature Records.

Legendary dreampop band, Luna were formed in New York City in 1992 and have recorded for Elektra Records, Beggar’s Banquet and Double Feature Records.

Hanako

Hanako est une auteure-compositrice-interprète établie à Montréal qui affectionne tout autant le folk que la dream pop. Son nouvel EP, « A Sibling Spring », mêle humour et mélancolie pour retracer les souvenirs décousus de sa jeunesse. Chantant en anglais et en japonais, elle offre des spectacles solo intimistes à la guitare acoustique à 12 cordes, ou propose un son plus ample avec une guitare électrique et son groupe d’accompagnement habituel.

Hanako is a Montreal-based singer-songwriter who loves folk and dream pop in equal measure. Her new EP, « A Sibling Spring », uses humor and melancholy to retrace the ramshackle memories of younger days. Writing in both English and Japanese, she performs intimate solo shows on her 12-string acoustic, or delivers a grander sound with electric guitar and her regular backing band.

sundayclub

S’infiltrant dans une statique scintillante, le premier album éponyme du groupe winnipegois sundayclub exige qu’on soit à l’écoute. Décrit comme une « pop rêveuse, coup de poing au ventre », SUNDAYCLUB explore l’étrange entre-deux du début de l’âge adulte : cette sensation d’être coincé entre qui on était et qui on est en train de devenir. Comme la lumière du soleil qui scintille doucement à travers une fenêtre, l’encre qui se répand lentement sur une page, ou une photo argentique granuleuse qui adoucit les contours durs, les paysages sonores texturés et superposés de l’album évoquent un sentiment romantique de nostalgie et d’éphémère. Pour leur première offrande complète, sundayclub arrive assuré et posé, tissant ensemble un monde lumineux qui brouille la frontière entre le passé et le présent.

Filtering in with shimmering static, Winnipeg outfit sundayclub’s self-titled debut demands you tune in. Described as “dreamy, gut-punch pop,” SUNDAYCLUB explores the strange limbo of early adulthood: that feeling of being caught between who you were and who you’re becoming. Like sunlight softly glimmering through a window, ink slowly bleeding across a page, or a grainy film photograph blurring hard edges, the album’s layered, textured soundscapes evoke a romantic feeling of nostalgia and ephemeralness. On their first full-length offering, sundayclub arrive poised and self-assured as they weave together a glowing world that blurs the line between past and present.

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ambient / no wave / post-punk

POP Montréal 2026 : A Winged Victory for the Sullen + &Rubber au Théâtre Rialto – Salle Exclaim!

par Rédaction PAN M 360

A Winged Victory for the Sullen

A Winged Victory for the Sullen est un projet de musique ambient formé par les compositeurs de Redbird Music et collaborateurs de longue date Adam Wiltzie et Dustin O’Halloran. Le duo s’est rencontré en Italie il y a plusieurs années et ne prévoyait initialement sortir qu’un seul album sous le nom A Winged Victory for the Sullen, mais le projet a continué d’évoluer et les deux artistes ont depuis enregistré quatre albums complets, un EP et une bande sonore depuis leur formation en 2011.

A Winged Victory for the Sullen are an ambient music project by Redbird Music composers and frequent collaborators Adam Wiltzie and Dustin O’Halloran. The duo met in Italy many years ago and initially only intended to release a single record as A Winged Victory for the Sullen, but the project has continued to live on and the pair have recorded a total of four full length albums, an EP and a soundtrack since forming in 2011.

&Rubber

&Rubber est le duo montréalais de post-post-punk expérimental formé de Laura Jeffery et Jackson Darby. Laura Jeffery (anciennement de Fountain) et Jackson Darby (NPNP) trouvent un terrain d’entente entre l’esthétique no wave et la musique concrète. Une batterie envoûtante et anguleuse contraste avec des drones chaleureux au synthé modulaire et les grincements organiques d’un daxophone DIY. Imaginez Can qui croise Jon Hassell au lave-auto.

&Rubber is the Montréal-based experimental post-post-punk duo of Laura Jeffery and Jackson Darby. Laura Jeffery (perviously of Fountain) and Jackson Darby (NPNP) find common ground between no-wave aesthetics and musique concrète. Entrancing yet jagged live drums contrast with soulful modular synth-driven drones and organic DIY daxophone screeches. Think Can meets Jon Hassell in the car wash.

