OSM : Haydn et Chostakovitch – un saisissant contraste
by Rédaction PAN M 360
Haydn a joué un rôle fondamental dans l’évolution du quatuor à cordes, et dans son dernier Quatuor op. 77 no 2, il se livre à des expérimentations subtiles avec finesse et inventivité. Chostakovitch, quant à lui, revisite les formes classiques dans son Quintette, avec un langage très personnel et une grande intensité émotionnelle.
Haydn played a key role in the evolution of the string quartet, and his final Quartet Op. 77 No. 2 is full of subtle experimentation that is both inventive and elegant. Meanwhile, Shostakovich reinterprets classical forms in his Quintet, infusing it with his deeply personal language and profound emotional intensity.
Programme
Joseph Haydn, Quatuor à cordes, op. 77 no 2 (24 min) Dmitri Chostakovitch, Deux pièces pour quatuor à cordes : Adagio et Allegretto (8 min) Dmitri Chostakovitch, Quintette pour piano et cordes, op. 57 (34 min)
Program
Joseph Haydn, String Quartet, Op. 77, No. 2 (24 min) Dmitri Shostakovich, Two Pieces for String Quartet: Adagio and Allegretto (8 min) Dmitri Shostakovich, Quintet for Piano and Strings, Op. 57 (34 min)
Star Wars : A New Hope en concert à la salle Wilfrid-Pelletier
by Rédaction PAN M 360
Joignez-vous à l’Orchestre FILMharmonique pour un voyage intergalactique avec une représentation en ciné-concert de Star Wars: A New Hope. La partition emblématique du compositeur oscarisé John Williams sera interprétée en direct par 78 musiciens de l’Orchestre FILMharmonique sous la direction de Francis Choinière, tandis que le film remastérisé de 1977, sera projeté sur grand écran!
Join the FILMharmonique Orchestra on a journey to a galaxy far, far away and experience a live-to-projection performance of one of the most iconic films of all time: Star Wars: A New Hope – In Concert! The epic, Oscar®-winning score by John Williams will be performed live by 78 musicians of the FILMharmonique Orchestra under the baton of Francis Choiniere as the critically-acclaimed 1977 film plays on the big screen.
Gala Dynastie : La fin d’une ère au Théâtre Maisonneuve
by Rédaction PAN M 360
Le Gala Dynastie célèbre en 2026 une étape majeure de son histoire avec sa 10e édition. Depuis une décennie, il met en lumière l’excellence, le talent et les parcours inspirants des artistes, créateur·trices, et personnalités issues des communautés noires qui se distinguent dans les milieux des arts, de la culture et des médias. Véritable rendez-vous culturel et artistique, le Gala est reconnu pour la qualité de sa direction artistique, sa scénographie soignée et ses performances marquantes. Cette édition anniversaire promet une soirée exceptionnelle, ponctuée d’hommages d’envergure, de prix spéciaux, de prestations artistiques inédites et de moments forts empreints d’émotion et de célébration. Un événement phare qui souligne dix ans d’impact culturel et collectif.
The Gala Dynastie will mark a major milestone in its history in 2026 with its 10th edition. For the past decade, it has shone a spotlight on excellence, talent, and inspiring journeys of artists, creators, and leading figures from Black communities who stand out in the fields of arts, culture, and media. A true cultural and artistic landmark, the Gala is recognized for the quality of its artistic direction, its refined staging, and its powerful performances. This anniversary edition promises an exceptional evening, featuring major tributes, special awards, original artistic performances, and unforgettable moments filled with emotion and celebration. A flagship event celebrating ten years of cultural and collective impact.
Piano voix diapos c’est Dumas sans guitare, accompagné d’un pianiste et de diapositives. Dans une mise en scène minimaliste, il se raconte en chansons, revisitant 25 ans de répertoire, avec sensibilité et toujours cette volonté d’offrir une expérience inoubliable et lumineuse au public.
Piano voix diapos is a guitar less Dumas, accompanied by a pianist and a slideshow. In a minimalist set-up, he shares his story through songs, revisiting 25 years of his own repertoire with sensitivity and a constant desire to offer the audience an unforgettable and uplifting experience!
