classique / Opera

Faculté de musique de l’UdeM : soirée d’opéra à la salle Claude-Champagne

by Rédaction PAN M 360

L’Atelier d’opéra de l’UdeM vous propose un passionnant voyage musical à travers les grands airs d’opéra et ensembles d’opéra. Depuis sa naissance officielle en Italie au 17e siècle, l’opéra n’a cessé d’exercer un attrait sur les compositeurs qui ont laissé des œuvres mémorables. Alliant théâtre et musique, le genre fascine et bouleverse. Laissez-vous séduire par les voix remarquables des étudiantes et des étudiants en chant classique de la Faculté de musique et vivez des moments émouvants grâce à des extraits des plus célèbres pages lyriques accompagnés au piano.

The UdeM Opera Workshop invites you on a captivating musical journey through the great opera arias and ensembles. Since its official birth in Italy in the 17th century, opera has continually fascinated composers, who have left behind a legacy of unforgettable works. Blending theater and music, the genre continues to captivate and move audiences. Be enchanted by the remarkable voices of the Faculty of Music’s classical voice students and experience stirring moments through excerpts from the most celebrated operatic masterpieces, accompanied at the piano.

LISEZ L’INTERVIEW DE JEREMY FORTIN !

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classique / immersif / musique acousmatique

Faculté de musique de l’UdeM : Série Ultrasons

by Rédaction PAN M 360

Des soirées expérimentales pour découvrir ce qui se fait de mieux en création numérique à la Faculté de musique! Présentées en décembre et en avril, les séries Ultrasons sont consacrées autant aux installations qu’aux musiques acousmatiques et visuelles, à l’art numérique, aux performances et à l’algorithmie. Sous un dôme de haut-parleurs, plongez dans les univers fascinants des étudiantes et étudiants issus des différents programmes de composition et création sonore offerts à la Faculté. Véritable tremplin, les soirées Ultrasons sont des occasions idéales pour se laisser surprendre et pour applaudir les créations originales de la relève en multimédia.
*Soirée de clôture (Jeudi 23 avril 2026) à la Sala Rossa 

Experimental evenings showcasing the best in digital creation at the Faculty of Music! Presented in December and April, the Ultrasons series highlights installations, acousmatic and visual music, digital art, performances, and algorithmic composition. Under a dome of speakers, immerse yourself in the captivating worlds of students from the Faculty’s various composition and sound creation programs. A true springboard for emerging artists, Ultrasons offers the perfect opportunity to be surprised and to celebrate the original multimedia creations of the next generation.
Closing Evening (Thursday, April 23, 2026) at Sala Rossa

CES SPECTACLES SONT GRATUITS!

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classique / période romantique

OSM : L’intense Symphonie « Leningrad » de Chostakovitch

by Rédaction PAN M 360

Ce programme juxtapose la pétillante Symphonie no 8 de Beethoven et la puissante Symphonie «Leningrad» de Chostakovitch, une œuvre poignante qui incarne la force de la résistance face à l’oppression. Ce contraste saisissant entre la quête de joie et l’évocation d’un moment historique dramatique promet un concert intense et captivant.

This program contrasts Beethoven’s vibrant Symphony No. 8 with Shostakovich’s powerful Leningrad Symphony, a poignant work that captures the spirit of resistance to oppression. The striking juxtaposition of Beethoven’s joy and Shostakovich’s depiction of a dramatic historical moment promises an intense and captivating concert experience.

Programme

Ludwig van Beethoven, Symphonie no 8, op. 93 (26 min)
Dmitri Chostakovitch, Symphonie no 7, op. 60, «Leningrad» (69 min)

Program

Ludwig van Beethoven, Symphony No. 8, Op. 93 (26 min)
Dmitri Shostakovich, Symphony No. 7, Op. 60 (“Leningrad”) (69 min)

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Baroque / classique / passacaille

collectif9 – Musique sur passacaille à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Pour son premier concert à la Salle Bourgie, le nonette montréalais collectif9 dirigé par Thibault Bertin-Maghit, respectivement Interprète de l’année et Directeur artistique de l’année aux Prix Opus 2025, présente un programme autour de la passacaille. Ce genre tout droit venu du 17e siècle, dont les œuvres ont la particularité d’être construites sur une ligne de basse répétitive, a inspiré plusieurs artistes. Entre Frescobaldi et Caroline Shaw, l’ensemble retrace les 400 ans de son évolution.

