OSM : Voyage musical avec Joseph Tawadros

by Rédaction PAN M 360

Après un accueil triomphal lors du concert d’été de la Virée classique 2024, le talentueux oudiste Joseph Tawadros fait son grand retour à l’OSM pour deux concerts exceptionnels. Il interprétera une œuvre vibrante inspirée des maqams, modes mélodiques du Moyen-Orient, offrant une expérience musicale riche en couleurs et en énergie. Cette pièce explosive se mêle parfaitement à l’intensité rythmique de la Symphonie n° 7 de Beethoven et promet une soirée unique au rythme effervescent.

Following his enthusiastic reception at the 2024 Virée classique summer concert, the talented oud player Joseph Tawadros makes his grand return to the OSM for two extraordinary concerts. He will be performing a dynamic piece inspired by the melodic modes of the Middle East, known as maqams, offering a vibrant and energetic musical experience. This powerful composition pairs seamlessly with the rhythmic drive of Beethoven’s Symphony No. 7, promising an evening filled with electrifying rhythms.

Programme

Maurice Ravel, Shéhérazade, Ouverture de féerie
Joseph Tawadros, Concerto for oud (25 min) (orch. Jessica Wells)
Ludwig van Beethoven, Symphonie no 7, op. 92 (36 min)

Program

Maurice Ravel, Shéhérazade, ouverture de féerie  (14 min)
Joseph Tawadros, Concerto for Oud (25 min) (orch. Jessica Wells)
Ludwig van Beethoven, Symphony No. 7, Op. 92 (36 min)

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classique

Thus Spoke the Trombone and the Cello

by Alexis Desrosiers-Michaud

This week at the OSM, there is not one, but two concertos, with two house soloists: trombonist James Box in Samy Moussa’s Concerto “Yericho” and cellist Brian Manker in Ernest Bloch’s Schelomo: Hebrew Rhapsody.

Moussa’s concerto takes its name from the city of Jericho, which, according to the biblical story, was surrounded by Israel before falling within a week. It is an intense work from beginning to end, which gives its performer no rest. Strongly inspired by minimalist music and the presence of an organ, the terror is felt from the first minutes of the work, with a motif of two descending notes (the opposite of Jaws) repeated many times sounding the alarm, and the soloist will be the last to play it. What follows is a series of virtuoso sequences for both orchestra and soloist, leading to climaxes reminiscent of Shostakovich with abundant percussion and strings in the extreme treble, in particular. James Box delivered an exceptional performance combining his powerful, wide-ranging register and flawless coordination. Yericho will keep the audience on the edge of their seats until the very end, who will jump to their feet to congratulate the orchestra, soloist and composer.

Brian Manker would later distinguish himself in a completely different way. As King Solomon, his musical proclamations and phrasing are impeccable, so much so that the massive orchestra behind him never overwhelms him. Like his colleague, his technique is tested, but, like a king, Manker never falters. Like Yericho, Schelomo is a seamless and more fluid work. The musicians play the role of the faithful wonderfully, chanting wildly whenever the king falls silent.

While there is a clear religious connection between the two concertos, the comparison ends there. This is partly because neither Richard Strauss nor Friedrich Nietzsche were Jewish, and partly because the opening of the concert was from the opera Tannhaüser by Richard Wagner, a notorious anti-Semite. This version was very successful, thanks to the accuracy of the woodwinds and the dexterity of the strings, but also to the majestic sound of the brass in the final theme.

The pièce de résistance of this long concert was Richard Strauss’s symphonic poem Also sprach Zarathustra. While the first minute may be well-known, one still has to be able to face the remaining 32, especially after an hour and a half of concert. The endurance test was met with flying colors. One might have expected a slackening of power and precision, especially from the overused horns and strings, but this did not happen. This (another) technically very demanding score gave us the right to very well-balanced contrasts between the woodwinds in the background and the solo violins, as well as interventions from scattered soloists on the lookout. The waltz was played with verve, before plunging back into the abysmal sweetness to which Rafael Payare has accustomed us since his arrival.

classique / jeunesse

OSM : Des bonbons ou un sort !

by Rédaction PAN M 360

Pensez-vous que la Maison symphonique puisse abriter des monstres et des vampires? Ou que la baguette de la cheffe d’orchestre soit capable de jeter des sorts? Bien sûr que non ! À moins que…la musique ait des pouvoirs magiques… Pour en avoir le cœur net, revêtez votre déguisement et préparez-vous à être transporté dans des mondes imaginaires où des créatures mystérieuses vous raconteront de drôles d’histoires. Vous laisserez vous ensorceler?

