SAT

ambient / électronique

EAF X SAT | Ambient: Treglia, Jiyoung Wi, Keru Not Ever, IRL

par Rédaction PAN M 360

Des drones puissants envahissent la salle, des sons chaleureux vous enveloppent, un maestro numérique post-classique et une violoniste anti-virtuose s’affrontent: la soirée promet un large éventail de musique ambient. Improvisation noise saisissante, synthés modulaires complexes, orchestrations émouvantes et délicieuses sonorités psychoacoustiques se réunissent pour titiller vos sens. 

Spectacle assis

27 NOVEMBRE/NOVEMBER 27 20H / 8 PM BILLETS/TICKETS ICI/HERE

Powerful drones washing over the room, warm textural sounds wrapping around you, a post-classical digital maestro and an anti-virtuoso violinist clashing: the night is promising a wide spectrum of ambient music. Hair-raising noise, advanced modular synth works, tear-jerking string works, and psychoacoustic ear candy all come together to tug on your brainstrings. 

Seated show

Afrique / électronique

Singeli : le son du futur de la Tanzanie est là

par Loic Minty

Sisso & Maiko ont offert à la S.A.T. un spectacle inédit dans l’univers de la musique électronique. Initiateurs du nouveau son Singeli, les producteurs tanzaniens ont non seulement inventé un genre entièrement nouveau, mais aussi une nouvelle façon d’appréhender la musique électronique, du moins ici en Amérique du Nord. Son originalité est comparable à celle du Baile Funk, mais Singeli est encore plus éloigné culturellement, créant son propre univers sonore insulaire. Soutenus par le label de musique expérimentale ougandais Nyege Nyege, Sisso & Maiko incarnent cette nouvelle vague musicale qui rompt avec les stéréotypes musicaux africains. Leur son est une incarnation technologique de la danse elle-même, où le corps est l’instrument final d’une chaîne de création numérique.

À la première écoute, les rythmes peuvent paraître écrasants et répétitifs, mais c’est là tout l’intérêt, et avec le temps, cette impression s’estompe pour laisser place à une joie extatique. À travers la danse, le corps se fond dans l’étrange géométrie des rythmes inspirés du Mchiriku, les oreilles apprivoisent les sirènes percussives des claviers Casio vintage, comme une sorte d’embellissement caricatural. Le son de Singeli est riche, mais aussi peu sérieux. Après deux chansons, nous étions conquis, non seulement par la singularité du son, mais aussi par le sens du spectacle qui a progressivement transformé la foule initialement éblouie en fans.

Que ce soit les yeux bandés, jouant du clavier avec les pieds ou enlevant leur torse pour danser une Chura dans la foule, Sisso et Maiko ne se privaient pas une seconde de s’amuser. C’était contagieux. Ils auraient pu jouer toute la nuit sans que nous ayons vu le temps passer. Et à force de danser, de sauter et de courir, notre fatigue était transcendée. Mes recherches m’ont rappelé l’origine du son Singeli, qui se trouvait dans les soirées Kigodoro, Kigodoro signifiant « petit matelas de mousse », car les danseurs s’effondraient après des nuits blanches. Si le spectacle n’avait pas été interrompu à 1 heure du matin, on imagine aisément à quel point même un morceau de carton aurait semblé confortable à 7 heures.

Experimental

Akousma | Un concert augmenté par conduction osseuse

par Judith Hamel

En ce 9 octobre, salle comble sous le dôme de la Société des Arts Technologiques pour le Concert Augmenté présenté par Akousma. Il s’agit d’un événement pionnier, qui utilise pour la première fois de manière structurée des écouteurs à conduction osseuse dans un contexte de concert électroacoustique. Quatre œuvres de musique mixte spécialement commandées pour l’occasion ont été présentées.

Après une brève présentation de Andrea Gozzi, directeur du projet de recherche-création, plusieurs remerciements des collaborateur·trices et un calibrage de nos écouteurs à conduction osseuse, nous sommes prêts pour l’immersion. 