OM : Valses allemandes et Psaumes latins à la Maison symphonique
by Rédaction PAN M 360
Pour cette 10e édition de ses concerts Opus, le Chœur Métropolitain propose de grandes œuvres chorales de Stravinsky et Brahms, accompagnées par deux pianistes, Jennifer Bourdages et Louise Pelletier. Dans sa Symphonie des Psaumes très rythmée, Stravinsky puise son inspiration à la fois dans des sonorités byzantines, très orientales, et dans l’héritage musical de l’Occident latin et du chant grégorien. Les Liebeslieder-Walzer et les Neue Liebeslieder de Brahms sont quant à elles des œuvres typiquement romantiques, dans les deux sens du terme. En effet, ces chansons d’amour dont les textes sont inspirés d’airs folkloriques de différentes régions européennes sont mises en musique dans un style qui, bien qu’inspiré du roi de la valse autrichienne Johann Strauss, porte résolument la signature romantique de Brahms.
For the 10th edition of its Opus concert series, the Choeur Métropolitain presents great choral works by Stravinsky and Brahms, accompanied by two pianists, Jennifer Bourdages et Louise Pelletier. In his highly rhythmic Symphony of Psalms, Stravinsky drew inspiration from both the Eastern sounds of Byzantine music and the musical traditions of the Latin West, including Gregorian chant. Brahms’s Liebeslieder-Walzer and Neue Liebeslieder are romantic in every sense of the word. Drawing on texts inspired by European folk traditions, these love songs are composed in a style that, while influenced by the Austrian waltz king Johann Strauss, bears Brahms’s unmistakably Romantic signature.
Programme
Igor STRAVINSKY (1882-1971), Symphonie de psaumes
Johannes BRAHMS (1833-1897), Liebeslieder-Walzer, op. 52 Johannes BRAHMS (1833-1897), Neue Liebeslieder, op. 65
Program
Igor STRAVINSKY (1882-1971), Symphony of Psalms Johannes BRAHMS (1833-1897), Liebeslieder-Walzer, op. 52 Johannes BRAHMS (1833-1897), Neue Liebeslieder, op. 65
Stephanie Lake Company: Symbiosis of Strike and Movement
by Frédéric Cardin
Struck right in the solar plexus, that’s what awaited the spectators who came to see and hear Stephanie Lake’s choreography Manifesto at the Maisonneuve Theatre on Wednesday evening. And this from the very first second, with a thunderous first blow perfectly coordinated between the nine drums arranged in podium like scaling, at the back of the stage. We all jumped. The dancers too, by the way. But in their case, it was planned.
Just one blow, then, but of rare power. Silence. Another blow (but this one, we saw it coming). Silence again. And it continues like that for one or two minutes. The dancers react in a nanosecond, writhing for a brief moment to each sound slap, then freezing into all sorts of postures. The music (an exciting and visceral score by the noise artist and avant-gardist Robin Fox) builds up as it progresses, of course. It swells with textures and rhythms, which become powerful, very rock-like pulsations, or ethereal, evanescent, pointillist, abstract episodes. There is not just pounding in this writing, but also all sorts of extended and contemporary playing techniques, according to the needs.
And on that, the dancers react like a symbiotic organism, like a plethora of ultra-flexible and agile muscles, directly connected to the musical and expressive nerve, transmitted instantly through the sound impulse of the nine musicians. The coherence of the ensemble, the perfect coordination among all these people is remarkable. The effect is memorable. We are captivated, excited, and an hour passes like ten minutes.
The brilliant intuition of choreographer Stephanie Lake is that she did not limit the gestural action to a mere mimicry of the sonic action. Yes, the dancers closely follow the rhythms and sound dynamics of the nine drums, but it is in the “undulating” quality of the gestures, both individual and collective, that one perceives a construction in complementarity of the two expressive entities, music and dance. The percussive nature of the music is therefore compensated by the incessant fluidity of the movements. Each gesture of each dancer is connected to the next like in a natural organic sequence. Each movement metamorphoses into the next and so on. This is true both on an individual and collective level. The mechanical nature of the score, although sometimes fragmented, flourishes in a contrapuntal balance with the fluid, wave-like nature of the choreography. A very well-balanced architecture between what our ears hear and what our eyes see.
Noteworthy, as a visual treat, is the understated staging concerning the decor (large fuchsia curtains at the back of the stage, the arrangement of the nine drums in a podium format) and the very dynamic lighting design. Very impressive, for example, was the episode where the drummers exchanged blows one by one, instantly followed by each being spotlighted solo, and this for several minutes. It stays etched in our memory.
