Montréal

Art Pop / art-folk / Indie Pop

POP Montréal : Bye Parula + Dilettante + The Narcotix + Natural Sympathies au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

Bye Parula

Bye Parula est ce genre de trio qui semble avoir jailli d’un vieux magnétoscope, quelque part entre une bobine poussiéreuse de cinéma 70’s et un rêve pop indé d’aujourd’hui. Formé à Montréal en 2020, le groupe réunit trois personnalités bien distinctes mais liées par une même vision : Sergio d’Isanto (baterie, chant), Sebastán Riquelme (guitare, chant) et Loïc Calatayud (chant, basse) se croisent pour fusionner leurs infuences en un équilibre aussi fragile que fascinant. Avec une oreille tournée vers les bandes-son d’une époque révolue et l’autre plongée dans les efluves de la pop contemporaine, Bye Parula compose un répertoire où les arrangements ciselés s’enroulent autour d’une poésie épurée. Leur premier album, sort en 2022, fait parler l’élégance en toute discréton. Réalisé par l’alchimiste Robbie Kuster (Patrick Watson, Flore Laurentenne) et magnifé par le mix de Warren C. Spicer (Plants & Animals), le disque déroule des paysages sonores où les cordes de Mélanie Bélair (Patrick Watson) et les cuivres d’Aurélien Tomasi flirtent avec les claviers envoûtants de Mathieu Charbonneau (Timber Timbre, Avec pas d’casque). Mais c’est sur scène que Bye Parula explose véritablement, en mode power trio, délivrant une énergie bouillonnante, soutenue par des harmonies à trois voix qui se tressent avec une précision chirurgicale. Entre la sophistication des arrangements et la rugosité d’un set brut, le groupe incarne une dualité aussi magnétique qu’inoubliable.

Bye Parula is the kind of trio that seems to have emerged from an old VCR, somewhere between a dusty reel of 70s cinema and today’s indie pop dream. Formed in Montreal in 2020, the group brings together three distnct personalites bound by a shared vision: Sergio d’Isanto (drums, vocals), Sebastán Riquelme (guitar, vocals), and Loïc Calatayud (vocals, bass) converge to fuse their influences into a balance that’s as fragile as it is fascinating. With one ear turned to the soundtracks of a bygone era and the other immersed in the currents of contemporary pop, Bye Parula crafs a repertoire where fnely honed arrangements weave around stripped-down poetry. Their debut album, released in 2022, quietly radiates elegance. Produced by sonic alchemist Robbie Kuster (Patrick Watson, Flore Laurentenne) and enhanced by the mix of Warren C. Spicer (Plants & Animals), the album unfolds sonic landscapes where Mélanie Bélair’s strings (Patrick Watson) and Aurélien Tomasi’s brass flirt with the captivating keys of Mathieu Charbonneau (Timber Timbre, Avec pas d’casque). But it’s on stage where Bye Parula truly ignites, as a power trio delivering an explosive energy, backed by three-part vocal harmonies that intertwine with surgical precision. Balancing the sophistication of their arrangements with the rawness of a stripped-back set, the group embodies a duality that’s as magnetic as it is unforgettable.

Dilettante

Dilettante est la multi-instrumentiste Francesca Pidgeon, une artiste art-pop. Vivant dans le nord de l’Angleterre, elle a joué au Royaume-Uni et à l’international. Dilettante a ouvert des spectacles pour des artistes comme Caribou, Self Esteem et Philip Selway (Radiohead) et s’est produite dans des festivals comme The Great Escape, SXSW (Austin, Texas), NXNE (Toronto, Canada), Kendal Calling, Song Swap (Nantes, France), Focus Wales et Live at Leeds.
Ses instruments à vent en boucle, peu orthodoxes mais finement tissés, et ses riffs fuzzy décalés lui ont valu des concerts à guichets fermés dans tout le Royaume-Uni, la sortie de deux albums et le prestigieux prix Paul Hamlyn des artistes.

Dilettante is the art-pop brain-child of multi-instrumentalist Francesca Pidgeon. Based in the North of England but now performing across the UK and internationally Dilettante has supported the likes of Caribou, Self Esteem + Philip Selway (Radiohead) and performed at festivals like The Great Escape, SXSW (Austin, TX), NXNE (Toronto, CAN), Kendal Calling, Song Swap (Nantes, FR) Focus Wales and Live at Leeds.
Her unorthodox but intricately-woven looped woodwind and off-kilter fuzzy riffs have seen her sell out shows across the UK, release 2 full length albums and receive the prestigious Paul Hamlyn Award for Artists.

The Narcotix

L’ensemble art-folk ouest-africain The Narcotix, basé à Brooklyn, est né de l’imagination d’Esther Quansah et de Becky Foinchas, amies d’enfance et compositrices expérimentales. Leur travail est à la fois spirituel et rebelle, invitant le public à une expérience d’un autre monde, aussi familière qu’un hymne et aussi libre qu’un rêve.

Brooklyn-based, West African art-folk ensemble The Narcotix is the brainchild of childhood friends and experimental composers Esther Quansah and Becky Foinchas. Their work is at once spiritual and rebellious, inviting audiences into an otherworldly experience that is as familiar as a hymn and as unbound as a dream.

Natural Sympathies

Natural Sympathies fait de l’art pop fantastique qui explore la vie intérieure à travers une combinaison alchimique de paroles poétiques, d’écriture inventive et d’harmonies vocales luxuriantes dans un paysage sonore chargé de synthétiseurs. Natural Sympathies travaille par cycles d’albums conceptuels qui s’étendent souvent à l’art de la performance et à d’autres médiums en fonction de chaque projet, impliquant souvent d’autres artistes et le grand public dans les magouilles. Ayant débuté en 2016 en tant que projet solo d’Amber Goodwyn, musicienne basée à Treaty 4/Regina, en Saskatchewan, Natural Sympathies se produit maintenant en tant que groupe de quatre musiciens, accompagné occasionnellement (pour des occasions très spéciales) d’une troupe de danseurs de soutien appelée The Mutual Affection.

