Daniel Romano est un producteur, multi-instrumentiste, artiste visuel et graphiste de talent. C’est un chanteur d’enfer et l’un des plus grands auteurs-compositeurs d’aujourd’hui. C’est un leader, un joueur de cornemuse et un voleur. C’est un jeune homme avec un vieil esprit et de beaux costumes. Il a obtenu un disque de platine pour son travail de production avec City and Colour et a été nominé pour un Juno pour sa conception graphique. Il est un ancien membre d’Attack in Black.
Daniel Romano is a talented producer, multi-instrumentalist, visual artist, and graphic designer. He’s a hell of a singer, and one of the greatest songwriter’s working today. He’s a leader and a piper and a thief. He’s a young man with an old mind and some nice suits. He’s earned a platinum record for his production work with City and Colour and has been nominated for a Juno for graphic design. He is a former member of Attack in Black.
Le Festival Accès Asie s’associe au lancement du Festival Suoni Per Il Popolo 2022 pour vous présenter une soirée aux sons électroniques des artistes émergents du duo Mue et Desert Bloom et célébrer ensemble le Mois du patrimoine asiatique. Le festival Suoni Per Il Popolo est présenté par la Société des Arts Libres et Actuels (SALA), une organisation à but non-lucratif enregistrée en 2002. En raison de ses racines ancrées dans diverses formes musicales exploratoires, la SALA s’engage à mettre de l’avant la musique d’avant-garde expérimentale dans un contexte communautaire.
La productrice et musicienne montréalaise Desert Bloom (Rachel Nam) compose des pièces complexes et éthérées, s’inspirant de ses passions jumelles pour le piano classique et la musique électronique. Originaire de Colombie-Britannique, Nam s’installe à Montréal afin de poursuivre des études en biologie, à l’origine par ailleurs de son pseudonyme. À l’image des fleurs sauvages s’épanouissant dans le désert, son premier album solo, EP1, porte sur le thème de la résilience. Sa deuxième sortie, DB, fusionne percussions rapides et rythmes complexes, et ajoute un caractère urgent à ses compositions. Après ses débuts à MUTEK 2019, elle offre une prestation live remarquée lors de l’édition 2020, en collaboration avec Austin Tufts.
Mue est un duo de musique électronique montréalais constitué de Catherine Debard (YlangYlang) et Léon Lo (Skinnybones). Créé au printemps 2020, le projet joint deux pratiques musicales distinctes et explore les manières avec lesquelles celles-ci interagissent. Mue tisse des motifs asymétriques en improvisant en temps réel avec divers instruments analogiques et digitaux, créant des espaces sonores organiques s’apparantant à certains courants tel que le early-IDM, le illbient et le minimalisme, tout en s’inspirant de phénomènes naturels.
En 2021, Mue a sorti un 10” sur La Rama Dubs LMTD, l’étiquette du magasin de disques montréalais La Rama, ainsi qu’un single digital sur Halocline Trance. Ils sortiront sur ce dernier leur premier album à l’automne 2022. Le duo a une émission mensuelle sur la radio internet n10.as et a récemment participé à 24hr of Vinyl dans le cadre de la Nuit Blanche.
Jessica Moss : Lancement de l’album « Phosphenes » à la Sala Rossa
par Rédaction PAN M 360
Un phosphène est « le phénomène qui consiste à voir la lumière sans que celle-ci ne pénètre dans l’œil. » Le titre du nouvel album résolu et déchirant de la compositrice et violoniste Jessica Moss ne pourrait être mieux choisi. Moss est désormais une praticienne chevronnée de la musique d’isolation immersive ; sur trois disques solo de postclassicisme minimal et maximal déjà acclamés, son violon acoustique, amplifié, mis en boucle, déformé et décalé électroniquement est la matière première de compositions de longue haleine profondément expressives, palpablement obsédantes et totalement engagées. Mais Phosphenes est la musique la plus incisive et inexorable que Moss ait faite à ce jour, inscrivant des halos de lumière réfractée à partir d’une profonde solitude et d’une obscurité hermétique avec une détermination et une intensité particulièrement solennelles. Ces compositions se canalisent comme l’eau qui se déplace lentement dans une grotte sombre, captant des éclats de luminescence de l’intérieur ».