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avant-pop / glitch / post-rock

POP Montréal : Do Make Say Think + Kee Avil au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Do Make Say Think

Do Make Say Think est un groupe de post-rock originaire de Toronto, formé en 1996. Signé par le label montréalais Constellation Records en 1997, il s’est imposé comme l’un des pionniers du genre. Le groupe continue à produire une musique instrumentale riche, émotive et saisissante, qui touche un large public à travers le monde.

Do Make Say Think is a postrock band from Toronto that formed in 1996. Signed to Montreal’s Constellation Records in 1997, they have gone on to be recognized as one of the pioneers in their genre and continue to produce beautiful and dramatic instrumental music that resonates deeply with audiences around the world.

Kee Avil

La productrice montréalaise Kee Avil crée des chansons déconstruites mêlant guitare, voix et production électronique à des sensibilités avant-pop, glitch et folk expérimental. Son dernier album, Spine (Constellation, mai 2024), a été élu Album du jour par Bandcamp et a été largement salué par la critique.
The Line of Best Fit a déclaré : « Spine confirme le statut de Kee Avil en tant que virtuose de l’esthétique et de la production, comparable à Jlin ou SOPHIE, produisant une version dégoulinante et caverneuse du glitch, dynamisée par les manipulations », tandis qu’Uncut la décrit comme « profondément intime et intensément troublante… comme une forme de vie extraterrestre fléchissant ses mandibules ». Spine a été citée dans The Wire, déclarant : « Les grooves squelettiques de Kee Avil frappent d’une intimité pressante », tandis que Quietus a salué son intensité contenue : « Spine mijote, se pavanant au bord de l’éruption. Les sons tourbillonnent comme du gel pressé. »
Élargissant sa palette sonore avec des détails complexes, Spine a positionné Kee Avil comme une voix distincte dans la composition expérimentale, évoquant PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE et Lucretia Dalt – où Juana Molina rencontre Coil, ou Grouper fusionne avec Autechre.
Elle a effectué de nombreuses tournées, notamment aux Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montréal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, et bien d’autres. Son premier album Crease (2022) a également été salué par la critique, et Crease et Spine ont tous deux été nommés aux Juno Awards. En 2023, elle a sorti Crease Remixed EP, avec des reprises de Claire Rousay, Ami Dang, Pelada et Cecile Believe.

Montreal producer Kee Avil crafts deconstructed songs blending guitar, voice, and electronic production with avant-pop, glitch, and experimental folk sensibilities. Her latest album, Spine (Constellation, May 2024), was Bandcamp’s Album of the Day and received widespread critical acclaim.
The Line of Best Fit declared ‘Spine affirms Kee Avil’s status of an aesthetics and production virtuoso comparable to Jlin or SOPHIE – producing a dripping, cavernous version of glitch slammed with manipulations’ while Uncut described it as ‘Deeply intimate and intensely unsettling… like an alien lifeform flexing its mandibles’. Spine was featured in The Wire, stating ‘Kee Avil’s skeletal grooves hit with an urgent intimacy’ while the Quietus applauded its restrained intensity ‘Spine simmers, sashaying close to eruption. Sounds worm around like squeezed gel’.
Expanding her sonic palette with intricate detail, Spine positioned Kee Avil as a distinct voice in experimental songcraft, evoking PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE, and Lucretia Dalt—where Juana Molina meets Coil, or Grouper fuses with Autechre.
She has toured extensively, including Les Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montreal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, and more. Her debut album Crease (2022) also received critical acclaim, and both Crease and Spine were Juno-nominated. In 2023, she released Crease Remixed EP with reworks by claire rousay, Ami Dang, Pelada, and Cecile Believe.

