POP Montréal : Flower Face + Bouvier Normal + Jeremy Lachance à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

Flower Face

Peu de thèmes sont aussi universels que le chagrin d’amour, mais l’auteure-compositrice-interprète goth-folk montréalaise Flower Face (Ruby McKinnon) a réinventé le genre avec son nouveau projet, à la fois brut et merveilleusement doux-amer, Girl Prometheus. Après The Shark In Your Water, sorti en 2022 et salué par la critique, Girl Prometheus présente 11 nouveaux titres qui, chacun à sa manière, célèbrent la survie et le renouveau de Ruby. Des moments acoustiques murmurés s’entremêlent à des compositions cinématographiques et enveloppantes pour former un album aussi intensément personnel qu’intéressant.

Few themes are as universal as heartbreak, but Montreal goth-folk singer/songwriter Flower Face (Ruby McKinnon) has reinvented the form on her utterly raw, beautifully bittersweet new project, Girl Prometheus. Following 2022’s critically acclaimed The Shark In Your Water, Girl Prometheus showcases 11 new tracks that each, in their own way, celebrate Ruby’s survival and revival. Whispered, acoustic moments intertwine with cinematic, room-filling compositions to form an album that is as intensely personal as it is relatable.

Bouvier Normal

« Bouvier Normal » est l’union créative d’Indy Bouvier et de Mike Normal, une déclaration d’amour et une passion commune pour la musique. Après leur rencontre en 2022, le couple a rapidement découvert leurs styles complémentaires. Bouvier Normal s’épanouit grâce à l’attraction magnétique des contraires : les douces harmonies vocales d’Indy et ses mélodies envoûtantes à la guitare acoustique se mêlent à la distorsion brute et à la batterie puissante et sans complexe de Mike. Ensemble, ils explorent de nouveaux territoires sonores, tissant des paroles qui explorent la codépendance, la solitude, la dépression et l’anxiété sociale. Si leurs thèmes peuvent paraître lourds, Bouvier Normal est loin d’être pessimiste. Pour eux, écrire sur des émotions difficiles est une libération cathartique, et leur amour l’un pour l’autre et leur musique brillent au cœur de tout cela.

“Bouvier Normal” is the creative union of Indy Bouvier and Mike Normal, a declaration of their love and shared passion for music-making. After meeting in 2022, the couple quickly discovered their complementary styles. Bouvier Normal thrives on the magnetic pull of opposites: Indy’s soft vocal harmonies and enchanting acoustic guitar melodies blend with Mike’s raw distortion and unapologetically powerful drumming. Together, they explore new sonic territories, weaving lyrics that delve into codependency, loneliness, depression, and social anxiety. Though their themes may seem heavy, Bouvier Normal is far from pessimistic. For them, writing about difficult emotions is a cathartic release, and their love for each other and their music shines brightly at the heart of it all.

Jeremy Lachance

Les chansons indie rock de Jeremy Lachance déploient un charme, un je-ne-sais-quoi purement montréalais. Avec l’ingénuité d’un flâneur et le savoir-faire d’un artisan, l’artiste construit une musique qui se love naturellement entre les après-midi suspendus du Mile End.
Jeremy sait mettre ses gants blancs lorsqu’il écrit, compose ou réalise pour d’autres (Miel de Montagne, Laraw, Kieran Campbell). Mais lorsque vient le temps de se pencher sur ses propres œuvres, le musicien n’a pas peur de se salir les mains. S’en dégagent des textures feutrées dont on ne saurait cacher les coutures : douces, apaisantes, mais volontairement pleines d’imperfections. Surtout connu au sein du groupe indie Grand Eugène, c’est désormais en qualité d’auteur-compositeur-interprète que Jeremy Lachance se dévoile avec son premier EP Béton Bisous : six chansons faites maisons sous l’overpass Van Horne.

Jeremy Lachance’s indie-rock songs have a charm, a je-ne-sais-quoi that’s purely Montreal. With the ingenuity of a flâneur and the know-how of a craftsman, the artist constructs a music that nestles naturally between Mile End’s suspended afternoons.
Jeremy knows how to put on his white gloves when writing, composing or producing for others (Miel de Montagne, Laraw, Kieran Campbell). But when it comes to his own work, he’s not afraid to get his hands dirty. What emerges are hushed textures whose seams cannot be hidden: soft, soothing, but deliberately full of imperfections. Best known as a member of the indie band Grand Eugène, Jeremy Lachance now reveals himself as a singer-songwriter with his debut EP Béton Bisous: six homemade songs under the Van Horne overpass.