Natural Sympathies makes fantastical art pop that explores inner life through an alchemical combination of poetic lyrics, inventive songwriting, and lush vocal harmonies within a synth-laden soundscape. Natural Sympathies works in concept album cycles that often expand into performance art and other mediums as each project dictates, often involving other artists and the general public in shenaniganry. Having started in 2016 as the solo project of Treaty 4/Regina, Saskatchewan-based musician Amber Goodwyn, Natural Sympathies now performs as a four-piece band, occasionally accompanied by (for very special occasions) a coven of back-up dancers called The Mutual Affection.

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Indie Pop / math rock / Post-Punk

POP Montréal : POOL KIDS + TRUTH CLUB + PONY au Bar Le Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Pool Kids

Pool Kids est un groupe américain de math rock et d’emo originaire de Tallahassee, en Floride. Le groupe se compose de la chanteuse et multi-instrumentiste Christine Goodwyne, du batteur Caden Clinton, du guitariste Andy Anaya et de la bassiste Nicolette Alvarez.

Pool Kids are an American math rock and emo band from Tallahassee, Florida. The band’s line-up consists of lead vocalist and multi-instrumentalist Christine Goodwyne, drummer Caden Clinton, guitarist Andy Anaya, and bassist Nicolette Alvarez.

Truth Club

Le Truth Club de Raleigh a immédiatement fait sensation lors de la sortie de son premier album Not An Exit en 2019. Cet impressionnant ensemble de morceaux post-punk tendus et mélancoliques leur a permis de s’imposer comme une nouvelle voix passionnante, les propulsant dans la liste des meilleurs nouveaux groupes de 2019 de Stereogum, où ils ont été salués comme « les cousins nostalgiques et nerveux du passé et du présent de l’indie rock ».
Le deuxième album, Running From The Chase, sorti en 2023, apporte une touche de curiosité, d’engagement et d’expérimentation au processus créatif du groupe. Enregistré au Drop of Sun Studios à Asheville, en Caroline du Nord, Running From the Chase est un album grandiose et sophistiqué, qui trouve un équilibre entre une introspection réfléchie et un son étonnant et nouvellement enrichi.

Raleigh’s Truth Club made an immediate impact when their debut LP Not An Exit was released in 2019. The impressive set of tense, brooding post-punk tracks established them as an exciting new voice, landing them on Stereogum’s 2019 list of Best New Bands, where they were praised as “the wistful, nervy relatives of indie rock’s past and present.”
The 2023 follow-up, Running From The Chase, brings a sense of curiosity, commitment, and experimentation to the band’s process. Recorded at Drop of Sun Studios in Asheville, NC, Running From the Chase is an album that’s sweeping and sophisticated, balancing considered introspection with a stunning, newly expanded sound.

PONY

Il existe une longue tradition de groupes capables d’explorer avec justesse les nuances de l’expérience humaine dans le cadre de la pop, et d’aborder avec élégance à la fois les aspects lumineux et sombres de la vie au travers d’une chanson d’apparence enjouée de trois minutes et demie. Avec leur deuxième album complet, Velveteen, les champions torontois du power pop, PONY, relèvent ce défi avec finesse et panache à travers dix morceaux irrésistiblement accrocheurs — consolidant encore davantage leur place dans la lignée du genre. Nourri par d’innombrables heures d’introspection, de lectures, de télévision et d’insomnies, le disque met en valeur le son affiné du groupe et constitue à ce jour leur œuvre la plus aboutie, examinant les relations complexes entre désir, connexion et fidélité à soi-même.

There’s a long tradition of bands that can compellingly explore the nuances of the human experience within the confines of pop music, that can elegantly consider both the lighter and darker elements of life through a deceptively sunny-sounding three-and-a-half-minute song. On their sophomore full-length album, Velveteen, Toronto’s reigning power pop champions PONY manage the task with both finesse and panache across 10 irresistibly hook-filled tracks–and further cement their place in the genre’s lineage. Influenced by countless hours of self-reflection, literature, television, and insomnia, the record showcases the band’s elevated sound and is their most fully-realized to date–examining the complex relationships between longing, connection, and being true to oneself.

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social media pop

POP Montréal : Billianne au Rialto Rooftop

by Rédaction PAN M 360

Billianne a captivé Internet en 2021 lorsque son adaptation de « The Best » de Tina Turner est devenue virale sur TikTok, atteignant plus de 2 millions de vues et suscitant une vague de viralité qui a redéfini sa vie. Forte d’une base de fans naturelle grâce aux éloges de certaines de ses idoles (Taylor Swift, The Lumineers, Joe Jonas, Ryan Reynolds, P!nk et Michael Bublé), Billianne a suivi ces encouragements et s’est lancée dans la création musicale.
Son premier EP, The Things We Talk About (2023), reflétait ses goûts et révélait ses idées, lui valant rapidement le titre de « prochaine grande voix de la musique » décerné par le Toronto Star. En préparation de son premier album, Billianne a présenté son morceau sincère et fantaisiste « Daydream » (avril 2024) en direct dans l’émission TODAY de NBC et est apparue sur Q de CBC pour en discuter avec Tom Power. Son prochain single « Crush » (août 2024) a percé le Top 10 des radios canadiennes Top 40.

Billianne captivated the internet in 2021 when her adaptation of Tina Turner’s ‘The Best’ went viral on TikTok, rocketing to more than 2 million views and spurring a spark of virality that redefined her life. Gaining a natural fanbase with nods from some of her idols (Taylor Swift, The Lumineers, Joe Jonas, Ryan Reynolds, P!nk, and Michael Bublé), Billianne took on the encouragement and set out to release her own original music.
Her debut EP, The Things We Talk About (2023) was a reflection of her tastes and an unveiling of her thoughts, quickly earning her the title of “music’s next big voice” by The Toronto Star. Gearing up for her debut full-length album, Billianne premiered her heartfelt, whimsical ‘Daydream’ (April 2024) live on NBC’s TODAY show and appeared on CBC’s Q to discuss the single with Tom Power. Her next single ‘Crush’ (August 2024) broke through the Top 10 at Canadian Top 40 radio.