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Indie / shoegaze / synth-pop

POP Montréal : U.S. Girls + Elle Barbara + Shunk au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

U.S. Girls

Originaire de l’Illinois, Meg Remy est reconnue comme l’une des auteures-compositrices et interprètes les plus acclamées de la scène musicale underground éclectique de Toronto, où elle vit actuellement. Force créatrice du groupe musical U.S. Girls, sa discographie célèbre s’étend sur 15 ans, depuis ses premières œuvres expérimentales parues sur le label Siltbreeze jusqu’à trois albums nominés au prix Polaris chez 4AD : Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018) et Heavy Light (2020). Ces trois albums ont également été nominés aux Juno du meilleur album alternatif.
Meg Remy a effectué de nombreuses tournées en Europe et en Amérique du Nord, se forgeant une réputation pour ses commentaires politiques perspicaces et ses performances théâtrales avec son groupe U.S. Girls, ce qui lui a valu d’être nommée meilleure artiste live de 2018 par le magazine Paste. Durant cette période, elle a maintenu une pratique artistique visuelle, exposé des collages et réalisé plusieurs vidéoclips et autres œuvres d’art vidéo, dont son court métrage Woman’s Advocate (2014), dans lequel elle a également joué. Récemment, Remy a publié son premier livre, un mémoire intitulé Begin By Telling (2021), et elle a également fait ses débuts dans la composition de musique de film cette année, ayant été choisie pour la comédie d’horreur surréaliste Dead Lover de la cinéaste (et compatriote torontoise) Grace Glowicki (qui a été présentée en première mondiale au Festival du film de Sundance et à SXSW).

Originally from Illinois, Meg Remy is established as one of the most acclaimed songwriters and performers to emerge from Toronto’s eclectic underground music scene where she currently lives. As the creative force behind the musical entity U.S. Girls, her celebrated discography spans 15 years from early experimental works released on the Siltbreeze label and includes three Polaris Prize shortlisted albums on 4AD: Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018), and Heavy Light (2020). All three albums also garnered Juno nominations for Best Alternative Album.
Remy has toured extensively through Europe and North America, establishing a reputation for politically astute commentary and theatrical performances with her extended U.S. Girls band, leading her to be named the best live act of 2018 by Paste Magazine. During this time, she has maintained a visual arts practice, exhibited collage work and directed several music videos and other video art works including her short film Woman’s Advocate (2014), in which she also performed. Recently, Remy published her first book, a memoir called Begin By Telling (2021), and she also made her first foray into film-scoring this year, having been tapped for filmmaker (and fellow Torontonian) Grace Glowicki’s surreal horror-comedy Dead Lover (which world-premiered at Sundance Film Festival and featured at SXSW). As a platform and persona, U.S. Girls operates on a uniquely out-of-time wavelength, alternately wronged and rueful, classic but contemporary, bruised vignettes of poetic Americana through a feminist lens. Her most recent album, Bless This Mess (2023), marked both a divergence from and deepening of Remy’s songbook, more at peace with her restless truths and moods. New music is set to follow in 2025.

Elle Barbara

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste de studio, metteuse en scène de théâtre expérimental, réalisatrice de vidéos, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up, basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz et glam, avec un intérêt pour la musique de bibliothèque, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus d’une décennie. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara trouve son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, en plus des grands noms du mainstream tels que Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Shunk

Le groupe montréalais, Shunk, vous offre un son éclectique et enivrant, composé de leurs influences variées (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra). Leur son excentrique est imprégné du courant avant-garde de la communauté musicale leur ville.

Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, Indie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their electrifying live performances, described as “pure entropy” (PanM 360, 2024) reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene.

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folk / psychédélique

POP Montréal : Lankum + Circuit des Yeux au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Lankum

Le quatuor dublinois Lankum (les frères Ian et Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada et Radie Peat) a acquis une renommée mondiale grâce à ses trois premiers albums et à ses performances live captivantes et euphoriques.
Leur quatrième album, « False Lankum », a été universellement salué, atteignant la deuxième place du classement officiel des albums irlandais dès sa sortie, recevant une nomination au Mercury Prize et éclipsant largement le succès de leur précédent album, « The Livelong Day », lauréat du Choice Award.
Ce disque marque une nouvelle étape dans la métamorphose du groupe en une puissance moderne, s’appuyant sur des méthodes traditionnelles et primitives pour créer une musique audacieuse et singulière qui transcende ses racines folk : un son envoûtant et panoramique, intégrant des nuances expérimentales et des drones grondants, alliés à une écriture classique, des harmonies vocales serrées et des récits intemporels.