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Art Punk / Post-Punk / Synth-Pop

POP Montréal : Antenna93 + Miesha & The Spanks + Blanc Dehors + Family Vision à l’Escogriffe Bar Spectacle

by Rédaction PAN M 360

Antenna93

Antenna93 est un groupe post-punk/garage rock/noise rock de Montréal, QC, composé de Trevor Yardley-Jones (guitare, chant), Derek Robinson (basse), et Michael Tomizzi (batterie). Fondé en 2022, leur son est marqué par des riffs de guitare anguleux, du bruit, des signatures temporelles bizarres et des paroles hors normes. Leur deuxième EP, « Industrial Kitchen », est sorti le 21 mars 2025, via Long Vowel, et est un assaut de 21 minutes de bruit, de rythmes déséquilibrés, et de paroles détaillant l’apathie envers le monde de l’entreprise et l’environnement urbain construit.

Antenna93 is a post-punk/garage rock/noise rock band from Montreal, QC, consisting of Trevor Yardley-Jones (guitar, vocals), Derek Robinson (bass), and Michael Tomizzi (drums). Founded in 2022, their sound is marked by angular guitar riffs, noise, odd time signatures, and off the wall lyrics. Their second EP, “Industrial Kitchen”, was released on March 21, 2025, via Long Vowel, and is a 21 minute onslaught of noise, off kilter rhythms, and lyrics detailing apathy towards the corporate world and the built urban environment.

Miesha and The Spanks

Le duo de rock garage Miesha and The Spanks, basé à Calgary, a raconté son ascension à travers une lentille post-punk moderniste qui évoque une histoire d’amour avec les groupes underground et grunge du début des années quatre-vingt-dix. La chanteuse Miesha Louie est la force motrice de Miesha and The Spanks, soutenue par son homologue psychique, le percussionniste Sean Hamilton, qui ponctue intuitivement ses refrains pleins d’âme d’une intensité martelante qui élève simultanément les rythmes cardiaques et les plafonds.
Artiste d’origine mixte Secwépemc vivant sur le territoire du Traité 7, Miesha a consacré toute sa carrière à inventer et à jouer des mélodies instrumentales brillantes qui libèrent ses passions et sa voix puissante. Avec une sérieuse dose d’esprit et de charisme dans sa poche arrière, Miesha est prête à se jeter à l’eau et à faire résonner chaque chanson avec sa propre signature dentelée. Affrontant des sujets bruts et créant un héritage de lutte contre la misogynie, chacune des chansons du duo est une déclaration art-rock qui maîtrise le bruyant en appliquant une approche non conventionnelle.

Calgary-based garage rock duo Miesha and The Spanks have chronicled their ascent through a post-punk modernist lens that speaks of a love affair with early-nineties underground and grunge bands. Front-woman Miesha Louie is the integral driving force behind Miesha and The Spanks, supported by her psychic counterpart, percussionist Sean Hamilton — intuitively punctuating her soulful choruses with a pounding intensity that simultaneously elevates heart rates and ceiling rafters.
A mixed-Secwépemc artist living in Treaty 7 Territory, Miesha’s devoted her entire career to inventing and playing instrumentally brilliant melodies that unleash her passions and full-throated vocal tones. With a serious dose of spirit and charisma in her back pocket Miesha is ready to throw down and make every song resonate with her own jagged signature. Confronting raw subjects and creating a legacy of slaying misogyny, each of the duo’s songs are an art-rock statement that masters the noisy by applying a no-nonsense approach.

Blanc Dehors

Sur scène, on y déploie une grande palette d’ambiances qui, par moments, sont bien rythmées et enthousiastes et, par d’autres, insufflent l’atmosphérique, le planant, l’onirique et le mystère. Le tout — profond, volatile ou hautement dansant — s’entremêle au fil de motifs mélodico-rythmiques simples et accrocheurs, qui sont développés et distribués dans un contrepoint intelligent et sensible. Il en résulte ainsi un groupe contemporain tout à fait original, où la section rythmique connectée, pesante et régulière offre un terrain solide sur lequel prendre son envol. Le spectacle qu’offre Blanc Dehors est un moment lumineux, énergisant et rempli de passion.
À l’automne 2023, Gab Bouchard, séduit par leur son, propose une collaboration à Blanc Dehors pour leur deuxième album. Accompagné de son collaborateur Mathieu Quenneville, il a guidé la réalisation de cet opus clé, soutenant Blanc Dehors dans son aspiration à marquer la scène musicale francophone avec son identité sonore assumée. Sorti le 4 avril 2025, Diaphane a reçu un accueil très positif du public et des médias, qui ont salué son originalité et la force de son univers musical.

Blanc Dehors was born in 2020, in Saguenay-Lac-Saint-Jean. Driven by Caroline Tremblay’s lyrics, which are accompanied by a four-piece musical creation by Julien B. Gauthier, Stevens Bouchard and Alexis Bélanger. Gauthier, Stevens Bouchard and Alexis Bélanger, the band was formed around a common passion: the depth, fury and brilliance of new wave, post-punk and synth pop.
On stage, they deploy a wide range of ambiances that, at times, are well-paced and enthusiastic and, at others, infuse the atmospheric, the soaring, the dreamlike and the mysterious. The whole – deep, volatile or highly danceable – is interwoven with simple, catchy melodic-rhythmic motifs, which are developed and distributed in intelligent, sensitive counterpoint. The result is an utterly original contemporary band, where the connected, weighty and steady rhythm section provides solid ground on which to take flight. Blanc Dehors is a luminous, energizing, passion-filled show.
In the fall of 2023, Gab Bouchard, seduced by their sound, offered to collaborate with Blanc Dehors on their second album. Accompanied by his collaborator Mathieu Quenneville, he guided the production of this key opus, supporting Blanc Dehors in their aspiration to make their mark on the French music scene with their assertive sonic identity. Released on April 4, 2025, Diaphane was very well received by the public and the media, who praised its originality and the strength of its sound.