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Experimental / Contemporary / Indie Pop / R&B

POP Montréal : Foire du disque  // Soltera + Nectar Palace + Renon + sineila au Wills

by Rédaction PAN M 360

Soltera

Soltera, le projet de musique de danse expérimentale de Los Angeles, est la création de l’artiste américano-colombienne Tania Ordoñez. S’inspirant de la vallée de San Fernando, où les concerts dans les arrière-cours sont devenus la toile de son évolution artistique, Tania Ordoñez crée ingénieusement sa tapisserie sonore à l’aide de synthétiseurs et de boîtes à rythmes qu’elle emprunte. Elle mélange harmonieusement des éléments de techno et de house avec une éthique punk. Soltera s’est récemment transformé en un duo puissant avec l’artiste Pacoima Techno à la production et au chant. Décrites comme une expérience théâtrale et chaotique, les performances de Soltera transcendent le conventionnel, offrant au public un voyage sonore immersif qui repousse les limites.

Soltera, the experimental dance music project hailing from Los Angeles, is the creation of Colombian American artist Tania Ordoñez. Drawing inspiration from the San Fernando Valley where backyard shows became the canvas for her artistic evolution, Ingeniously crafting her sonic tapestry using borrowed synthesizers and drum machines, Ordoñez seamlessly blends elements of techno and house with a punk ethos. Soltera has recently expanded into a powerhouse duo featuring artist Pacoima Techno on production/ vocals. Described as a theatrical and chaotic experience, Soltera’s performances transcend the conventional, offering audiences an immersive sonic journey that pushes boundaries.

Nectar Palace

Nectar Palace, alias créatif de Shaun Pouliot, dévoile son univers sonore aux Francouvertes 2024. Influencé par ses multiples collaborations avec Super Plage, Félix Dyotte, Le Couleur, Radiant Baby, Ormiston, Meggie Lennon et Jordann, l’artiste fusionne des influences électro et du punk-disco tranchant, saturé de textures percutantes et de rythmes accrocheurs.

Nectar Palace, Shaun Pouliot’s creative alias, makes his first appearance at the 2024 Francouvertes. Influenced by his many collaborations (Super Plage, Félix Dyotte, Le Couleur, Radiant Baby, Ormiston, Meggie Lennon, Jordann), the artist fuses electro and punk-disco influences into a sharp sound universe uniquely his own, saturated with percussive textures and catchy rhythms.

Renon

Musicienne de jazz de formation devenue pop star, Renon a la réputation de pop sombre mélancolique et riche en synthés, pleine d’inflictions jazzy et d’un contrôle vocal stellaire. L’auteure-compositrice-interprète montréalaise vous invite dans son monde kitsch, gothique, rose et noir, et vulnérable.
Avec la sortie de son dernier projet mêlant genres « TOO FAR », Renon a figuré sur plusieurs playlists éditoriales Spotify et a été présentée par Exclaim!, Discover Nu, Canadian Beats, CBC, CKUT 90.3 et Future Hits Radio. Avec son son unique et ses performances impressionnantes, Renon est sur la voie qui garantit sa place en tant que future pop-girl principale.

Trained jazz musician turned popstar, Renon has a reputation for synth-heavy melancholic dark-pop full of jazzy inflictions and stellar vocal control. The Montreal singer-songwriter invites you into her campy, gothic, pink & black, vulnerable world.
With the release of her latest genre blending project “TOO FAR”, Renon has been on several Spotify editorial playlists and featured by Exclaim!, Discover Nu, Canadian Beats, CBC, CKUT 90.3, and Future Hits Radio. With her unique sound and impressive performances, Renon is on a path that guarantees her spot as the next main pop-girl.

sineila

La musique de sineila crépite et scintille – des torsades métalliques et des synthés explosifs vivent en symbiose avec des moments de bonheur imprégnés de réverbération, évoquant un monde sonore magique, numérique et futuriste. La voix émotionnelle et éthérée de sineila occupe le devant de la scène, dansant avec conviction sur des rythmes fluides, souvent lourds de basses.

sineila’s music crackles and glistens – metallic twangs and blasted-out synths live in symbiosis with reverb-drenched moments of bliss, conjuring up a magical, digital, futuristic sonic world. Through it all, sineila’s emotional, ethereal voice takes the spotlight, dancing with conviction over fluttering, often bass-heavy, beats.

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hip-hop alternatif / Moyen-Orient / Levant / Maghreb / rap-jazz

POP Montréal : DAM + Narcy + Muhoza au Piccolo Rialto

by Rédaction PAN M 360

DAM

DAM, qui signifie « éternel » en arabe, est le premier groupe de hip-hop palestinien et l’un des premiers à rapper en arabe. Formé à la fin des années 1990, Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont voulu raconter leur histoire à travers les rythmes du hip-hop. Le son de DAM est unique. Leur musique est une fusion unique entre l’Orient et l’Occident, mêlant un rap arabe féroce aux rythmes arabes, aux sonorités et mélodies du Moyen-Orient et aux rythmes entraînants du hip-hop urbain.
DAM est connu pour aborder des questions politiques importantes et des tabous sociaux dans ses chansons. Leur chanson « Min Irhabi » (« Qui est le terroriste »), sortie pendant la seconde Intifada et téléchargée plus d’un million de fois sur Internet peu après sa sortie (2001), a fait du groupe une figure emblématique pour les jeunes du Moyen-Orient. La popularité de DAM reste intacte à ce jour. La première sortie de leur troisième album « BEN HAANA WA MAANA » (2019), Emta Njawzak Yamma (« Quand te marieras-tu ? »), qui traite des pressions sociales liées au mariage, a également connu un succès immédiat, atteignant 1,6 million de vues en seulement 6 mois.
DAM s’est formé à la fin des années 1990 lorsque Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont eu envie de raconter leur histoire (de Palestiniens vivant en Israël) à travers les rythmes du hip-hop. En 2015, le groupe a sorti son premier single « Who You Are » avec Maysa Daw, qui a ensuite rejoint le groupe hip-hop. DAM s’est produit non seulement dans le monde arabe, mais aussi de plus en plus en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années.

