Montréal

Alternative / Indie

Sunset Rubdown + Sister Ray à la Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Sunset Rubdown

Il y a vingt ans, Spencer Krug a commencé à utiliser le nom de Sunset Rubdown pour ses enregistrements en chambre solo, des expériences trop lo-fi et étranges pour ce qui allait devenir Wolf Parade, mais en 2006, Sunset Rubdown était devenu un groupe complet, avec les membres principaux Michael Doerksen, Jordan Robson-Cramer et Camilla Wynne rejoignent Krug sur scène et en studio. En 2009, le groupe avait sorti trois albums acclamés par la critique, Shut Up I Am Dreaming, Random Spirit Lover et (avec l’ajout de Mark Nicol à la basse) Dragon Slayer. Sunset Rubdown a fait de nombreuses tournées à travers l’Amérique du Nord, l’Europe et le Japon, avant de se séparer discrètement après leur dernier spectacle à Tokyo, fin 2009, avant de se réunir en 2023.

Twenty years ago Spencer Krug began using the name Sunset Rubdown for his solo bedroom recordings, experiments too low-fi and odd for what was then a blossoming Wolf Parade, but by 2006 Sunset Rubdown had evolved into a full band, with core members Michael Doerksen, Jordan Robson-Cramer, and Camilla Wynne joining Krug on the stage and in the studio. By 2009 the band had released three critically acclaimed albums, Shut Up I Am Dreaming, Random Spirit Lover, and (with the addition of Mark Nicol on bass) Dragon Slayer. Sunset Rubdown toured extensively across North America, Europe, and Japan, before quietly disbanding after their final show in Tokyo, late 2009, and then reuniting to take the stage in 2023.

Sister Ray

Sister Ray, le projet de l’auteur.e-compositeur.trice-interprète Ella Coyes, originaire d’Edmonton, est né d’une nécessité ; un véhicule conçu par lui.elle-même pour examiner les traumatismes avec une honnêteté sans faille. Armé.e d’une voix qui s’élève et s’écorche à parts égales, Coyes transforme des souvenirs à la première personne d’un amour grand et compliqué en allégories universellement puissantes. Élevé.e dans les vastes prairies du comté de Sturgeon, la musique de Sister Ray est imprégnée d’un large éventail d’influences culturelles. Alors que le gospel bluegrass et la country des années 90 ont marqué sa jeunesse, c’est la musique traditionnelle métisse jouée à la maison qui l’a non seulement rapproché.e de son patrimoine, mais qui lui a aussi enseigné une forme de narration ancrée dans la valeur collective, la résilience et la sécurité.

Sister Ray, the project of Edmonton-born songwriter Ella Coyes, was conceived out of necessity; a self-designed vehicle built to examine trauma with unflinching honesty. Armed with a voice that soars and scrapes in equal measure, Coyes converts first-person recollections of big, complicated love into universally potent allegories. Raised on the expansive prairies of Sturgeon County, Sister Ray’s music is steeped in a wide range of cultural influences. With gospel bluegrass and 90’s country playing in the background of their youth, it was the traditional Métis music played at home that not only brought them closer to their heritage, but taught them a form of storytelling rooted in collective value, resilience, and safety.

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hommage / Indie

POP Montréal : La Route Chante – Hommage à Lhasa

by Rédaction PAN M 360

Lhasa de Sela était une artiste dont la présence puissante et les chants transcendaient le langage et franchissaient les frontières en sondant les archétypes de l’expérience humaine. Aujourd’hui, près de 15 ans après sa mort, ses chansons perdurent. Ces deux soirées au Rialto, dans le quartier que Lhassa appelle chez lui, nous réunissons une combinaison d’amis, de collaborateurs et d’une nouvelle génération d’artistes qu’elle a influencés pour interpréter et célébrer ses chansons.
POP Montréal et Opak Productions, en collaboration avec la famille de Lhasa, présentent une soirée avec les membres des deux derniers groupes de Lhasa donnant vie à ses chansons, avec des performances de Feist, Calexico, Juana Molina, Silvana Estrada, Klô Pelgag, Myriam Gendron, Bibi Club, Helena Deland, La Force, The Barr Brothers, Laurence Anne, Yves Desrosiers, Samantha de la Vega et le Stone Bonnet Choir, sous la direction musicale de Joe Grass.