Family Vision

Family Vision est un groupe d’art punk de quatre membres originaire de New York. Leur musique cherche à sortir la musique de guitare de son passé sonore fatigué et à incorporer des principes esthétiques issus des sous-cultures et traditions électroniques. Leur musique est rapide.

Family Vision is a four-piece art punk band from nyc. Their music seeks to remove guitar music form its tired sonic past and incorporate aesthetic principles from electronic subcultures and traditions. Their music is fast.

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chanson keb franco / Folk Rock / Garage Rock

POP Montréal : Michel Pagliaro + Erika Hagen au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

Michel Pagliaro

Musicien montréalais né en 1948, Michel Pagliaro a toujours été à la recherche de musiciens d’exception. Tout au long de son trajet, il s’est lié d’amitiés et d’aventures musicales avec de nombreux artistes.
C’est en 1966 que débute l’expérience de Michel Pagliaro dans les studios d’enregistrement où il se découvre une passion pour la prise de son et les techniques de production. Motivé par cette énergie créatrice qui l’habite, il compose, écrit et endisque de multiples grands succès intemporels qui sont toujours présents dans les cœurs francophones et anglophones. Il est récipiendaire d’un grand nombre de prix prestigieux pour ses chansons. Sans délaisser pour autant son amour pour la performance musicale, il participe à de nombreux projets artistiques en tant que musicien, arrangeur, réalisateur et ingénieur d’un côté comme de l’autre de l’Atlantique.
Toujours sur la route… Michel Pagliaro monte sur scène accompagné de musiciens complices d’esprit et d’harmonies avec qui il livre une dose électrique pour son plaisir et celui du public. Dans son spectacle acoustique, on fait la fête quand PAG revisite les «hits» qu’il a créés et chantés dans une atmosphère intime.

A Montreal musician born in 1948, Michel Pagliaro has always been on the lookout for exceptional musicians. Throughout his career, he has formed friendships and embarked on musical adventures with numerous artists.
In 1966, Michel Pagliaro began his experience in recording studios, where he discovered a passion for sound recording and production techniques. Driven by this creative energy, he composed, wrote, and recorded numerous timeless hits that are still dear to both French- and English-speaking hearts. He has received numerous prestigious awards for his songs. Without abandoning his love of musical performance, he has participated in numerous artistic projects as a musician, arranger, producer, and engineer on both sides of the Atlantic.
Always on the road… Michel Pagliaro takes the stage accompanied by musicians who share a shared spirit and harmony, delivering an electric dose for his enjoyment and that of the audience. In his acoustic show, we celebrate as PAG revisits the hits he created and sang in an intimate atmosphere.

Erika Hagen

Erika Hagen se situe dans le vaste univers du rock-folk garage. Ses chansons sont à la fois irrévérencieuses et intimes, portées par une plume poétique quotidienne. Le projet s’inspire de poètes comme Patrice Desbiens, Riot Grrrls ainsi que des artistes indie-rock et folk comme Courtney Barnett et Avec pas d’casque.
Erika Hagen raconte les reliefs de la ville. Les personnages qui y vivent sont des femmes brillantes, exigeantes et complexes, qui souvent cherchent à prendre la fuite. Le projet se veut une exploration des parties de nous qui manquent la cible, qui détonnent, qui nous sont inacceptables, mais qui cherchent pourtant à être entendues.

Erika Hagen’s world is an unapologetic blend of garage rock and alternative folk. Inspired by poets like Patrice Desbiens, the Riot Grrrls of the 90s and 2000s as well as indie-rock and folk artists like Courtney Barnett and Avec pas d’casque, Erika combines intimate poetry to catchy melodies,
Erika’s characters speak of grief and ghosts, of escapism, of freedom and uncertainty. They are brilliant, demanding and embodied women. Erika’s work is a deep yet playful dive into parts of us that miss the mark, that feel unacceptable, that seek to be heard nevertheless.

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Experimental / Contemporary / Glitch / Post-Rock

POP Montréal : múm + invités au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Múm est un groupe de musique expérimentale islandais, dont le style est caractérisé par des vocalises mixtes, des sons électroniques glitch et un ensemble d’instruments plus ou moins traditionnels. La musique de Múm est un mélange de glitch, d’electronica et de post-rock.

