Brazilian / Forró / Reggae

Jota Pê Enchants Montreal: Between Laughter, Stories, and Emotion

by Sandra Gasana

We discovered many sides of Jota Pê during his very first concert in Montreal. Not only does he have one of the most beautiful voices in Brazil, in my humble opinion, but he is also an excellent storyteller and very funny on stage. Throughout the evening, he alternated between songs, stories, and jokes.

Accompanied by two excellent musicians who came with him from Brazil—Weslei Rodrigo on bass and Kabé Pinheiro on percussion—he appeared on stage wearing his famous hat, which has become his signature. Dressed in a very minimalist style, the artist began alone on guitar, soon joined by the bass, and then the percussion kicked in. From the very first song, he engaged the crowd and got them involved in the performance.

The stage was set for a fiery evening in front of a big crowd at the Belmont.

This was the third stop on his very first Canadian tour. He began in Vancouver, then Toronto, before finishing in Montreal. He played several songs from his albums, mainly Dominguinho and Se O Meu Peito Fosse o Mundo, both released in 2025.

« J’espère qu’à la fin du concert, vous vous sentirez mieux que lorsque vous êtes arrivés – I hope that by the end of the concert, you’ll feel better than when you arrived,” he told the audience before launching into the song Tá Aê.

Between songs, he shared stories, including his meeting with the great Gilberto Gil, who once invited him over for dinner. During that evening, he had the unfortunate mishap of breaking a crystal glass, which has since become a running joke. But what really stands out is the way he tells these stories: he knows exactly how to keep the audience’s attention, leaving them hanging on his every word.

One of the evening’s highlights came during the song Feito A Maré, which he recorded with Gilsons, the trio formed by the sons and nephew of Gilberto Gil. The entire venue sang at the top of their lungs while the bassist—whose scarf perfectly matched his bass—added a few lines with a kompa-like feel. We heard touches of reggae, forró, rock, and even a bit of samba.

A few covers were also part of the repertoire of the artist from Osasco, in the state of São Paulo, including A Primeira Vista by Chico César, performed with a reggae twist, and A Ordem Natural das Coisas by rapper Emicida, whose concert we also covered. In fact, Emicida reportedly called Jota Pê when the song was released to congratulate him on this version.

But the most powerful moment of the evening undoubtedly came during the song Ouro Marrom, which he performed alone on guitar and which speaks about the reality of being a Black man. The song won the award for Best Portuguese Language Song at the Latin Grammys in 2024. His voice resonated through the room as the audience turned into a massive choir.

« J’ai trop parlé, je vais laisser mes musiciens parler à leur tour – I’ve talked too much—I’ll let my musicians speak now,” he said, before giving the bassist and percussionist the floor for their respective solos. The percussionist even added his cavaquinho to the mix, along with body percussion. And as if to keep us awake as the night grew late, he ended the concert with a burst of energy, followed by an improvisation session between the three musicians.

« C’est le dernier concert de la tournée canadienne. J’aimerais remercier les productions Showzaço d’avoir rendu cela possible, ainsi qu’à JØY Brandt pour la première partie – This is the last concert of the Canadian tour. I’d like to thank Showzaço Productions for making this possible, as well as JØY Brandt for the opening set,” he said before leaving the stage around 2 a.m.

In my opinion, the mission was accomplished—we left feeling better than when we arrived.

New Wave / Pop-Rock

Ariane Roy au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Couronnée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2022 et nommée dans la catégorie Album francophone de l’année aux Prix JUNO 2023, Ariane Roy s’inscrit dans cette nouvelle vague d’artistes qui redéfinissent la chanson québécoise.
Suite à l’éclatante série de concerts « Le Roy, La Rose et le Lou[p] » qui a brillé partout dans la province dans les deux dernières années ainsi qu’à sa première tournée medium plaisir, elle revient sur scène avec son projet solo en nous présentant son deuxième album « Dogue », co-réalisé avec Félix Petit. Avec la fougue qu’on lui connaît, elle se montre à nous cette fois sous des jours plus sombres, le verbe plus mordant, la voix plus caustique, dans une lumière résolument contemporaine.
« Dogue » montre les dents, oui pour sourire, mais aux dépends de qui ? Peu nous importe puisque l’on ne peut résister à se coucher devant les crocs, espérant se joindre à la meute.