Nicola Giannini, La dialectique de la proximité

Posté derrière ses synthétiseurs, Nicola Giannini sculpte un dialogue entre la vastitude et l’intimité. Les premières minutes s’étirent en divers motifs itératifs spatialisés autour de nous et au travers de nos écouteurs. Une voix finit par s’élever à travers nos cochlées : « Mais j’adore le son de ce feutre qui va vers toi, vers moi, vers nous. » Giannini s’attarde à écrire avec ce dit feutre et nous entendons ces gestes dans nos écouteurs. Une traversée d’un univers sonore  organique créé par synthèse, une dialectique de la proximité…

Duo Catalão-Thibault, INTIMITÉ INFINITÉ

Munis de trompes, Dominic Thibault et João Catalão traversent lentement l’espace, passant de l’arrière du dôme vers l’avant. À chaque appel sonore, ils marquent quelques pas. Arrivés à leur installation, autour de la grosse caisse, les trompes servent à produire des sifflements venteux, désormais transmis directement dans nos écouteurs, créant immersion et intimité. Puis, les deux artistes manipulent divers objets en interaction avec la caisse. Ils explorent granulations, frottements, complexité de masse sonore et qualités de timbres.  L’exploration de la circularité sonore se révèle particulièrement intéressante, notamment à travers la gestualisation d’une chaîne métallique sur la grosse caisse.

La fin renoue avec le début par un lent déplacement des artistes hors du dispositif. Cela est ponctué par des tintements de crotales alternés qui s’éteignent progressivement jusqu’à la disparition complète du son.

Ana Dall’Ara-Majek, Polyhedral Rhythms

Avec son mystérieux PhotoTable (instrument inventé), Dall’Ara-Majek dispose plusieurs fioles sur une table de verre équipée d’un dispositif électromagnétique sensible à la lumière. Chaque fiole, selon sa position, génère une réponse sonore distincte, modulant la densité des sons et son déploiement rythmique. Le matériel sonore provient de synthèse modulaire et d’enregistrements de terrain, créant des paysages imaginaires. Autour de nous, se déploient des sonorités d’écoulement et de flux liquides. En déplaçant méthodiquement, avec des gestes francs et calculés, les fioles sur la surface, l’artiste fait émerger des textures sonores tantôt serrées ou éparses, graves ou aiguës, denses ou légères, parfois tonales, parfois plus complexes.

Un instrument qui nous plonge dans les transformations de la matière.

Kevin Gironnay, Espèces d’espaces

Pour clore l’événement, Gironnay présente une œuvre avec la soprano Amy Grainger, qui récite et chante des extraits de poèmes transmis par les écouteurs à conduction osseuse. Pour un moment, des respirations se multiplient à travers le dôme, se spatialisent et se transposent, des inspirations glissantes. Les poèmes parlent de l’espace, de nos âmes, du vivant. De Georges Perec, Grainger nous cite : « Le problème n’est pas tellement de savoir comment on en est arrivé là, mais simplement de reconnaître qu’on en est arrivé là, qu’on en est là : il n’y a pas un espace, un bel espace, un bel espace alentour, un bel espace tout autour de nous, il y a plein de petits bouts d’espaces. »

​​Cela conclut bien la soirée. Une soirée d’exploration de l’espace, de notre présence et du potentiel sensible des nouvelles technologies.

électronique / techno

Ambiance d’entrepôt nocturne pour la nuit blanche de Juan Atkins à la SAT

par Julius Cesaratto

Juan Atkins, parrain de la techno et membre du duo pionnier Cybotron, s’est rendu à la Société des Arts Technologiques pour offrir une performance incontournable aux puristes de la techno. Considéré comme l’un des fondateurs du son né à Detroit dans les années 1980, Atkins a livré avec grâce un set techno classique, agrémenté de ses mélodies signature, de son chant robotique distordu et d’une utilisation inimitable de la Roland TR-909, la boîte à rythmes qui a posé les bases de la techno elle-même.

Il a commencé la soirée en douceur, superposant des sons mécaniques qui gagnaient progressivement en intensité, jouant avec les fréquences à mesure que la piste de danse s’échauffait. Les piliers de béton brut de la SAT s’élevaient au-dessus de la foule tels les vestiges squelettiques d’une usine désaffectée, offrant un arrière-plan idéal à la pulsation industrielle du son d’Atkins, parfois rauque, mais toujours mélodique.