Múm is an Icelandic experimental music group, whose style is characterized by mixed vocalizations, glitchy electronic sounds, and a variety of more or less traditional instruments. Their music blends elements of glitch, electronica, and post-rock.

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Alt-Pop / Indie Folk / Indie Rock

POP Montréal : Hand Habits + Fashion Club + Thanya Iyer à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Hand Habits

Hand Habits, le projet de Meg Duffy (iel), musicien•ne basé•e à Los Angeles, a récemment sorti son nouvel album, Fun House – le plus ambitieux des albums de Hand Habits à ce jour. Produit par Sasami Ashworth (SASAMI) et conçu par Kyle Thomas (King Tuff), l’album n’a pas été conçu en réaction à la pandémie, mais suite à un moment de pause difficile, bien que nécessaire. Encouragé•e par la thérapie et incité•e par son producteur à donner aux chansons des formes nouvelles et inattendues, le résultat est plus personnel et plus aventureux que tout ce qu’on aura entendu de Hand Habits auparavant. Le mélange des styles, associé à des chansons qui se déplacent habilement entre le présent et le passé, donne à l’album une diversité sauvage, une qualité de miroirs, comme son nom l’indique. Alors que les précédents disques de Hand Habits pouvaient être assez insulaires, Fun House est bouillonnant, luxuriant : une conversation pleinement réalisée.

Hand Habits, the project of Los Angeles-based musician Meg Duffy (they/them), recently released their new album Fun House – the most ambitious Hand Habits album to date. Produced by Sasami Ashworth (SASAMI) and engineered by Kyle Thomas (King Tuff), the record was not intended as a reaction to the pandemic, but it was very much the result of taking a difficult, if much-needed, moment of pause. Emboldened by going into therapy and coaxed by Ashworth to push the songs into unexpected new shapes, the resulting music is more acutely personal and stylistically adventurous than anything you’ve heard from Hand Habits before. The push/pull of styles, paired with songs that move deftly between the present and past, give the record a wildly diverse, hall of mirrors quality that befits its name. Where previous Hand Habits records could be fairly insular affairs, Fun House feels ebullient, lush, a fully-realized conversation.

Thanya Iyer

Thanya Iyer; auteure-compositrice-interprète énigmatique au son effervescent avec des accents expérimentaux et pop. Son groupe en spectacle (Pompey, Daniel Gélinas, Emilie Kahn) tisse une toile sonore au teintes autant électroniques qu’acoustiques de façon à entrainer le public dans un état de sérénité où la compassion et un sentiment spirituel semblent se manifester d’eux-mêmes. La groupe a joué toute autour Turtle Island en première partie d’artistes tels que Julia Holter, Land of Talk, Kimya Dawson, Reverend Kristin Michael Hayter, Jeff Parker, et Kevin Drew. Suite à leur deuxième album visuel, “KIND” (2020), qui figurait sur la longue liste du Prix Polaris, le nouveau disque du groupe, TIDE/TIED (Topshelf Records), explore les rythmes de l’identité communautaire, de la guérison et de l’amour dans un monde dissonant.

Thanya Iyer is an enigmatic songwriter whose sparkling, experimental pop music embraces mindfulness, aesthetic beauty, and the interconnectedness of all things. Iyer’s 2025 release, TIDE/TIED, expands on the future-folk of their 2020 Polaris long-listed album, KIND. With washes of jazz-inflected pop and ensemble ambience courtesy of Daniel Gélinas’ meditative drumming, Pompey’s adventurous multi-instrumentalism, and the celestial harp of Emilie Kahn, Thanya Iyer builds a layered musical world that Pitchfork described as “a lucid daydream that’s constantly melting at its edges.”

Fashion Club

Fashion Club est le pseudonyme artistique de Pascal Stevenson, une artiste originaire de Los Angeles qui a initialement conçu ce projet alors qu’elle était en tournée avec son groupe Moaning. Écouter le deuxième album autoproduit de Fashion Club, A Love You Cannot Shake, donne l’impression d’être pris dans le feu croisé d’un faisceau de lumière intense. On ne peut s’empêcher de se sentir à la fois revigoré et exposé lorsque ses lignes de synthé aberrantes, ses cordes artistiques et ses guitares déformées s’amplifient en crescendos plus grands que nature, évoquant un projecteur divin mais pénétrant. On peut se prélasser dans la lueur d’une lumière imposante avec une assurance tranquille, mais il y a aussi quelque chose d’intrinsèquement inconfortable dans une source lumineuse imposante : se dévoiler aux spectateurs (et à soi-même) s’accompagne de divers niveaux d’anxiété et de doute de soi. C’est cette tension qui est au cœur de A Love You Cannot Shake, un album à la luminosité luxuriante et à la portée surnaturelle, où chaque morceau fonctionne comme un royaume scintillant et transportant.