Crowned Revelation of the Year at the 2022 ADISQ Gala and nominated for Francophone Album of the Year at the 2023 JUNO Awards, Ariane Roy is part of a new wave of artists redefining Quebec’s music landscape.
After the dazzling concert series Le Roy, La Rose et le Lou[p], which lit up venues across the province over the past two years, as well as her first medium plaisir tour, she returns to the stage with her solo project to present her second album Dogue, co-produced with Félix Petit. With her trademark intensity, this time she reveals a darker side: sharper words, a more biting voice, all bathed in a resolutely contemporary light.
Dogue bares its teeth, yes, in a smile, but at whose expense? It hardly matters, since we can’t resist lying down before its fangs, hoping to join the pack.

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classique / jeunesse / période romantique

OSM : Le Carnaval de l’OSM

by Rédaction PAN M 360

Dans ce concert pas comme les autres, rencontrons l’orchestre et les insectes sans en avoir peur! Découvrez l’œuvre, Le Carnaval des insectes du compositeur québécois Maxime Goulet. Chaque court mouvement de l’œuvre mettra en valeur un insecte et un instrument de l’orchestre qui aura l’occasion d’être entendu en tant que soliste. Fourmi, abeille, scarabée et bien d’autres insectes seront évoqués par les timbres des quatre familles de l’orchestre. Et pour compléter la fête, il se pourrait bien que d’autres bibites s’invitent!

In this one-of-a-kind concert, let’s learn about the orchestra and insects without fear! Discover The Carnival of the Insects, a recent work by Quebec composer Maxime Goulet. Each short movement highlights an insect and an orchestra instrument that will have the chance to be heard as a soloist. Ants, bees, beetles, and many other insects will be evoked by the timbres of the four instrument families of the orchestra. To complete the celebration, other bugs might just join in!

Programme

Camille Saint-Saëns, Carnaval des animaux : XIV. Finale (orgue seul) (2 min)
Félix Mendelssohn-Bartholdy, Le songe d’une nuit d’été : Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62 : II. Danse du rouet et scène (4 min)
Nicolaï Rimski-Korsakov, Le conte du tsar Saltan, Suite, op. 57 : « Le vol du bourdon » (2 min)
Maxime Goulet, Le carnaval des insectes (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphonie no 3 en do mineur, op. 78, « Avec orgue » : Maestoso (8 min)

Program

Camille Saint-Saëns, The Carnival of the Animals: XIV. Finale (solo organ) (2 min)
Felix Mendelssohn-Bartholdy, A Midsummer Night’s Dream: Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62: II. “Danse du rouet et scène” (4 min)
Nikolai Rimsky-Korsakov, The Tale of Tsar Saltan, Suite, Op. 57: “Flight of the Bumblebee” (2 min)
Maxime Goulet, The Carnival of the Insects (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphony No. 3 in C Minor, Op. 78 (“Organ”): Maestoso (8 min)

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Funk / Música Popular Brasileira / Slam