Have you ever wondered if the Maison Symphonique is haunted by monsters and vampires? Could a conductor’s baton double as a magic wand? What if music truly held magical powers? To find out, dress up in your best costume and step into a world of imagination, where you’ll hear strange tales told by mysterious creatures. Let the magic of music sweep you away!

Programme

Œuvres de Saint-Saëns, Goulet, Grieg, etc.

Program

Works by Saint-Saëns, Goulet, Grieg, etc.

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West African traditional music

Festival du monde Arabe : Le balafon, voix des terres maliennes à l’Espace culturel Kawalees

by Rédaction PAN M 360

Et si chaque note pouvait raconter une histoire ancienne, tissée de cérémonies et de danses traditionnelles ? C’est ce que nous offre le balafon, instrument emblématique des percussions maliennes, dont les résonances boisées et rythmées éveillent l’âme et le corps. Entre calebasse et tambours, le balafon est une voix qui traverse le temps, des villages maliens aux scènes contemporaines du monde entier.
C’est à la découverte de ce patrimoine sonore vivant que nous convie le musicien montréalais d’origine malienne Adama Daou. Artiste passionné et pédagogue engagé, il partage avec nous son univers fait de rythmes et de mélodies, né de son enfance au cœur des cérémonies traditionnelles. À travers cette rencontre unique, Adama révèle les secrets du balafon, mêlant récit historique, démonstrations musicales et dialogues avec d’autres percussions africaines.

Each note of the balafon carries within it the echo of ancestral memory, inscribed in the fabric of ceremonies and traditional dances. As one of the most emblematic instruments of Malian percussion, its resonant and woody timbre awakens both body and spirit, forging a sonic continuum that extends from village rituals to the stages of contemporary global performance.
Montreal-based Malian musician Adama Daou invites us to explore this living heritage. Both a passionate artist and a committed pedagogue, Daou situates his musical practice within the cultural landscapes of his childhood, where the balafon was inseparable from the rhythm of communal life. This encounter offers not only an immersion in the history and symbolism of the instrument, but also a performative dialogue in which musical demonstrations intersect with other African percussive traditions.
Through this presentation, the balafon emerges as more than a musical object: it is a vehicle of transmission, a voice of memory, and a bridge between past and present.

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classique / période romantique

OSM : L’île des morts à l’OSM

by Rédaction PAN M 360

Pour cette nuit d’Halloween, plongez dans l’atmosphère irréelle de L’Île des Morts de Rachmaninov, avec la projection du film de van Woerkum où fantastique et angoisse s’entrelacent. La virtuosité débridée de l’œuvre de Liszt, Totentanz ou Danse macabre, interprétée par Goodwin Friesen, lauréat du Concours OSM 2022, ajoutera une touche de brillance effrayante, illustrant la lutte entre la vie et la mort. Une soirée de frissons et de mystère, suivie de festivités à la Maison symphonique.

To celebrate Halloween, step into the surreal atmosphere of Rachmaninoff’s Isle of the Dead, accompanied by van Woerkum’s film of the same name, where the realms of fantasy and fear intertwine. The wild virtuosity of Liszt’s Totentanz (Dance of the Dead), performed by Goodwin Friesen, winner of the 2022 OSM Competition, captures the chilling battle between life and death. Prepare for an evening of spine-tingling mystery and excitement, capped off with festivities at the Maison Symphonique.

Programme

Franz Liszt, Totentanz, S.126 (17 min)
Sergei Rachmaninov, L’Île des Morts (20 min) avec projection

Program

Franz Liszt, Totentanz, S. 126 (17 min)
Sergei Rachmaninoff, Isle of the Dead (20 min) with screening

