Montréal

Blues Rock / R&B

Festival International de Jazz de Montréal : Taj Mahal et Phantom Blues Band à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Taj est une figure musicale imposante, une légende qui a transcendé le blues non pas en le laissant derrière lui, mais en révélant son magnifique champ d’application. En remontant ses origines jusqu’au sud des États-Unis, aux Caraïbes, en Afrique et ailleurs, il a créé des sons entièrement nouveaux.
Taj Mahal n’attend pas la permission. Si un son l’intrigue, il se met en tête de le reproduire. Si ses origines le mystifient, il part à leur recherche. Si des règles se dressent sur son chemin, il les enfreint sans vergogne. Pour Taj, les conventions n’ont aucune importance, mais les traditions sont sacrées. Il a fait progresser la musique et la culture, tout en gardant un regard affectueux sur le passé. Il souhaite simplement pouvoir créer la musique qu’il entend, et c’est ce qu’il fait.
Artiste brillant doté d’un esprit de musicologue, il a exploré et sublimé les racines de ces sons tant appréciés avec un dévouement et un talent sans limites. Il est impossible de quantifier l’importance de Taj, mais les gens essaient quand même.

Taj is a towering musical figure — a legend who transcended the blues not by leaving them behind, but by revealing their magnificent scope. As he traced origins to the American South, the Caribbean, Africa, and elsewhere, he created entirely new sounds.
Taj Mahal doesn’t wait for permission. If a sound intrigues him, he sets out to make it. If origins mystify him, he moves to trace them. If rules get in his way, he unapologetically breaks them. To Taj, convention means nothing, but traditions are holy. He has pushed music and culture forward, all while looking lovingly back. He just want to be able to make the music that he’s hearing come to him — and that’s what he does.
A brilliant artist with a musicologist’s mind, he has pursued and elevated the roots of beloved sounds with boundless devotion and skill. Quantifying Taj’s significance is impossible, but people try anyway.

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classique / Modern Classical / Piano

Hania Rani – Non Fiction : Piano Concerto in Four Movements au Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Hania Rani est une compositrice et pianiste polonaise plusieurs fois récompensée qui évolue avec aisance entre les univers de la musique classique et expérimentale. Connue pour une série d’albums remarquables et en constante évolution — Esja, Home et Ghosts — elle a aussi composé pour le cinéma, le théâtre et la télévision.
Non Fiction est le premier concerto pour piano et la première pièce symphonique de Rani, composée en partie en réponse à la découverte en 2020 des compositions d’une jeune prodige de la musique, Josima Feldschuh, écrites pendant les horreurs de la Seconde Guerre mondiale dans le ghetto de Varsovie. Émue par l’histoire de cette jeune fille, elle a choisi de l’examiner à travers le prisme des horreurs modernes : l’invasion de l’Ukraine et le génocide à Gaza, et la façon dont nous pouvons les « observer » et les « entendre » de près grâce aux médias modernes. Ce faisant, Rani examine la coexistence constante de l’harmonie et du désordre, créant une métaphore sonore de la survie de l’esprit humain face à la violence, et utilise la valeur émotionnelle du son pour rendre ces conflits quelque peu lointains plus accessibles à notre sensibilité humaine.
S’appuyant sur la formation classique de Rani et son admiration pour la musique expérimentale et improvisée, juxtaposant symboliquement une musique précisément orchestrée à la beauté de l’élan, Non Fiction est un chef-d’œuvre moderne : révélateur, puissant, émouvant et profond. 
Pour cette première mondiale, Rani est accompagnée du Manchester Collective, un orchestre de 45 musiciens dirigé par le violoniste Rakhi Singh, avec la participation exceptionnelle du saxophoniste Jack Wyllie (Portico Quartet) et de la batteuse Valentina Magaletti, sous la direction de Hugh Brunt (London Contemporary Orchestra).
Pour le premier set, Rani présentera une sélection de ses compositions instrumentales contemporaines pour le cinéma et le théâtre, ainsi que de nouvelles compositions arrangées pour un petit ensemble.  