DAM, meaning “everlasting” in Arabic, is the first Palestinian hip hop crew and among the first to rap in Arabic. Formed in the late 1990s, Tamer Nafar, Suhell Nafar, and Mahmood Jrere were inspired to tell their story through the rhythms of hip hop. DAM’s sound is unmistakable. Their music is a unique fusion of east and west, blending fierceful Arabic rap with Arabic rhythms, Middle Eastern sounds and melodies, and the pulsating beats of urban hiphop.
DAM is known for addressing important political issues and social taboos in their songs. Their song “Min Irhabi” (“Who is the Terrorist”), which was released during the second Intifada and was downloaded over a million times on the internet shortly after its release (2001), made the band a figure of identification for young people in the Middle East. DAM’s popularity remains unbroken to this day. Their first release of their third album “BEN HAANA WA MAANA” (2019), Emta Njawzak Yamma (“When will you get married?”), which deals with the social pressures of marriage, also became an instant hit, reaching 1.6 million views in just 6 months.
DAM was formed in the late 1990s when Tamer Nafar, Suhell Nafar and Mahmood Jrere were inspired to tell their story (as Palestinians living in Israel) through the rhythms of hip-hop. In 2015, the group released their first joint single “Who You Are” with Maysa Daw, who subsequently became part of the hip-hop crew. DAM have not only played in the Arab world but have also increasingly performed in Europe and the USA over the last 15 years.

Narcy

NARCY est un artiste polyvalent basé à Montréal, au Canada. Il rappe, produit, réalise, enseigne, écrit et crée.
De son vrai nom Yassin Alsalman, il est principalement reconnu comme la première voix irakienne de la communauté hip-hop, ayant fait ses preuves pendant la guerre contre sa mère patrie, exprimant la vérité aux puissants du monde entier pendant la période la plus difficile de l’histoire moderne en Irak. Réalisateur primé, professeur d’université reconnu et libraire chez MAKTABA à Montréal, il est également l’un des artistes les plus influents de la scène internationale.
Sa tournée « To Be An (Arab) » est une expérience multimédia qui explore sa discographie et aboutit à son double album éponyme. L’album est disponible uniquement en vinyle et sera disponible lors du concert. Il présente des collaborations avec des artistes de renom tels que Bu Kolthoum, Todd Rundgren, Redveil, Talib Kweli, Dave Chappelle, Mo Amer et bien d’autres.

NARCY is a a polymath based in Montréal, Canada. NARCY raps, produces, directs, teaches, writes and creates.
Real name Yassin Alsalman, he is predominantly recognized as the first Iraqi voice in the Hip-Hop community, earning his chops during the war on his Motherland – speaking truth to power across the world during the most difficult Era of modern history in Iraq. He is an award winning director, a celebrated University professor and a bookshop owner of MAKTABA in Montreal.
His To Be An (Arab) tour is a multi-media Experience meant to span his discography leading to his present Double album by the same name. The album is only available on vinyl and will be available at the show. It boasts features from greats like Bu Kolthoum, Todd Rundgren, redveil, Talib Kweli, Dave Chappelle, Mo Amer and more.

Muhoza

Muhoza signifie « la consolation » en kinyarwanda, la langue nationale du Rwanda. Né à Montréal d’un père camerounais et d’une mère rwandaise, Déric Muhoza Eloundou a grandi à Ahuntsic dans un milieu précaire. Le rappeur met en lumière cette noirceur dans ses textes pour honorer la force de ceux et celles qui s’y reconnaissent. Ses paroles crues et imagées, portées par une mélodie jazz rap rappelant les années 90, sont interprétées par cinq jeunes musiciens talentueux de la scène underground de Montréal. La majorité d’entre eux se sont rencontrés au cégep de Saint-Laurent. Actif depuis quatre ans, Muhoza a donné plus d’une vingtaine de spectacles à travers le Québec. En concert, il n’a pas froid aux yeux et n’hésite pas à engager la foule à participer avec lui et sa troupe. Sa présence sur scène est une célébration des moments difficiles et une promesse d’espoir.

Muhoza means “consolation” in Kinyarwanda, the national language of Rwanda. Born in Montreal to a Cameroonian father and a Rwandan mother, Déric Muhoza Eloundou grew up in the neighborhood of Ahuntsic in a precarious environment. The rapper sheds light on this darkness through his lyrics, honoring the strength of those who see themselves in it. His raw and vivid words, carried by a jazz-rap melody reminiscent of the ’90s, are performed by five talented young musicians from Montreal’s underground scene, most of whom met at Cégep de Saint-Laurent. Active for four years, Muhoza has played over twenty shows across Quebec. On stage, he’s fearless and eagerly involves the audience in the performance with his crew. His stage presence is both a tribute to difficult times and a promise of hope.

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post-grunge / Rock / Shoegaze

POP Montréal : Taraneh + Comet + Mirella + Witch Victim à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

Taraneh

Taraneh est un projet new-yorkais multi-genres axé sur le rock, mené par l’auteure-compositrice-interprète, instrumentiste et productrice irano-américaine Taraneh Azar. Taraneh, qui signifie « mélodie » ou « chanson » en farsi, mêle avec fluidité des ballades électroniques envoûtantes et des riffs grunge percutants, créant un paysage brut de rock authentique dans l’ère moderne.

Taraneh is a rock-centered multi-genre project from New York City fronted by Iranian-American singer/songwriter, instrumentalist and producer Taraneh Azar. Taraneh, meaning “melody” or “song” in Farsi, seamlessly weaves together hypnotizing electronic ballads and hard-hitting grunge riffs that create a gritty landscape of true rock in the modern age.