Fashion Club is the recording alias of Los Angeles artist Pascal Stevenson, who originally conceived of the project while on tour with her band Moaning. Listening to Fashion Club’s self-produced second album A Love You Cannot Shake feels like being caught in the crossfire of a profound beam of light. You can’t help but feel both enlivened and exposed as its aberrant synth lines, artful strings and disfigured guitars swell into larger-than-life crescendos, which evoke a divine yet probing spotlight. You can bask in the glow of a towering light with self-assured poise, but there’s also something inherently uncomfortable about an imposing light source—revealing yourself to onlookers (and oneself) comes with varying levels of anxiety and self-doubt. This is the tension at the heart of A Love You Cannot Shake, a record of lush radiance and otherworldly scope, with each track functioning as its own twinkling, transportive realm.

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Alt-Pop / Indie Rock

POP Montréal : Wild Black + SAMWOY + Casper Skulls + Lizzie Lives Forever au P’tit Ours

by Rédaction PAN M 360

Wild Black

Le créatif aux multiples talents Wild Black mélange les reflets scintillants de la musique disco et dance à l’énergie brute du rock, créant ainsi un son pop alternatif onirique et fluide qui rappelle des artistes tels que Blood Orange, Robyn, Beach House et Madonna. Leurs compositions vont du ludique à l’introspection émotionnelle, explorant les thèmes de l’amour, de la perte, de l’identité et de la libération à travers des morceaux entraînants et emblématiques qui ont été salués par RANGE Mag, AFROPUNK et The Toronto Star, dans des émissions de radio de la CBC telles que « Q », « After Dark » et « The Block », et ont été utilisés comme bande originale d’émissions sur Crave Canada et CBC Gem. Les performances énergiques et captivantes de Wild Black combinent harmonieusement des instruments live et des éléments électroniques, créant un paysage sonore envoûtant qui entraîne le public directement sur la piste de danse et dans ses émotions. Restez à l’écoute pour découvrir bientôt de nouveaux morceaux sur Next Door Records !

Multi-hyphenate creative Wild Black blends the shimmer of disco and dance music with the raw energy of rock, crafting a genre-fluid and dreamy alternative pop sound reminiscent of artists like Blood Orange, Robyn, Beach House, and Madonna. Their song writing spans from playful to emotionally self-reflective, exploring themes of love, loss, identity, and liberation through catchy, anthemic tracks that have received love with features by RANGE Mag, AFROPUNK, and The Toronto Star, on CBC radio programs like ‘Q’, ‘After Dark’, and ‘The Block, and have been soundtracked shows on Crave Canada and CBC Gem. Wild Black’s energetic and engaging performances seamlessly combine live instrumentation with electronic elements, creating a captivating soundscape that pulls audiences straight to the dance floor and into their feelings. Stay tuned for new music coming soon on Next Door Records!

SAMWOY

Pour un groupe de gens à l’affût qui grandit avec chaque parution, le nom SamWoy est synonyme d’une musique épique et enivrante, laquelle déforme les genres et se fraie un chemin dans une scène pop canadienne tendant à faire du surplace. À l’origine du projet se trouve Sam Woywitka, un artiste visionnaire ayant travaillé avec un vaste collectif de musicien.ne.s des plus dynamiques. Aux dires de l’auteure-compositrice et interprète alt-pop québécoise, Virginie B, « Sam est un touche-à-tout d’une intuition musicale innée, qui travaille sans relâche un joint à la bouche. »

To a growing group of those in the know, the name SamWoy evokes epic and exhilarating music that bends genres and smashes through the largely humdrum Canadian music landscape. Sam Woywitka is the mastermind behind the project, which has grown to encompass a collective of some of Montreal’s most dynamic musicians. In the words of the Québécoise alt-pop visionary Virginie B: “Sam’s basically an all-encompassing hard-working pot-head music intuitive genius.”

Casper Skulls

Casper Skulls a réussi à s’affirmer sur son nouvel album Kit-Cat (Next Door Records, 11 avril 2025), en adoptant une approche patiente et collaborative de l’écriture qui a permis au groupe de Sudbury/Toronto (Ontario) de créer le meilleur album de sa carrière. Sur Kit-Cat, Casper Skulls devient un effort entièrement partagé entre les membres du groupe et les amis de longue date Melanie St-Pierre-Bednis, Neil Bednis et Fraser McClean. L’effort combiné qui a alimenté Kit-Cat peint une image poignante de ce que Casper Skulls a évolué depuis leur dernier album sorti en 2021. « Nous avons décidé de rendre cet album très amusant sans trop y penser », explique St-Pierre-Bednis. “Cette approche a permis aux chansons d’être encore meilleures. Le résultat est une mosaïque de 11 titres sur la vie du groupe ces dernières années, le deuil d’êtres chers et de relations perdues, pleine d’amour de soi et d’amour partagé entre des membres de longue date qui non seulement explorent de nouvelles inspirations lyriques mais modifient leur composition d’un titre à l’autre pour mettre en valeur leur force ultime : la collaboration. Casper Skulls a un historique impressionnant de tournées, partageant la scène avec des groupes renommés tels que PUP, Thurston Moore, Spirit of the Beehive et Kathleen Hannah. Leurs concerts sont une force avec laquelle il faut compter, captivant le public et faisant tourner les têtes grâce à leur présence sur scène.