Hania Rani is a Polish multi-award winning composer and pianist who moves effortlessly between the worlds of classical and experimental music. Best known for a series of remarkable, ever evolving albums — Esja, Home and Ghosts — she also has written for film, theatre and television.
Non Fiction is Rani’s first piano concerto and symphonic piece composed partially in response to the discovery in 2020 of the compositions of a young music prodigy, Josima Feldschuh, written during the horrors of World War II in the Warsaw Ghetto. Moved by the girl’s story she choose to examine it through the lens of modern horrors: the invasion of Ukraine and genocide in Gaza, and how closely we can ‘observe’ and ‘hear’ them through modern media. In doing this Rani examines the constant coexistence of harmony and disorder creating a sonic metaphor for the survival of the human spirit when faced by the violence and uses the emotional value of sound to make these somehow distant conflicts more relatable to us on a human level. 
Drawing on Rani’s classical background, and her admiration for experimental and improvised music, symbolically juxtaposing precisely scored music with the beauty of momentum Non Fiction is a modern masterwork: revelatory, powerful, emotional and profound. 
In this world premier Rani is joined by the Manchester Collective assembled as a 45-piece orchestra, led by violinist Rakhi Singh and guest performances saxophonist Jack Wyllie (Portico Quartet) and drummer Valentina Magaletti and conducted by Hugh Brunt (London Contemporary Orchestra). 
For the opening set Rani will present a selection of her contemporary instrumental music for film and theatre alongside new music arranged for a small ensemble. 

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Blues Rock / hip-hop alternatif / Indie Pop

M pour Montréal : 20 ans de Rosemarie Records à l’Esco

by Rédaction PAN M 360

Venez célébrer deux décennies d’audace et de musique avec une soirée éclectique et mémorable, dans le cadre de M pour Montréal. Une rencontre unique entre trois univers : Julyan vous transportera avec ses refrains indie-pop lumineux, Rick Duff fera vibrer la salle avec son mélange de country, blues et rock, tandis que Soraï enflammera la scène avec son hip-hop électro festif et libérateur. Une soirée qui résume l’ADN de Rosemarie Records !

Come celebrate two decades of boldness and music with an eclectic and unforgettable evening as part of M for Montreal. A unique meeting of three worlds: Julyan will transport you with his bright indie-pop melodies, Rick Duff will make the room shake with his blend of country, blues, and rock, while Soraï will set the stage on fire with her festive, liberating electro-hip-hop. A night that captures the very essence of Rosemarie Records!

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Pop / Pop-Rock

Luce Dufault, Lulu Hughes et Kim Richardson – Elles au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Un spectacle qui rassemble trois voix que l’on rêve d’entendre à l’unisson : celles de Luce Dufault, Lulu Hughes et Kim Richardson. 
Cette tournée majeure de plus de 100 représentations à travers tout le Québec, a été récompensée d’un Billet d’argent de l’ADISQ pour 25 000 billets vendus, en plus d’ovations plusieurs fois au cœur même du spectacle.
Pour cette soirée exceptionnelle, le groupe de musiciens s’enrichira de sections de cuivres et de cordes. Cet ajout donnera encore plus de poids à un répertoire de grands classiques du rock et du blues, dont I Feel The Earth Move, Natural Woman, What The World Needs Now, Cry Baby, Bridge Over Troubled Water, Funky Station, Simply The Best. 
Luce, Lulu et Kim sont au sommet de leur art et elles habitent la scène avec panache, que ce soit en solo, en duo ou en trio, dans une rencontre exceptionnelle où la spontanéité et la complicité ressemblent à l’amitié qui les unit depuis 30 ans.

Three voices we dream of hearing in harmony: Luce Dufault, Lulu Hughes, and Kim Richardson.
This major tour of over 100 performances across Quebec, has been rewarded with an ADISQ Silver Ticket for 25,000 tickets sold, as well as multiple standing ovations during the show itself.
For this exceptional evening, the group of musicians will be joined by brass and string sections. This addition will give even more weight to a repertoire of rock and blues classics, including I Feel The Earth Move, Natural Woman, What The World Needs Now, Cry Baby, Bridge Over Troubled Water, Funky Station, and Simply The Best. 
Luce, Lulu, and Kim are at the top of their game and take the stage with style, whether solo, in duets, or as a trio, in an exceptional performance where their spontaneity and chemistry reflect the friendship that has united them for 30 years.

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chanson keb franco / Hip Hop / Soul/R&B

M pour Montréal : childhood friend & Oscar Emch au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

childhood friend pour sa première montréalaise et Oscar Emch

childhood friend for their Montreal debut and Oscar Emch

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Alt Folk / chanson keb franco / Punk Rock

M pour Montréal : Sélection Officielle – Annie-Claude Deschênes, Truck violence, PISS & Ribbon Skirt aux Foufounes Électriques

by Rédaction PAN M 360

Venez assister à 4 showcases de la Sélection Officielle 2025 aux FOUFS pour ouvrir la 20e édition du festival M pour Montréal!

Come and enjoy 4 showcases from the 2025 Official Selection at FOUFS to kick off the 20th edition of M for Montreal!