Montréal nonet collectif9 presents their first concert at Bourgie Hall after receiving several honours at the 2025 Opus Awards: “Performer of the Year” for the group and “Artistic Director of the Year” for director Thibault Bertin-Maghit. This programme explores the passacaglia, that is, music composed over a repetitive bass line—a genre straight from the 17th century that has inspired artists from Frescobaldi to Caroline Shaw over the past 400 years.

Programme

LIGETI Passacaglia ungherese
FRESCOBALDI Cento partite sopra passacagli
SCHAFER Quatuor à cordes n° 11 (extraits)
Caroline SHAW Partita pour huit voix : IV. Passacaglia
Rose BOLTON The Path Whereon We Do Not Go (commande de collectif9)
WEBERN Passacaille en ré mineur, op. 1

Program

LIGETI Passacaglia ungherese
FRESCOBALDI Cento partite sopra passacagli
SCHAFER String Quartet No. 11 (excerpts)
Caroline SHAW Partita for 8 voices: IV. Passacaglia
Rose BOLTON The Path Whereon We Do Not Go (collectif9 commission)
WEBERN Passacaglia in D minor, Op. 1

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classique / musique contemporaine / Piano

OSM : Le sacre du printemps

by Rédaction PAN M 360

L’OSM vous propose un véritable feu d’artifice musical en présentant trois œuvres spectaculaires. Le Concerto no 1 de Tchaïkovski, interprété par le talentueux pianiste Bruce Liu. Le sacre du Printemps d’Igor Stravinsky, créé le 29 mai 1913, qui illustre un rituel païen inspiré des traditions slaves, où une jeune fille est sacrifiée pour assurer le retour du printemps. Sa première représentation a provoqué un véritable scandale, allant jusqu’à déclencher une émeute. Cette œuvre révolutionnaire est aujourd’hui reconnue comme un chef-d’œuvre fondateur de la musique moderne. Une création du compositeur québécois Denis Gougeon ajoutera un bouquet d’étincelles à ce concert. Gougeon est l’un des compositeurs contemporains les plus reconnus au Canada, particulièrement pour sa musique empreinte de lyrisme, d’énergie rythmique et d’une grande expressivité.

The OSM presents three extraordinary works in an explosive musical fireworks display. Tchaikovsky’s Piano Concerto No. 1, performed by the brilliant Bruce Liu, shines in this program. Also featured is Igor Stravinsky’s The Rite of Spring, first premiered on May 29, 1913. This revolutionary work, depicting a pagan ritual from Slavic traditions involving the sacrifice of a young girl to bring spring, caused a riot at its scandalous debut but is now celebrated as a cornerstone of modern music. To add even more sparkle to the concert, the orchestra will premiere a composition by celebrated Quebec composer Denis Gougeon, known for his lyricism, rhythmic energy, and deep expressiveness.

Programme

Denis Gougeon, création (de 10 à 12 min) – commande de l’OSM
Piotr Ilitch Tchaïkovski, Concerto pour piano no 1, op. 23 (32 min)
Igor Stravinsky, Le sacre du printemps (33 min)

Program

Denis Gougeon, Premiere (10 to 12 min) – OSM commission
Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Concerto for Piano No. 1, Op. 23 (32 min)
Igor Stravinsky, The Rite of Spring (33 min)

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classique

Meagan Milatz and The OSM musicians: Two Opposite Universes

by Pietro Freiburger

On April 10, at Bourgie Hall, the OSM musicians were joined by pianist Meagan Milatz for a chamber music concert. The program included music by Haydn and Shostakovich.

The concert opened with Haydn’s Quartet Op. 77 No. 2 in F major, interpreted with great refinement in sound and remarkable structural balance. The excellent articulation and phrasing highlighted the cohesion between the musicians of the Montreal Symphony Orchestra, who did justice to the character of the various movements with great awareness.

The concert continued with Two pieces by Shostakovich, Adagio and Allegretto, which represented a great contrast to the previous work. The Adagio, in the name of drama and nostalgia, once again highlighted the quality of the sound of the musicians, who in the Allegretto showed great brio and irony. The Quintet op. 57, a work of great complexity, saw the collaboration of Meagan Milatz.

After a Prelude that was both discreet and intense, the Fugue was an overwhelming movement, with very delicate atmospheres and extreme dissonances linked by a very articulated contrapuntal language. The Scherzo acted as an interesting bridge to the Intermezzo, where the musicians enraptured the audience with a magical sound, and then ended with the Finale, a varied movement characterized by the excellent vibrato of the musicians. A very well studied program and a truly remarkable interpretation by all the artists, warmly applauded by the audience in the hall.