”A phosphene is “the phenomenon of seeing light without light entering the eye.” The title of the resolute, heart-rending new album by composer/violinist Jessica Moss could not be better chosen. Moss is by now a seasoned practitioner of immersive isolation music; across three previously acclaimed solo records of minimal and maximal post-classicism, her acoustic, amplified, looped, distorted and electronically-shifted violin is the raw material for deeply expressive, palpably haunting, wholly committed longform compositions. But Phosphenes is the most incisive and inexorable music Moss has made to date, inscribing halos of refracted light out of deep solitude and hermitic darkness with especially solemn determination and intensity. These compositions channel themselves like slow-moving water in a dark cave, catching glints of luminescence from within”.
Une programmation des plus contemporaines, mettant de l’avant la diversité des pratiques en musique de création et l’ambition sans limites des artistes émergent·e·s. La création musicale locale dans ce qu’elle a de plus novateur, à travers deux soirées de concerts.
—
Pour le premier soir de Temporel 2022, Codes d’accès présente une création de théâtre musical du compositeur Jesse Plessis, ainsi qu’un court programme de l’ensemble Paramirabo.
Dans l’épaisseur du silence, Brittany Rae (soprano), Jesse Plessis (compositeur) et Thomas Ayouti (librettiste) abordent l’épaisseur d’une relation amoureuse qui s’enfonce dans le silence. Une femme, interprétée par Brittany Rae, raconte son expérience de ghosting entre la naissance de l’amour, la puissance du doute et l’évidence de l’absence. L’écriture musicale de Jesse Plessis poursuit un travail sur les formalisations mathématiques contemporaines de la musique, dans la lignée de Iannis Xenakis.
Ensuite, les six interprètes de l’ensemble Paramirabo reprennent Résistance/Résilience, œuvre commandée à Romain Camiolo dans le cadre du projet de tournée Montréal-Toronto-Québec. Appelé à produire une pièce sur la thématique des changements climatiques, Camiolo représente symboliquement les forces du capitalisme mondial et de l’ignorance dans une lutte contre le nihilisme.
S’en suit, Si le temps […], l’espace…, oeuvre commandée à Frédéric Le Bel, dont le titre s’inspire de la citation de Merleau-Ponty : « Si le temps ne peut être connu que par un être dont le cœur bat et qui porte en lui sa mémoire, l’espace ne se découvre vraiment qu’à la fatigue du pas qui voit l’horizon sans cesse reculer » Une création pensée pour l’instrumentation de Paramirabo avec dispositifs électroniques spécialement conçus pour un système de diffusion sonore tridimensionnel en s’appuyant sur des algorithmes de spatialisation ambisonique, entre autres.
Ceremony est un groupe de punk rock américain originaire de Rohnert Park, en Californie. Le groupe comprend Ross Farrar (chant), Anthony Anzaldo ( guitare), Justin Davis ( basse), Andy Nelson ( guitare), et Jake Casarotti ( batterie). Le groupe a sorti six albums studio à ce jour, et a considérablement changé son son à travers sa discographie – allant d’éléments de powerviolence, grindcore, hardcore punk, punk rock, garage rock, post-punk, indie rock et new wave.
Ceremony is an American punk rock band from Rohnert Park, California. The band features Ross Farrar (vocals), Anthony Anzaldo (guitar), Justin Davis (bass), Andy Nelson (guitar), and Jake Casarotti (drums). Ryan Mattos (guitar) left before the group’s Matador Records signing in 2011, being replaced by Nelson. The band have released six studio albums to date, and have changed their sound considerably across their discography – ranging from elements of powerviolence, grindcore, hardcore punk, punk rock, garage rock, post-punk, indie rock and new wave.
Le Chœur Maha a été fondé en 1991 par l’auteure-compositrice-interprète Kathy Kennedy et l’artiste plasticienne Su Schnee. La chorale enchante son public depuis maintenant plus de deux décennies avec son répertoire éclectique, évoluant dans une grande variété de langues et de styles musicaux. De Hildegard von Bingen à Hildegard Westerkamp ou encore de Mozart à Madonna, les prestations du Chœur Maha laissent parfois la place à une part de musique électroacoustique.