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Electronic / percussions / Western European

Festival Orientalys : Albaluna au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Depuis quinze ans, Albaluna déchire le silence avec une musique où la cornemuse des montagnes ibériques épouse les nappes électroniques, où le hurdy-gurdy ancestral rugit sous les doigts de Ruben Monteiro comme une clameur venue des siècles passés.
Leur album ENNEAD est un manifeste brûlant : un voyage des tavernes de Lisbonne aux caravanes de la Route de la Soie, tissant le fado pleureur, les rythmes balkaniques et la transe gnawa en une tapisserie sonore révolutionnaire. Sur scène, leurs instruments oubliés, sanfona électrique, bouzouki furieux, percussions ottomanes, se muent en armes de poésie, portant des textes en portugais ancien qui transforment la saudade en cri contre l’intolérance.
Chaque concert est un bivouac nomade où le public, saisi aux tripes par les mélodies séfarades et les riffs prog, devient complice d’un rituel chamanique. Laissez Teresa Silva vous envelopper de sa voix-prière, Dinis Coelho faire trembler la terre avec ses tablas, et Tiago Santos vous projeter dans un cosmos où passé et futur fusionnent.
Après l’Inde, le Maroc et les temples de Macao, leur tornade sonore arrive près de vous: préparez-vous à être dépouillé, transfiguré, et cousu d’or par l’énergie pure d’un groupe qui ne répare pas le monde, mais vous rappelle que vous en êtes l’étincelle.

For fifteen years, Albaluna has torn through silence with a music where Iberian mountain bagpipes meet sweeping electronic layers, and the ancestral hurdy-gurdy roars under the fingers of Ruben Monteiro like a cry from centuries past.
Their album ENNEAD is a burning manifesto; a journey from Lisbon’s taverns to Silk Road caravans, weaving mournful fado, Balkan rhythms, and Gnawa trance into a revolutionary sonic tapestry. On stage, their once-forgotten instruments; electric sanfona, raging bouzouki, Ottoman percussion; become weapons of poetry, carrying ancient Portuguese texts that turn saudade into a cry against intolerance.
Each concert is a nomadic bivouac where the audience, gripped to the core by Sephardic melodies and prog rock riffs, becomes part of a shamanic ritual. Let Teresa Silva envelop you with her prayerful voice, Dinis Coelho shake the earth with his tablas, and Tiago Santos launch you into a cosmos where past and future fuse.
After India, Morocco, and the temples of Macao, their sonic whirlwind lands near you. Get ready to be stripped bare, transfigured, and stitched with gold by the raw energy of a band that does not fix the world, but reminds you that you are its spark.

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Qawwali / South Asian

Festival Orientalys : Oraison cosmique, qawwālī et kathak en fusion au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Quand la voix-lave de Mushfiq Hashimi épouse les frappes-racines de Sudeshna Maulik, la scène se fend en oraison cosmique. Le maître du qawwālī, dont chaque mélodie est un pont brûlant vers l’invisible, et la grande prêtresse du kathak montréalaise, dont les ghungroos scellent le sol en mantras dansés, tissent un sama incarné où Montréal devient carrefour des transcendances.
Leurs arts se respirent d’un même poumon sacré. La voix de Mushfiq, braise tourbillonnante née des maqams soufis, enlace les chakkars (pirouettes) de Sudeshna, qui transforment l’éther en mandalas vivants ; ses murmures de cendre répondent à ses talons foudroyants, gravant dans le bitume les épopées du Gange.
Les anneaux de chevilles tintent en constellations, tandis que l’harmonium exhume des cryptes mélodiques où chaque note est une offrande, chaque frappe un sūtra chorégraphié. Leurs langages fusionnent en une géométrie ardente : les abhinayas (mudras narratifs) de Sudeshna déploient des poèmes sans mots, que les qawwālīs de Mushfiq ensemencent de ferveur, créant un thrène où la rigueur du kathak épouse l’extase soufie.
Une cérémonie où Orientalys bat au rythme d’un cœur biface, terrien et sidéral, feu et terre, prière et incarnation!

When the lava-like voice of Mushfiq Hashimi meets the rooted footwork of Sudeshna Maulik, the stage splits open into a cosmic prayer.
The master of qawwālī, whose every melody is a burning bridge to the unseen, and Montreal’s high priestess of kathak, whose ghungroos stamp the ground with danced mantras, weave a living sama where Montreal becomes a crossroads of transcendence.
Their art breathes from the same sacred lung. Mushfiq’s swirling ember of a voice, born from Sufi maqams, entwines with Sudeshna’s chakkars (pirouettes), transforming the ether into living mandalas. His ashen murmurs answer her thunderous heels, etching Ganges epics into the pavement.
Anklets ring like constellations, while the harmonium exhumes melodic crypts where each note is an offering, each beat a choreographed sutra. Their languages fuse in a geometry of fire: Sudeshna’s abhinayas (narrative mudras) unfold wordless poems, which Mushfiq’s qawwālīs seed with fervor, crafting a lament where kathak’s discipline embraces Sufi ecstasy.
A ceremony where Orientalys beats to a dual-hearted rhythm; earthly and celestial, fire and soil, prayer and embodiment.