Casper Skulls have successfully grown into their own on their newest album Kit-Cat (Next Door Records, April 11, 2025), taking a refreshingly patient and collaborative approach to songwriting that ultimately left the Sudbury/Toronto, Ontario band creating the best album of their career. On Kit-Cat, Casper Skulls become a fully involved effort shared between band members and longtime friends Melanie St-Pierre-Bednis, Neil Bednis, and Fraser McClean. The combined effort that fueled Kit-Cat paints a poignant picture of what Casper Skulls has evolved into since their last record was released in 2021. “We decided to make this album super fun without overthinking it,” St-Pierre-Bednis says. “That approach made the songs turn out even better.” The result is an 11-track mosaic of the band’s life in recent years, grieving loved ones and lost relationships, full of self-love and love shared between longtime bandmates who not only explore new lyrical inspirations but shuffle their lineup from track-to-track to showcase their ultimate strength: collaboration. Casper Skulls have an impressive touring history, sharing stages with renowned acts such as PUP, Thurston Moore, Spirit of the Beehive and Kathleen Hannah. Their live shows are a force to be reckoned with, captivating audiences and turning heads with their commanding stage presence.

Lizzie Lives Forever

Un groupe de cinq originaire d’Halifax, et on ne parle pas de filets de poulet. Cela dit, ces interprétations tendres et groovy du livre de recettes indie rock vous donneront envie de ne jamais finir ce repas.

A five-piece band from Halifax, and we’re not talking chicken tenders. That said, these tender and groovy spins on the left-field indie recipe book will leave you wishing this meal would never end.

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Alt-Country / alt-rock / Indie Folk

POP Montréal : Nora Kelly + KT Laine + Lennie Rayen + Léna Bartels au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

Nora Kelly Band

Nora Kelly Band est le fruit d’une rencontre entre amis sur la voie ferrée du quartier du Mile-End à Montréal. Les gens se rassemblaient pour les écouter et chanter avec eux, jusqu’à ce que les flics les chassent. Le style alt-country de NKB offre des harmonies envoûtantes, un twang endiablé et des paroles pleines d’ironie – la toile de fond parfaite pour votre prochaine soirée dans le foin. Le premier album de NKB, « Rodeo Clown », sorti chez Mint Records, explore toute la gamme des styles influencés par la country – des slow burners aux foot stompers – mais avec un thème qui les relie tous.

Nora Kelly Band was born of friends jamming by the train tracks of Montreal’s Mile End neighbourhood. People flocked to listen and sing along–until the cops chased them off. NKB’s twist on alt-country delivers haunting harmonies, rambunctious twang, and wry lyrics–the perfect backdrop for your next tussle in the hay. NKB’s debut album ‘Rodeo Clown’, released via Mint Records, roams the range of country-inflected styles — slow burners to foot stompers — but a theme that ties it together.

KT Laine

KT Laine est une étude de la subtilité. Ses chansons rayonnent d’une chaleur positive, douces et posées. Si leurs interprétations semblent naturelles, ce sont aussi des morceaux finement construits qui évoquent autant des auteurs-compositeurs-interprètes contemporains partageant les mêmes idées (Angel Olsen, Cate Le Bon, Big Thief) que des légendes des années 60 et 70 comme Linda Perhacs, Sybille Baier et Judee Sill. En concert, les chansons prennent vie grâce à une présence scénique calme et posée, à la fois décontractée et précise, et sont traversées par la voix langoureuse de Laine et ses apartés tout aussi doux entre les chansons.

KT Laine is a study in subtlety. Her songs radiate a positively warm glow, sweetly burnished and unhurried. And while her performances make them seem effortless, they are also finely constructed pieces that recall certain like-minded contemporary singer-songwriters (Angel Olsen, Cate Le Bon, Big Thief) as much as ’60s and ’70s legends like Linda Perhacs, Sybille Baier, and Judee Sill. Live, the songs are brought to life with a cool, collected stage presence, easygoing yet laser-focused, and cut through with Laine’s languid vocals and equally mellow between-song asides.

Lennie Rayen

Lennie Rayen écrit des chansons qui observent, se déploient et résonnent — honnêtes sans trop en dire, poétiques sans en faire trop. Cette artiste de 23 ans originaire de North Bay, en Ontario, mêle ses racines indie folk à une sensibilité indie rock de plus en plus affirmée, portée par une précision lyrique et un instinct mélodique naturel. Sa musique invite à une écoute attentive, tissant des jeux de mots subtils et des arrangements émouvants en des chansons qui dévoilent de nouvelles facettes à chaque écoute. En 2023, son EP Believe That It’s Blue a été salué pour ses thèmes introspectifs. Aujourd’hui, alors qu’elle travaille activement sur son premier album, Lennie continue de façonner un univers sonore à la fois doux et puissant.

