Critique de concert

punk / punk rock

FME 2026 I Thee Soreheads, neurochirurgiens de sous-sol

par Lyle Hendriks

La pénombre qui précède le début d’un concert peut sembler durer une éternité sous l’effet de certaines substances. C’est en tout cas ce que j’ai ressenti alors qu’une foule impatiente attendait que Thee Soreheads montent sur scène, peu après minuit, lors de la soirée du samedi au FME. Au fur et à mesure que les minutes s’étiraient, nous guettions le moindre signe de la chanteuse Maria Jimenez et de sa joyeuse bande de punks. Fidèles à la tradition punk, ils nous ont fait attendre, laissant la foule et son impatience monter en puissance avant d’enfin entamer le premier d’une longue série de morceaux déjantés et endiablés.

Thee Soreheads enchaînent les morceaux à toute allure, avec un mélange de désinvolture et de précision. Contrairement à de nombreux groupes punk, ils ne noient pas leurs riffs et leurs mélodies dans un mur de fuzz totalement indistinct. Ici, tout trouve sa place : qu’il s’agisse d’un riff de basse rugissant et parfaitement synchronisé de Hugh Lapham, d’un nouveau fill audacieux à la batterie de Seyjii Schultz, des riffs écrasants et implacables de la guitariste Ally McPake, ou encore, bien sûr, des déclarations accrocheuses d’intentions violentes de Jimenez au chant.

Bénéficiantd’une formation théâtrale, Jimenez semble, sur scène, se glisser à la fois dans la peau d’un personnage et revêtir une armure. Ses paroles véhiculent des messages poignants sur l’objectivation des femmes, le consentement et l’agonie quotidienne de la vie de femme. Ses mots jaillissent sans pitié. Elle fixe du regard les hommes présents dans la salle, leur lançant des paroles de condamnation avec une clarté impitoyable, avant de s’effacer pour laisser le groupe se déchaîner dans une nouvelle explosion passionnée de rock’n’roll endiablé aux accents surf.

Thee Soreheads m’ont tout de suite parlé. Ils grattent une démangeaison profonde et lancinante avec une précision chirurgicale et une intensité frénétique. C’est une interprétation magistrale et ludique d’idées simples, qui raffine ce genre très apprécié pour en faire une solution puissante et pure que peu de gens peuvent ignorer.

classique moderne / classique occidental / folk / traditionnel

Fête de la musique 2026 | CordaVox et les voyages musicaux

par Alexandre Villemaire

Le duo CordaVox, composé de la soprano Lucie St-Martin et du guitariste Bruno Gauthier-Bellerose, proposait au festivalier de la Fête de la musique une invitation au voyage avec leur concert intitulé Mélodies nomades.  À travers des morceaux emblématiques des traditions orales et folkloriques, les deux interprètes viennent tisser un savant mélange entre l’héritage populaire et l’écriture classique, illustrant entre autre comment des compositeurs ont utilisé les mélodies folkloriques et traditionnelles, bien souvent non européennes, dans leur création.

Le voyage commence en Espagne, notamment avec la musique de Joaquin Rodigo que Lucie St-Martin interprète avec mordant et sensualité. Nous remontons par la suite la Méditerranée pour atterrir en Grèce avec les Cinq mélodies populaires grecques de Maurice Ravel. Cycle de mélodies régulièrement joué dans les récitals de chant dans sa version originale avec piano, la proposition artistique qui en fait par la transcription pour guitare confère au texte et a la musique une dimension plus intimiste, voire même plus authentique, quant au contexte d’interprétation et au sujet dont il est question. Les mélodies traçant en filigrane un affect de festivités populaires, la guitare magnifie cette dimension de proximité avec les gens lors de rassemblement et l’aisance qui vient avec le fait d’être accompagné à la guitare.