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Indigenous peoples / Punk

Présence Autochtone : Groupe 1876 à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

1876 s’est formé début 2020 et a immédiatement lancé l’EP Pow Wow Punk Rock.
Avec des sonorités familières à tout habitué des pow-wow, mêlées à des guitares agressives, des mélodies accrocheuses et des paroles engagées propres à l’univers punk, 1876 partage une perspective unique.
Le groupe représente fièrement les nations Northern Cheyenne et Blackfeet, chantant dans les deux langues.
Des sweat lodges aux clubs punk, 1876 met en lumière une réalité souvent négligée par l’industrie musicale.
Le projet est né d’un rêve de résurgence culturelle et linguistique, porté par ceux qui vivent au quotidien les défis et les fiertés d’être nés NDN.

1876 was formed in early 2020 and immediately debuted the EP “Pow Wow Punk Rock.”
With notable sounds that any pow wow goer will recognize, combined with the aggressive guitar playing, catchy melodies, and political lyrics of the punk world, 1876 expresses their unique perspective.
1876 proudly represents both the Northern Cheyenne and the Blackfeet nations, singing in both languages. From sweat lodges to punk clubs, 1876 helps shed light on a narrative often neglected by the music industry.
1876 was born in 2020 out of a dream of cultural and language resurgence being seen and produced by those who experience the hardships and triumphs of being born NDN.

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Dancehall / Indigenous peoples / Reggae

Présence Autochtone : Shauit aux Jardins Gamelin

by Rédaction PAN M 360

Artiste québécois reconnu, Shauit est sans doute le seul auteur-compositeur-interprète à mélanger ingénieusement le reggae, le dancehall et le soul avec l’innu-aimun, sa langue natale. Il a reçu les prix Artiste s’exprimant dans une langue autochtone et Musique d’expression moderne au Gala Teweikan 2017 même année où il a lancé son tout premier album Apu peikussiak u Originaire de Maliotenam dans le nord-est du Québec, l’auteur-compositeur-interprète chante en créole, français, en anglais, mais surtout dans sa langue autochtone (innu). Ayant voyagé à travers le Canada, passant par le Yukon jusqu’à la Russie, Shauit se veut un fier représentant de sa culture autochtone à travers le monde.

Well-known Quebec artist, Shauit is probably the only singer-songwriter to ingeniously mix reggae, dancehall and soul with Innu-aimun, his native language. He received the Artist Award in Native Language and Modern Expression Music at the Teweikan Gala 2017, the same year he released his first album Apu peikussiak u. Originally from Maliotenam in northeastern Quebec, the singer-songwriter sings in Creole, French, English, but especially in his native language (innu). Traveling across Canada, through the Yukon to to Russia, Shauit is a proud representative of its indigenous culture around the world.

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Indigenous peoples / militant

Présence Autochtone : Spectacle le Chant Des Baleines à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

Oktoecho, en collaboration avec le collectif australien Corrina Bonshek & Collaborators, présente « Song to the Whales/Chant de la baleine », un projet musical international d’envergure réunissant artistes inuit, māoris et aborigènes et allochtones du Canada, de Nouvelle-Zélande et d’Australie.
Rassemblés autour d’un thème commun – l’océan et les baleines, êtres spirituels centraux dans de nombreuses traditions – ce projet se veut à la fois une célébration et un appel à l’action.
Inspirée des chants traditionnels maoris, aborigènes et inuit, cette œuvre fusionne voix ancestrales et instrumentation contemporaine. Elle propose un voyage sensoriel célébrant la force symbolique de la baleine, tout en éveillant les consciences à la nécessité de préserver les écosystèmes marins.

Oktoecho, in collaboration with the Australian collective Corrina Bonshek & Collaborators, presents “Song to the Whales”, an ambitious international musical project bringing together Inuit, Māori, Aboriginal, and non-Indigenous artists from Canada, New Zealand, and Australia.
United by a common theme — the ocean and whales, spiritual beings central to many traditions — this project is both a celebration and a call to action.
Inspired by traditional Māori, Aboriginal, and Inuit songs, the piece blends ancestral voices with contemporary instrumentation. It offers a sensory journey that honours the symbolic power of the whale, while raising awareness about the urgent need to protect marine ecosystems.

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