Lhasa de Sela was an artist whose powerful presence and songs transcended language and bridged borders by plumbing the archetypes of human experience. Today, almost 15 years after her death, her songs live on. These two nights at the Rialto, in the neighbourhood Lhasa called home, we gather a combination of friends, collaborators and a newer generation of artists she influenced to perform and celebrate her songs.
POP Montreal and Opak Productions, in collaboration with Lhasa’s family, present a night with members of Lhasa’s last two bands bringing her songs to life, with performances by Feist, Calexico, Juana Molina, Silvana Estrada, Klô Pelgag, Myriam Gendron, Bibi Club, Helena Deland, La Force, The Barr Brothers, Laurence Anne, Yves Desrosiers, Samantha de la Vega, and the Stone Bonnet Choir, under the musical direction of Joe Grass.

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humour

POP Montréal : Comédie POP

by Rédaction PAN M 360

Présenté par Eve Parker Finley
Avec Ben Stager, Jason Harvey, Kě, Sandy El Bitar and Tandem Jump
Pourquoi un spectacle d’humour a-t-il lieu en plein milieu d’un festival de musique indie? Nous n’en avons aucune idée, mais ce n’est pas une blague. Joignez-vous à nous à URSA, surnommé la Cave à comédiens de l’avenue du Parc, pour une soirée de monologues de centre gauche, de numéros drôlement bons, d’hilarité musicale et d’autres surprises. Découvrez un groupe composé de certaines des voix émergentes les plus excitantes de l’humour canadien. Que vous soyez un humoriste curieux, chevronné ou même sceptique, cette soirée promet de vous faire rire aux éclats!

Presented by Eve Parker Finley
With Ben Stager, Jason Harvey, Kě, Sandy El Bitar and Tandem Jump
Why is a comedy show taking place in the middle of an indie music festival? We have no idea, but it’s no joke. Join us at URSA, aka the Park Avenue Comedy Cellar, for an evening of left-of-center monologues, funny numbers, musical hilarity and other surprises. Discover a group made up of some of the most exciting emerging voices in Canadian comedy. Whether you’re a curious, seasoned or even skeptical comedian, this evening promises to make you laugh out loud!

Ben Stager

Je suis un artiste basé dans le sud de l’Ontario qui se spécialise dans la comédie, la musique et la création de contenu. Je joue de la musique et de la comédie depuis plusieurs années maintenant et j’ai sorti deux albums Canadian Singer-Songwriter et The Law Of Song en 2023 et 2024. Certaines personnes jouent de la comédie musicale… d’autres jouent de la musique… d’autres jouent de la comédie.
J’aime jouer de la musique et de la comédie !!!
Je suis un auteur-compositeur-interprète influencé par les Beach Boys, Bob Dylan et Bachman Turner Overdrive mais je suis aussi un comédien influencé par David Letterman, Jay Leno et Jimmy Fallon !!! N’ai-je pas le droit d’être deux choses exactement en même temps ?
Où sont passés les animateurs ? Pourquoi doit-on se mettre dans les cases « comédien » et « musicien » ? Ne sommes-nous pas, les humains, l’un des organismes les plus complexes ayant jamais existé sur Terre ? Ne sommes-nous pas autorisés à être plus qu’une seule chose ?
Si nous le permettons… en septembre… à Pop Montréal… nous découvrirons la réponse à cette question !!!

I am an entertainer based in Southern Ontario who specializes in Comedy, Music, and Content Creation. I have been performing music and comedy for a number of years now and have released two albums Canadian Singer-Songwriter and The Law Of Song in 2023 and 2024. Some people perform Musical-Comedy…others perform music…others perform comedy…I like to perform music and comedy!!!
I am a singer-songwriter influenced by The Beach Boys, Bob Dylan, and Bachman Turner Overdrive but I am also a comedian influenced by David Letterman, Jay Leno and Jimmy Fallon!!! Am I not allowed to be two things at the exact same time?
Where did the entertainers go? Why do we have to put ourselves in the boxes of “comedian” and “musician”? Are we—humans—not one of the most complex organisms to ever walk this earth? Are we not allowed to be more than just one thing?
If allowed…come September…at Pop Montreal…we will find out the answer to that question!

Sandy

Sandy est une artiste multidisciplinaire, productrice et thérapeute dramatique libano-canadienne basée à Montréal.
Née au Liban à la fin de la guerre civile et témoin des conflits qui ont suivi, elle a immigré au Canada en 2010.
Avec une formation en théâtre, en études sur les loisirs, en psychologie et en dramathérapie, elle a appliqué l’humour dans divers contextes, notamment dans des hôpitaux, des maisons de retraite et des maisons de soins infirmiers, et a pu constater son impact positif sur la résilience. Ses expériences soulignent le pouvoir transformateur de l’humour dans la gestion des défis de la vie.
Dans sa pratique de la santé mentale, elle utilise des outils issus des thérapies par les arts expressifs, le jeu, l’humour et le travail sur la respiration, en utilisant une approche tenant compte des traumatismes pour mener à bien les séances de thérapie.
Dans sa pratique créative, elle mélange les expériences de la vie réelle avec son imagination active pour explorer, traiter, connecter et interagir avec le monde.
Sandy joue avec le théâtre, l’écriture, la peinture, les marionnettes, la mode et le stand up.
Bien qu’elle fasse d’autres choses, elle aime surtout jouer !