Le prochain arrêt était proche de nous, puisqu’il s’agissait de mélodies populaires de la Nouvelle-France et du Québec extraits du recueil Le Rossignol y chante dont les pièces ont été colligées par Marius Barbeau. Ici, le duo a opéré le processus inverse de création en apposant leur propre arrangement de ces chants. Notons parmi ces airs, des moins connu comme Le roi des amoureux, et des indémodables comme À la claire fontaine, considéré comme l’hymne officieux de la Nouvelle-France, interprété tout en délicatesse. On ne peut interpréter à la guitare des chants du Québec sans passer par Félix Leclerc. Le père de la chanson québécoise a été honoré avec une interprétation de son Hymne au printemps. 

Assurément, l’interprétation la plus originale est venue du Brésil, avec des extraits du, peu connu, oratorio Floresta do Amazonas, dont Lucie St-Martin en a tiré deux chansons pour soprano. À contrario des autres pièces du programme qui emploie du matériel folklorique comme base créative, Villa-Lobos créé ici du matériel original fortement imprégné des racines pour son Brésil natal. La Chanson d’amour qui en a été extraite notamment était d’un naturel dans cet habillage porté par un texte somptueux et lyrique rendu de manière tout aussi éloquente.

crédits photo : Tremblant

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baroque / classique occidental

L’Ensemble Caprice ouvre la Fête de la musique de Tremblant sur une note éclatante

par Alexandre Villemaire

Le cadre était des plus bucoliques ce 4 septembre en l’église de Saint-Jovite. Malgré un temps nuageux et une température qui nous rappelle malheureusement que l’été tire tranquillement à sa fin, la musique de Johann Sebastian Bach a réchauffé les âmes au cœur des Laurentides, entre montagnes pour le coup d’envoi de la 26ème édition de la Fête de la musique de Tremblant. « Une fête de toutes les musiques » comme le soulignait sa fondatrice et directrice artistique Angèle Dubeau dans son allocution de bienvenue.

C’est à Matthias Maute et à l’Ensemble Caprice que revenait la tâche d’ouvrir cette célébration musicale. Maute et ces musiciens ont offert un programme centré autour des concertos brandebourgeois de Bach et qui mettait à l’honneur le jeu des différents instrumentistes de manière éloquente, le tout précédé d’une pièce instrumentale, sorte de prélude pour mettre l’oreille en action. Après un Largo sensuel offert par le violon solo Olivier Brault, c’est avec des extraits du Deuxième concerto brandebourgeois que les musiciens se sont exécutés. Chacun des quatre instruments présentés dans cette œuvre (cor, hautbois baroque, violon et flûte) ont été mis en valeur avec des lignes distinctives et caractéristiques. Le ton de ce concerto était festif, langoureux dans le deuxième mouvement avec la flûte et le hautbois qui s’entrelace, soutenu par le continuo et lumineux. Saluons par ailleurs le travail du corniste, qui jouait sur un cor naturel, c’est-à-dire sans piston, ce qui est d’une grande difficulté. L’interprétation subséquente du Quatrième concerto brandebourgeois est venue apporter un changement de ton avec un caractère somptueux, oscillant entre moment élégiaque et plaintif et presque espiègle dans le dernier mouvement. Elle était précédée d’une interprétation par Matthias Maute de la Courante extrait de la Suite pour flûte seul de Bach, extrait qui a été choisi par le public!

Deux moments particulièrement forts ont marqué cette soirée. D’une part, l’interprétation de la fameuse Chaconne en ré mineur, arrangé ici pour deux flûtes et violoncelle, à plonger l’assistance dans une écoute transcendantale et méditative avec des lignes mélodiques qui se complètent avec intelligence. 

L’autre moment fut l’interprétation tout à fait virtuose offerte au clavecin par Elizaveta Miller qui s’est emballée dans une tirade au caractère presque jazzé, avec tous les passages chromatiques qu’on pouvait y déceler. Le concert s’est conclu à l’image de la soirée, entre moment d’allégresse et de fête avec le fameux Air sur la corde de sol suivi d’une fanfare festive. Une conclusion appropriée pour lancer les festivités de la longue fin de semaine ici à Tremblant.