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arabo-andalou / Traditional

Festival du monde Arabe : Lamia Aït Amara au National

by Rédaction PAN M 360

Le temps d’une soirée, la voix de l’exceptionnelle Lamia Aït Amara devient à la fois mémoire et avenir. Elle fait résonner la puissance discrète des femmes qui, depuis des générations, tissent la trame invisible de ce patrimoine et renouent l’époque aux traditions séculaires. Artiste passionnée et visionnaire, elle œuvre avec ferveur pour donner aux femmes la place qui leur revient dans la sauvegarde et la transmission du patrimoine arabo-andalou.
De son Alger natal aux plus grandes scènes, Lamia Aït Amara ne se contente pas de chanter l’Andalousie, elle en incarne l’âme et l’immortalité. Bercée depuis son plus jeune âge par les mélodies envoûtantes de cette musique ancestrale au sein de cercles prestigieux, cette artiste porte en elle la sagesse des maîtres qu’elle chérit, mais elle y ajoute sa propre magie, une voix d’or qui transforme chaque chanson en une confidence intime, en une émotion pure.
À travers ses recherches et ses créations novatrices, cette ambassadrice du patrimoine musical algérien fait rayonner les richesses de la nouba, du hawzi et du malhoun. Son art allie authenticité et innovation, faisant d’elle une figure incontournable de la scène musicale algérienne et maghrébine.

For one special evening, the exceptional voice of Lamia Aït Amara rekindles ancestral memories and sparks hope for the future. Amara unfurls the subtle power of women—figures who have woven the invisible fabric of their heritage for generations, working tirelessly to reconnect the present day with ancient traditions. A passionate and visionary artist, Amara boldly asserts the role of women as guardians and transmitters of Arab-Andalusian heritage.
From her native Algiers to the world’s biggest stages, Lamia Aït Amara continues to channel the voice of Andalusia, embodying its soul and immortal beauty. Immersed from a young age in the enchanting melodies of this ancestral music, she transmits the wisdom of her prestigious mentors while adding her own touch of magic: a golden voice that transforms each song into an intimate confession steeped in breathtaking emotion.
Through her tireless research and innovative compositions, this ambassador of Algerian music shares the richness of the nouba, hawzi, and malhoun. Amara’s authentic and innovative artistry has earned her a prominent place on the Algerian and Maghrebi music scene.

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cinéma / classique

OSM : Le fantôme de l’opéra

by Rédaction PAN M 360

À 100 ans, Le fantôme de l’opéra n’a pas pris une ride! Redécouvrez ce chef-d’œuvre du cinéma fantastique de 1925 illustré musicalement par l’organiste Jason Roberts. Le Fantôme errant dans les coulisses d’un opéra parisien, est un prodige musical défiguré, fasciné par la musique et obsédé par une artiste. Ce mystérieux personnage incarne à la fois le génie incompris et la marginalisation. Un ciné-concert saisissant où suspense, puissance et improvisation à l’orgue se rencontrent!

The Phantom of the Opera is still captivating audiences a century later! Experience this 1925 fantasy film classic like never before, with musical accompaniment by organist Jason Roberts. Haunting the depths of a Parisian opera house, the disfigured phantom—both a musical genius and a tragic outcast—is consumed by his obsession with music and a particular singer. This thrilling film concert blends drama and suspense with masterful organ improvisation for an unforgettable cinematic experience.

Programme

Le fantôme de l’opéra, 1925 (114 min) avec projection

Program

The Phantom of the Opera, 1925 (114 min) with screening

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Arabic / classique persan / Flamenco

Festival du monde Arabe : Olé Persia au National

by Rédaction PAN M 360

Un souffle nouveau inaugure le 26e FMA : Olé Persia, une rencontre singulière entre flamenco, musique arabe et musique persane. Trois traditions millénaires se répondent dans un dialogue envoûtant, révélant la profondeur de leurs racines communes.
Cette création propose un langage hybride où les sonorités se font tour à tour fragiles et puissantes, anciennes et toujours renouvelées. Distinctes mais profondément liées, l’étreinte des trois mondes nous replonge dans le temps des grandes migrations musicales, lorsque les subtilités arabes et persanes ont nourri le cœur du chant andalou. Passion et émotion intense circulent librement, reléguant la géopolitique au profit de la géoculture et invitant le public à plonger dans un univers sans limites.
Sur scène, sous la direction musicale de Saeed Kamjoo, la voix envoûtante de Mina Deris, en arabe et en persan, répond à l’ardeur flamenca de Fernando Gallego. La danse magnétique de Shahrokh Moshkin Ghalam se mêle à la fougue des zapateados de Rosanne Dion. Ils sont rejoints par le maître des percussions persanes Pejman Hadadi, le polyinstrumentiste Behfar Bahadoran au târ et au tanbur, ainsi que les virtuoses Caroline Planté à la guitare et Abboud Kayyali au oud.
Sur les cendres du temps, les artistes tissent la promesse d’un monde réconcilié, où les pas de la danse portent les rêves de ceux qui écoutent. Le public, suspendu à l’éclat des voix et des cordes, devient témoin d’une traversée où chaque battement célèbre la beauté de l’altérité. Alors, dans la lumière naissante de l’aube, Olé Persia se révèle comme une mosaïque vivante qui s’étend bien au-delà des scènes et des peuples.