Sandy is a Lebanese Canadian multidisciplinary artist, producer, and drama therapist based in Montreal.
Born in Lebanon at the end of the civil war and witnessing subsequent conflicts, she immigrated to Canada in 2010.
With a background in theater, recreation and leisure studies, psychology, and drama therapy, she has applied humor in diverse settings, including hospitals, retirement and nursing homes, witnessing its positive impact on resilience. Her experiences underscore the transformative power of humor in navigating life’s challenges.
In her mental health practice, she uses tools from expressive arts therapies, play, humour, and breath work using a trauma-informed approach to navigate therapy sessions.
In her creative practice, she mixes real-life experiences with her active imagination to explore, process, connect, and interact with the world.
Sandy toys with acting, writing, painting, puppets, fashion, and stand up.
While she does other things, mostly, she likes to play!

Tandem Jump

Tandem Jump est une troupe à sketchs énergique qui nous vient directement de Montréal. On a pu les voir au Off-JFL, au Montreal Sketchfest et dans diverses salles de la ville. Ils livrent une comédie chaotique, irrévérencieuse et satirique comme vous ne l’avez jamais vue auparavant. Vous pouvez les voir au théâtre Ste-Catherine pour leur spectacle mensuel de variétés Tandem Jump & Friends.

Tandem Jump is high energy sketch comedy hellfire directly from Montreal. They have been seen at Off-JFL, Montreal Sketchfest, and at various venues around town. They deliver high octane, irreverent, satirical, and chaotic comedy like you’ve never seen before. You can catch them at theatre ste-catherine for their monthly variety show Tandem Jump & Friends.

Jason Harvey (3Dtoilet)

Attention ! Je suis un travailleur indépendant créatif qui ne reculera devant rien pour divertir ses clients/publics.
Je vous prie respectueusement de venir me voir interpréter ce que l’on pourrait ostensiblement appeler une « comédie » ! Je vais tenter de distiller plusieurs sujets complexes et ésotériques dans une critique humoristique et légère de nos différents systèmes sociaux et économiques.
Il serait extrêmement stupide de manquer ce moment unique et de réfléchir que nous pouvons tous partager ensemble.

Caution! I am a creative freelance worker whom will stop at nothing to provide entertainment for customers / audiences.
Please I am respectfully begging you to come and look at me as I perform what could ostensibly be called “comedy”! I will attempt to distill several complex and esoteric topics into a humorous and light hearted critique of our various social and economic systems.
It would be extremely foolish to miss this unique and thoughtful moment for us all to share together.

Eve Parker Finley

Eve Parker Finley est une musicienne et humoriste montréalaise reconnue. Elle a acquis une petite notoriété sur Internet grâce à sa musique et à ses sketches comiques sardoniques sur la vie contemporaine d’un millénaire transgenre. Son travail a été présenté à CBC, Canada’s Got Talent, Elle Canada, Exclaim !, Xtra, Recording Arts Canada et dans d’autres médias. Elle est également une voix montante de la scène musicale indépendante canadienne, animatrice et créatrice de Ten Minute Topline avec CBC Music, et directrice de symposium à POP Montréal.

Eve Parker Finley is a noted Montreal musician and comedian. She rose to minor internet notoriety for her music and sardonic comedy sketches on contemporary life as a transgender millennial. Her work has been featured on CBC, Canada’s Got Talent, Elle Canada, Exclaim!, Xtra, Recording Arts Canada, and other outlets. She is also a rising voice in the Canadian indie music scene, host and creator of Ten Minute Topline with CBC Music, and Symposium Director at POP Montreal.

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défilé

POP Montréal : La parade du Mile-End SiriusXM

by Rédaction PAN M 360

Départ de la parade à 14h au Club Social 180 rue Saint-Viateur est.

Parade departs at 2 p.m. from Club Social, 180 rue Saint-Viateur est.