Stephanie Lake had given us a colossal… Colossus a few years ago. This Manifesto is another great artistic and expressive success of the Canadian-Australian artist who, by the way, is building a reputation as a favourite of the Montreal audience. You won’t hear me complain about it.
Stephanie Lake Company Manifesto 1er avril 2026 – Montréal Cr.: Wendell TeodoroStephanie Lake Company Manifesto 1er avril 2026 – Montréal Cr.: Roy VanderVegtStephanie Lake Company Manifesto 1er avril 2026 – Montréal Cr.: Roy VanderVegtStephanie Lake Company Manifesto 1er avril 2026 – Montréal Cr.: Roy VanderVegtStephanie Lake Company Manifesto 1er avril 2026 – Montréal Cr.: Roy VanderVegt
Kimi Djabaté is a singer, multi-instrumentalist, and composer from Guinea-Bissau whose music weaves a vibrant connection between the griot traditions of West Africa and contemporary influences. Born in the village of Tabato into a renowned family of jeli musicians, he grew up to the rhythm of the balafon and the kora before expanding his universe to include the guitar and percussion.
This profound cultural heritage nourishes a musical expression that is both authentic and universal, imbued with emotion and spirituality. At nineteen, he began international tours with the National Ensemble of Music and Dance of Guinea-Bissau, then settled in Lisbon, where he became a major figure on the Afro-Portuguese scene. Throughout his career, he collaborated with artists such as Mory Kanté, Waldemar Bastos, Netos de Gumbé, and Madonna.
His repertoire blends gumbé, afrobeat, morna, blues, and folk to explore themes of freedom, resilience, and human connection. On stage, Kimi Djabaté exudes a warm and generous presence, captivating the audience with his groove, expressive voice, and sense of sharing.
Ce nouveau spectacle de Michel Fugain vous réjouira! Depuis plus de 50 ans, Michel Fugain nous fait voyager dans le monde de demain, celui du Big Bazar et celui de tous ses grands classiques d’hier et d’aujourd’hui. Le chanteur et compositeur français chante « La vie, l’amour, etc. » Attention, mesdames et messieurs, préparez-vous pour UNE belle histoire. C’est la fête avec le retour de Michel Fugain!
This new show by Michel Fugain will delight you! For over 50 years, Michel Fugain has taken us on a journey into the world of tomorrow, through the Big Bazar and all his timeless classics of yesterday and today. The French singer and songwriter performs Life, Love, etc.. Ladies and gentlemen, get ready for ONE beautiful story. It’s a celebration with the return of Michel Fugain!
Syli d’Or : Modeline Raymond (MORAY) & Breanna Karolly au Balattou
by Rédaction PAN M 360
La passion de Modeline Raymond pour la musique commence très tôt puisque dès l’âge de 5 ans, elle chantait des refrains, inspirée par les chansons qu’elle entendait à la télévision. Baignée de musique, elle compose sa première chanson à 18 ans, déclenchant ainsi une véritable passion et se servant de cet art pour surmonter sa timidité. Originaire d’Haïti, nationalité canadienne, Modeline Raymond (Moray) se distingue par sa détermination inébranlable et son authenticité artistique. Sa capacité à mélanger différents styles musicaux tout en restant fidèle à elle-même est l’une de ses grandes forces. Modeline met son amour pour la musique au service de messages forts, notamment pour les femmes de son pays. Elle incarne la persévérance, la passion et l’espoir, inspirant à la fois ses pairs et ses auditeurs. Sa musique transcende les barrières culturelles, en racontant des histoires universelles et en mettant en lumière des thématiques comme l’amour, la résilience et l’émancipation des femmes. Modeline prépare actuellement la sortie de son premier album Auréole, au courant de l’année 2026. Breanna Karolly cumule plus de quinze ans d’expérience scénique, apportant à chaque performance un mélange vibrant d’émotion, de charisme et d’énergie communicative. Née dans le sud du Brésil, elle débute sa carrière dans les soirées country de Curitiba et au sein de groupes de musique traditionnelle, où elle séduit rapidement le public par sa présence magnétique et sa polyvalence vocale. Artiste aguerrie, Breanna a foulé les chars allégoriques des carnavals brésiliens, interprétant des rythmes entraînants devant des foules de plus de 300 000 personnes. Ces expériences grandioses ont forgé sa maîtrise de la scène et sa capacité naturelle à établir une connexion sincère avec son public. Interprète polyvalente, elle explore avec aisance les différents styles de la musique brésilienne — de la bossa nova à la samba, en passant par sa grande passion : le sertanejo, le country brésilien. Inspirée par Marília Mendonça, Bruno & Marrone et Shania Twain, elle transmet la chaleur et la joie de la culture brésilienne à travers sa voix et son énergie solaire. Installée à Montréal depuis dix ans, Breanna Karolly poursuit son parcours artistique avec authenticité, contribuant au rayonnement de la culture brésilienne au Québec à travers des concerts, festivals et événements multiculturels.