Lennie Rayen writes songs that observe, unravel, and linger—honest without oversharing, poetic without pretending. The 23-year-old artist from North Bay, Ontario blends indie folk roots with a growing indie rock edge, grounded in lyrical precision and melodic instinct. Her music invites a closer listen, weaving clever wordplay and moving arrangements into songs that reveal more with every spin. In 2023, her EP Believe That It’s Blue drew praise for its introspective themes. Now deep into working on her debut album, Lennie continues to shape a sound that’s both tender and powerful.

Léna Bartels

Dans son deuxième album de chansons rock toujours étranges et brillantes, The Brightest Silver Fish, Léna Bartels écrit souvent entre deux émotions. L’auteure-compositrice-interprète de Brooklyn observe les schémas qui se jouent entre ses narrateurs et les autres, parfois de très loin, parfois de si près que l’on ne distingue que des couleurs dégradées et des mouvements flous. Elle explore les façons involontairement destructrices dont nous exprimons notre intérêt pour les autres – comment la coercition peut sembler inséparable du désir, et comment les gens s’habituent tellement à se sentir dépossédés de leur pouvoir qu’ils en oublient leur propre pouvoir d’action. S’inspirant de l’attitude de l’alt-rock des années 90 et de l’habileté des auteurs-compositeurs-interprètes classiques comme Rickie Lee Jones et Aimee Mann, Bartels modifie audacieusement son paysage musical en fonction des besoins de chaque scène, créant ainsi des images déformées d’un monde hanté et incertain.

On her sophomore album of abidingly strange and brilliant rock songs, The Brightest Silver Fish, Léna Bartels often writes from somewhere in between emotions. The Brooklyn singer-songwriter observes patterns playing out between her narrators and others—sometimes from a great distance, sometimes from so close that all we can make out is gradient color and blurred motion. She explores the unintentionally destructive ways we express care for one another—how coercion can feel inseparable from desire, and how people become so accustomed to feeling disempowered that they forget their own agency. Informed by the attitude of ‘90s alt-rock and the tight craftsmanship of classic singer-songwriters like Rickie Lee Jones and Aimee Mann, Bartels shifts her musical landscape boldly with the needs of each scene, creating distorted images of a haunted, uncertain world.

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Hard Rock / Noise Rock / Post-Punk

Viagra Boys au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Générant un chaos sonore singulier, le groupe suédois de post-punk Viagra Boys fusionne grooves hard rock percutants, mélodies minimalistes, guitares et saxophones dissonants, ainsi que des voix hurlantes pour créer un déluge sonore sans compromis. Fascinés par les drogues, la colère et les dérives du privilège masculin, les Viagra Boys sont devenus un phénomène culte dans leur pays avant que leur approche brutale et incisive ne se propage à travers l’Europe, le Royaume-Uni et l’Amérique du Nord. Après avoir posé les bases de leur style avec l’EP Consistency of Energy en 2016, ils ont affiné et durci leur son sur leur premier album, Street Worms (2018). L’accueil critique enthousiaste de ce disque a renforcé l’engouement pour leur successeur, Welfare Jazz, sorti début 2021, tandis qu’ils adoptaient une approche satirique de la paranoïa et des dérives des réseaux sociaux avec Cave World en 2022.

Generating a singular brand of noisy chaos, Swedish post-punk band Viagra Boys fuse pounding hard rock grooves, minimalist melodies, discordant guitar and sax, and howling vocals into an uncompromised volley of sound. Fascinated with drugs, anger, and the evils of male privilege, Viagra Boys became a cult phenomenon in their homeland before word spread throughout Europe, the United Kingdom, and North America about their punishing and articulate approach. After making their recording debut and setting their creative template with the 2016 EP Consistency of Energy, Viagra Boys both refined and sharpened their signature sound on their first full-length album, 2018’s Street Worms. The record’s strong critical reception helped bolster enthusiasm for their follow-up, Welfare Jazz, which appeared in early 2021, while they took a satiric look at paranoia and Internet groupthink on 2022’s Cave World.

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métal alternatif / nu-métal

Korn au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Korn a changé le monde avec la sortie de son premier album éponyme. Ce disque a été le précurseur d’un genre, tandis que le succès durable du groupe témoigne d’un moment culturel plus large.
Depuis sa création, Korn a vendu plus de 40 millions d’albums dans le monde, remporté deux Grammys, effectué d’innombrables tournées mondiales et établi de nombreux records qui ne seront probablement jamais dépassés. Korn a continué à repousser les limites des genres rock, alternatif et métal, tout en restant un pilier d’influence pour des légions de fans et des générations d’artistes dans le monde entier.