The 26th Arab World Festival of Montréal opens with a thrilling new show: Olé Persia, a unique encounter between the art of flamenco and the worlds of Arabic and Persian music. Three millennia-old traditions come together in a mesmerizing dialogue to reveal the depth of their shared roots.
This brand-new show speaks a hybrid language whose sounds shift between fragility and power, between the ancient and the modern. The merging of these three art forms—distinct yet deeply intertwined—will transport audiences back to a time of continent-wide musical migrations, when the refined subtleties of Arab and Persian traditions nourished the heart of Andalusian song. Passion will ignite and emotion will flow freely, brushing aside geopolitics to embrace geoculture, and transporting the audience to a world without borders.
Under the musical direction of Saeed Kamjoo, Mina Deris’s spellbinding Arabic and Persian vocals will unite with the flamenco fervour of Fernando Gallego. At the same time, the magnetic dancing of Shahrokh Moshkin Ghalam merges with the fiery zapateados of Rosanne Dion. They will be joined by Persian percussion master Pejman Hadadi and multi-instrumentalist Behfar Bahadoran on târ and tanbur, as well as the virtuosic Caroline Planté on guitar and Abboud Kayyali on oud.
In the ashes of time, these artists will plant seeds of reconciliation, each gesture blooming like the dreams of those who deign to listen. A whirlwind of voices and strings will carry you away on a journey where every heartbeat pulses with the beauty of the Other. And in the light of a new dawn, Olé Persia will be revealed: a vast, living mosaic reaching beyond concert halls and across nations.

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Electro-Pop / New Wave / Post-Punk

IAMX au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Membre fondateur de Sneaker Pimps, Chris Corner a commencé à se produire sous l’alias électro-pop sombre IAMX en 2004. Inspiré par l’album Becoming X de Sneaker Pimps, Corner est ainsi devenu « X », une variable en constante évolution selon ses propres mots. Adoptant les sonorités de la synth-pop et de la new wave à la manière de New Order, The Cure et Depeche Mode, tout en y ajoutant une dimension plus théâtrale, son travail en tant qu’IAMX marque une rupture notable avec son passé au sein de Sneaker Pimps. Passant du synth-rock percutant de son premier album Kiss + Swallow (2004) aux influences cabaret noir de Kingdom of Welcome Addiction (2009), IAMX explore des territoires plus industriels avec Metanoia (2015), suivi d’albums plus expérimentaux comme Unfall (2017) et Machinate (2021).

Sneaker Pimps founding member Chris Corner began performing as the dark electro-pop persona IAMX in 2004. Named after the Sneaker Pimps album Becoming X, Corner had effectively become “X,” which he described as an ever-changing variable. Adopting the characteristics of synth pop and new wave acts like New Order, the Cure, and Depeche Mode and adding a greater sense of theatricality, Corner’s work as IAMX represented a notable departure from his work with the Sneaker Pimps. Moving from the pounding synth-rock of 2004 debut Kiss + Swallow, albums such as 2009’s Kingdom of Welcome Addiction incorporated elements of dark cabaret. 2015’s Metanoia, a heavy electro-industrial effort, was followed by more experimental releases like Unfall (2017) and Machinate (2021).

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Musical Theatre

Le Vivier : Chants Libres – Fantôme de Roy à l’Église Sacré-Coeur-de-Jésus

by Rédaction PAN M 360

Chants Libres présente Fantôme de Roy, un théâtre musical envoûtant sur le conflit légendaire entre le roi Henri II Plantagenêt et son chancelier Thomas Becket. Entre colère sacrée et pouvoir royal, cette œuvre explore les ravages de la fureur dans une fresque dramatique tissée de textes médiévaux et contemporains. Porté par une musique audacieuse mêlant grandes orgues, guitare électrique, électroacoustique, chœur et voix solistes, Fantôme de Roy propose un univers sonore saisissant, à la croisée des temps et des tensions humaines.

Chants Libres presents Fantôme de Roy, a spellbinding music theatre piece on the legendary conflict between King Henry II Plantagenet and his chancellor Thomas Becket. Between sacred wrath and royal power, the work delves into the devastation of fury through a dramatic tapestry woven from both medieval and contemporary texts. Driven by bold music that brings together grand organ, electric guitar, electroacoustics, choir, and solo voices, Fantôme de Roy unfolds a striking sonic universe at the crossroads of time and human tensions.