Il suffit de cligner des yeux et vous pourriez vous retrouver soudainement transporté dans un entrepôt animé de Motor City aux premières heures du matin.

Alors que la saturation sonore cédait et que les lumières scintillaient dans des tons verts profonds, des coups de batterie minimalistes cédaient la place aux mélodies groovy et synthétisées qui ont marqué la carrière illustre d’Atkins en tant que producteur et DJ. Le public multigénérationnel de ravers présent a été transporté dans un véritable voyage sonore : Atkins mêlait son son techno-futuriste à des synthés et des lignes de basse funk entraînantes, clin d’œil à ses premières influences.

Fort de plus de 40 ans d’expérience en tant que sélecteur, il a fait monter le tempo, mélangeant une riche palette de styles – des débuts de la synthé à l’italo-disco – sans jamais perdre l’essence même de son son. Le point culminant de la soirée a été atteint avec « Chase » de Giorgio Moroder, qui a suscité les acclamations du public. Brève étincelle de nostalgie, elle s’est parfaitement adaptée au groove de la soirée, faisant écho aux racines de la techno sans jamais paraître rétro.

En guise de cadeau d’adieu à la piste de danse, Atkins a clôturé son set de deux heures avec une touche de jungle de bon goût, une fin rapide qui a laissé la foule en redemander.

Les sons étaient industriels mais mélodiques ; la superposition de batterie, de basse et de synthés était funky, fluide et impeccablement synchronisée. Un véritable artiste derrière les platines.

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ambient / house / techno / techno expérimentale

Vendredi soir au Dômesicle – Toute la nuit avec Jump Source

par Rédaction PAN M 360

Vibrant et infatigable – Jump source, duo montréalais composé de Priori et Patrick Holland, ne manque pas de garder la nuit sur le rythme et le dôme avec des pieds sauteurs – un set exaltant de 5 heures de techno, house à expérimental et ambiant, avec un parfum d’éthéré et de nostalgie par moments.

Apparemment mécanique, le mélange d’états et de grooves organiques dégage une satisfaction et une fluidité sur la piste de danse, transformant l’ambiance en atmosphère, le sensoriel en émotion. Aussi captivant soit-il, le duo maîtrise l’art de la maintenir – grandir, suspendre, tendre, relâcher – comme des vagues qui se forment et se brisent, l’une après l’autre. Un set de JS, c’est comme un voyage dans plusieurs directions, à travers plusieurs paysages, sans jamais perdre le nord ni la raison qui nous a poussés à le faire – ils nous transportent sans effort toute la nuit sur un rythme constant, ni trop rapide, ni trop lent ; les virages sont fluides et savoureux, on refait surface pour reprendre son souffle et retrouver le rythme des lignes de basse. Il s’agit de sculpter l’élan sur la piste de danse, toute la nuit.

En plus de leurs projets solo prolifiques, Francis Latreille et Patrick Holland collaborent en duo depuis près d’une décennie, à la fois en studio en tant que producteurs et en club derrière les platines, ayant récemment sorti leur 6e EP en avril de cette année.

Le collectif Mostly Noise et Jonahvision ont guidé notre voyage dans le dôme semblable à un sauna en sueur dans des visuels trippants immersifs et des espaces virtuels, faisant résonner l’esthétique groovy proposée par Priori et Holland aux platines.


Électro / euro-disco

L’art du trait: l’euro vision de Klangkarussell à la SAT

par Loic Minty

Tard dans la nuit, le boulevard Saint-Laurent est peuplé de personnages de bandes dessinées. Ils tournent religieusement autour de leurs désirs, les absorbent en les bloquant avec une cigarette et quelques bavardages, pour ensuite replonger dans l’abîme avec des oreilles fraîches. Quelque chose de rebondissant et de doux pour vous faire tomber, mais avec juste assez de substance pour retenir votre attention. Trance. Le duo électronique autrichien Klangkarussell est passé maître dans l’art du trait, l’art de la ligne.