Dublin four-piece Lankum (brothers Ian and Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada and Radie Peat) have gained worldwide acclaim for their first three albums and captivating, euphoric live performances.
Their fourth album “False Lankum” has been universally heralded, reaching no.2 in the Official Irish Album Charts on release, receiving a Mercury Prize nomination and significantly eclipsing the success of their previous album, the Choice Award winning, “The Livelong Day”. 
The record heralds a new stage in the metamorphosis of the band into a modern day powerhouse, drawing on traditional and primitive methods to create bold and singular music that transcends its folk roots: an entrancing, widescreen sound incorporating experimental overtones and rumbling drones wedded with classic songwriting, close vocal harmonies and timeless narratives.

Circuit des Yeux

Haley Fohr est une chanteuse, compositrice et auteure-compositrice-interprète basée à Chicago, dans l’Illinois. Ses projets musicaux s’articulent autour de la condition humaine, et ses 15 ans de carrière au sein du Circuit des Yeux sont devenus l’une des initiatives les plus fructueuses des États-Unis pour relier l’intime à l’universel. Elle se distingue par sa voix de quatre octaves et son style unique à la guitare 12 cordes. Parmi ses œuvres récentes, citons la bande originale du film muet Salomé (1923) de Charles Bryant, commandée par Opera North, son album -io, salué par la critique en 2021, et deux LP sous le mystérieux nom de Jackie Lynn.

Haley Fohr is a vocalist, composer and singer-songwriter based in Chicago, Illinois. Her musical endeavors focus around our human condition, and her 15 year career as Circuit des Yeux has grown into one of America’s most successful efforts to connect the personal to the universal. She is most distinctly identified by her 4-octave voice and unique style of 12-string guitar. Her recent works include an Original Soundtrack for Charles Bryant’s silent film Salomé (1923), commissioned by Opera North, her critically acclaimed 2021 album -io, and two LPs under the mysterious moniker of Jackie Lynn.

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chanson keb franco / folk-rock / garage-rock

POP Montréal : Michel Pagliaro + Erika Hagen au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Michel Pagliaro

Musicien montréalais né en 1948, Michel Pagliaro a toujours été à la recherche de musiciens d’exception. Tout au long de son trajet, il s’est lié d’amitiés et d’aventures musicales avec de nombreux artistes.
C’est en 1966 que débute l’expérience de Michel Pagliaro dans les studios d’enregistrement où il se découvre une passion pour la prise de son et les techniques de production. Motivé par cette énergie créatrice qui l’habite, il compose, écrit et endisque de multiples grands succès intemporels qui sont toujours présents dans les cœurs francophones et anglophones. Il est récipiendaire d’un grand nombre de prix prestigieux pour ses chansons. Sans délaisser pour autant son amour pour la performance musicale, il participe à de nombreux projets artistiques en tant que musicien, arrangeur, réalisateur et ingénieur d’un côté comme de l’autre de l’Atlantique.
Toujours sur la route… Michel Pagliaro monte sur scène accompagné de musiciens complices d’esprit et d’harmonies avec qui il livre une dose électrique pour son plaisir et celui du public. Dans son spectacle acoustique, on fait la fête quand PAG revisite les «hits» qu’il a créés et chantés dans une atmosphère intime.

A Montreal musician born in 1948, Michel Pagliaro has always been on the lookout for exceptional musicians. Throughout his career, he has formed friendships and embarked on musical adventures with numerous artists.
In 1966, Michel Pagliaro began his experience in recording studios, where he discovered a passion for sound recording and production techniques. Driven by this creative energy, he composed, wrote, and recorded numerous timeless hits that are still dear to both French- and English-speaking hearts. He has received numerous prestigious awards for his songs. Without abandoning his love of musical performance, he has participated in numerous artistic projects as a musician, arranger, producer, and engineer on both sides of the Atlantic.
Always on the road… Michel Pagliaro takes the stage accompanied by musicians who share a shared spirit and harmony, delivering an electric dose for his enjoyment and that of the audience. In his acoustic show, we celebrate as PAG revisits the hits he created and sang in an intimate atmosphere.