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hip-hop / R&B / rap français / soul/R&B

FME 2026 I Muhoza apporte la joie, purement et simplement

par Saleh Balfaqih

À la veille de la sortie de leur album, Prends soin de toi, j’ai eu la chance de tomber par hasard sur Muhoza, un rappeur camerouno-rwandais installé à Montréal, accompagné de son groupe de huit musiciens. Sa musique mêle le rap jazz à des éléments de R&B, créant ainsi un son à la fois dynamique et incroyablement fluide.

S’il fallait choisir un mot pour décrire leur prestation, ce serait « contagieuse ». Muhoza rappe avec clarté et intensité, tout en rayonnant d’une joie pure et authentique. Il virevolte sur scène, encourageant son groupe et leur tapant dans la main entre les morceaux. Son groupe lui rend cette énergie au centuple. Tout le monde a l’air sincèrement heureux d’être là.

Son bras droit, Carson [Alphonse], est présent sur presque tous les morceaux. Sa voix soul et ses enchaînements vocaux habiles complètent à merveille le rap de Muhoza, généralement sous la forme d’un refrain accrocheur ou d’un magnifique chœur. Les deux artistes se complètent sans forcer.

Not enough can be said about the rest of his band. Somaya, a Montreal-based singer, brings a softer vocal touch, while Bianka, the man who can’t seem to stop smiling, lays down tasteful guitar licks. Then there’s his saxophonist and flutist, Noah Tremblay-Mimouni, who weaves flourishes of jazz into the music. Each member brings something great to the table. 

Look, I can’t speak French. I have no idea what any of the songs are about. But if we’re going to challenge the age-old (corny) idea that music transcends language, there’s no better artist to make the case than Muhoza.

garage-punk / stoner-rock

FME 2026 I BALACLAVA: direct sur la cible

par Lyle Hendriks

BALACLAVA émerge de la foule. Les masques de fonction sont déjà enfilés, on se croirait tout droit sorti du film Heat. Ils se frayent un chemin à travers le sous-sol humide et brumeux et s’arment sur scène. Angus Davis met sa basse en bandoulière sur le dos. Steve Salerno prend place derrière sa batterie. Arif Hama et J. Malzone l’encadrent respectivement à la guitare et au synthé, puis c’est au tour du chanteur Dylan Joice de prendre le micro. Il fait craquer sa nuque et donne le signal.

Le groupe new-yorkais BALACLAVA est fulgurant, explosif et animé par une violence d’action redoutable. Des riffs de guitare trash résonnent dans ce petit espace, tandis que la batterie décalée et implacable de Salerno maintient l’ensemble de cette structure précaire. Joice se tord et s’enroule autour du micro, arrachant chaque syllabe jusqu’à s’effondrer, pour mieux se regonfler et exploser à nouveau.

Leur stoner rock grunge s’inscrit parfaitement dans l’esprit de la soirée. Les aspérités et les changements rapides exigent une attention constante. Tous les membres du groupe transpirent à travers leurs cagoules d’hiver épaisses. Davis et Hama ont un moment de lucidité soudain au milieu de ce pandémonium, sortant une chorégraphie inattendue sur « Simon Steals a Lot » et « Love Bog » avant de revenir à leur déchaînement.

Malgré l’ambiance menaçante de BALACLAVA, ils mettent quand même l’ambiance. Impossible d’entendre ce que dit Joice entre les morceaux à cause de sa chaîne d’effets « radio transistor », mais il a l’air ravi d’être là. Et il ne fait aucun doute que le public est ravi de les accueillir. Tel une fête entre amis mise en bouteille, BALACLAVA débarque, l’ouvre et met le feu. On a l’impression que les choses pourraient basculer à tout moment. Quelque chose de déchaîné se profile à l’horizon.

indie rock / jangle pop / Psychedelia / rock psychédélique

FME 2026 I Corridor, un Ouroboros psychédélique de rock indépendant

par Stephan Boissonneault

Vendredi soir, Corridor, groupe phare de la scène indie rock montréalaise, a entraîné le public du Petit Théâtre dans un voyage endiablé d’introspection brumeuse. Le quatuor a enchaîné d’innombrables morceaux tirés de son dernier album, Mimi, créant des moments de son ininterrompu qui nous ont tous plongés dans une sorte d’isolement inquiétant. Si je devais trouver une comparaison, je dirais que c’était comme regarder directement le soleil de plein front et tout laisser aller. Des voix labyrinthiques et des répétitions de riffs sans fin, l’ouroboros se dévorant lui-même en temps réel.