Avant même que vous ne vous en rendiez compte, il est sous vos pieds, un accord rythmique sert de lit à des voix pleines d’âme qui restent dans votre tête jusqu’à ce que vous vous endormiez. C’est un manuel d’eurodance et de trance vocale qui mêle des éléments de disco, une musique destinée à être partagée et dans laquelle on entre et on sort. C’est l’ambiance de la vie nocturne sociale, où les bavardages – étouffés par les lourds kicks – font partie de la musique. Les gens s’accrochent les uns aux autres comme des bouquets d’herbe annonçant le printemps. Je parle à un couple qui me dit être venu de l’autre côté de la rivière pour voir Klangkarussell et je commence à me demander d’où ils viennent exactement.

Devenu populaire à la même époque qu’Avicii et Martin Garrix, Klangkarussell fait partie des exportations européennes qui ont réussi à mélanger des tubes pop avec des montées en puissance et des progressions d’accords et des rythmes conventionnels. Cette arrivée tardive de la pop électronique européenne en Amérique du Nord a été accueillie avec enthousiasme, car sa formule simple était empreinte d’un optimisme qui donnait envie de se laisser aller et de faire des folies. Je me souviens qu’il s’agissait de la bande-son de nombreuses fêtes d’anniversaire, mais à en juger par la foule plus âgée, j’imagine qu’il était tout aussi populaire dans les festivals à l’époque de la récession. Impressionné par la capacité de Klangkarussell à attirer les foules, je me suis approché de plus en plus près pour voir ce qui se passait. Tout sourire, leur excitation était contagieuse car elle annonçait la prochaine montée et la prochaine descente. Les mains en l’air pointant vers le ciel – quand l’hymne commence, il n’y a plus de limites à l’esprit.

Au fur et à mesure que la nuit avance, la piste de danse devient une sorte de communion, et Klangkarussell et ses grands prêtres silencieux. Leur musique n’exige pas l’attention, elle la mérite, attirant doucement les gens vers l’intérieur tout en les élevant. Dans un monde qui semble de plus en plus fragmenté, leur son offre une étrange cohésion, une pulsation partagée. En regardant la foule se balancer sous les lumières vacillantes de Saint-Laurent, je réalise qu’il ne s’agit pas seulement de nostalgie ou d’évasion – c’est un rappel que parfois, tout ce dont nous avons besoin, c’est d’un rythme auquel nous accrocher, et d’un endroit où nous perdre.

électroacoustique / Électronique / expérimental / hip-hop instrumental / jazz contemporain

African American Sound Recordings à la SAT : merveilleux bruit de fond

par Loic Minty

Dans un monde de mouvements impossibles à retracer, cette forme de musique à l’état liquide est à peine contenue par le terme « expérimental ». Ce post-hip-hop n’existe alors qu’ici et maintenant, là où le hip-hop est devenu plus ce que l’on ressent que ce que l’on entend.

Et pourtant, c’est encore tout ce qui l’a constitué, plus bruyant et plus éloigné, comme un signal passant à travers de vieux fils. African American Sound Recordings semble regarder d’en haut ce réseau infini et trouver les voix subtiles, comme Morphée observant la matrice du cœur humain.

D’où vient ce bruit ? Au bout de 20 minutes, on commence à oublier, au bout de 30 minutes, on est aspiré, et au bout de 45 minutes, on en fait partie.

Démontant toutes les attentes, A.A.S.R. a sculpté une forme au-delà de la musique, une anthropologie de la culture noire : du punk à la soul des années 70, en passant par un saxophone hurlant comme s’il avait été maudit par Pharoah (Sanders) lui-même. Il y a une authenticité et une originalité dans son approche qui semble avoir été le fil conducteur de cette soirée.

L’approche platiniste de Slow Pitch Sound a plongé la foule dans une zone crépusculaire. Mixant comme s’il était en voyage cosmique avec Lee Scratch Perry au Studio One, son approche chopped and screwed rappelait les classiques du scratch tel DJ Screw, tout en les renouvelant complètement dans le choix de ses samples. Trouvant des boucles dans des sons accidentels, Slow Pitch Sound a créé ses rythmes sur place et a fait en sorte que la foule soit suspendue à chacun de ses mouvements. L’art (en voie d’être) oublié du platinisme a montré son potentiel inexploité en tant qu’instrument et, combiné à des outils numériques, a construit un son chaud et distinct, transformé en art par la maîtrise gracieuse de ses outils.