Syli d’Or : CLAIR MC & Auro Moura au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Ousseynou Ndiaye, connu sous le nom de scène Claire Mc, est un artiste polyvalent originaire de Thiès, au Sénégal. Rappeur, poète, danseur de hip-hop et chanteur reggae, il évolue depuis les années 1990 comme figure marquante de la culture urbaine sénégalaise. En 2001, il fonde à Thiès le groupe DENCUKAAYU KANG avec ses frères AMLY et WALY. Leur album Bayi Thi Khel (2006) propulse le collectif sur le devant de la scène grâce à un rap conscient alliant engagement social, poésie et influences slam. En 2010, Claire Mc entame une carrière solo axée sur le slam, où il affine son écriture et son expression poétique. Sacré Meilleur Slameur du Sénégal en 2016, il atteint l’année suivante les demi-finales de la Coupe du Monde de Slam Poésie en France. Il participe ensuite à divers festivals internationaux, du FISH MALI au Rio Poetry Slam au Brésil, jusqu’au Festival International de Slam/Poésie en Acadie (FISPA) en 2019. Installé à Montréal, il poursuit son cheminement artistique au sein du collectif GREFF ART et prépare son prochain album Cicatrice, une œuvre mêlant slam, rap et reggae, où il explore les thèmes de l’identité, de la résilience et de la paix. À travers son parcours, Claire Mc s’impose comme un artiste engagé et poète moderne, portant haut la voix d’une génération consciente entre le Sénégal et le Canada.
Auro Moura est un musicien polyvalent originaire du Brésil, établi à Montréal depuis près de dix ans. Fort de plus de vingt ans d’expérience, il s’impose comme chanteur, auteur-compositeur, producteur de musique et éducateur reconnu. En tant que compositeur, il a participé à la création de quatre albums et d’un EP, tout en mettant son expertise au service du cinéma, de la publicité, de la danse et du théâtre. Depuis son arrivée au Québec, Auro Moura s’attache à promouvoir la musique et la culture brésiliennes, en cofondant notamment le programme musical Les Brasileirinhos et le Chœur Scénique Brésilien, deux initiatives dédiées à la transmission et à la célébration de la culture du Brésil. Sa démarche artistique se distingue par la fusion subtile entre ses racines brésiliennes et des influences musicales internationales, dépassant les clichés du bossa nova ou du samba-reggae pour explorer de nouvelles textures sonores. Ces dernières années, il a consolidé sa présence sur la scène montréalaise. Lauréat d’une bourse de mentorat de Diversité Artistique Montréal (DAM) en 2019, il a également obtenu trois subventions de recherche-création du Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021 et 2022), témoignant de la reconnaissance de son apport au paysage culturel local. En 2023, son travail a été mis en lumière dans le cadre du projet Alliance de MAI, confirmant son engagement à faire rayonner la musique brésilienne au Québec tout en affirmant une voix artistique singulière et inspirante.

Ousseynou Ndiaye, known by his stage name Claire Mc, is a versatile artist from Thiès, Senegal. A rapper, poet, hip-hop dancer, and reggae singer, he has been a key figure in Senegal’s urban culture scene since the 1990s. In 2001, he founded the group DENCUKAAYU KANG in Thiès with his brothers AMLY and WALY. Their album Bayi Thi Khel (2006) brought them national recognition through their socially conscious rap, blending poetic expression with slam influences. In 2010, Claire Mc embarked on a solo career focused on slam poetry, refining his lyrical depth and performance style. Named Best Slam Poet of Senegal in 2016, he reached the semifinals of the World Slam Poetry Cup in France the following year. His performances have taken him to major international festivals such as FISH MALI, the Rio Poetry Slam in Brazil, and the International Slam/Poetry Festival in Acadia (FISPA) in 2019. Now based in Montreal, Claire Mc continues to expand his artistic reach with the collective GREFF ART while working on his upcoming album Cicatrice. The project blends slam, rap, and reggae, exploring themes of identity, resilience, and peace. Through his art, Claire Mc stands out as a committed and authentic voice, bridging cultures between Senegal and Canada while championing poetic and conscious expression.
Auro Moura is a versatile musician from Brazil who has been based in Montreal for nearly ten years. With over two decades of experience, he has established himself as a respected singer, songwriter, music producer, and educator. As a composer, he has contributed to the creation of four albums and one EP, while lending his musical expertise to film, advertising, dance, and theatre. Since moving to Quebec, Auro Moura has been dedicated to promoting Brazilian music and culture, co-founding the musical program Les Brasileirinhos and the Chœur Scénique Brésilien — two initiatives that celebrate and share the richness of Brazilian cultural heritage. His artistic approach stands out for its subtle blending of Brazilian roots with international musical influences, moving beyond the familiar boundaries of bossa nova or samba-reggae to explore new sonic landscapes. In recent years, Auro Moura has strengthened his presence in Montreal’s arts scene. A recipient of a mentorship grant from Diversité Artistique Montréal (DAM) in 2019, he also received three consecutive research-creation grants from the Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021, and 2022), recognizing his ongoing contribution to the local cultural landscape. In 2023, his work was highlighted through the Alliance project by MAI (Montréal, arts interculturels), affirming his commitment to promoting Brazilian music in Quebec while asserting a unique and inspiring artistic voice.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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Contemporary / immersif