Le quatuor, composé du chanteur et bassiste Dominic Berthiaume, du guitariste Julian Perreault, du guitariste et chanteur Jonathan Robert et du batteur Julien Bakvis, avec la participation sur scène du multi-instrumentiste Samuel Gougoux, n’a jamais été aussi soudé. Même pendant les moments véritablement chaotiques de bruit et de solo de guitare effréné, Berthiaume faisait un petit signe de tête à Robert, et le groupe reprenait tout en main.

Ce groupe existe depuis 11 ans, et ça se voit dans ses performances sur scène. Il faut saluer le travail visuel, réalisé, bien sûr, par le magicien de la projection en personne, Anthony Piazza. Pendant Jump Cut, par exemple, des images de saut en hauteur en athlétisme se sont mélangées à des billets de dollar et à un étrange examen de la vue. Ça collait parfaitement à l’ambiance de la chanson. La musique de Corridor a toujours été psychédélique, mais les effets visuels ont véritablement ouvert le troisième œil. Lorsque les lumières se sont rallumées, il y a eu ce silence particulier qui suit un concert qui vous prend aux tripes — quand les applaudissements tardent un peu trop à éclater parce que tout le monde est encore ailleurs. Corridor a trouvé le juste équilibre entre le chaos pur et le bonheur maîtrisé.

garage-rock / indie rock / post-punk

FME 2026 I Iguana Death Cult convertit les non-croyants

par Stephan Boissonneault

Il n’y a vraiment rien de tel qu’un concert de garage rock endiablé et plein d’énergie, surtout à 1 h 15 du matin dans l’extrême Nord du Québec. Iguana Death Cult, un groupe originaire de Rotterdam, en Hollande méridionale, a clairement mis le feu lors de son concert matinal. Dès les premières notes d’un riff aux accents blues, le chanteur Jeroen Reek, qui ressemble à un Stone Cold Steve Austin en plus convivial, s’est déchaîné au micro. Sa voix puissante résonnait fort sur le plafond et les murs du bar Pazzo.

Sur le papier, la musique d’Iguana Death Cult est en réalité assez simple : quelques riffs punk garage par-ci, une basse tonitruante par-là, des roulements de batterie complètement déjantés… Mais c’est par leur ténacité et leur énergie implacable qu’ils brillent. Le groupe n’est pas tant un groupe qu’un rêve fiévreux doté d’une section rythmique chaotique — un peu comme Parquet Courts avec une touche de Viagra Boys et de The Damned.

Les morceaux de leur dernier album, Guns Out, s’enchaînent sans interruption après que Reek a craché un jet de bière dans les airs. Je te jure qu’ils ont enchaîné une vingtaine de morceaux en 40 minutes, ce qui est tout simplement du jamais vu. Les gars d’IDC ont également fait participer le public avec des « call-and-response » pendant I Like It, It’s Nice.

Au moment où ils se sont lancés dans Supreme Leader, Reek avait abandonné toute prétention de rester immobile, son pied de micro penché et auquel il s’accrochait désespérément comme à un arbre abattu, tandis que le bassiste Justin Boer était plongé dans un groove si déjanté qu’il aurait dû être accompagné d’un panneau « Attention ».

La foule, serrée comme des sardines et en manque de sommeil, se moquait bien que l’heure fût largement dépassée : elle se déchaînait comme si le soleil n’allait jamais se lever.À la fin du concert, la salle était trempée, assourdie et rayonnante.