Avec
Fanfargenign
Li’l Andy
Valmy
Vanille
Patrick Watson

With
Li’l Andy
Valmy
Vanille
Patrick Watson

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atelier / jeunesse

POP Montréal : Patrick Watson – Dimanche sacré & Série Nature

by Rédaction PAN M 360

Co-présenté par la Fondation David Suzuki, GRATUIT pour les familles avec enfants (moins de 18 ans) 25$ à l’avance et 30$ à la porte pour les adultes sans enfants.
Venez lancer notre série d’ateliers avec une présentation de la Fondation David Suzuki à 10h00, suivie d’une rencontre et d’un concert avec l’auteur-compositeur-interprète canadien primé Patrick Watson.
Atelier 1 : Introduction à la faune et à la flore du Champ des Possibles par Les Ami.es du Champ des Possibles !
Atelier 2 : Peinture de fanions inspirés du guide d’introduction à la faune et à la flore du Champ des Possibles par Les Ami.es du Champ des Possibles. Nous exposerons ensuite les fanions sur le site pour le reste de la journée.
Atelier 3 : Sculpture de pierre à savon avec des artistes inuits professionnels, présenté par l’Atelier Mobile (nécessite la supervision d’un adulte).
Atelier 4 : Melissa Mollen-Dupuis lira des extraits de son livre pour enfants, Nushimit : Un bain de forêt. S’adressant à tous les amoureux de la nature, ce conte nous guide à travers la forêt innue et les traditions innues qui mettent l’accent sur le monde naturel.

Co-presented by Fondation David Suzuki FREE for families with kids (under 18)  25$ in advance and 30$ at the door for adults without kids.
Come kick off our workshop series with a presentation by the David Suzuki Foundation at 10h00 followed by a meet-and-greet and concert with award-winning Canadian singer-songwriter Patrick Watson.
Workshop 1: An introduction to the wildlife and flora of Champ des Possibles by Les Ami.es du Champ des Possibles!
Workshop 2: Painting pennants inspired from Les Ami.es du Champ des Possibles’ introductory guide to the wildlife in the area. We will then display the pennants on site for the rest of the day.
Workshop 3: Soap stone carving with professional Inuit artists, presented by Atelier Mobile (requires adult supervision).
Workshop 4: Melissa Mollen-Dupuis will read from her children’s book, Nushimit : Un bain de forêt. Addressed to all nature-lovers, this tale guides us through the Innu forest and Innu traditions which centre the natural world.

LES BILLETS RESTANTS POUR CET ÉVÉNEMENT SE VENDRONT À LA PORTE!

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Folk / Lo-Fi / Pop / R&B / Trip Hop

POP Montréal : Afternoon Bike Ride + KROY + Mind Bath

by Rédaction PAN M 360

Afternoon Bike Ride

La musique du trio folk lofi Afternoon Bike Ride est faite d’un ensemble de sonorités naturelles qui semblent captées en pleine nature : une balade en sous-bois entouré d’une panoplie de microphones et d’instruments pour créer un son unique, luxuriant et organique. Les chansons d’Afternoon Bike Ride sont universelles, en ce sens qu’elles ont cette grande force de réussir à évoquer les plus chers souvenirs des auditeurs.
Basé à Montréal, le trio est composé de Lia Kurihara (chant, guitare, programmation), de David Tanton (chant, guitare, batterie, programmation) et de Éloi Le Blanc-Ringuette (chant, claviers, batterie, programmation). Le groupe a lancé une série de projets homogènes mêlant les enregistrements extérieurs à l’ambient, à l’acoustique, au folk et à la pop. Un mélange de genres qu’ils assemblent avec virtuosité à chaque création. Afternoon Bike Ride présente un son unique et apaisant qui lui est propre et qui continue d’évoluer à chaque nouvelle parution.

Afternoon Bike Ride is a lofi folk trio providing a comfort zone in audio form. It’s in the name. When all three artists are together, their chemistry culminates into one organic and lush sound. Sonics that feel natural and freeing, as if fireside with a handful of microphones and instruments and toys. “An audio diary,” the band describes, “of what we know will be our most cherished memories.”
A Montreal-based Canadian trio consisting of Lia (vocals, guitar, programming), David (vocals, guitar, drums, programming), and Éloi (vocals, keys, drums, programming), the band has released a series of cohesive projects where field recordings blend with ambient, acoustic, folk, and pop. A cauldron of genres they stir during each song. With precision, Afternoon Bike Ride presents a soothing sound all their own, one that continues to expand and deliver with each new release.