Code d’accès : Battements à la Chapelle Saint-Louis de l’église Saint-Jean-Baptiste

by Rédaction PAN M 360

Battements est un concert de musique acoustique regroupant des pièces qui explorent les notions musicales de l’intonation ou de l’évolution des timbres à travers une œuvre.
« Rimes défaites par le Sphinx » est un projet de chansons en « intonation juste » pour deux voix et deux guitares à intonation juste (selon la conception de Simon Martin). Lorsque nous écoutons des sons (les sons de la musique, les sons de la vie), nous les entendons à travers le prisme de la culture. Comment libérer notre oreille du trop connu, en se laissant porter par le charme de l’inconnu? Peut-être par des chansons (forme trop connue!) chantées dans un tempérament inhabituel bien qu’enivrant?
« Tracé, Fossile » est inspirée par la lente minéralisation d’une matière organique. Par une métamorphose graduelle depuis les sons fluides jusqu’aux textures rugueuses, cette pièce est conçue comme le résumé d’un procédé de fossilisation s’étendant sur plusieurs ères géologiques. À travers l’augmentation progressive de la densité et la raréfaction graduelle du mouvement, à la fois temporel et physique, « Tracé, Fossile » constitue une réflexion, voire une méditation, sur le devenir de la matière.
À la fin de chaque concert, les discussions post-spectacle permettent aux spectateur[trice]s de poser leurs questions aux artistes. Ceci permet au public de mieux comprendre les œuvres présentées et les démarches artistiques des artistes programmé[e]s dans une perspective d’échange, de partage et de démocratisation des œuvres musicales contemporaines.

“Battements” is an instrumental music concert that will take advantage of the magnificent acoustics of the Chapelle Saint-Louis. Bringing together pieces that explore the very essence of sound, such as intonation and timbre, this instrumental concert is sure to charm and intrigue alike.
“Rimes défaites par le Sphinx” is a project of songs in “just intonation” for two voices and two guitars in just intonation (according to Simon Martin’s design). When we listen to sounds (the sounds of music, the sounds of life), we hear them through the prism of culture. How can we free our ears from the overly familiar and let ourselves be carried away by the charm of the unknown? Perhaps through songs (an overly familiar form!) sung in an unusual yet intoxicating temperament?
“Tracé, Fossile” is inspired by the slow mineralization of organic matter. Through a gradual metamorphosis from fluid sounds to rough textures, this piece is conceived as a summary of a fossilization process spanning several geological eras. Through the progressive increase in density and the gradual rarefaction of movement, both temporal and physical, “Tracé, Fossile” constitutes a reflection, even a meditation, on the future of matter.
At the end of each concert, post-show discussions allow spectators to ask the artists their questions. This allows the public a better understanding of the works presented and the artistic approaches of the artists programmed with a perspective of exchange, sharing and democratization of contemporary musical works.

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big band / Classe de maître / Jazz

Le Big Band de l’UdeM reçoit le pianiste Hilario Durán à la salle Claude-Champagne

by Rédaction PAN M 360

Le Big Band de l’UdeM aura la chance de se produire aux côtés du pianiste cubain de renommée internationale Hilario Durán. Ayant immigré au Canada à la fin des années 1990, Hilario Durán est un musicien célébré tant sur la scène canadienne que cubaine, récipiendaire de plusieurs prix. Durant son impressionnante carrière, il a joué aux côtés de sommités du jazz telles Chucho Valdés, Dizzy Gillespie et Michel Legrand, et a fondé sa propre maison de production nommée Es mi musica Productions. En plus de prendre part au concert sous la direction de João Lenhari, Hilario Durán animera un cours de maître présenté gratuitement le 25 mars 2026, permettant tant aux musiciennes et musiciens qu’au grand public d’en apprendre davantage sur son art.