Mais la surprise la plus inattendue de la soirée a été la première prestation de Dumb Chamber, qui a montré à Montréal des contours de la musique électronique à venir. Toujours en quête de nouveauté, le dense patchwork de séquences taquine le rythme et se construit en houles d’orchestrations émotives. Quelque part entre Luc Ferrari, Dean Blunt ou Replica de Oneohtrix Point Never, ce son se distingue par un mélange apaisant de enregistrements sur le terrain et de mélodies sensibles empruntant à l’orchestration classique.

Dumb Chamber arborait un large sourire alors qu’il passait sans effort d’un genre à l’autre ; même sa version de la house classique avait un style distinctif, alors que des bruits prononçaient des contre-rythmes en arrière-plan. La foule, qui aurait pu être une fête du personnel de Ssense, n’était peut-être pas aussi chaude pour la danse, mais on sentait qu’elle écoutait profondément et appréciait les expériences sonores passionnément recherchées auxquelles elle assistait.

C’était l’une de ces expériences dont on sort en ne se sentant pas tout à fait le même qu’à l’entrée. Peut-être était-ce le mur de basses fréquences qui vous a pénétré les os, peut-être était-ce le fait d’être assis sur le béton froid, mais j’ai eu l’impression qu’un nouvel espace s’ouvrait pour imaginer la musique en tant que performance, et j’ai hâte de l’explorer.

électronique

Dômesicle à la Satosphère : Laurel Halo, une des plus grandes

par Rédaction PAN M 360

Ce vendredi 28 février nous n’aurons pas droit à un live set de Laurel Halo, originaire de la ville universitaire de Ann Arbour, Michigan. Elle est une des plus brillantes de la planète électronique, elle investit des mondes orchestraux qui vont de la musique moderne symphonique au jazz contemporain en passant par les musiques de création, donc un univers riche, innovant, puisant à la fois dans le corpus instrumental que dans le corpus électronique. Elle sera à la Satosphère dans le contexte des événements Dômesicle. Les artistes locaux kiju, très actifs sur notre scène électronique underground, et Evita des Sunday Service montréalais, partageront le programme avec l’Américaine.Tout amateur de DJisme top niveau a intérêt à s’y pointer !

PLUS D’INFOS SUR LA SOIRÉE ICI

This Friday, February 28, we won’t be treated to a live set from Laurel Halo, who hails from the university town of Ann Arbour, Michigan. She’s one of the brightest talents on the electronic planet, and her orchestral worlds range from symphonic modern music to contemporary jazz and creative music, creating a rich, innovative universe that draws on both instrumental and electronic corpus. She’ll be at the Satosphère in the context of Domesicle. Local artists kiju, very active on our underground electronic scene, and Evita from Montreal’s Sunday Service, will share the program with the American. fan of top-level DJism had better show up!

musique contemporaine

M/NM | Le New European Ensemble ouvre la 12e édition

par Vitta Morales

L’ensemble néerlandais New European Ensemble a donné le coup d’envoi de la 12e édition du Festival Montréal/Nouvelles Musiques. Le concert d’ouverture, intitulé Dynamite Barrel, présentait le travail de compositeurs contemporains novateurs dont les pièces s’inscrivaient dans le thème de cette année : le mariage de la musique et de l’image. 

En me rendant à ce concert, j’ai supposé que cela signifiait que la musique évoquait des images, mais qu’en fin de compte, chaque auditeur était responsable de son propre imaginaire. Comme j’allais bientôt le constater, chacun des compositeurs invités exploiterait ce thème de manière légèrement différente. Les pièces sont conçues pour représenter des lieux, des évolutions sonores, des périodes historiques ou un mélange des trois. Parfois, cela a été fait, comme c’est souvent le cas lorsqu’il s’agit de nouvelle musique de chambre, en repoussant les limites des textures et des timbres, ce qui signifie qu’elles contiennent tous les passages fleuris, les techniques étendues, l’orchestration mixte et les moments sans métrique auxquels on peut s’attendre. Pour ceux qui trouvaient cela épuisant, la pièce Cyan Saturn, inspirée par Bitches Brew de Miles Davis, offrait un beau contraste, car elle contenait certaines formes de composition du jazz fusion, ce qui en faisait quelque chose d’un peu différent.