KROY

KROY est le nom de scène de la chanteuse et auteure-compositrice Camille Poliquin. Son approche très personnelle à la musique et ses explorations pop audacieuses lui ont permis d’accumuler des millions d’écoutes sur les plateformes d’écoute en continu. KROY est décrite comme une artiste visionnaire et la reine de l’électro-pop à Montréal. Elle est connue pour sa voix cristalline, ses mélodies pop et ses paroles mystérieuses et mélancoliques.
Camille Poliquin fait paraître ses premières chansons sous le pseudonyme de KROY en 2014 et elle se voit rapidement qualifiée de prochaine sensation indie pop montréalaise
À l’automne 2016, KROY sort son premier album solo SCAVENGER. Avec des rythmes électro-hypnotiques et des paroles dominées par l’amour impossible, l’album s’inspire du trip-hop (Goldfrapp, Portishead) et de la pop moderne (Vampire Weekend, Youth Lagoon). Le tourbillon des synthétiseurs analogues sur SCAVENGER lui vaut les éloges de Rolling Stone, Nylon, FADER, Complex, Noisey et bien plus. La pochette, qui reflète bien l’imagerie léchée en noir et blanc de KROY, est également récompensée au concours Grafika de 2017. Le succès de l’album permet à KROY de se produire partout au Canada et à l’étranger, notamment à New York, à Paris, au Printemps de Bourges, à Austin (SXSW), à Hambourg (The Reeperbahn) et à Montréal (Osheaga). Entre 2020 et 2022, la musicienne collabore avec le producteur belge Apashe sur Rain, le producteur canadien Felix Cartal sur Too Late, ainsi que la productrice coréenne QRION sur Never Go Back.
Pour parler de ses intérêts variés, Camille aime se comparer à George Costanza de Seinfeld en disant qu’elle aurait pu devenir chercheuse en biologie marine ou architecte si elle ne s’était pas tournée vers la musique. En plus du succès de KROY et de son groupe Milk&Bone, la musicienne, qui a complété des études en composition orchestrale, signe la musique de deux spectacles du Cirque du Soleil et de plusieurs longs métrages avec Laurence Lafond-Beaulne, dont la chanson thème du film King Dave pour laquelle le duo se mérite une nomination aux prix Écrans Canadiens de 2017. Camille compose également la musique originale du documentaire Ainsi soient-elles en 2019 ainsi que des 8 épisodes de la série canadienne L’Empereur. De plus, les chansons de KROY sont sélectionnées pour accompagner l’ambiance de scènes clés de plusieurs grandes séries télé internationales.
Après une longue attente et l’imploration incessante de ses fans, KROY nous revient avec un nouvel album à paraître en 2024. Les nouvelles pièces de la musicienne aux mélodies pop sombres sont inspirées par l’amour, la mort, les robots, l’espace et les profondeurs de l’océan.
Une collection de chansons aussi neuves que matures, certaines puisant leur essence dans l’adolescence tardive, et d’autres naviguant ce que c’est que d’être une jeune femme dans la vingtaine, traversant des épreuves autant complexes que simples, mais toujours accablantes.
On devine alors une artiste à l’aube de la trentaine, toujours aussi triste, qui ne sait cesser d’aimer, et pour qui la mort et les machines deviennent une obsession.

KROY is the stage name of singer, songwriter and composer Camille Poliquin. Her deeply personal approach to music and her bold pop explorations have seen her accumulate millions of plays on streaming platforms. KROY has been described as a visionary artist and Montreal’s queen of electropop and is known for her soaring voice, synth-pop melodies and brooding lyrics.
In the fall of 2016, KROY released her debut solo album SCAVENGER. With hypnotic electro rhythms and lyrics dominated by stories of impossible love, the album draws inspiration from spacey trip-hop (Goldfrapp, Portishead) and inventive modern pop (Vampire Weekend, Youth Lagoon). SCAVENGER’s whirlwind of synths has garnered praise from the likes of Rolling Stone, Nylon, FADER, Complex, Noisey and more. Reflecting KROY’s polished black-and-white imagery, the cover won a prize at the 2017 Grafika Awards. The album’s success has also allowed KROY to perform throughout Canada and abroad, including New York and Paris, Le Printemps de Bourges, Austin (SXSW), Hamburg (The Reeperbahn) and Montreal (Osheaga). Between 2020 and 2023, the musician collaborated with Belgium-born producer Apashe on Rain, Canadian producer Felix Cartal on Too Late and Korean producer QRION on Never Go Back.
To express her forward and varied interests, Camille likes to say that, much like Seinfeld’s George Costanza, she could’ve become a marine biologist or an architect had she not turned her attention to music. On top of the success of KROY and Milk & Bone, the musician, who completed studies in orchestral composition, has crafted music for two Cirque du Soleil shows and several feature films with Laurence Lafond-Beaune, including the theme song for King Dave for which the pair earned a nomination at the 2017 Canadian Screen Awards. Camille has also written the original music for the 2019 documentary Sisterhood, as well as the 8 episodes of Canadian TV series L’Empereur and KROY songs have been selected to create the right feeling in key scenes of multiple major international TV shows.
After a long wait and relentless requests from her fans, KROY returns to unveil the fruits of her lyrical and musical explorations in a new album to be released in 2024. The musician’s new work features dark pop melodies inspired by love, sadness and depression.
The body of work is as old as it is new, some songs rooted in late teen years, others from the dawn of one’s 30s. Every single one of them drenched in sadness and despair, from different perspectives of mania and depression. A portrait of a girl’s evolution through her twenties, gathering confidence, losing it entirely, testing out different personalities, just to come back closer to who she really is.
In this case, a sad sad girl who loves alot and may be obsessed with the idea of death and cars and robots.