The UdeM Big Band will have the opportunity to perform alongside internationally renowned Cuban pianist Hilario Durán. Having immigrated to Canada in the late 1990s, Hilario Durán is a highly celebrated musician on both the Canadian and Cuban music scenes and a recipient of numerous awards. Over the course of his remarkable career, he has performed with jazz legends such as Chucho Valdés, Dizzy Gillespie, and Michel Legrand, and founded his own production company, Es mi musica Productions. In addition to taking part in the concert under the direction of João Lenhari, Hilario Durán will lead a free master class on March 25, 2026, offering musicians and the general public alike a unique opportunity to learn more about his artistry.

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Pop / Rock / Zouk

Syli d’Or : Véronique Délice & Numidz au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Auteure-compositrice et interprète, Véronique Délice explore à travers sa musique les dimensions spirituelles et intimes de l’existence. Avec une voix enveloppante et une présence transcendante, Véronique Délice incarne la musique. La chanteuse canadienne d’origine camerounaise invite le public à un voyage sensible, où la voix devient espace de refuge et de guérison. Portée par des sonorités gospel et des textes inspirés de son vécu, Véronique Délice transforme la musique en langage de lumière. Sa démarche artistique est ainsi conçue comme un acte de foi et de partage, où ses mélodies et ses paroles, à la fois sublimes, puissantes et profondément inspirantes, élèvent l’âme et touchent le cœur.
Né d’un coup de tête inspiré dans les rues vibrantes de Montréal en 2023, Numidz s’est formé à l’occasion des Syli d’Or. Kabyles d’origine, les membres puisent dans leurs racines nord-africaines pour créer une musique où les rythmes traditionnels et groovy rencontrent l’énergie de la scène occidentale. Ce mélange authentique et festif donne naissance à un son unique, à la fois puissant, dansant et profondément rassembleur. Grâce à cette identité musicale métissée, le groupe a rapidement attiré l’attention, jusqu’à avoir l’honneur de se produire au prestigieux Festival International Nuits d’Afrique. Porté par la passion, l’improvisation et la joie de partager leur culture, Numidz continue de faire vibrer le public avec une musique qui traverse les frontières et les cœurs.

Singer-songwriter Véronique Délice explores the spiritual and intimate dimensions of existence through her music. With her enveloping voice and transcendent presence, Véronique Délice embodies music. The Canadian singer of Cameroonian origin invites her audience on a sensitive journey, where her voice becomes a space of refuge and healing. Carried by gospel sounds and lyrics inspired by her life experiences, Véronique Délice transforms music into a language of light. Her artistic approach is thus conceived as an act of faith and sharing, where her melodies and lyrics, at once sublime, powerful and deeply inspiring, lift the soul and touch the heart.
Formed on a spontaneous spark in Montréal in 2023 for the Syli d’Or competition, Numidz brings together musicians of Kabyle origin united by a shared love of North African rhythms. Drawing from their cultural roots, they blend traditional groovy beats with contemporary Western sounds, crafting a unique musical fusion that invites audiences to move and connect. Their vibrant style and authentic energy quickly caught attention, earning them the honor of performing at the prestigious Festival International Nuits d’Afrique. Driven by passion, improvisation, and the joy of sharing their heritage, the group continues to create music that transcends borders—celebrating identity, rhythm, and the collective power of sound.

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art rock / Pop / soft-rock

Chris de Burgh | 50LO à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Pour célébrer son 50e anniversaire de carrière musicale, le légendaire chanteur-compositeur irlandais Chris de Burgh sera en tournée solo canadienne en 2026.
Il offrira à ses mélomanes montréalais une performance unique en solo de tous ces succès incluant ses chansons populaires, tel que Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia et naturellement son hit mondial Lady in Red qui célébra son 40e anniversaire en 2026.

To celebrate his 50th career anniversary, legendary singer/songwriter Chris de Burgh will be undertaking a Canadian solo tour in 2026.
He will be offering his Montreal fans a unique solo performance of all his hits, including Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia and naturally his worldwide hit Lady in Red which is celebrating its 40th anniversary in 2026.