En plus de ses performances musicales, le Chœur Maha est reconnu pour son soutien aux organismes pour femmes de Montréal. Chaque année, il chante en mémoire des victimes de l’École polytechnique, dans le cadre de la Journée internationale des femmes ou fait des concerts-bénéfice pour soutenir divers groupes de femmes. Depuis 2011, Maha est un organisme à but non lucratif, ce qui lui permet de faire des campagnes pour financer ses concerts et ses captations sonores. Il est d’ailleurs possible de faire des dons lors de nos concerts ou via Paypal.
Certaines interventions musicales du Chœur Maha sont parmi les plus mémorables à Montréal, notamment ses prestations non-conventionnelles incluant technologie et commentaire social. De l’installation sonore à grande échelle Never/Always présentée en extérieur à la place des Arts, qui a réuni plus de 100 participants, à la performance surprise plus intime dans les couloirs de l’Hôtel de ville de Montréal, le Chœur Maha attire l’attention.
Maha collabore avec des artistes de divers horizons musicaux, tels que la diva jazz Karen Young ou la compositrice électroacoustique Hildegard Westerkamp. En 1996, Maha a produit son premier CD, Different Angels et, en 1998, il a fait l’objet d’un film documentaire : Choir Girls, de Patricia Kearns et Deborah VanSlet’s.
Le Chœur Maha a toujours été associé à une musique féministe inventive, à des performances énergiques et à une approche non-traditionnelle du chant choral. En faisant découvrir et apprécier le chant choral féminin et les arts de performance à un large public, Maha est devenu une référence au fil des années.
Ben Caplan est à la fois le rugissement de l’ouragan et l’œil de la tempête. Il a la capacité étonnante de canaliser à la fois l’abandon sauvage et l’introspection tranquille. Ses chansons s’inspirent de nombreuses influences diverses, mais sa musique et ses paroles puisent régulièrement dans son héritage juif. Mêlant souvent imagerie biblique et mélodies aux accents klezmer, Caplan se réapproprie des sons et des thèmes anciens avec une touche résolument contemporaine.
Ben Caplan is both the roar of the hurricane and the eye of the storm. He has an uncanny ability to channel both wild abandon and quiet introspection. His songwriting pulls from many diverse influences but both his music and his lyrics regularly draw from his Jewish heritage. Often mixing biblical imagery and klezmer inflected melodies, Caplan re-appropriates ancient sounds and themes with a decidedly contemporary twist.
An Laurence 安媛 est une musicienne de Tiohtià:ke/Montréal (guitare/voix) spécialisée dans la musique nouvelle/expérimentale, et une artiste de performance/multimédia dont les œuvres abordent les relations humaines, la mémoire et l’identité transnationale. Interprète audacieuse, elle collabore avec des artistes de diverses disciplines et s’épanouit dans des contextes qui repoussent les limites de la performance musicale traditionnelle. En tant que soliste, improvisatrice et musicienne d’ensemble, le style de performance d’An Laurence s’étend de la musique classique contemporaine à la musique électronique, en passant par des œuvres parlées et chantées. Elle est cofondatrice du collectif Paramorph (avec Kim Farris-Manning) et du duo alokori (avec Sara Constant).
An Laurence 安媛 is a Tiohtià:ke/Montreal-based musician (guitar/voice) specializing in new/experimental music, and a performance/multimedia artist whose works address human relationships, memory and transnational identity. A daring performer, she collaborates with artists of various disciplines, and thrives in settings that stretch the limits of traditional music performance. As a soloist, improviser and ensemble musician, An Laurence’s performance style ranges from contemporary classical to electronic music, as well as spoken and sung performance works. She is co-founder of The Paramorph Collective (with Kim Farris-Manning) and the duo alokori (with Sara Constant).