Comet

Comet est une force du nu-grunge qui déferle sur l’underground new-yorkais. Son EP à succès, Two-Winged, dégouline de murmures fantomatiques qui se transforment en cris à glacer le sang, imprégnés de larsens et de vagues de guitares fuzzées. Chaque note frappe comme un coup de poing dans le ventre, chaque parole est un regard brut et sans filtre sur les décombres de notre monde, vu à travers ses yeux. Avec un groupe qui joue comme s’il invoquait la fin des temps, Comet ne fait pas que du bruit. Elle s’assure que vous le ressentiez.

Comet is a nu-grunge force tearing through New York City’s underground. Her breakout EP, Two-Winged, drips with ghostly whispers that rip into blood curdling screams, drenched in feedback and walls of fuzzed-out guitars. Every note hits like a punch to the gut, every lyric a raw, unfiltered gaze into the wreckage of our world—seen through her eyes. With a band that plays like it’s summoning the end times, Comet isn’t just making noise. She’s making damn sure you feel it.

Mirella

Mirella, Ian et Jordan jouent de la musique alternative compatissante, du grunge et un peu de shoegaze, chantant des paroles que votre thérapeute apprécierait.

Mirella, Ian and Jordan play compassionate alternative, grunge and a bit of shoegaze music and singing lyrics your therapist would enjoy.

Witch Victim

Witch Victim est un groupe psyché orienté groove qui mélange des éléments de post-punk, de rythmes motorik et de guitares shoegaze pour créer une musique décrite comme du « krautrock sur quaaludes ».
« On ne se souvient plus exactement de ce qui nous a poussés à découvrir Witch Victim pour la première fois à l’édition 2022 de Sled Island, mais on a été conquis dès ce moment. Ce quintet (dont deux membres de Bridgeland – le groupe, peut-être aussi la communauté ?) fusionne shoegaze, krautrock et néo-psychédélisme en un seul et même plat délicieux. La première cassette de Witch Victim est un vrai régal pour les oreilles, avec des sonorités luxuriantes et des voix oniriques qui flottent dans le mix. Un point bonus pour avoir lancé la cassette avec une chanson de plus de huit minutes qui ne se fait pas attendre. »
– Calgary Cassette Preservation Society

Witch Victim is a groove-oriented psych band that blends elements of post-punk, motorik beats, and shoegaze guitars to make music that has been described as “krautrock on quaaludes”
“We can’t remember what exactly compelled us to first see Witch Victim at the 2022 edition of Sled Island, but we were hooked from that moment. This five-piece (featuring two members from Bridgeland – the band, maybe also the community?) meld together shoegaze, krautrock and neo-psychedelia into one great delicious dish. Witch Victim’s debut tape is headphone candy, with lush sounds and dreamy vocals floating through the mix. Bonus points for kicking the tape off with an eight-plus minute song that doesn’t outstay its welcome.”
– Calgary Cassette Preservation Society

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dream pop / Indie / Pub Rock

POP Montréal : The Tubs + Ducks LTD + Ribbon Skirt à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

The Tubs

Le deuxième album des Tubs, Cotton Crown, voit le boys band celtique Jangle s’aventurer sur des terres plus sombres et plus personnelles, tout en continuant à peaufiner son style musical hautement addictif. Véritable opus de haut niveau, il permet au groupe d’élargir sa palette sonore pour explorer un éventail kaléidoscopique d’influences : du pub rock soul (Chain Reaction) à l’agressivité des Husker Du (One More Day) en passant par la sophisto-pop mélancolique (Narcissist). Comme l’a souligné Pitchfork, The Tubs voient le jangle comme un « vaste monde d’humeurs et de muses » et Cotton Crown les voit continuer à explorer cet univers et créer ainsi un son typiquement Tub-ulaire.

The Tubs’ second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territory while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It’s a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a ‘vast world of moods and muses’ and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process.

Ducks Ltd.

Ducks Ltd. est un groupe de Toronto composé du guitariste principal australien Evan Lewis et du chanteur, bassiste et guitariste rythmique Tom McGreevy, né au Royaume-Uni et élevé aux États-Unis. Sous le nom de Ducks Ltd., les deux s’épanouissent à la lisière de la jangle pop dynamique et de la power pop entraînante. Leur dernier album, Harm’s Way, contient des chansons angoissantes qui, selon McGreevy, “parlent de la lutte. Sur le fait de voir les gens que j’aime souffrir et d’essayer de comprendre comment être là pour eux. Et sur la tension de vivre dans un monde qui semble prêt à s’effondrer”.
Harm’s Way est une évolution indéniable du processus d’écriture de Ducks Ltd. Alors que Modern Fiction, leur premier album acclamé par la critique en 2021, et Get Bleak, leur EP de 2019, ont été enregistrés et autoproduits dans un sous-sol de Toronto, ils ont ici réalisé un LP à Chicago avec le producteur Dave Vettraino et certains de leurs musiciens préférés. Ces collaborateurs comprennent Macie Stewart de Finom, Julia Steiner et Marcus Nuccio de Ratboys, Jason Balla de Dehd, Margaret McCarthy de Moontype, Rui De Magalhaes de Lawn, Nathan O’Dell de Dummy, et Lindsey-Paige McCloy de Patio. Le batteur de tournée de Ducks Ltd., Jonathan Pappo, apparaît également sur l’album.
« Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif », explique Lewis. Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif« , explique Lewis. »Nous avons une relation vraiment géniale où chaque décision concernant le groupe est filtrée par nous deux. Ici en particulier, nous avons vraiment trouvé le moyen de faire quelque chose qui nous ressemble vraiment.”

