Montréal

Moyen-Orient / Levant / Maghreb / Poetry

Le Vivier : Roozbeh Tabandeh • Chants libres • Paramirabo — Songs of the Drowning à l’Espace orange de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Songs of the Drowning est une performance interdisciplinaire réalisée par Roozbeh Tabandeh, inspirée par les poèmes de Sandeep Bhagwati et les peintures de Khosro Berahmandi. La poésie de Bhagwati a été à la fois une inspiration et une source d’idées dans le processus de composition musicale. Le cycle de poésie représente une contemplation critique de la condition humaine à notre époque. Ces neufs courts poèmes ont été écrits en allemand, et seront présentés en quatre langues dans la pièce, dont l’anglais, français et farsi. Ainsi, l’œuvre finale fusionne ces quatre langues avec la musique de Roozbeh Tabandeh, des œuvres vidéo de Hadi Jamali inspirées par les toiles de Khosro Berahmandi ainsi qu’une scénographie créée par la scénographe et architecte Haleh Vedadi et Roozbeh Tabandeh.

Songs of the Drowning is an interdisciplinary performance created by Roozbeh Tabandeh, inspired by the poems of Sandeep Bhagwati and the paintings of Khosro Berahmandi. Bhagwati’s poetry served both as inspiration and as a source of ideas throughout the musical composition process. The poetry cycle offers a critical reflection on the human condition in our time. These nine short poems, originally written in German, will be presented in four languages during the performance, including English, French, and Farsi. The final work thus weaves together these four languages with Roozbeh Tabandeh’s music, video works by Hadi Jamali inspired by Khosro Berahmandi’s paintings, and a scenography created by set designer and architect Haleh Vedadi in collaboration with Roozbeh Tabandeh.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

afro-pop / afro-soul / Blues

Laetitia Zonzambé au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Originaire de Centrafrique, Laetitia Zonzambé mêle avec finesse traditions bantoues et influences modernes (Soul, Funk, Pop, Blues). Son spectacle NZOROKO célèbre une Afrique créative et vivante, entre chants en sango ou en français, balades sensibles et rythmes entraînants. Inspirée par un parcours marqué par les échanges culturels, elle offre une musique à la fois ancrée et universelle.

Originally from the Central African Republic, Laetitia Zonzambé blends traditional Bantu sounds with modern influences—Soul, Funk, Pop, and Blues. Her show NZOROKO celebrates a vibrant, creative Africa through songs in Sango and French, mixing heartfelt ballads with infectious rhythms. Shaped by a life of cultural exchange, her music is both rooted and universal.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du Club Balattou et est adapté par PAN M 360

classique / post-romantique

OSM : Le chant du cygne de Mahler

by Rédaction PAN M 360

Rafael Payare poursuit le cycle Mahler, initié en 2022, avec la Symphonie n° 9, une œuvre instrumentale d’une richesse inouïe où chaque note résonne avec une profonde émotion. Mahler y orchestre une réconciliation poignante entre l’être humain et l’univers, offrant une spiritualité intense et créant des instants de beauté époustouflante. Une opportunité de vivre un concert mêlant intensité musicale et introspection.

Rafael Payare continues the Mahler cycle he launched in 2022 with Symphony No. 9, an instrumental masterpiece of unparalleled richness, where every note resonates with deep emotion. In this work, Mahler evokes humanity’s reconciliation with the universe, weaving deep spirituality with moments of awe-inspiring beauty. A rare opportunity to experience a concert that is both musically intense and introspective.

Programme

Gustav Mahler, Symphonie no 9 (81 min)

Program

Gustav Mahler, Symphony No. 9 (81 min)

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

Afrobeat

Jumelles d’Afrique au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Jumelles d’Afrique est un duo musical formé par les sœurs camerounaises Chanelle et Soleil. Entre rythmes africains, voyages inspirants et créations originales, elles célèbrent la richesse du continent. Lauréates du prix du Meilleur groupe de variété à Grand-Bassam (2019), elles vivent aujourd’hui à Laval (Canada) et développent leur univers entre musique, mode et entrepreneuriat.