Quoi qu’il en soit, la plupart des pièces de la soirée associaient leur musique à des images projetées sur un écran et demandaient essentiellement aux musiciens du New European Ensemble de « composer » les images en direct. Dans un morceau, cela signifiait de recontextualiser de vieilles scènes des Looney Tunes ; à une autre occasion, un film de Bollywood ; et à la toute fin, un morceau de surf rock superposé à de la musique thaïlandaise sur fond d’ombres chinoises. 

Lorsque la structure musicale se transformait en ce que je considérerais comme des paysages sonores denses, pointillistes ou sans mètre, j’étais beaucoup plus tolérant à l’égard des cris et des grincements lorsque je pouvais voir qu’ils étaient en accord avec ce qui se passait à l’écran. Le cerveau est amusant de la sorte. À d’autres moments, j’ai eu l’impression que certains paysages sonores denses avaient fait leur temps. Je peux tout à fait admettre que la musique de chambre contemporaine pose des questions importantes sur les pratiques établies lorsqu’elle emprunte cette voie ; mon bémol est qu’il semble que ce soit toujours les mêmes questions. Et elles sont posées depuis plus de quelques décennies à ce stade. Dans l’ensemble, le New European Ensemble a interprété et nous a offert une musique très intéressante, mais je ne serais pas prêt à me précipiter à la table de vente de marchandise.

photos: Marie-Ève Labadie

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house

MUTEK 2024 | Nosaj Thing & Jacques Green, live set en tandem

par Alain Brunet

L’équipe de PAN M 360 sillonne l’entière programmation de MUTEK 2024 et y observe un maximum d’artistes au cours de cette 25e édition de sa version montréalaise. Suivez nos expert.e.s jusqu’à dimanche soir, aucune autre couverture médiatique de MUTEK ne s’annonce aussi considérable!

Le Californien Jason Chung alias Nosaj Thing, est un artiste respecté dont la carrière est en marche depuis les années 2000. Du punk et du hardcore expérimental, il a progressivement mis au point un langage assez signifiant pour attirer des géants tels Kendrick Lamar et Flying Lotus. Son art dépasse le monde de la musique, il est très sollicité par la production cinématographique, télévisuelle ou multimédia. Dans la salle principale de la SAT, il amorçait la toute première heure de mercredi avec son éminent collègue montréalais Jacques Greene, un habitué de MUTEK, du Piknic et d’Igloofest, connu pour ses déclinaisons singulières de house, future soul et autres sous-genres mâtinés de brillantes insertions, dont des déclamations féminines en français s’il-vous plaît. Nosaj Thing et Jacques Greene présentaient ainsi leur premier set live, extrapolation créatrice d’une longue tournée en DJ set B2B. Le tandem a offert un set concluant, typique de la série Nocturne : exploration sonore, audace conceptuelle enrobée de référents mieux connus et, il va sans dire, propices au libations nocturnes.

crédit photo: Bruno Destombes

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MUTEK 2024 – Utopie ou oubli

par Elsa Fortant

Le 19 août 2024, le Sommet Future Festivals a lancé la 10e édition du Forum MUTEK « Utopie ou oubli » à la Société des arts technologiques (SAT). L’objectif de cette journée était de réunir les créateurs de festivals, les artistes et les publics pour explorer des idées et des projets innovants pour l’avenir des festivals. PAN M 360 a assisté à la conférence d’ouverture et voici ce qu’il faut savoir à ce sujet.

La conférence d’ouverture du Sommet Future Festivals, intitulée « Du festival comme laboratoire vers la culture d’utopies temporaires », a commencé par Drew Hemment qui a posé deux questions simples mais complexes : « Pourquoi faisons-nous des festivals ? Pourquoi ont-ils de l’importance ? »

Drew Hemment est un universitaire, artiste et commissaire d’exposition britannique connu pour son travail de pionnier à l’intersection de la technologie, de la culture et de la société. Les travaux de Drew Hemment couvrent des domaines tels que la science des données, l’IA et le design. Il est actuellement associé à l’université d’Édimbourg, où il contribue à des projets tels que les festivals du futur à l’Edinburgh Futures Institute et travaille avec l’Alan Turing Institute. 