Mind Bath

Mind Bath est un artiste qui écrit des morceaux pop, enveloppés de synthés doux et soulignés par un groove R&B occasionnel. Les morceaux sont intrinsèquement méditatifs et purificateurs.

Mind Bath is an artist who writes proud pop tracks that are wrapped in soft synths and underlined by the occasional R&B groove. The tracks are inherently meditative and cleansing.

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Dream Pop / Electro-Pop / Electronic / Shoegaze

POP Montréal : Babyteeth + Zéa Calla + Chaia

by Rédaction PAN M 360

Babyteeth

Babyteeth est un groupe d’alternatif·dreampop·shoegaze basé à Montréal. Inspiré par des artistes comme Slowdive, Mazzy Star, Hole et Deftones, Babyteeth mélange des guitares mélancoliques, des synthétiseurs envoûtants et des voix vulnérables pour créer un son unique. Le groupe est mené par la chanteuse et artiste visuelle Pixie Blood. Connue pour sa manière de combiner le beau et le grotesque dans ses sculptures, elle transpose un esprit similaire à son travail dans Babyteeth, situant des paroles sombres dans des paysages sonores apaisants. Babyteeth est un hommage à la nostalgie et aux peines d’amour. Un rappel qu’il est encore possible d’être brute et vraie, plutôt que polie à la perfection.

Babyteeth is an alternative/dreampop/shoegaze band based in Montreal. Inspired by artists like Slowdive, Mazzy Star, Hole, and Deftones – Babyteeth weave melancholic guitars, haunting synths, and vulnerable vocals into their own unique sound. The band is fronted by vocalist and notable visual artist, Pixie Blood. Known for combining the beautiful and the grotesque in her sculptures, she brings a similar ethos to her work in Babyteeth, combining soothing soundscapes with lyrical darkness. Babyteeth is a celebration of nostalgia and heartbreak. A reminder that it’s still ok to be raw and real, rather than polished to perfection.

Zéa Calla

Zéa Calla bricole une pop électronique, libre et audacieuse. Privilégiant l’imprévisibilité de l’exploration, elle jongle avec une palette d’instruments électroniques, notamment son fidèle compagnon, le thérémine. Poète, sorcière, sémioticienne et fan d’horreur, ses sonorités décomplexées s’harmonisent avec ses textes minutieusement élaborés, doucement provocants et jamais complètement sérieux.

Zéa Calla creates electronic pop, free and daring. Favoring the unpredictability of exploration, she juggles with a range of electronic instruments, notably her faithful companion, the theremin. Poet, witch, semiotician and horror fan, her uninhibited sounds harmonize with her carefully crafted lyrics, gently provocative and never completely serious.

Chaia

Chaia est un trio électro-pop basé à New York comprenant du violon électrique, un sampler électronique et des harmonies vocales spatiales. Chaia interprète des chansons originales en utilisant des samples de musique folklorique juive (yiddish) d’Europe de l’Est, avec des grooves empruntés à la house et au jazz. Le premier album de Chaia, Yibaneh, sortira en decembre 2024.

Chaia is a three-piece electro-pop group based in New York City featuring electric fiddle, electronic sampler, and spacey vocal harmonies. Chaia performs original songs using samples from Eastern European Jewish (Yiddish) folk music, with grooves borrowed from house and jazz. Chaia’s debut album, Yibaneh, will be released May of 2024.