Le plafond du Pazzo ne se remettra peut-être jamais complètement de l’écho d’Iguana Death Cult, mais il en va de même pour tous ceux qui se trouvaient dessous.

Afrique / cumbia électro / musique traditionnelle chinoise / musique traditionnelle d'Afrique centrale

Souk du Sud 2026 | Du erhu à la cumbia, un Souk Pro sous le signe des rencontres

par Sandra Gasana

Panels, vitrines, B2B, des repas, du réseautage, bref, tout y était lors du lancement de la 3ème édition du Souk du Sud, qui s’amorçait par un Souk Pro au Courtyard Marriott de Brossard. Cette journée avait pour objectifs de rassembler des professionnels du secteur de la culture avec des artistes et échanger sur les enjeux de l’heure tels que la mobilité, le marché musical actuel et la création de ponts entre les continents.

Entre les panels, nous avons eu droit à des vitrines riches en découvertes.

Nous avons d’abord été transportés en Chine grâce au duo mère-fille Qi Shen et leur erhu, cet instrument s’apparentant au violon venant de cette région du monde. Dès les premières notes, je me remémorais certains films chinois vus durant mon enfance et dans lesquels il y avait souvent des passages qui ressemblaient à ce que nous entendions. Par moments, les deux femmes jouaient leur erhu, en synchro ou en décalé, alors que sur d’autres morceaux, la fille accompagnait sa maman au piano. On passait donc de moments de douceur à des morceaux plus rythmés au fur et à mesure que le spectacle avançait avant de terminer avec une finale digne de ce nom, sous les applaudissements du public visiblement séduit.

S’en est suivi un autre duo, IKOUM, formé par Kamila Nasr et Just Wôan, deux artistes multi-instrumentistes. D’ailleurs, leur plus grand défi a été de choisir quel instrument ils allaient jouer pour leur projet et Kamila a opté pour la harpe alors que Just Wôan a préféré la basse. Ensemble, ils créent de la pure magie. On entend les influences celtiques chez Kamila, elle qui est née en Nouvelle-Écosse de parents afghans. Avec un père poète et issue d’une famille de virtuose de la musique, elle a formé un groupe avec ses deux soeurs et a même transformé certains poèmes de son père en chansons. De son côté, Just Wôan apporte sa touche particulière par l’entremise de sa voix qu’il parvient à manier, allant des notes graves aux aîgues sans difficulté. Ses deux micros ont permis de rajouter du relief par moments alors que la symbiose entre les instruments se faisait parfaitement.

Malgré tous les voyages qu’ils ont fait dans leur carrière, ce duo accorde une importance particulière à leurs racines et à leurs identités multiples et cela fait partie des thèmes qu’ils abordent dans leur musique.

Le Souk Pro s’est clôturé de manière plus festive avec la vitrine internationale de RIZOMAGIC, un duo colombien de musique électronique originaire de Bogotá, formé par Diego Manrique et Edgar Marún. Ensemble, ils réinventent les racines afro-colombiennes à travers la cumbia, les technologies et l’expérimentation sonore. Munis de tables avec plusieurs fils branchés et pleins de pitons sur lesquels les deux artistes semblaient concentrés, le spectacle a commencé plutôt en douceur avec des expérimentations sonores lentes et envoûtantes avant de rajouter des couches de plus en plus rythmées, avec des ambiances dub. Il n’en fallait pas plus pour les participants qui se sont mis à danser, transportés dans un tout autre univers que les deux précédentes vitrines. Ce Souk Pro était donc une belle manière de mettre la table pour les deux journées de festivités qui allaient suivre. Pan M 360 y sera le samedi 5 septembre.

Crédit photo: Fanmi Se Fanmi

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électro-rock / pop-rock

FME 2026 I Max Baby est un elfe indie… quelque peu louche

par Charly Blais

Je suppose que quand on naît avec un nom comme Max Baby, on est en quelque sorte destiné à devenir un showman. Avec ses oreilles pointues qui pointaient entre ses mèches sombres et hirsutes, Baby a livré son rock électronique explosif au Petit Théâtre de Rouyn-Noranda, tel un lutin de Noël indie… un peu louche.