Jumelles d’Afrique is a musical duo made up of Cameroonian sisters Chanelle and Soleil. Blending African rhythms, original songs, and rich cultural influences from their travels, they celebrate the diversity of the continent. Winners of the Best Variety Group award in Grand-Bassam (2019), they now live in Laval, Canada, and are expanding their creative universe into music, fashion, and entrepreneurship.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du Club Balattou et est adapté par PAN M 360

Hip Hop / rap

Aminé au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Aminé est un rappeur vif et haut en couleur, connu pour son approche décalée du hip-hop. Sa carrière a décollé grâce à son tube multi-platine Caroline (2016), qui a atteint la 11e place du classement pop américain. Il a ensuite confirmé son succès avec Good for You (2017), un album certifié or, puis avec la mixtape ONEPOINTFIVE (2018), marquée par Reel It In, son deuxième single multi-platine.
Son deuxième véritable album, Limbo (2020), s’est hissé dans le Top 20 du Billboard 200, avant d’être suivi par une nouvelle mixtape, TWOPOINTFIVE (2021). Entre ces deux projets, Aminé a décroché une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie « Best Dance Recording » pour sa collaboration avec Disclosure sur le morceau My High.
Collaborateur de longue date du producteur Kaytranada, il a sorti avec lui l’album commun Kaytraminé en 2023. L’année suivante, Aminé a dévoilé un EP concis intitulé .mp3s (2024).

Aminé is a witty and colorful rapper with a left-of-center approach to hip-hop. His career took off with the multi-platinum number 11 pop hit “Caroline” (2016). It continued to ascend with Good for You (2017), a gold-certified album, and ONEPOINTFIVE (2018), a stardom-affected mixtape containing “Reel It In,” Aminé’s second multi-platinum single.
His second proper album Limbo (2020) cracked the Top 20 of the Billboard 200 and was followed with another tape, TWOPOINTFIVE (2021). Between the latter two releases, Aminé picked up a Grammy nomination for Best Dance Recording as a featured artist on Disclosure’s “My High.”
A longtime collaborator with producer Kaytranada, the two released the full-length Kaytraminé in 2023. Aminé released a brief EP titled .mp3s in 2024.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de AllMusic et est adapté par PAN M 360

Joseph Houston: In All Weathers

by Loic Minty

On a rainy October 7th, what could be better than taking shelter in the comfort of a chapel, letting the torrent flow by while listening to its gentle violence. Sometimes slow, sometimes like a thunder of chairs returning to their places at the bell, Joseph Houston’s piano wonderfully allowed us to discover what we could not have previously imagined on such an instrument.

With infinite precision, Joseph Houston cut the church’s resonance into a thousand pieces. Under the pounding rain, we traveled a winding path, from purely serial music at the opening to almost jazzy chords where melodies began to reveal themselves. Held together by detailed and dense scores, the rhythm gave way to changes of speed and carefully unregulated phrasing. A style he made his own with confidence.

This winding journey, ultimately, was not a coincidence, but rested on the superposition of forms whose outline the intellect could only barely define. After almost an hour of exponential growth, the tranquility of its ascent suddenly took on force. In Cassandra Miller’s piece Philip the Wanderer, Houston revealed her unrestrained virtuosity. Heavy as the ground and yet light as incense smoke, her spasmatic left hand created a low drone, while the right developed a floating melody with a romantic air. The whole thing rose in bursts of strums, played as if they had been forgotten, which were heard along a dynamic path: lost, found, then lost again in a din. Without our realizing it, the end of the piece revealed the main tune, which had resonated within us ever since like a distant memory.

Back on our orange chairs, the small red chapel could be heard from far away, for even the storm had joined us. The room, filled with contemporary music lovers, emptied as the audience dispersed, running. The storm, however, remained suspended, as if it wanted to prolong the last note.