La musique de KAINA peut ressembler à un pont vers les autres ou à un reflet de soi-même. Avec des paroles qui balancent une chaleur réconfortante et une interrogation pointue sur ses pensées et le monde qui l’entoure, l’auteure-compositrice-interprète de 25 ans sait exactement comment et quand pincer la corde sensible des auditeurs. Son premier album, Next to the Sun, acclamé par la critique et sorti en 2019, est ancré dans la stabilité de sa voix, avec des sons uniques chantés sur des productions qui changent de genre. Servant de véhicule pour élever et construire la communauté, le projet a introduit la signature sonore de KAINA doublée d’un optimisme plein de douceur et d’une authenticité dévastatrice, ce qui a catapulté KAINA au premier rang d’une nouvelle vague d’artistes transformant le paysage musical avec une expression profondément honnête et innovante.
Traduit avec www.DeepL.com/Translator (version gratuite)
KAINA’s music can feel like a bridge to others or a reflection of yourself. With lyrics that balance comforting warmth and sharp interrogation of her thoughts and the world around her, the 25-year-old singer-songwriter knows exactly how and when to pluck at listeners’ heartstrings. Her critically acclaimed full-length debut, 2019’s Next to the Sun, was anchored by a resolved steadiness in her voice, with unique ear-worms sung over genre bending production. Serving as a vehicle to uplift and build community, the project introduced KAINA’s signature sound lined with a sweet-hearted optimism and devastating authenticity, which catapulted KAINA to the forefront of a new wave of artists transforming the music landscape with deeply honest and innovative expression.
Le terme « post-punk », comme beaucoup de termes ayant un préfixe similaire, est fermement ancré dans une époque de l’histoire, et signifie une précision et une expérimentation supplémentaires à un genre passionnant qui a fait écho à la fois dans le style et l’attitude.
Le groupe ACTORS, dirigé par Jason Corbett, se tient sur les épaules de titans avec sa marque de style, et pourrait presque être qualifié de « post-post-punk ». À une époque où l’on privilégie le narrowcast plutôt que le broadcast pour que les fans et les nouveaux amateurs de musique puissent s’installer fermement dans une niche, Corbett s’attaque à la création de sons et de techniques de production que l’on ne trouve généralement pas dans un pack de base de plugins et de samples clichés. Soutenu par un groupe d’accompagnement stoïque mais enjoué, le frontman fait preuve d’un enthousiasme lors des concerts et des enregistrements que l’on ne voit ou n’entend pas souvent dans son genre préféré. Souvent vu dans les festivals comme l’un des seuls groupes avec une instrumentation live, la vélocité créée par un groupe de musiciens en direct ramène l’auditeur à une époque où les musiciens jouaient réellement les uns à côté des autres dans le studio, plutôt que d’être comprimés ou programmés. Ceux qui choisissent de ne pas embrasser et étudier l’histoire sont souvent des répétiteurs paresseux, mais un groupe comme celui-ci sait où puiser dans le passé et où s’en inspirer.
The term “post-punk”, like many terms with a similar prefix, is firmly planted in a time in history, and signifies an added precision and experimentation to a thrilling genre that has echoed forward in both style and attitude.
The Jason Corbett-led outfit ACTORS are standing on the shoulders of titans with their brand of the style, and could almost be referred to as “post-post-punk”. In a period where we narrowcast rather than broadcast so fans and new music-seekers can firmly plant themselves in a niche, Corbett takes swings at creating sounds and production techniques that one would not usually find in a starter package of cliché plugins and samples. Backed by a stoic yet playful backing band, the frontman shows an enthusiasm while performing and recording that often isn’t seen or heard in his preferred genre. Often seen at festivals as one of the only acts with live instrumentation, the velocity created by having a live group of musicians brings back the listener to a time where players actually performed alongside one another in the studio, rather than being comped or programmed. Those who choose not to embrace and study history are often lazy repeaters, but an act like this knows where to cherry pluck from the past and where to build upon it.
Pop Montréal qualifie Li’l Andy de « meilleur auteur-compositeur country actuel de Montréal ». The Village Voice décrit sa musique comme « un Americana basé sur les racines qui mérite réellement d’être fait ». Au cours des dix dernières années, il a sorti cinq albums, effectué de nombreuses tournées au Canada et fait l’objet d’articles dans le New York Times. Son prochain album, The Complete Recordings of Hezekiah Procter (1925-1930), est à la fois un nouvel album, un nouveau groupe et le premier roman du chanteur.