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Alternative / Indie Pop / R&B

POP Montréal : Jane Penny + Ura Star & Fireball Kid + Naomi + Elan Noon

by Rédaction PAN M 360

Jane Penny

Co-fondé par Jane Penny et son ami d’enfance, David Carriere, à Montréal en 2011, TOPS a émergé de la même scène DIY locale que Grimes et Mac DeMarco. Le groupe s’est rapidement retrouvé à faire des tournées et des spectacles à guichets fermés à l’échelle internationale, à recevoir des éloges, à obtenir des places dans des festivals convoités et à accumuler des millions de streams. Le groupe venait de sortir son quatrième album studio lorsque Penny est tombée malade, souffrant d’une COVID longue pendant plus d’un an, alors qu’elle s’occupait de son partenaire à Berlin, qui était lui-même alité. Inspirée par la scène musicale berlinoise, séparée par la distance et les fuseaux horaires de ses collaborateur·ices habituel·les à Montréal, Penny s’est mise à développer une pratique créative indépendante. Lorsqu’elle a été suffisamment rétablie pour retourner à Montréal, Penny a mis la touche finale à l’EP avec son voisin et collaborateur de longue date, le producteur et musicien Patrick Holland, qui a assuré la production et le mixage de l’EP. « Il y a des choses que je voulais explorer sur le plan sonore et créatif, qui auraient été impossibles dans le contexte de TOPS. Je voulais relever le défi de créer un monde à part entière : écrire toutes les parties incluant la batterie, choisir chaque échantillon, écrire la ligne de basse. Ayant pris le contrôle de l’ensemble du monde musical que je créais, je suis devenue ouverte aux émotions, à la sensualité et à l’intuition qui naissent de la solitude. Il m’a fallu un certain temps pour atteindre un point où je me sentais prête à partager, mais maintenant les portes sont grandes ouvertes et je vais certainement continuer sur cette voie. » TOPS est toujours actif — le groupe travaille actuellement sur un nouvel album. « Il n’y a pas de façon plus satisfaisante de faire de la musique que de la jouer avec d’autres personnes, mais le format d’un groupe a certaines limites sur le plan sonore. Faire de la musique avec TOPS reste l’une de mes priorités dans la vie, et le groupe ne souffre absolument pas de mon travail solo. » « Cet EP est né d’une période d’obscurité et d’un point de faiblesse, mais je me sens responsable d’infuser les auditeurs d’un certain niveau de résilience », déclare Penny. « En tant qu’artiste, c’est mon travail de montrer aux gens qu’il est libérateur d’explorer certains de ces sentiments, mais je veux toujours leur laisser un rayon de lumière, une porte de sortie — pour ne pas que je l’oublie moi non plus. »

Co-founded by Jane Penny and her childhood friend David Carriere in Montreal in 2011, TOPS emerged from the same local DIY scene as the likes of Grimes and Mac DeMarco. The band quickly found themselves touring and selling out shows internationally, earning praise and critical acclaim, scoring highly sought-after festival slots, and racking up streaming numbers in the millions. The band had just released their fourth studio album when Penny became sick herself with long COVID for over a year while acting as a caretaker for her partner in Berlin who had become bedridden. Inspired by the musical scene in Berlin, but also separated by distance and time zones from her usual collaborators in Montreal, it became necessary for Penny to explore an independent creative practice. When she was finally well enough to return to Montreal, Penny put the finishing touches on the EP with her neighbor and long-time collaborator, producer and musician Patrick Holland, who provided additional production and mixing on the EP. “There are things I wanted to explore sonically and creatively, which would be impossible in the context of TOPS. I wanted to challenge myself to create a whole world of my own, to write all of the parts, program the drums, choose every sample, write the bass line. When I took control over the entire world of music that I was creating I felt that it also opened up a lot of emotional space, sensuality and intuition that comes through solitude. It took a while to reach a point where I feel it’s ready to share, but now the gates are open and I’ll definitely be continuing on this path. “ TOPS is still going strong – they’re currently working on a new record. “There isn’t a more soul-satisfying way to make music than to play it with other people, but a band format has certain limitations to its scope sonically. Making music with TOPS is still one of my main priorities in life, and the band definitely isn’t taking a back seat to my solo work.“ “This EP comes out of a period of darkness, and a point of weakness, but I feel responsible to leave listeners with a certain level of resilience,” Penny says. “As an artist, it’s my job to show people that it’s freeing to explore some of these feelings, but I always want to leave them with a ray of light, an escape hatch, because then I’m reminded of it, too.”

Ura Star & Fireball Kid

Depuis leur enfance, Ura Star et Fireball Kid font de l’indie pop à grand renfort de hooks et de fêtes. Tout juste sortis de leurs albums Gas Station, Emotional Bros Hotline et 2024’s Heartracer, ils sont prêts à faire la fête et à faire couler de la bière, dans un esprit de fête de cuisine, comme jamais auparavant.