Folk Rock / Indie Rock / pop psychédélique

Coup de coeur francophone : Bon Enfant à l’Escogriffe Bar Spectacle

by Rédaction PAN M 360

Bon Enfant, c’est un début d’engouement global discréditant l’enjeu territorial de la langue au profit d’avoir des bonnes tounes. Instigateur d’un rock perméable et ouvert en évitant le pastiche toujours, le groupe persiste dans son adaptation des résonances populaires avec l’annonce d’un troisième record; un album intégral fait pour faire du bien. En amont des tournées partout-tout-le-temps, il fallait bien suer dans un Esco trop plein. Bon Enfant et Coup de cœur vous souhaitent une bonne journée.

Bon Enfant is the spark of a growing craze, dismissing the territorial stakes of language in favor of simply having good tunes. As instigators of a permeable, open rock, always steering clear of pastiche, the band continues to shape popular resonances with the announcement of a third record: a full-length album made to feel good. Before heading off on their everywhere-all-the-time tours, they had to sweat it out in an overflowing Esco. Bon Enfant and Coup de cœur wish you a great day.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Coup de cœur francophone et est adapté par PAN M 360

période romantique / Piano / post-romantique

Dang Thai Son, piano à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Depuis sa victoire au prestigieux Concours Chopin de Varsovie en 1980, Dang Thai Son mène une carrière fulgurante, qui l’a conduit aux quatre coins du monde avec les plus grands orchestres. Celui qui fut le professeur de Bruce Liu interprète plusieurs œuvres du compositeur polonais qui l’a fait connaître, avec un détour par l’impressionnisme français, de Fauré à Debussy.

After winning Warsaw’s prestigious Chopin Competition in 1980, Dang Thai Son embarked on a meteoric career—travelling to the four corners of the world, playing with top orchestras, and teaching students such as Canadian pianist Bruce Liu. Here, he performs gems from the Polish composer who propelled him to fame, alongside French impressionist works by Fauré and Debussy.

Programme

FAURÉ
Nocturne en mi bémol mineur, op. 33 n° 1
Barcarolle n° 1 en la mineur, op. 26
DEBUSSY
Images, Livre I 
Children’s Corner, L. 113
CHOPIN
Nocturne n° 21 en do mineur, op. posth.
Nocturne n° 20 en do dièse mineur, op. posth.
Barcarolle en fa dièse majeur, op. 60
Valse en mi majeur, op. posth.
Valse en mi bémol majeur, op. posth.
Valse en sol bémol majeur, op. 70 n° 1
Valse en si mineur, op. 69 n° 2
Valse en la bémol majeur, op. 34 n° 1
Scherzo n° 2 en si bémol mineur, op. 31

Program

FAURÉ
Nocturne in E-flat minor, Op. 33, No. 1
Barcarolle No. 1 in A minor, Op. 26
DEBUSSY
Images, Book I 
Children’s Corner, L. 113
CHOPIN
Nocturne No. 21 in C minor, Op. Posth.
Nocturne No. 20 in C-sharp minor, Op. Posth.
Barcarolle in F-sharp major, Op. 60
Waltz in E major, Op. Posth.
Waltz in E-flat major, Op. Posth.
Waltz in G-flat major, Op. 70, No. 1
Waltz in in B minor, Op. 69, No. 2
Waltz in A-flat major, Op. 34, No. 1
Scherzo No. 2 in B-flat minor, Op. 31

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

Electro-Pop / Experimental / Contemporary

Noga Erez au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

La productrice, chanteuse et auteure-compositrice de Tel Aviv, Noga Erez, crée une pop électronique expérimentale qui allie des sonorités audacieuses à des commentaires sociaux percutants. Sur son album de débuts Off the Radar (2017), elle explore l’hypocrisie, la paranoïa et le privilège à travers des morceaux entraînants rappelant M.I.A. et Flying Lotus. Elle élargit son approche sur Kids (2021), en équilibrant sa vision du monde sans compromis avec une perspective plus personnelle.