Erika Hagen

Erika Hagen se situe dans le vaste univers du rock-folk garage. Ses chansons sont à la fois irrévérencieuses et intimes, portées par une plume poétique quotidienne. Le projet s’inspire de poètes comme Patrice Desbiens, Riot Grrrls ainsi que des artistes indie-rock et folk comme Courtney Barnett et Avec pas d’casque.
Erika Hagen raconte les reliefs de la ville. Les personnages qui y vivent sont des femmes brillantes, exigeantes et complexes, qui souvent cherchent à prendre la fuite. Le projet se veut une exploration des parties de nous qui manquent la cible, qui détonnent, qui nous sont inacceptables, mais qui cherchent pourtant à être entendues.

Erika Hagen’s world is an unapologetic blend of garage rock and alternative folk. Inspired by poets like Patrice Desbiens, the Riot Grrrls of the 90s and 2000s as well as indie-rock and folk artists like Courtney Barnett and Avec pas d’casque, Erika combines intimate poetry to catchy melodies,
Erika’s characters speak of grief and ghosts, of escapism, of freedom and uncertainty. They are brilliant, demanding and embodied women. Erika’s work is a deep yet playful dive into parts of us that miss the mark, that feel unacceptable, that seek to be heard nevertheless.

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hip-hop / japon / rock psychédélique

POP Montréal : TEKE::TEKE + Holy Fuck au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

TEKE::TEKE

TEKE::TEKE est un groupe psych-rock japonais basé à Montréal. Mettant en vedette des instruments japonais traditionnels, de la flûte, du trombone, des guitares enragées et une section rythmique palpitante, TEKE::TEKE crée un son rappelant les bandes sonores japonaises psychédéliques des années 60 et 70, avec une touche frénétique et moderne. Leurs albums Shirushi et Hagata, parus sous l’étiquette Kill Rock Stars sont disponibles présentement. Le groupe vient tout juste de lancer l’album Kage No Iro, la bande sonore officielle du dernier opus de la grande série de jeux vidéos Assassin’s Creed.

TEKE::TEKE is a wild, cinematic Japanese psych-rock group based in Montreal. Featuring traditional Japanese instruments, flute and trombone alongside raging guitars and a pulsing rhythm section, TEKE::TEKE creates a sound reminiscent of 1960’s and 70’s era psychedelic Japanese soundtracks, with an experimental approach and a frenetic, modern twist. Their albums Shirushi and Hagata are out now via Kill Rock Stars. They also recently released their soundtrack album Kage No Iro they created for the video game Assassin’s Creed:Shadows. “Spitfire songs…frenzied mishmash of guitars, trombone, assorted Japanese instruments, and Kuroki’s singing — guttural, physical shrieks in her native tongue — bears a manic energy that bleeds into even the ballads. ….engaging in a cross-continental musical scramble while flirting with detonation.”
– The New Yorker

Holy Fuck

Holy Fuck, qui fête ses vingt ans, a commencé avec l’ambition de faire de la musique d’une manière qui lui était étrangère, d’accepter les limites, de s’engager dans la joie du bruit et de l’expérimentation. Le plan a fonctionné. Rapidement, ils se sont retrouvés à accompagner des artistes hip hop, à faire la première partie de MIA, à remixer Radiohead et à s’attirer les louanges d’artistes comme Lou Reed, tout en s’attirant les foudres de l’ancien premier ministre conservateur Stephen Harper. Ce qui paraissait autrefois peu conventionnel, des tables de matériel, des fils, de l’électronique aléatoire, est aujourd’hui devenu la norme. Peut-être sont-ils une sorte de pionniers.

Celebrating twenty years, Holy Fuck started with an ambition to make music in a way foreign even to themselves, to embrace limitations, commit to the joy of noise and experimentation. The plan worked. Soon they found themselves backing hip hop artists, opening for MIA, remixing Radiohead, and earning the praise of artists like Lou Reed while earning the ire of former conservative prime minister Stephen Harper. What once appeared unconventional, tables of gear, wires, random electronics has now become the norm. Maybe they’re some kind of pioneers.