Korn changed the world with the release of their self-titled debut album. It was a record that would pioneer a genre, while the band’s enduring success points to a larger cultural moment.
Since forming, Korn has sold more than 40 million albums worldwide, collected two Grammys, toured the world countless times, and set many records in the process that will likely never be surpassed. Korn has continued to push the limits of the rock, alternative and metal genres, while remaining a pillar of influence for legions of fans and generations of artists around the globe.

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country pop

Keith Urban au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Keith Urban est un artiste sui generis dans la musique country : natif d’Australie, il s’est installé à Nashville pour percer dans l’industrie et a réussi à se hisser au sommet des classements country. Tout au long de sa carrière, il a semblé évoluer en marge du courant dominant, tout en s’adaptant aux tendances changeantes du genre. Certains éléments définissent son vaste répertoire : guitariste exceptionnel, il ne manque jamais une occasion de mettre en valeur son jeu, mais toujours au service de ses chansons, qui allient sens du refrain accrocheur et une sensibilité à fleur de peau. Tout cela était déjà évident sur But for the Grace of God, un single de 2000 qui fut le premier de ses nombreux numéros un au classement Billboard Country. Mais au fil de sa carrière, il a affiné son style et développé un goût particulier pour les ballades – certaines de ses plus grandes réussites sont des morceaux tout en progression lente, comme You’ll Think of Me et Blue Ain’t Your Color. Urban a également su intégrer des sonorités pop contemporaines dans sa musique, comme en témoignent ses collaborations avec Pink et Nile Rodgers sur son album The Speed of Now, Vol. 1 (2020). Son attachement à l’instant présent s’est aussi traduit par une approche plus flexible de la production musicale : au début des années 2020, il a privilégié la sortie de singles et de collaborations, prenant son temps avant de proposer un album complet. Lorsque High est enfin sorti en 2024, il incluait plusieurs de ces morceaux ainsi que le hit Messed Up as Me.

Keith Urban is an artist sui generis in country music: a native of Australia who headed to Nashville to break into the business and managed to work his way to the top of the country charts, he maintained a long, successful career where he has seemed to exist just outside of mainstream country but nevertheless adapted to its shifting fashions. There are some common denominators in his deep catalog: he’s a killer guitar player who never misses a chance to shred, but it’s always in the service of his songs, which display his ear for melodic hooks and an openhearted sensitivity. All of this was evident on “But for the Grace of God,” a 2000 single that became the first of many Billboard Country number one hits for Urban, but he sharpened his execution over the course of his career, developing a distinctive ballad style — some of his biggest hits were slow-burners, including “You’ll Think of Me” and “Blue Ain’t Your Color” — which he accentuated with his adept integration of contemporary pop, including collaborations with Pink and Nile Rodgers on his 2020 album The Speed of Now, Vol. 1. Urban’s focus on the now was also evident in how he spent the first part of the 2020s releasing a rapid series of singles and collaborations while taking his time to craft a full-length album. When 2024’s High finally arrived, it included a handful of those singles and the hit “Messed Up as Me.”

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Alternative / électro-indie

SYML au MTelus

by Rédaction PAN M 360

SYML est le projet solo mélancolique de Brian Fennell, ancien leader du groupe Barcelona et natif de Seattle. Il s’est fait remarquer en 2017 avec la chanson Where’s My Love, qui est restée 20 semaines dans le classement Hot Rock Songs de Billboard. Il a élargi son audience avec son premier album éponyme en 2019 et a continué à affiner son son en sortant les EP You Knew It Was Me (2020) et DIM (2021), ainsi que le succès en streaming You and I en 2022. Son deuxième album, The Day My Father Died, produit par Phil Ek, est paru début 2023. Par la suite, il a sorti plusieurs EP, dont Infinity en 2024.

SYML is the moodier solo venture of former Barcelona frontman and Seattle native Brian Fennell. He broke through with his 2017 song “Where’s My Love,” which spent 20 weeks on Billboard’s Hot Rock Songs chart. He gained wider attention with his 2019 full-length debut, SYML, and has continued to refine his sound, releasing the EPs You Knew It Was Me (2020) and DIM (2021), and the 2022 streaming hit “You and I.” His Phil Ek-produced sophomore album, The Day My Father Died, appeared in early 2023. After that, he released several EPs including 2024’s Infinity.

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Electronic / House / Techno

OfF Piknic : Peggy Gou au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Faisant partie de la famille de Piknic Électronik, OfF Piknic est un « spin-off » en mode concert des rendez-vous dominicaux de Piknic. Prenant place au Parc Jean-Drapeau, les événements OfF Piknic sont le fruit d’une réinterprétation du site par les géants de l’industrie. Mettant en lumière l’ensemble de la scène électronique, ces événements ont lieu les vendredis et samedis, de la fin de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Part of the Piknic Électronik family, OfF Piknic is a concert spin-off of the regular Piknic Sunday gatherings. Taking place at Parc Jean-Drapeau, OfF Piknic events are the fruit of a production takeover led by curated all-star line-ups. Highlighting the whole realm of the electronic scene, these events take place on Fridays and Saturdays, from late afternoon to dusk.

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