Tel Aviv producer and singer/songwriter Noga Erez makes electronic pop experimental that pairs bold sonics with astute social commentary. On her 2017 debut album Off the Radar, she delved into hypocrisy, paranoia, and privilege over propulsive tracks that recalled M.I.A. and Flying Lotus. She widened her approach on 2021’s Kids, balancing her uncompromising worldview with a more personal viewpoint.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient d’AllMusic et est adapté par PAN M 360

Alt Folk / Indie Pop / Post-Punk

Ezra Furman au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Provocatrice folk-punk androgyne et enflammée originaire de Chicago, Ezra Furman s’est imposée comme l’une des artistes pop les plus captivantes et imprévisibles de son époque, grâce à son attitude à la Lennon, ses paroles brutes et sincères, ainsi que son style flamboyant. Après avoir émergé à la fin des années 2000 avec The Harpoons et sorti trois albums acclamés, elle entame une carrière solo en 2012 avec The Year of No Returning. Par la suite, ses albums sont crédités à son nom accompagné de divers groupes aux noms changeants, tels que The Boy-Friends, The Visions et The Band with No Name. Elle affine son mélange unique de folk indie audacieux et de punk rock aux accents skiffle sur des albums salués par la critique, comme le chaotique Perpetual Motion People (2015), inspiré du doo-wop, et la trilogie ambitieuse Transangelic Exodus (2018), Twelve Nudes (2019) et All of Us Flames (2022).

A fiery, androgynous folk-punk provocateur from Chicago, Ezra Furman’s Lennon-esque sneer and raw, open-hearted lyrics, plus a flamboyant style, have helped to make her one of the most engaging and unpredictable art-pop confectioners of her era. Emerging in the late 2000s with the Harpoons, she issued three well-received albums before going solo in 2012 with the release of The Year of No Returning; future offerings would be credited to Furman and a rotating cast of bandmates under monikers like the Boy-Friends, the Visions, and the Band with No Name. She continued to hone a signature blend of bold-faced indie folk and skiffle-kissed punk rock on critically acclaimed outings like the chaotic, doo wop-inspired Perpetual Motion People (2015) and the ambitious trilogy Transangelic Exodus (2018), Twelve Nudes (2019), and All of Us Flames (2022).

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient d‘AllMusic et est adapté par PAN M 360

Jazz

Festival International de Jazz de Montréal : Stacey Kent au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Stacey Kent est une chanteuse de jazz américaine dans la lignée des plus grands, avec une légion de fans et une multitude de distinctions et de récompenses, dont une nomination aux Grammy Awards et, plus récemment, le Prix Ella Fitzgerald du Festival de jazz de Montréal. Avec des albums certifiés platine et or qui ont atteint plusieurs fois le sommet des classements et plus d’un demi-milliard d’écoutes sur Spotify, elle s’est constitué un vaste public international grâce à ses interprétations délicatement nuancées de standards, de chansons, de bossa nova et de compositions originales. Son répertoire multilingue unique comprend des compositions originales écrites par l’auteur Kazuo Ishiguro, lauréat du prix Nobel, en collaboration avec son mari, le saxophoniste, producteur, compositeur et arrangeur Jim Tomlinson. Leur première chanson, The Ice Hotel, a remporté le premier prix dans la catégorie jazz de l’International Songwriting Competition. Stacey a également enregistré avec les légendes brésiliennes Marcos Valle, Roberto Menescal et Danilo Caymmi, ainsi qu’avec le célèbre quatuor à cordes français Quatuor Ébène. Le nouvel album de Kent, A Time For Love, sortira en octobre 2025. Il reprendra sa collaboration en trio avec le pianiste Art Hirahara et Jim Tomlinson, dans une collection éclectique de chansons. Son précédent album, Summer Me, Winter Me, s’est immédiatement hissé en tête des charts jazz. Summer Me, Winter Me était une compilation de titres choisis par les fans, comprenant trois chansons originales : Postcard Lovers, coécrite avec Kazuo Ishiguro, et deux autres joyaux dont les paroles ont été écrites par Cliff Goldmacher, auteur de la chanson titre de l’album orchestral de Stacey, I Know I Dream. À côté de ces titres, on trouve un certain nombre de standards de jazz très appréciés, dont les versions anglaise et française de If You Go Away (Ne me quitte pas) de Jacques Brel.