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Contemporary / Création / saxophone

Quatuor Quasar : Cinq pièces liquides à la salle Paul-Desmarais

by Rédaction PAN M 360

Quasar propose un programme qui marie les musiques contemporaines aux œuvres de création, avec 5 œuvres qui gravitent de près ou de loin autour de l’univers musical du compositeur québécois Claude Vivier.
Le concert s’intéresse d’une part aux cercles rapprochés de Claude Vivier, avec l’œuvre d’un de ses maîtres en composition à Paris, Paul Méfano. On découvre ensuite son influence sur les compositrices et compositeurs d’aujourd’hui avec Bestiaire d’Émilie Girard-Charest, ainsi que 2 œuvres commandées spécialement pour ce projet : L’instant liquide de Florence M. Tremblay et Cinq pièces liquides de Yassen Vodenitcharov. En ouverture, redécouvrez l’œuvre phare de Claude Vivier, Pulau Dewata, que le quatuor ne cesse de jouer et de parfaire depuis près de 30 ans, dans un hommage toujours renouvelé à ce grand compositeur.

Quasar presents a program that blends contemporary music with original works, featuring five pieces that orbit—closely or distantly—around the musical universe of Quebec composer Claude Vivier.
The concert explores Vivier’s inner circle, beginning with a work by one of his composition mentors in Paris, Paul Méfano. It then traces Vivier’s influence on today’s composers through Bestiaire by Émilie Girard-Charest, as well as two works specially commissioned for the project: L’instant liquide by Florence M. Tremblay and Cinq pièces liquides by Yassen Vodenitcharov. The program opens with Claude Vivier’s iconic work Pulau Dewata, which the quartet has performed and refined for nearly 30 years—a continually renewed tribute to this remarkable composer.

Programme/program

Yassen Vodenitcharov – Cinq pièces liquides
Claude Vivier – Pulau Dewata
Florence M. Tremblay – L’instant liquide
Paul Méfano – Mouvement calme
Émilie Girard-Charest – Bestiaire

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classique

Mahler’s Ninth by the OSM: Farewell to a Futile and Frantic World

by Judith Hamel

On Wednesday evening, Rafael Payare conducted the Montreal Symphony Orchestra in the continuation of the Mahler cycle, this time with the composer’s final completed symphony, the Ninth. A highly demanding work that reflects the consciousness of a man who knows his end is near and is bidding farewell to the world.

At the time of composing the work, Mahler knew he had been diagnosed with heart valve disease and was haunted by the recent death of his daughter. Fearing the bad luck associated with ninth symphonies (Beethoven, Schubert), Mahler had avoided numbering his previous symphonic work, but in vain: this Ninth would indeed be the last symphony he would complete.

Payare offers us a reading that is quite different from the classic interpretations marked by great dramatic tension that we associate with Mahler, right from the first movement.

In this first farewell to life, lasting around thirty minutes, it is difficult to find a clear guiding principle to hold on to. Payare’s direction evokes less the gravity of this imminent end than the vertigo of our existence in our modern era, where everything moves at high speed and everything is ephemeral. In fact, his proposal has something profoundly contemporary about it: that of a frantic, saturated world where futility takes hold.

The second movement, a Ländler, opens with a section of tightly knit bassoons and a section of rough strings. Here, Payare opts for rusticity and fully embraces the woody, earthy character. The intoxicating circularity of the rhythm, the warm cooing of the French horns, and the wavering pace of the waltz create a country atmosphere that is both joyful and melancholic. It is a farewell to the simple pleasures of life.

The Rondo-Burleske is delightfully sarcastic. It is a whirlwind of sound, a celebration that descends into frenzy. Each section of the orchestra shines with its density and energy, contributing to this brilliant and chaotic orchestral extravaganza. A gargantuan celebration, carried by a deliberately pompous ending, unapologetically ironic.

The final Adagio presents the acceptance of leaving this world. Payare’s subtlety serves this movement well. He deploys a more sober and internalized gesture, adapted to the delicacy of this last movement. Little by little, he allows the sounds to breathe, until the fear of death fades away. In this long farewell that closes this great symphony, silence becomes the last and most eloquent of notes.

A few seconds of silence were observed at the end of the symphony. This silence filled the space, imposing itself loudly. It was followed by a heartfelt ovation.

Photo Credit: Gabriel Fournier