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musique de film

The magic of Miyazaki comes to life with the FILMharmonic Orchestra

by Frédéric Cardin

Saturday night, the FILMharmonic Orchestra paid tribute to composer Joe Hisaishi, a loyal partner of director Hayao Miyazaki, the genius of Japanese animated film for the last 50 years. As a result, the entire magical and benevolent universe of Miyazaki’s characters came to life in the minds and hearts of the audience filling the Wilfrid-Pelletier Hall at Place des Arts in Montreal.

Impeccable Classicism

Hisaishi’s music is of impeccable romantic classicism. The silky melodies carried by the strings are accompanied by the pleasant chirping of colours from the woodwinds and percussion, as well as the sometimes heroic bursts from the brass. It is music filled with caressing tones, bathed in safe harmonies, but which, thanks to the composer’s talent, prevents the music as a whole from falling into the banality of uninspired writing. Hisaishi takes us with him into this world of simple sweetness and beauty, inhabited by an extra touch of youthful wonder.

That said, as conductor Francis Choinière mentioned during one of his interventions (short and effective, let us emphasise), Miyazaki’s world (and by extension Hisaishi’s music) carries within it, equally, the naivety of childhood through its fairy-tale worlds and a heartfelt dose of more advanced reflection on the environmental crisis, the transition to adulthood, and freedom.

From Kiki to Mononoke, and of course Totoro

Kiki’s Delivery Service kicked off the evening with its delicate theme. Then, the excerpt Requiem from Nausicaä of the Valley of the Wind reminded us of Hisaishi’s classical roots with this melody derived from Handel’s Passacaglia, cleverly adapted for the needs of this soundtrack. An excerpt from the music of Princess Mononoke, a masterful score curiously underlined in this concert, followed before diving into a substantial suite of themes from one of Miyazaki’s most iconic films: My Neighbour Totoro. Hisaishi’s pen for this film, with its exquisite sweetness and simplicity, blossoms with captivating melodies for the strings and fine, graceful touches for the woodwinds, with Gershwin-esque tones that stand out strongly in certain places. No big, evil villains in this film and its score, no tearful drama, no full-blown battle, just the friendly and fascinated tenderness of discovering a parallel world filled with gentle creatures. A music that feels so good, you cannot not love it deeply.

The second part of the concert gave us two long suites from two essential films of the Miyazaki canon: Spirited Away and Howl’s Moving Castle. If Chihiro is not lacking in effective passages, it is Howl’s Moving Castle that stands out. Especially with that incredibly memorable waltz. But not only that, because the story, although classic Miyazaki, still contains some of the most epic moments in all of the master’s films. The music reflects this with great acuity, while remaining true to the composer’s leitmotifs: simplicity and quality.

Two encores, including a reprise of the Totoro theme with the entire audience as an ad hoc choir. Everyone left the room humming To to-ro, To tooo Ro.

One drawback: the amplification used gives a filtered and less natural colouration to the strings. One begins to wish that the FILMharmonique Orchestra would perform at the Maison symphonique instead. But well, it’s a detail that ultimately has little consequence on the success of this enchanting evening that we would be ready to experience again at any time.

And that anytime could be March 21 in Quebec City, as the same program will be given at the Grand Théâtre. People of the capital, don’t miss it.

DETAILS AND TICKETS

classique / jeunesse / post-romantique

Bach avant dodo – Pierre et le loup au Gesù

by Rédaction PAN M 360

BBB, en collaboration avec Meute Monde présente l’œuvre bien-aimée de Prokofiev « Pierre et le loup » dans un format parfaitement adapté aux enfants; réunissant des marionnettistes, un quintette à vent et une narration anglaise et française; avec des caractères fantastiques.
En seulement 45 minutes, les enfants sont initiés au monde de la musique classique dans une atmosphère interactive et détendue. Le concert interactif donne aux enfants le sentiment de faire partie de l’histoire, se joignant tout au long du spectacle pour chanter et danser avec les artistes.
« Pierre et le loup » de BBB offre la recette parfaite pour créer des souvenirs inoubliables et faire tomber petits et grands amoureux de la musique classique.