Alternant entre des moments où il arpentait la scène d’un pas traînant et d’autres où il trébuchait, ponctués de solos aériens à la limite du précipice, ce spectacle était un régal du début à la fin. Le son rappelait un Phoenix plus sombre, et le talentueux bassiste de tournée Félix Ramaën assurait la cohésion et le rythme, tandis que le son de guitare saturé de Baby ressemblait presque à celui d’un clavier.

Par moments, Baby semblait un peu déçu par ce qu’il percevait comme un manque d’enthousiasme verbal de la part du public, mais cela ne l’a pas empêché de laisser sa guitare de côté pour se jeter dans la foule et exiger une réaction, chantant avec passion tout en se frayant un chemin à travers les corps pour se propulser depuis une table au fond de la salle. Comme il le répète dans une chanson entraînante, Max Baby a clairement fait savoir qu’il croyait pouvoir « tout faire » et qu’il allait sacrément bien essayer.

garage-punk / grunge

FME 2026 I Birds of Prrrey’s , chant des sirènes d’un autre type

par Saleh Balfaqih

« Je sais que tu penses à moi quand tu arrives en deuxième base », a lancé avec humour Clarence Tremblay, chanteuse du trio montréalais de soft grunge Birds of Prrrey, alors que le groupe ouvrait le bal sur la scène principale du FME cette année.

Ce n’est pas une mauvaise façon de se présenter, et ça a assurément attiré mon attention. Basé à Montréal, Birds of Prrrey est un pilier de la scène locale depuis quelques années, mais je n’avais pour une raison ou une autre jamais pris le temps d’aller les voir en concert. Le groupe a récemment sorti son premier album, Peace Love Homicide. C’est un album de soft grunge envoûtant et percutant, mêlant des éléments punk et Riot Grrrl (deux genres et sonorités qui ont été fondamentaux dans la construction de leur identité). Tout ce que je peux dire, c’est que j’ai raté quelque chose.


Je l’avoue, j’ai toujours eu un faible pour les groupes de trois musiciens. Il y a quelque chose qui me plaît beaucoup dans le fait qu’un trio puisse tirer autant de tout si peu. Et ils ont vraiment assuré. Ils ont produit un mur de son qui a envahi la scène principale. Noelle Inniss, penchée sur sa batterie, a apporté une intensité et une énergie qui ont porté l’ensemble. Grace Spitzley, à la basse, avait ce côté hypnotique dans ses riffs. Mais pour moi, c’est Tremblay qui a vraiment élevé la prestation du groupe à un autre niveau. Sa voix était d’une beauté envoûtante. Ses gémissements ont fait naître en moi un sentiment de nostalgie et de mélancolie qui m’a fait repenser à tous mes échecs amoureux passés. C’est une tâche difficile et ingrate que d’ouvrir la scène principale d’un festival. Le public est clairsemé, l’ambiance n’est pas encore vraiment au rendez-vous, et la pression est forte pour donner le ton. C’est exactement ce qu’ont fait Birds of Prrrey : leur set a agi comme le chant d’une sirène, attirant lentement les gens vers la scène.

disco funk / italo-disco / jazz-funk / post-punk

FME 2026 I Choses Sauvages, où se trouve l’indomptable

par Lyle Hendriks

Alliant le glam italien des années 80 à un machisme primitif et assumé venu du futur, Choses Sauvages ne manque jamais d’électriser le public. Mené par le toujours très animal Félix Bélisle (qui arborait son plus beau look à la Freddy Mercury pour la soirée du jeudi organisée par FME), ce supergroupe funk-punk de Saint-Eustache et Montréal prend un malin plaisir à mettre le feu à la piste de danse, exigeant mouvement et chaos à chaque morceau long et aux multiples facettes.