Modeline Raymond’s passion for music began at an early age — by the time she was five, she was already singing along to the songs she heard on television. Immersed in music, she wrote her first song at eighteen, sparking a lifelong passion and using this art form as a way to overcome her shyness. Originally from Haiti and now a Canadian citizen, Modeline Raymond (Moray) stands out for her unwavering determination and artistic authenticity. Her ability to blend different musical styles while staying true to herself is one of her greatest strengths. Through her music, she delivers powerful messages of empowerment, especially for the women of her homeland. Modeline embodies perseverance, passion, and hope, inspiring both her peers and listeners. Her music transcends cultural boundaries, telling universal stories and exploring themes such as love, resilience, and women’s emancipation. She is currently preparing for the release of her debut album, Auréole, set to come out in 2026. With over 15 years of stage experience, Breanna Karolly brings to every performance a vibrant blend of emotion, charisma, and contagious energy. Born in southern Brazil, she began her career performing at country music events in Curitiba and with traditional music groups, quickly captivating audiences with her magnetic presence and versatile voice. A seasoned performer, Breanna has graced the floats of Brazilian carnivals, delivering high-energy performances before crowds of more than 300,000 people. These experiences honed her strong stage presence and her natural ability to connect deeply with audiences. A versatile artist, she embraces many styles of Brazilian music — from bossa nova and samba to her greatest passion, sertanejo, the Brazilian country genre. Inspired by Marília Mendonça, Bruno & Marrone, and Shania Twain, she shares the warmth and joy of Brazilian culture through her voice and radiant stage energy. Based in Montreal for the past ten years, Breanna Karolly continues to pursue her artistic journey with authenticity, helping to promote Brazilian culture across Quebec through concerts, festivals, and multicultural events.
CE SPECTACLE EST GRATUIT!
Ce contenu provient du Club Balattouet est adapté par PAN M 360
Gala du XXIIe Festival de l’AOJQ au Théâtre Maisonneuve
by Rédaction PAN M 360
Le XXIIe Festival de l’Association des orchestres de jeunes du Québec rassemblera pour cette édition 2026 huit orchestres sous la direction de trois chefs réputés : Andrei Feher, Adam Johnson et Simon Rivard. L’AOJQ regroupe les orchestres de jeunes du Québec pour promouvoir la musique et favoriser les échanges entre les jeunes.
The Association des orchestres de jeunes du Québec XXIInd Festival of 2026 will feature eight orchestras conducted by three renowned conductors: Andrei Feher, Adam Johnson and Simon Rivard. The AOJQ unites youth orchestras from across Quebec to promote music and encourage exchanges between young people.
Expérimentez les grooves hypnotiques du trio Ponteix et l’acoustique folk délicate de Willows dans une soirée tout en beauté et en dualité. Originaire du cœur des prairies canadiennes, Ponteix distille ses grooves hypnotiques où se rencontrent psyché-pop-électronique, R&B et indie rock. Sur scène, le projet fransaskois – mené par Mario Lepage se présentera en duo pour livrer une expérience exaltante, portée par des textes ancrés dans ses racines. Lancé en février 2025, l’album Le canadien errant, coréalisé avec Louis-Jean Cormier, explore l’entre-deux culturel entre Québec et Saskatchewan. Depuis 2016, Ponteix brille ici et en Europe, récoltant nominations et distinctions, dont le prix Artiste francophone de l’année aux Western Canadian Music Awards 2025. Entre textures électroniques luxuriantes et mélodies empreintes de nostalgie, sa musique transcende les langues avec une énergie contagieuse. Willows interprétera son nouvel album Maison vent, l’histoire universelle d’une personne écartelée entre deux cultures. Cette collection de chansons personnelles parle des femmes : celles de sa vie, celles qui l’ont précédée ainsi que son expérience en tant que Métisse de la rivière Rouge d’origine franco-manitobaine, maintenant résidente de Montréal. Majoritairement en français avec un peu d’anglais et de Michif, les chansons évoquent le vent, la terre, les lacs, les rivières, les grands espaces et la route. Willows – avec son délicat mélange de folk, d’instruments acoustiques et d’harmonies vocales a remporté le prix Meilleur Album de l’Ouest canadien au Gala Trille Or, en plus d’obtenir des nominations au Gala alternatif de la musique indépendante du Québec (GAMIQ) dans la catégorie Meilleur album folk (Willows/Willows) et aux Canadian Folk Music Awards dans la catégorie Autrice-compositrice autochtone de l’année 2024.