Ducks Ltd. are a Toronto band featuring Australian lead guitarist Evan Lewis and U.K-born, U.S.-raised singer, bassist, and rhythm guitarist Tom McGreevy. As Ducks Ltd., the two thrive on skirting the edges of buoyant jangle pop and driving power pop. Their latest album, Harm’s Way, contains anxious songs that McGreevy explains are “about struggling. About watching people I care for suffer, and trying to figure out how to be there for them. And about the strain of living in the world when it feels like it’s ready to collapse.”
Harm’s Way is an undeniable evolution of Ducks Ltd.’s songwriting process. Where their critically acclaimed 2021 debut Modern Fiction and 2019 EP Get Bleak were self-recorded and self-produced in a Toronto basement, here, they made an LP in Chicago with producer Dave Vettraino and some of their favorite musicians. These collaborators include Finom’s Macie Stewart, Ratboys’ Julia Steiner and Marcus Nuccio, Dehd’s Jason Balla, Moontype’s Margaret McCarthy, Lawn’s Rui De Magalhaes, Dummy’s Nathan O’Dell, and Patio’s Lindsey-Paige McCloy. Ducks Ltd.’s touring drummer Jonathan Pappo also appears on the LP.
“Our relationship is built on trust and we don’t let our egos come into the creative process in any way,” says Lewis. “We have this really great thing where every decision with the band is filtered through both of us. Here especially, we really figured out how to make something that truly sounds like us.”

Ribbon Skirt

Dirigé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais anciennement connu sous le nom de Love Language. Leur premier album « Bite Down » est sorti en avril 2025 sur le label Mint Records. Il a été produit par Scott « Monty » Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et mixé par Greg Saunier (Deerhoof). L’album apporte un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité indigène et à ses pratiques culturelles. Le groupe a participé à des festivals dans toute l’Amérique du Nord, notamment SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest et Pop Montréal, et a partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs et Wombo.

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. Their debut album ‘Bite Down’ was released in April 2025 on Mint Records and was produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and mixed by Greg Saunier (Deerhoof). The album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. They have played festivals across North America, including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs and Wombo.

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Hip Hop / R&B / rap belge

Off Piknic : Hamza au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Faisant partie de la famille de Piknic Électronik, OfF Piknic est un « spin-off » en mode concert des rendez-vous dominicaux de Piknic. Prenant place au Parc Jean-Drapeau, les événements OfF Piknic sont le fruit d’une réinterprétation du site par les géants de l’industrie. Mettant en lumière l’ensemble de la scène électronique, ces événements ont lieu les vendredis et samedis, de la fin de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Part of the Piknic Électronik family, OfF Piknic is a concert spin-off of the regular Piknic Sunday gatherings. Taking place at Parc Jean-Drapeau, OfF Piknic events are the fruit of a production takeover led by curated all-star line-ups. Highlighting the whole realm of the electronic scene, these events take place on Fridays and Saturdays, from late afternoon to dusk.

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Alt-Pop / Electro-Pop / Indie Pop

Lorde au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Lorde est une artiste primée aux Grammy Awards, connue pour son son qui défie les genres, son introspection et sa vision créative saisissante. Depuis sa percée avec Pure Heroine en 2013, elle a redéfini les contours de la musique pop moderne, alliant une narration poétique à une production minimaliste à forte résonance émotionnelle. À ce jour, elle a accumulé plus de 18 milliards de streams et 18 millions de ventes d’albums dans le monde entier. En avril 2025, elle est revenue avec What Was That, son premier album original depuis quatre ans. Le single a été largement acclamé et a connu un grand succès commercial, atteignant la première place sur Spotify aux États-Unis – son premier numéro 1 sur la plateforme depuis « Royals ». Il s’est également classé troisième au Royaume-Uni et cinquième au niveau mondial, réaffirmant sa place à l’avant-garde de la musique pop.

Lorde is a Grammy-winning artist and cultural force, known for her genre-defying sound, introspectivelyricism, and striking creative vision. Since her breakthrough withPure Heroinein 2013, she has redefinedthe contours of modern pop—merging poeticstorytelling with minimalist, emotionally resonantproduction. To date, she has amassed over 18 billion global streamsand 18 million albumsalesworldwide.In April 2025, she returned withWhat Was That, her first original release in four years. The single debutedto widespread acclaim and commercial success, hitting #1 on Spotify in the US—her first US #1 on theplatform since “Royals.” It also landed at #3 in the UKand #5 globally, reaffirming her place at theforefront of pop music.

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Alternative / Indie Pop / Psych-Rock

POP Montréal : Cure-Pipe + Wizaard + DAPHNE + Tom Leger à l’Escogriffe Bar Spectacle

by Rédaction PAN M 360

Cure-Pipe

Cure-Pipe, c’est le projet de l’auteur-compositeur-interprète Thomas Dakin, qui s’entoure de collaborateurs de talent pour créer une expérience musicale totalement éclatée et prenante. Ainsi, rock psychédélique et garage pop se mêlent aisément au rock classique et à l’hyperpop pour créer une recette surprenante, un peu crasseuse, mais surtout, totalement vraie. Thomas ne fait pas dans la demi-mesure. Avec Cure-Pipe, il se livre entièrement, sans compromis. Il y a de ces artistes qui nous obligent à s’arrêter et à prendre le temps d’écouter. Thomas est de ceux-là.
En 2021, à la suite de la parution de son premier album, Mazeless Loudness, Thomas et ses acolytes ont tourné un peu partout au Québec. Les mélomanes ont rapidement été séduits par la présence et l’intensité du jeune artiste fortement inspiré par l’esthétique psychédélique. Avec l’album Le Pire, paru en 2022 avec le soutien de Soluté Records, Cure-Pipe prend un virage pop tout en restant fidèle à ses racines garage.
L’année 2023 marque un tournant important dans la carrière de Thomas, puisque l’album J’avais a rapidement attiré l’attention des mélomanes et des professionnels de l’industrie. Ainsi, Cure-Pipe se positionne maintenant comme un artiste original et prometteur de la scène musicale québécoise. Après une année chargée marquée par une participation aux demi-finales des Francouvertes, des nominations au GAMIQ et une mini-tournée européenne, Cure-Pipe est maintenant gonflé à bloc et prêt à nourrir les mélomanes de gras purement saguenéen avec son nouvel album : J’ai trouvé Jésus.