Kompa / Rara / Soukouss

Festival international Nuits d’Afrique : Tabou Combo au parterre du Quartier des spectacle

by Rédaction PAN M 360

Cela fait près de 60 ans qu’ils font se déhancher la planète entière, et leur énergie est intacte. En 2014, ils ont clos la 28e édition du Festival international Nuits d’Afrique dans une ambiance de folie. De retour en 2016, puis en 2019, ils ont chaque fois comblé le public. Monument s’il en est de la scène haïtienne, Tabou Combo est LA légende du kompa — ce genre musical fraîchement inscrit au patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO et qui incarne la Perle des Antilles dès les premières mesures. Leur kompa élaboré, infusé de rara, de merengue, de funk, de rock et de soukous, fait la part belle aux guitares affûtées et aux cuivres éclatants, au service d’un groove syncopé qui fait danser et se rapprocher toutes les générations. Un rendez-vous chargé d’histoire !

For almost sixty years, they have been making hips swing around the globe, and they are still going strong. In 2014, Tabou Combo closed the 28th edition of Festival International Nuits d’Afrique with abandon. They returned in 2016 to help celebrate the Festival’s 30th anniversary, playing at the former Metropolis, and then again in 2019 to mark their 50th anniversary, playing to a full house each and every time. A cornerstone of the Haitian music scene, Tabou Combo is THE legend of kompa, a music genre that embodies the Pearl of the Antilles from the very first notes and was recently inscribed on UNESCO’s Intangible Cultural Heritage list. Their sophisticated sound, infused with rara, merengue, funk, rock, and soukous, showcases edgy guitar and dazzling brass, driving a syncopated groove that brings people of all ages together and gets them dancing. A happening steeped in history!

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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expérimental / contemporain / saxophone

Le Vivier : Treffpunkt à la Salle Bleue de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Treffpunkt (point de rencontre), l’œuvre éponyme du Quatuor de saxophones Treffpunkt, est née d’un désir commun : créer une œuvre collaborative. À la croisée des pratiques créatives de ses membres, elle explore ce qui peut émerger de la rencontre entre composition, improvisation, intuitions et imaginaires. Inspirée par l’archéologie du paysage sonore de Mylène Pardoën, l’œuvre propose une réflexion sur notre relation au vivant et sur la transformation des écosystèmes sonores. À travers l’intégration de technologies, de captations et de traitements sonores, elle traverse les thèmes de l’isolement, de la connexion, de la disparition et de l’écoute du monde qui nous entoure.

Treffpunkt (meeting point), the eponymous work of the Treffpunkt Saxophone Quartet, was born of a shared desire: to create a collaborative work. At the crossroads of its members’ creative practices, it explores what can emerge from the encounter between composition, improvisation, intuitions and imaginaries. Inspired by Mylène Pardoën’s archaeology of the soundscape, the work offers a reflection on our relationship to the living world and on the transformation of sonic ecosystems. Through the integration of technologies, field recordings and sound processing, it moves through the themes of isolation, connection, disappearance and listening to the world around us.

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période romantique

Brahms and Beethoven in 9th Heaven

by Frédéric Cardin

Two trios with clarinet were offered on the 9th floor of the Montreal Eaton Centre yesterday, at afterhours time. The very beautiful series of HausMusique concerts, organised by cellist Cameron Crozman and pianist Meagan Milatz, in the rich Art Deco environment of the 9th floor of the Eaton Centre, has been unfolding for almost two years now. The concerts last an hour and the programs are always inviting, supported by quality performers.

Yesterday, the hall was almost capacity-filled for the performance of a youthful clarinet trio by Beethoven and another, a masterpiece of maturity, by Brahms. Crozman and Milatz were joined by the Canadian clarinettist James Campbell, a world-renowned figure and a sensitive and seasoned performer.

We were charmed by the well-articulated sparkle of Beethoven, still imbued with Haydnian classicism, but revealing through almost spontaneous episodes expressive tendencies that herald the composer’s more dramatic maturity. A lot of liveliness from the three performers, with a very good sense of dynamics and expressive contrasts. We thoroughly enjoyed Meagan Milatz’s crystalline technique on the piano, even though in one or two cascades of notes, the artist may have pushed the urgency of the tempo a bit, to the detriment of the expected clarity. Nevertheless, the intensity of the collective performance, sprinkled with touches of humour inherent to the composer’s intent, offered beautiful moments of musical pleasure.