Pop Montreal calls Li’l Andy “Montreal’s best country songwriter today.” The Village Voice describes his music as “Roots-based Americana that actually deserves to be made”. In the past decade, he has released 5 albums, toured Canada extensively, and has been featured in the New York Times. His upcoming release, The Complete Recordings of Hezekiah Procter (1925-1930), is at once a new album, a new band, and the singer’s debut novel.
Good Morning sont des briseurs de règles. Pas de façon sexy et flamboyante, mais plutôt de façon décontractée et résignée. Des briseurs de règles accidentels et fortuits. Ils accordent leurs guitares bizarrement et font des albums plus courts que les EP de certains ; leur carrière a progressé par étapes, certaines années apportant une abondance de musique et d’autres rien du tout. Ils sont d’abord des amis, puis des membres du groupe et enfin des hommes d’affaires, souvent en dépit de leur fonction et souvent à leurs propres frais. Ils choisissent les mauvais singles et insistent pour tout faire eux-mêmes, des affiches aux produits dérivés en passant par les couvertures d’album et les vidéos musicales, souvent avec beaucoup de soin. Tout cela n’enfreint pas les règles morales et sociales que les rock stars aiment tant respecter – bien sûr, les Good Morning ne sont absolument pas des rock stars – mais c’est le genre de choses que l’on n’est pas « censé » faire si l’on veut avoir un quelconque succès ou une certaine stabilité dans la musique ; pourtant, chaque fois que les machinations de l’industrie ont fait un zig, les Good Morning ont fait un zag.
Good Morning are rulebreakers. Not in a sexy, flamboyant way — more in a casual, resigned kind of way. Accidental and incidental rulebreakers. They tune their guitars weirdly and make albums shorter than some peoples’ EPs; their career has progressed in fits and starts, some years bringing an abundance of music and others bringing nothing at all. They are friends first, band second, business third, often in spite of function, and often at their own expense; they choose the wrong singles, and insist on doing everything, from posters to merch to album covers to music videos, by themselves, often painstakingly. These things don’t break the moral and social rules rock stars are so fond of toeing — of course, Good Morning are decidedly not rock stars — but they are the kinds of things you’re not “supposed” to do if you want any kind of success or stability in music; still, every time the machinations of the industry have zigged, Good Morning have zagged.
Ce contenu provient de la Sala Rossa et de Polyvinyl Records et est adapté par PAN M 360.
Inscrivez-vous à l'infolettre
Gérez votre confidentialité
Nous utilisons des technologies telles que les cookies pour stocker et/ou accéder aux informations des appareils. Nous le faisons pour améliorer l’expérience de navigation et pour afficher des publicités (non-) personnalisées. Consentir à ces technologies nous permettra de traiter des données telles que le comportement de navigation ou les ID uniques sur ce site. Le fait de ne pas consentir ou de retirer son consentement peut avoir un effet négatif sur certaines fonctionnalités et fonctions.
Fonctionnel
Toujours activé
Le stockage ou l’accès technique est strictement nécessaire dans la finalité d’intérêt légitime de permettre l’utilisation d’un service spécifique explicitement demandé par l’abonné ou l’utilisateur, ou dans le seul but d’effectuer la transmission d’une communication sur un réseau de communications électroniques.
Préférences
Le stockage ou l’accès technique est nécessaire dans la finalité d’intérêt légitime de stocker des préférences qui ne sont pas demandées par l’abonné ou l’utilisateur.
Statistiques
Le stockage ou l’accès technique qui est utilisé exclusivement à des fins statistiques.Le stockage ou l’accès technique qui est utilisé exclusivement dans des finalités statistiques anonymes. En l’absence d’une assignation à comparaître, d’une conformité volontaire de la part de votre fournisseur d’accès à internet ou d’enregistrements supplémentaires provenant d’une tierce partie, les informations stockées ou extraites à cette seule fin ne peuvent généralement pas être utilisées pour vous identifier.
Marketing
Le stockage ou l’accès technique est nécessaire pour créer des profils d’utilisateurs afin d’envoyer des publicités, ou pour suivre l’utilisateur sur un site web ou sur plusieurs sites web ayant des finalités marketing similaires.