Cure-Pipe is the project of singer-songwriter Thomas Dakin, who surrounds himself with talented collaborators to create a totally exploded and gripping musical experience. Psychedelic rock and garage pop blend effortlessly with classic rock and hyperpop to create a recipe that’s surprising, a little grimy, but above all, totally real. Thomas doesn’t do things by halves. With Cure-Pipe, he gives himself away completely, without compromise. There are artists who force us to stop and take the time to listen. Thomas is one of them.
In 2021, following the release of his debut album, Mazeless Loudness, Thomas and his band toured throughout Quebec. Music lovers were quickly won over by the presence and intensity of this young artist, strongly inspired by the psychedelic aesthetic. With the album Le Pire, released in 2022 with the support of Soluté Records, Cure-Pipe took a pop turn while remaining true to their garage roots.
The year 2023 marks an important turning point in Thomas’s career, as the album J’avais quickly caught the attention of music lovers and industry professionals alike. As a result, Cure-Pipe is now positioned as an original and promising artist on the Quebec music scene. After a busy year marked by an appearance in the Francouvertes semi-finals, GAMIQ nominations and a European mini-tour, Cure-Pipe is now pumped up and ready to feed music lovers pure Saguenay fat with his new album: J’ai trouvé Jésus.

Wizaard

Le groupe montréalais Wizaard indie rock psychédélique est constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss-tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove.

The Montreal band Wizaard is a psychedelic pop-rock group made up of founding members Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English-language songs, the band has become a mainstay on the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

DAPHNE

DAPHNE est une artiste pop indépendante basée à Toronto qui mélange des mélodies euphoriques avec des paroles vulnérables qui incitent les auditeurs à augmenter le volume et à baisser les vitres. Lauréate du Prix des jeunes auteurs-compositeurs canadiens de la Fondation SOCAN en 2024 et du People’s Choice Award du NXNE en 2025, ses compositions ont été diffusées dans les émissions Boarders (saisons 1 et 2) de la BBC et The Verge de SiriusXM. Avec un élan grandissant, elle se prépare à lancer son premier EP, livrant une nouvelle vague d’hymnes pop indie et de visuels en 2025.

DAPHNE is a Toronto-based indie pop artist blending euphoric melodies with vulnerable lyricism that urges listeners to crank up the volume and roll down their windows. Winner of the 2024 SOCAN Foundation Young Canadian Songwriter Award and NXNE’s 2025 People’s Choice Award, her songwriting shines on BBC’s Boarders (Seasons 1 & 2) and SiriusXM’s The Verge. With growing momentum, she is preparing to release her debut EP, delivering a fresh wave of indie pop anthems and visuals in 2025.

Tom Leger

Tom Leger est le projet solo de Thomas Leger, auteur-compositeur, chanteur, batteur et co-réalisateur au sein de la formation Valse Fréquence. Actif sur la scène musicale francophone québécoise depuis 2018, il y développe une approche personnelle de la chanson, ancrée dans la batterie et la voix, et nourrie par une curiosité constante pour les textures, la production et la forme.
Son projet solo poursuit ce qu’il a entamé avec Valse Fréquence, mais avec plus de liberté, d’intimité et d’assurance. Il y approfondit sa relation à la création sonore, en explorant ce qui se passe quand le rythme, le chant et le son deviennent un même geste. Sa musique évolue dans une zone fluide entre chanson, rock indie, textures lo-fi et électroacoustique. Sa démarche se nourrit de ce qui est là : un souffle, une prise brute, un motif rythmique qui devient chanson. Ses influences — de la musique contemporaine à la chanson populaire — s’intègrent dans un rapport instinctif à l’instrument et à la matière.
Jouer et chanter en même temps, c’est maintenir une tension entre précision et débordement. Ce geste paradoxal, il le connaît bien : à l’école, on l’appelait « l’enfant terrible », celui qui ne restait jamais en place. Cette énergie traverse encore sa musique — une pulsation vive, physique, qui cherche sans cesse à prendre forme. Son projet solo se construit dans l’expérimentation et la narration, avec l’envie de laisser la forme ouverte. C’est une recherche libre, portée par la voix et par le corps, où le son devient un langage en soi.

Tom Leger is the solo project of Thomas Leger, a songwriter, singer, drummer, and co-producer within the group Valse Fréquence. Active on the Quebec Francophone music scene since 2018, he has been developing a personal approach to songwriting—rooted in drums and vocals, and fueled by a constant curiosity for textures, production, and form.
His solo project continues what was started with Valse Fréquence, but with more freedom, intimacy, and confidence. He deepens his relationship with sound composition, exploring what happens when rhythm, voice, and sound become a single entity. His music moves fluidly between indie rock, lo-fi textures and electroacoustic genres. His approach is grounded in what’s already there: a breath, a raw take, a rhythmic motif that becomes a song. His influences—from contemporary music to pop songs—merge into an instinctive relationship with instruments and raw material.
Playing and singing at the same time means maintaining a tension between precision and excess. He knows this paradoxical gesture well: in school, he was called “enfant terrible”, the kid who never stayed still. That same energy still runs through his music—a vivid, physical pulse that constantly seeks form. His solo work is built through experimentation and storytelling, with a desire to keep the form open. It’s a free exploration, driven by voice and body, where sound becomes a language in itself.

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Indie / Shoegaze / Synth-Pop

POP Montréal : U.S. Girls + Elle Barbara + Shunk au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

U.S. Girls

Originaire de l’Illinois, Meg Remy est reconnue comme l’une des auteures-compositrices et interprètes les plus acclamées de la scène musicale underground éclectique de Toronto, où elle vit actuellement. Force créatrice du groupe musical U.S. Girls, sa discographie célèbre s’étend sur 15 ans, depuis ses premières œuvres expérimentales parues sur le label Siltbreeze jusqu’à trois albums nominés au prix Polaris chez 4AD : Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018) et Heavy Light (2020). Ces trois albums ont également été nominés aux Juno du meilleur album alternatif.
Meg Remy a effectué de nombreuses tournées en Europe et en Amérique du Nord, se forgeant une réputation pour ses commentaires politiques perspicaces et ses performances théâtrales avec son groupe U.S. Girls, ce qui lui a valu d’être nommée meilleure artiste live de 2018 par le magazine Paste. Durant cette période, elle a maintenu une pratique artistique visuelle, exposé des collages et réalisé plusieurs vidéoclips et autres œuvres d’art vidéo, dont son court métrage Woman’s Advocate (2014), dans lequel elle a également joué. Récemment, Remy a publié son premier livre, un mémoire intitulé Begin By Telling (2021), et elle a également fait ses débuts dans la composition de musique de film cette année, ayant été choisie pour la comédie d’horreur surréaliste Dead Lover de la cinéaste (et compatriote torontoise) Grace Glowicki (qui a été présentée en première mondiale au Festival du film de Sundance et à SXSW).