LISTEN TO THE INTERVIEW WITH CAMERON CROZMAN ABOUT THESE TRIOS AND THE HAUSMUSIQUE SERIES

Next came the ‘’pièce-de-résitance’’, the Clarinet Trio Op. 114, the first milestone in the so-called “Autumnal Brahms” period, the time of the last masterpieces initiated by his meeting with the clarinettist Richard Mühlfeld. Here, no effervescent bubbling. We are completely elsewhere. The long languorous lines, imbued with seasonal melancholy, certainly, but also with a soft and tender light, make us think, as James Campbell comments, of a chilly November that we protect ourselves from by drawing the curtains and snuggling by the fire with a comforting drink.

Very beautiful dialogues between the cello and the clarinet, Crozman and Campbell engaging in generous exchanges while respecting the spirit of the music. A great natural rapport is evident between these performers.

An inspiring moment of music, in the magic of a unique and enchanting place.

The next concert in the HausMusique series, and the last of the 25-26 season, will take place on June 2nd. On the program: Ravel and Debussy. Crozman and Milatz will be joined this time by the OSM’s solo violinist, Andrew Wan.

DETAILS AND TICKETS

We will talk to you again about HausMusique during the unveiling of the 26-27 season program. Stay tuned.

Indie Rock / Pop-Rock / Synth-Pop

POP Montréal 2026 : Towa Bird et Mother Soki au Bar Le Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Towa Bird

Lorsque Towa Bird a imaginé le titre éponyme de son deuxième album, Gentleman, la chanteuse, compositrice et guitariste de 27 ans a découvert une toute nouvelle façon d’appréhender le monde. Subversion assumée de l’archétype traditionnel, la vision du gentleman moderne proposée par l’artiste née à Hong Kong réinvente le terme comme un emblème de confiance queer : un subtil mélange de masculin et de féminin, caractérisé par une assurance décomplexée et une sensibilité désarmante. Dans une évolution audacieuse de son premier album acclamé, American Hero (un LP de 2024 qui a inspiré à Rolling Stone cette déclaration : « Towa Bird est la bombe rock dont nous avons besoin en ce moment »), Gentleman dévoile cette identité pleinement incarnée dans une série de chansons à la fois d’une assurance suprême et d’une tendresse résolue, marquant ainsi un passage profond de la découverte de soi à l’affirmation de soi.

When Towa Bird first dreamed up the title track for her sophomore album Gentleman, the 27-year-old singer/songwriter/guitarist unlocked an entirely new way of moving through the world. A knowing subversion of the old-world archetype, the Hong Kong-born artist’s take on the modern gentleman reimagines the term as an emblem of queer confidence: an exquisite blurring of masculine and feminine, defined by unapologetic swagger and disarming sensitivity. In a daring evolution of her acclaimed debut American Hero (a 2024 LP that inspired Rolling Stone to proclaim that “Towa Bird is the rock & roll firecracker we need right now”), Gentleman unveils that fully embodied identity in a suite of songs both supremely assured and resolutely tender—ultimately marking a profound shift from self-discovery to self-possession.

Mother Soki

Animée d’une forte fibre artistique, Mother Soki, musicienne originaire de Minneapolis, a traversé son adolescence et a découvert sa passion pour la production musicale lors de ses études à Chicago. Plongée dans tout ce qu’elle aime, elle a été attirée par les textures oniriques de la synthpop et la nostalgie sonore des années 80 et 90. Puisant son inspiration au quotidien dans son environnement, elle canalise sa créativité à travers des influences classiques : Prince, Joni Mitchell, Cocteau Twins et Madonna. Sa musique mêle des interprétations modernes de synthétiseurs vintage à des guitares puissantes et à une voix aérienne et ample, créant des contrastes inattendus qui, pourtant, fonctionnent à merveille. Mother Soki parvient à créer une harmonie parfaite entre l’inattendu et le naturel.

Carving her way through adolescence with a fierce artistic drive, Minneapolis-based musician Mother Soki discovered her passion for music production while attending college in Chicago. Immersed in everything she loves, she gravitated toward the dreamy textures of synth pop and the sonic nostalgia of the ‘80s & ’90s. Drawing daily inspiration from her surroundings, she channels her creativity through classic influences: Prince, Joni Mitchell, Cocteau Twins & Madonna. Her sound blends modern interpretations of vintage synths with heavy guitars and airy, spacious vocals—creating contrasts that shouldn’t work, but somehow do. Mother Soki makes the unexpected feel seamless.

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