Stacey Kent is an American jazz singer in the mold of the greats, with a legion of fans and a host of honors and awards including a Grammy nomination, and most recently, the Prix Ella Fitzgerald from Montreal Jazz Festival. With Platinum and Gold-selling albums that have reached a series of chart-topping positions, and over half a billion Spotify streams, she has garnered a huge international audience with her delicately nuanced interpretations of standards, chanson, Bossas and originals. Her unique multilingual repertoire includes originals written by the Nobel Prize-winning author Kazuo Ishiguro in collaboration with her saxophonist/producer/composer/arranger husband, Jim Tomlinson. Their first song, The Ice Hotel won first prize in the jazz category of the International Songwriting Competition. Stacey has also recorded with Brazilian legends Marcos Valle, Roberto Menescal and Danilo Caymmi, as well as the celebrated French string quartet the Quatuor Ébène. Kent’s new album, A Time For Love, will be released in October 2025. It will reprise her trio collaboration with pianist Art Hirahara and Jim Tomlinson, in an eclectic collection of songs. Her previous album, Summer Me, Winter Me immediately shot to the top of the Jazz charts. Summer Me, Winter Me was a collection of fan-chosen tracks which includes three original songs; Postcard Lovers, co-written with Kazuo Ishiguro and two other gems with lyrics by Cliff Goldmacher, who wrote the title track of Stacey’s orchestral album, I Know I Dream. Alongside these are a number of well-loved jazz standards including both English and French versions of Jacque Brel’s, If You Go Away (Ne me quitte pas).

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

art sonore / Poetry / Soundtrack

FLUX | Poetics of Transmission and Poetry of Consciousness

by Judith Hamel

It was in the intimacy of the Indigenous artist-run centre, daphne, that Tanner Menard and Martín Rodríguez presented two unique performances on Sunday evening as part of the Flux Festival.

While waiting for the performance to begin, we wander among the exhibits Prelude to the Return of the American Indian by Buffalo Boy and Ne Karahstánion. This place itself inspires a sense of peace of mind, a communion among those present.

A few minutes after eight o’clock, Martín Rodríguez appears wandering through the galleries, wearing a beige uniform, rain boots, and a black cap adorned with gold. Loud chirping can be heard from his bag. After several detours through the space, he stops in front of the kitchen and takes out two radios and two transmitters. He fetches a ladder, places one of the radios on it, and invites the audience to gather around this new altar.

Using sound archives: birds, bullfrogs, bells, bees, trucks, cars, human voices, several explorations of interference between radio-transmitter pairs unfold. Rodríguez then creates the interference by playing with the distance between the transmitters and the radios. Each of his gestures affects the broadcast: he leans, straightens, withdraws into space; he moves objects, combines them, opposes them; he creates the interference with his own hands, erecting his transmitters like a fragile house of cards.

His performance ends with a nap, wrapped in a white jacket decorated with colorful embroidery, cap pulled down over his eyes, abandoned among the urban sounds.

After a short break, Tanner Menard takes his place. At the intersection of sound and visual poetry, his work is rooted in a search for a post-polarity-unity life and a vision of the world based on interdependence and drawn from love.

After a few shared breaths and our eyes closed, Menard recites his first poems. Around him, a pool of candles and four radios broadcasting white noise. In front of each, a bowl of water collects their waves. After this moment of poetic performance, he sits down at the computer, which projects these visual poems onto the wall. Everything is accompanied by his recorded voice and a musical score that embraces the texts’ forms in their intentions and intensities.

His words tell us about the fragility of contemporary existence and our common isolation: “The only “we” that exists is the common experience of multiplicitous isolation.”

Finally, he hands us the candles that came with him, consciously placing them in our hands. Then, with a ritual gesture, he sprinkles us with a few drops of water.

As we leave the place, the street appears different. This shared listening invites us to rethink our common individuality.

This shared moment invites us to rethink what connects us, our overall way of being alone.

Publicité panam
Subscribe to our newsletter

Inscription
Infolettre

"*" indicates required fields

Type of Suscribers