BBB, in collaboration with Meute Monde, presents Prokofiev’s beloved Peter and the Wolf in a format perfectly tailored for children, bringing together puppeteers, a wind quintet, and narration in both English and French, with fantastic characters.
In just 45 minutes, children are introduced to the world of classical music in an interactive, relaxed atmosphere. The interactive concert makes kids feel like part of the story, joining in throughout the performance to sing and dance along with the artists.
BBB’s Peter and the Wolf offers the perfect recipe for creating unforgettable memories and inspiring both young and old to fall in love with classical music.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (PREMIÈRE REPRÉSENTATION DU 15 MARS)

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (DEUXIÈME REPRÉSENTATION DU 15 MARS)

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (17 MARS)

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classique / Contemporary

SMCQ : Des classiques aux créations à la salle Pierre-Mercure

by Rédaction PAN M 360

Dans le cadre du 60ᵉ anniversaire de la SMCQ, placé sous le thème Dialogues intergénérationnels, l’Orchestre de l’Agora présente un concert alliant classiques et créations de la musique orchestrale québécoise. Aux œuvres de Jacques Hétu et Claude Vivier s’ajouteront deux créations mondiales signées Alexandre David et Maggie Ayotte (commande de l’Orchestre de l’Agora). Sous la direction du chef invité Benoît Gauthier, avec les solistes Marina Thibeault, Thomas Beard et Noémie Caron-Marcotte.

As part of the SMCQ’s 60th anniversary season, under the theme Intergenerational Dialogues, Orchestre de l’Agora presents a concert combining classics and new works from Québec’s orchestral repertoire. Alongside pieces by Jacques Hétu and Claude Vivier, the program will feature two world premieres by Alexandre David and Maggie Ayotte (commissioned by the Orchestre de l’Agora). Conducted by guest conductor Benoît Gauthier, with soloists Marina Thibeault, Thomas Beard and Noémie Caron-Marcotte.

Programme

Rondo pour violoncelle et orchestre à cordes, op 9 (1965)
Jacques Hétu
violoncelle et orchestre à cordes
Thomas Beard, violoncelle
Clochette (2026)
Maggie Ayotte
piccolo et orchestre
Création
Noémie Caron-Marcotte, piccolo
Et je reverrai cette ville étrange (1981), 15:00
Claude Vivier
6 musiciens
erre (2026)
Alexandre David
alto et orchestre
Création
Marina Thibeault, alto

Rondo pour violoncelle et orchestre à cordes, op 9 (1965)
Jacques Hétu
cello and string orchestra
Thomas Beard, cello
Clochette (2026)
Maggie Ayotte
piccolo and orchestra
Premiere
Noémie Caron-Marcotte, piccolo
Et je reverrai cette ville étrange (1981), 15:00
Claude Vivier
6 musicians
erre (2026)
Alexandre David
alto and orchestra
Premiere
Marina Thibeault, viola

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Ce contenu provient de la Société de musique contemporaine du Québec et est adapté par PAN M 360

classique / Contemporary / post-romantique

Tabea Zimmermann & Javier Perianes à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Ces artistes d’exception sont de passage à Montréal dans le cadre d’une tournée internationale. Ils offrent un programme passionné autant que songeur, présentant des œuvres pour alto et piano s’échelonnant de 1849 à 1975, l’année de composition de la Sonate de Chostakovitch. Ce dernier a puisé dans ses ultimes ressources pour en achever l’écriture, un mois avant sa mort.

An international tour brings this outstanding chamber duo to Montréal. Their programme is both fiery and contemplative, spanning more than a century of music for viola and piano from 1849 to 1975. In that year, Shostakovich composed his Sonata, for which he drew upon his last ounces of strength in order to complete it one month before his death.

Programme

R. SCHUMANN Fantasiestücke, op. 73
BRAHMS Sonate pour alto et piano en mi bémol majeur, op. 120 no 2 
BRITTEN Lachrymae, op. 48
CHOSTAKOVITCH Sonate pour alto et piano en do majeur, op. 147

Program

R. SCHUMANN Fantasiestücke, Op. 73
BRAHMS Viola Sonata in E-flat major, Op. 120, No. 2 
BRITTEN Lachrymae, Op. 48
SHOSTAKOVICH Viola Sonata in C major, Op. 147

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Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

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