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Piano

Chilly Gonzales au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

Chilly Gonzales est aussi bien réputé pour son approche intimiste du piano à travers sa trilogie d’albums Solo Piano que pour son remarquable talent de showman en concert et ses compositions pour des artistes de grande renommée. Vêtu d’un peignoir et chaussé de pantoufles, il remplit les salles de spectacle du monde entier : en l’espace d’une soirée, il peut donner un sublime récital de piano, disséquer la musicologie d’un tube de Billie Eilish et faire preuve de sa dextérité lyrique de rappeur. Chilly aime aussi s’interroger sur son propre enthousiasme pour les musiques souvent considérées d’un « goût » douteux et ose poser la question : la musique doit-elle être soumise à une appréciation intellectuelle ou peut-elle simplement aller droit au cœur ?

Chilly Gonzales is as much renowned for his intimate approach to the piano on his trilogy of Solo Piano albums as he is for his remarkable showmanship in concert, composing for artists of great renown. Dressed in a bathrobe and slippers, he fills concert halls the world over: in the space of an evening, he can give a sublime piano recital, dissect the musicology of a Billie Eilish hit and demonstrate his lyrical dexterity as a rapper. Chilly also likes to question his own enthusiasm for music often considered of dubious “taste”, and dares to ask the question: should music be subject to intellectual appreciation, or can it simply go straight to the heart?

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folk / jazz / new age / roots

POP Montréal : Beverly Glenn-Copeland and friends: The Salon Evening

par Rédaction PAN M 360

Beverly Glenn-Copeland

Dans le tumulte de ce monde, il y a des constantes. Les gens ont besoin les uns des autres. Chaque mouvement frôle les autres, bouge. Aucun de nous n’est cloisonné et aucun de nous ne l’est encore. La musique de Beverly Glenn-Copeland s’inspire profondément de ces vérités. Depuis des décennies, le chanteur, auteur-compositeur et compositeur né à Philadelphie et basé au Canada a attiré une myriade de pratiques musicales vers une seule et lumineuse conviction : que la musique peut nous libérer de ce qui nous isole les uns des autres. Son œuvre aux multiples facettes s’abandonne à la beauté, à la douleur et à la grande capacité de guérison qui parcourent la vie ; dans sa sincérité sans faille, il vous invite à partager son courage. Le nouvel album de Glenn-Copeland, The Ones Ahead — sa première collection de nouvelles musiques en près de deux décennies — approfondit ces explorations, jetant un éclairage scrutateur sur la façon dont nous devons tous dissoudre les méfaits de ce monde et nous entraîner mutuellement vers le prochain. .

In the tumult of this world, there are constants. People need each other. Every motion brushes against others, moving. None of us are siloed and none of us are still. The music of Beverly Glenn-Copeland drinks deeply from these truths. For decades, the Philadelphia-born, Canada-based singer, songwriter, and composer has drawn myriad musical practices toward a single, luminous conviction: that music can shake us loose from what closes us off from each other. His multifaceted body of work surrenders to the beauty, pain, and great capacity for healing that courses through life; in its unguarded sincerity, it invites you to share in its courage. Glenn-Copeland’s new album, The Ones Ahead — his first collection of new music in nearly two decades — deepens these explorations, casting searching light into how all of us must dissolve the harms of this world and carry each other forward into the next.

Mimi O’Bonsawin

Mimi O’Bonsawin, auteure-compositrice-interprète folk et roots, représente plusieurs traditions à travers ses rythmes originaux et ses chansons évocatrices. Elle puise dans ses racines franco-ontariennes et Abénaki, des mélodies enivrantes et des paroles introspectives pour faire voyager ses auditeurs, comme une guide dans le cœur d’une forêt. Sa musique éthérée, agrémentée de trames percussives et d’harmonies étonnantes vous transporte dans son univers. Accompagnée de son partenaire Ryan Schuman à la batterie, le dynamisme et la fraîcheur musicale du duo vous fait vivre une expérience édifiante.

Mimi O’Bonsawin is a contemporary roots singer-songwriter from Northeastern Ontario. Through her rhythm and story-driven songs, Mimi embraces the beauty of the land, all the while yielding to her Franco-Ontarian and Abenaki roots. The ethereal quality of her music whisks you away with uplifting melodies and introspective lyrics that weave pop sensibilities with acoustic instruments. The layers of percussion and surprising harmonies make you feel the music rather than just hear it.