Chaque morceau de Choses Sauvages est une trappe discrète menant à un nouveau royaume souterrain merveilleux de sensations pures. Ce qui commence par un rythme funky « four-on-the-floor » se transforme sous nos yeux, zigzaguant entre des moments de screamo, de hard rock, d’hymnes de séduction à la Prince, pour revenir à ce son funk irrésistible qui en est le cœur. Impossible de suivre le fil : on a moins l’impression d’assister à une setlist qu’à un mur de téléviseurs réglés sur des fréquences discordantes mais étrangement en résonance.

À l’ambiance frénétique aux accents québécois qui fait la renommée de Choses Sauvages s’ajoute la participation exceptionnelle d’Alix Fernz, guitariste post-punk montréalais. Son style habituel, anguleux et contrasté, s’adoucit légèrement ici, s’orientant vers la soul et l’émotion dans un jeu symbiotique de va-et-vient avec Marc-Antoine Barbier, membre permanent du groupe. Charles Primeau assure le rythme à la basse tout au long du morceau, chaque petit riff mordant poussant un peu plus, encore et toujours, la foule en pleine effervescence.

Bélisle lui-même ne déçoit jamais au chant, faisant preuve d’une puissance brute et d’une endurance à toute épreuve, tant dans ses aigus à vous donner la chair de poule que dans ses passages féroces et gutturaux. À l’instar du reste des morceaux, sa cadence et son interprétation peuvent changer en un clin d’œil, s’étirant et se tendant jusqu’à ce qu’elles cèdent comme un élastique fragile, propulsant l’ensemble du groupe vers un autre break instrumental qui donne envie de danser pour nous ramener à la maison. Au FME 2026, Choses Sauvages nous a montré la puissance et la grâce de célébrer la musique, et pas seulement de la jouer.

bruitiste / expérimental / noise-pop

FME 2026 I Camilla Sparksss nous apporte le bruit sur un plateau d’argent

par Stephan Boissonneault

En général, l’artiste de musique expérimentale est programmé un peu plus tard dans la programmation du FME, ce qui nous laisse à tous un moment de répit pour vraiment s’imprégner de l’énergie magique et abstraite qui se dégage d’un endroit comme Rouyn-Noranda. Mais les programmateurs du FME et Mothland ont vraiment mis le paquet dès le début avec Camilla Sparksss.

En entrant dans le Petit Théâtre, je me suis senti légèrement ivre, non pas à cause des quatre ou cinq bières que j’avais bues auparavant, mais à cause de la boucle électronique aux accents de M.C. Escher que Camilla Sparksss faisait résonner à plein volume. Le riff synthétisé semblait se cannibaliser en temps réel et me faire perdre mes repères. J’ai entendu quelqu’un dire : « Je déteste ça », tandis qu’un autre s’exclamait : « C’est tout à fait mon truc. » Quoi qu’il en soit, c’était un peu déconcertant et difficile à assimiler, et j’avais l’impression de monter un escalier déroutant à l’envers.

Camilla Sparksss est une artiste noise suisse-canadienne qui balance des beats puissants, des lignes de synthé perçantes et des voix acérées sur l’amour ivre, la haine et l’apathie. Par moments, son set avait un air très « club berlinois », tandis qu’à d’autres, il ressemblait davantage à un concert de shoegaze. Elle ne cessait de bouger, comme si quatre bras jaillissaient de sa robe noire, sautillant entre les deux platines, les deux échantillonneurs et une tonne d’effets. À un moment donné, la toile de fond de Camilla s’est mise à bouger comme en rotoscopie tandis qu’elle hurlait « I Like the Noise ». Son univers m’a également rappelé les punks noise torontois SLASH/NEED — eux aussi vétérans du FME.

Ce sont ce genre de concerts bruyants qui à la fois rassemblent et divisent le public d’un festival. Je suis sûr que la plupart des gens n’ont aucune idée de qui est Camilla Sparksss ni de ce qu’elle représente, mais ceux qui ont eu la chance de la voir s’en souviendront tous.

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