Explore the hypnotic grooves of the trio Ponteix and the delicate acoustic folk of Willows at an evening of beauty and dualities. Hailing from the heart of the Canadian prairies, Ponteix distills hypnotic grooves that blend electronic-psychedelic pop, R&B, and indie rock. On stage, the Fransaskois project, led by Mario Lepage, will perform as a duo, delivering an electrifying experience driven by lyrics deeply rooted in its heritage. Released in February 2025, the album Le canadien errant, co-produced with Louis-Jean Cormier, explores the cultural divide between Quebec and Saskatchewan. Since 2016, Ponteix has enjoyed success both here and in Europe, garnering nominations and awards, including Francophone Artist of the Year at the 2025 Western Canadian Music Awards. Between lush electronic textures and melodies imbued with nostalgia, Ponteix’s music transcends language with an infectious energy. Willows will perform her new album, Maison vent, the universal story of a person torn between two cultures. This collection of personal songs speaks of women—those in her life and those who came before her—, as well as her experience as a Red River Métis woman of Franco-Manitoban origin, now living in Montreal. Primarily in French with touches of English and Michif, the songs evoke the wind, the land, lakes, rivers, wide-open spaces, and the road. Willows’ delicate blend of folk, acoustic instruments, and vocal harmonies earned her the Trille Or Award for Best Western Canadian Album, nominations at the GAMIQ Awards for Best Folk Album (Willows/Willows), and a nomination at the Canadian Folk Music Awards for Indigenous Songwriter of the Year 2024. After the show, stay around for a special chat with the artists.
Pianiste franco-haïtienne engagée, Célimène Daudet est reconnue par le public et la presse à travers le monde. Elle a remporté plusieurs prix prestigieux dont le Prix international Pro Musicis à Paris. Pour sa deuxième venue à la Salle Bourgie, elle démontre comment d’illustres compositeurs dialoguent et se rendent hommage à travers les époques. Schubert invite au temps suspendu, à la plénitude d’une mort consolatrice. Cette ode à l’immortalité trouve une résonance dans la musique hypnotique de Mompou. Le programme se conclut ensuite avec la poésie et l’authenticité des Mazurkas de Chopin.
The artistry and dedication of Franco-Haitian pianist Célimène Daudet have earned public and critical acclaim worldwide. She is the recipient of numerous prizes, including Paris’ Pro Musicis International Award, and this recital marks her second appearance at Bourgie Hall. The programme reveals how great composers have influenced and paid tribute to each other through the ages. Time stops in Schubert’s music, evoking the consolation and wholeness found in death, and this ode to immortality is echoed by the hypnotic music of Federico Mompou. Chopin’s Mazurkas end the concert on an evocative and authentic note.
Programme
SCHUBERT Impromptu en do mineur, D. 899 no 1 LISZT 12 lieder de Franz Schubert, S. 558 : IX. « Ständchen » 6 chants polonais, S. 480 (d’après l’opus 74 de Chopin) MOMPOU Préludes nos 1 et 7 El pont de Montjuïc Variations sur un thème de Chopin CHOPIN Mazurkas, op. 63 nos 2 et 3
Program
SCHUBERT Impromptu in C minor, D. 899, No. 1 LISZT Twelve Songs by Franz Schubert, S. 558: IX. “Ständchen” Six Polish Songs, S. 480 (after Chopin’s Op. 74) MOMPOU Preludes, Nos. 1 and 7 El pont de Montjuïc Variations sur un thème de Chopin CHOPIN Mazurkas, Op. 63, Nos. 2 and 3
Ce contenu provientde la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360
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