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hommage / Indie

POP Montréal : La Route Chante – Hommage à Lhasa

par Rédaction PAN M 360

Lhasa de Sela était une artiste dont la présence puissante et les chants transcendaient le langage et franchissaient les frontières en sondant les archétypes de l’expérience humaine. Aujourd’hui, près de 15 ans après sa mort, ses chansons perdurent. Ces deux soirées au Rialto, dans le quartier que Lhassa appelle chez lui, nous réunissons une combinaison d’amis, de collaborateurs et d’une nouvelle génération d’artistes qu’elle a influencés pour interpréter et célébrer ses chansons.
POP Montréal et Opak Productions, en collaboration avec la famille de Lhasa, présentent une soirée avec les membres des deux derniers groupes de Lhasa donnant vie à ses chansons, avec des performances de Feist, Calexico, Juana Molina, Silvana Estrada, Klô Pelgag, Myriam Gendron, Bibi Club, Helena Deland, La Force, The Barr Brothers, Laurence Anne, Yves Desrosiers, Samantha de la Vega et le Stone Bonnet Choir, sous la direction musicale de Joe Grass.

Lhasa de Sela was an artist whose powerful presence and songs transcended language and bridged borders by plumbing the archetypes of human experience. Today, almost 15 years after her death, her songs live on. These two nights at the Rialto, in the neighbourhood Lhasa called home, we gather a combination of friends, collaborators and a newer generation of artists she influenced to perform and celebrate her songs.
POP Montreal and Opak Productions, in collaboration with Lhasa’s family, present a night with members of Lhasa’s last two bands bringing her songs to life, with performances by Feist, Calexico, Juana Molina, Silvana Estrada, Klô Pelgag, Myriam Gendron, Bibi Club, Helena Deland, La Force, The Barr Brothers, Laurence Anne, Yves Desrosiers, Samantha de la Vega, and the Stone Bonnet Choir, under the musical direction of Joe Grass.

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country-folk

POP Montréal: Iris Dement + Nico Paulo

par Rédaction PAN M 360

Sur son nouvel album transcendant, Workin’ On A World, Iris DeMent fait face au monde moderne – tel qu’il est actuellement – ​​avec sa catastrophe climatique, ses pandémies et ses épidémies de violence et d’injustice sociale – et ne se contente pas de nous demander comment nous pouvons continuer à le faire. œuvre pour un monde meilleur, mais nous implore de nous aimer les uns les autres, malgré nos façons de voir très différentes. Ses chansons sont sa façon de guérir nos espaces intérieurs et extérieurs brisés.

Le résultat est un album plein d’espoir – scintillant de brillants éclairs d’humour poignant et de tendresse édifiante – qui dit la vérité, « de la même manière que la vérité est toujours porteuse d’espoir », explique-t-elle. En réfléchissant aux paroles de la chanson « The Sacred Now » (« voyez ces murs/fayons-les tomber / ce n’est pas un rêve ; c’est le sacré maintenant »), DeMent se souvient de Jésus disant que le Royaume de Dieu est en vous. et le moine activiste bouddhiste Thich Nhat Hanh disant que la rose est dans le compost ; le compost est dans la rose. Sur Workin’ On A World, Iris DeMent démontre que les chansons sont la guérison et que la guérison surgit à travers la chanson.

On her transcendent new album, Workin’ On A World, Iris DeMent confronts the modern world – as it is now – with its climate catastrophe, pandemics and epidemics of violence and social injustice – and doesn’t just ask us how we can continue to do so. works for a better world, but implores us to love one another, despite our very different ways of seeing. Her songs are her way of healing our broken inner and outer spaces.

The result is a hopeful album – sparkling with brilliant flashes of poignant humor and uplifting tenderness – that tells the truth, “in the same way that the truth is always hopeful,” she explains. Reflecting on the lyrics of the song “The Sacred Now” (“see these walls/let’s tear them down/it’s not a dream; it’s the sacred now”), DeMent is reminded of Jesus saying that the Kingdom of God is within you. and Buddhist activist monk Thich Nhat Hanh saying that the rose is in the compost; the compost is in the rose. On Workin’ On A World, Iris DeMent demonstrates that songs are healing, and that healing happens through song.

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