Originally from Illinois, Meg Remy is established as one of the most acclaimed songwriters and performers to emerge from Toronto’s eclectic underground music scene where she currently lives. As the creative force behind the musical entity U.S. Girls, her celebrated discography spans 15 years from early experimental works released on the Siltbreeze label and includes three Polaris Prize shortlisted albums on 4AD: Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018), and Heavy Light (2020). All three albums also garnered Juno nominations for Best Alternative Album.
Remy has toured extensively through Europe and North America, establishing a reputation for politically astute commentary and theatrical performances with her extended U.S. Girls band, leading her to be named the best live act of 2018 by Paste Magazine. During this time, she has maintained a visual arts practice, exhibited collage work and directed several music videos and other video art works including her short film Woman’s Advocate (2014), in which she also performed. Recently, Remy published her first book, a memoir called Begin By Telling (2021), and she also made her first foray into film-scoring this year, having been tapped for filmmaker (and fellow Torontonian) Grace Glowicki’s surreal horror-comedy Dead Lover (which world-premiered at Sundance Film Festival and featured at SXSW). As a platform and persona, U.S. Girls operates on a uniquely out-of-time wavelength, alternately wronged and rueful, classic but contemporary, bruised vignettes of poetic Americana through a feminist lens. Her most recent album, Bless This Mess (2023), marked both a divergence from and deepening of Remy’s songbook, more at peace with her restless truths and moods. New music is set to follow in 2025.

Elle Barbara

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste de studio, metteuse en scène de théâtre expérimental, réalisatrice de vidéos, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up, basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz et glam, avec un intérêt pour la musique de bibliothèque, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus d’une décennie. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara trouve son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, en plus des grands noms du mainstream tels que Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Shunk

Le groupe montréalais, Shunk, vous offre un son éclectique et enivrant, composé de leurs influences variées (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra). Leur son excentrique est imprégné du courant avant-garde de la communauté musicale leur ville.

Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, Indie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their electrifying live performances, described as “pure entropy” (PanM 360, 2024) reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene.

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Hip Hop / Post-Punk / Post-Rock

POP Montréal : Fat Dog + Godly The Ruler + Fresh Wax à la Toscadura

by Rédaction PAN M 360

Fat Dog

Fat Dog est l’un des nouveaux groupes les plus excitants de Londres, évoquant le genre de concerts frénétiques et sauvages qu’on n’a pas vu dans la capitale depuis des années. Leur premier album WOOF. est un mélange brillant et hallucinant d’électro-punk, de grognements rock’n’roll, de paysages sonores techno, de pop industrielle et d’euphorie rave, une musique pour se laisser aller ou, selon les mots du leader Joe Love, une « musique à hurler dans un oreiller ».

Fat Dog are one of London’s most exciting new bands, conjuring the sort of frenzied and wild live shows not seen in the capital for years.  Their debut album WOOF. is a brilliant and mind-bending blend of electro-punk, rock’n’roll snarling, techno soundscapes, industrial-pop and rave euphoria, music for letting go to or, in the words of frontman Joe Love, “screaming-into-a-pillow music”.

Godly The Ruler

Godly the Ruler (they/them) (né Godwill Oke) est un musicien né au Nigéria et élevé à Chicago, qui s’appuie sur sa curiosité et son intuition pour faire avancer les choses. Leur travail échappe aux classifications simples et aux réponses faciles, préférant travailler avec les tripes pour traduire leur imagination débridée en un territoire éclectique et électrisant. Depuis l’âge de 14 ans, Godly repousse les limites et les décibels ; des démos à domicile aux caves et aux scènes, ils ont appris à canaliser les éléments dramatiques et théâtraux de leurs favoris pour exprimer l’urgence de la vie au-delà de l’identité et du genre. Un coup d’œil sur ce dernier révèle des éclairs sonores et thématiques à travers le spectre – hip-hop, punk alt-indie, EDM, pour n’en citer que quelques-uns – ancrant le monde de Godly the Ruler dans un état d’imprévisibilité constante.

Godly the Ruler (they/them) (born Godwill Oke) is a Nigeria-born, Chicago-raised musician working from curiosity and intuition to push today forward. Their work evades simple classification and easy answers, opting to work from the gut to translate their wild imagination into eclectic, electrifying territory. Since 14 years old, Godly’s pushed boundaries and decibels; from home demos to basements to stages, they’ve learned to channel the dramatic and theatrical elements of their favorites to articulate the urgency of life across identity and genre. A glance into the latter will show sonic and thematic flashes across the spectrum – hip-hop, alt-indie punk, EDM to name a few – anchoring Godly the Ruler’s world in a state of consistent unpredictability.

Fresh Wax

Fresh Wax est un groupe expérimental de post-rock qui se compose de riffs de basse déchaînés, d’une batterie puissante, de synthétiseurs palpitants et de voix qui s’entremêlent pour en dire plus avec moins. Le groupe s’inspire de Roxy Music, Talking Heads et DEVO, mais détourne les genres pour donner à son son un caractère unique mais bien connu.

Fresh Wax is a experimental post-rock two-piece that center around wild bass riffs, powerful drums, pulsating synthesizers, and interchanging vocals that say more with less. The band takes inspiration from Roxy Music, Talking Heads, and DEVO, but bends genres giving their sound a unique but familiar sound.

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