Au cours de sa présentation, Drew Hemment a exploré l’évolution des festivals en tant que plateformes d’innovation et de changement social. Il a commencé par retracer son parcours, de DJ à la fin des années 80 à la fondation de FutureEverything en 1995, en soulignant comment ses propres pratiques sont intégrées dans les projets de recherche qu’il dirige actuellement, notamment The New Real, un centre pour l’IA, la recherche créative et la recherche sur l’avenir, géré comme un festival. 

S’appuyant sur son expérience avec le FutureEverything, Hemment a discuté de l’éthique qui sous-tend les festivals, soulignant le besoin de méthodologies de prototypage et de création d’outils à la croisée de la création de festivals, de la théorie critique et des méthodes de conception. La boîte à outils The Festival As Lab, le FutureEverything Manual ou le Future Festival Field Guide sont de parfaits exemples de ce qui peut être partagé.

L’universitaire britannique a ensuite mis en lumière six trajectoires clés (et non des prédictions !) pour les festivals à venir : 

  1. Paratonnerres pour les signaux faibles
  2. Faciliter les découvertes fortuites
  3. Créateurs de nouveaux sens et de nouvelles formes
  4. Favoriser les connexions et les communautés au-delà de la bulle de filtre 
  5. Infrastructures culturelles additives et régénératives
  6. Catalyseurs de l’intelligence planétaire

Vous pouvez trouver les détails de ces trajectoires, chacune accompagnée d’une recommandation, dans un article (très accessible) écrit par Hemment à https://www.holo.mg/dossiers/future-festivals-field-guide/#68760

L’engagement de Drew Hemment à partager ses connaissances sur les festivals interdisciplinaires et socialement engagés montre qu’il croit en leur rôle essentiel pour façonner l’avenir. Toutefois, pour assurer leur pérennité, il faudra relever les défis infrastructurels grâce à un effort collectif, à l’attention et à la détermination.

Crédit photo: Maryse Boyce

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breakbeat / électronique / techno

Dystopique. Futuriste. Visionnaire: DJ STingray 313, l’oracle de la techno sombre

par Salima Bouaraour

DJ STINGRAY 313 X SAT X PANM360 

1er juin 2024 

Ce 1er juin, au Club SAT, le public a pu se délecter d’un symbole iconique de la techno de Détroit: DJ Stingray 313. Le nouveau système son a permis de fournir un cadre idyllique pour savourer les sélections de Sherard Ingram. Dystopique. Futuriste. Sombre. Un set de 2 heures où se succèdent les variations d’électro breakée, texturée, analogique, à la teinte scientifique et empreinte de techno au kick martelant. 

Depuis 2006, cet adepte de la scène souterraine a su développer une esthétique unique : toujours masqué et habillé d’un maillot de baseball de Détroit, emmenant le public dans les antres les plus sombres de leur intellect repoussant ainsi les limites de la musique. Des transitions tranchantes contrastant avec le calme constant de ce magicien nocturne. Ce qui fait l’exceptionnel qualité et renommé de ce sagace DJ est sa capacité à offrir des prestations parfaites en modulant constamment la trame sonore tant dans les styles que dans les crescendo brusques et explosifs, ou les diminuendo abrupts. 

L’ambiance dans l’Espace SAT était électrique et joyeuse à souhait. En effet, les fidèles se réjouissaient de cette séance d’exorcisme à s’en évanouir! Invité à maintes reprises à Montréal, on ne se lassera jamais de voir ce virtuose adepte des grands clubs comme Le Basement à New York, le Tangent Galerie à Détroit, Le Tresor à Berlin, le Human Club à Barcelone ou le Festival Intonal à Malmo ou les soirées Dekmantel à Amsterdam. La liste est bien longue! 

Retrouvez toute la programmation de la SAT ici:

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