Ura Star & Fireball Kid have been bringing the hook-heavy, party-inducing indie pop together since they were kids. Coming hot off the releases of their records Gas Station, Emotional Bros Hotline, and 2024’s Heartracer they’re barn-burner ready and bringing beer-spilling, kitchen party spirit to the show in a bigger way than ever before.

Naomi

Naomi est une artiste multidisciplinaire au charisme évident et attire rapidement sur elle les projecteurs grâce à son talent multifacette. Avec son penchant pour les airs estivaux caribéens qu’elle pimente au gré de ses influences pop, RnB et house, Naomi a fait paraître son premier album éponyme en septembre 2022. Danseuse professionnelle, chorégraphe et actrice — on la voit d’ailleurs dans plusieurs vidéoclips d’artistes locaux et internationaux d’envergure telles que Rihanna, Cœur de pirate et Marie-Mai.

Naomi is a multi-disciplinary artist with undeniable charisma who snatches the spotlight with her multi-faceted talent. With her penchant for Caribbean summer tunes spiced up with pop, RnB and house influences, Naomi released her self-titled debut album in September 2022. Professional dancer, choreographer and actress – she has appeared in several music videos for major local and international artists such as Rihanna, Cœur de pirate and Marie-Mai.

Elan Noon

Elan Noon est le nom de scène de l’artiste canado-américain Keenan Mittag-Degala. Tissant librement les genres dans des chansons pop émotives, Elan Noon s’inspire de multi-instrumentistes introspectifs tels qu’Elliott Smith et Judee Sill. Enregistré principalement sur d’anciens accessoires à bande magnétique, le travail d’Elan Noon est truffé de textures décalées et de distorsions ludiques.

Elan Noon is the stage name of Canadian-American artist Keenan Mittag-Degala. Freely weaving genres into emotionally-driven pop songs, Elan Noon takes after introspective multi-instrumentalists like Elliott Smith and Judee Sill. Predominantly recorded on antiquated magnetic tape accessories, Elan Noon’s work is rife with offbeat textures and playful distortions.

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Experimental / Indigenous peoples / Punk

POP Montréal : Marnie Stern + GLADHANDING + Ribbon Skirt

by Rédaction PAN M 360

Marnie Stern

L’une des guitaristes les plus acclamées du 21e siècle, la compositrice new-yorkaise Marnie Stern s’inspire de diverses influences, dont Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof et King Crimson. Son premier album en dix ans, The Comeback Kid, est sorti en 2023 et a reçu des critiques élogieuses de The Guardian, Fresh Air de NPR avec Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily et plus encore.

One of the most acclaimed guitarists of the 21st century, New York City-based songwriter Marnie Stern’s singular playing draws from various influences, including Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof, and King Crimson. Her first album in ten years, The Comeback Kid, was released in 2023 to rave reviews from The Guardian, NPR’s Fresh Air with Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily and more.

GLADHANDING

1000 cyborg bataille royale

1000 cyborg battle royale

Ribbon Skirt

Guidé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais connu autrefois sous le nom de Love Language. Avec un spectacle captivant, ils ont participé à des festivals à travers le Canada et les États-Unis, incluant SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish et Pop Montréal, et ont partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen et Enumclaw. Leur premier album présente un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité autochtone et à ses pratiques culturelles. Produit par Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et avec beaucoup des expérimentations en studio, le groupe a émergé avec un premier album confiant, mélangeant boîtes à rythmes et synthétiseurs pour compléter l’énergie du groupe sur scène. Continuant à pousser leur son dans une nouvelle direction, le groupe a choisi de travailler avec le légendaire batteur et compositeur expérimental Greg Saunier (Deerhoof) pour le mixage, et l’album a été masterisé par Mikey Young (Total Control).

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. With a captivating live show, they have played festivals across Canada and the US including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen and Enumclaw. Their debut album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. Produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and with endless experimentation in the studio the band emerged with a confident debut album mixing drum machines and synths to compliment the energy of the live band. Continuing in this spirit of pushing their sound into a new direction, the band chose to work with legendary experimental drummer and composer Greg Saunier (Deerhoof) on mixing, and the album was mastered by Mikey Young (Total Control).

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Dream Pop / Folk / rock n’ roll

POP Montréal: Laughing + Bodywash + Bleu Vésuve + Amery

by Rédaction PAN M 360

Qu’est-ce que la paix, l’amour et la compassion ont de si drôle ? Entremêlant quatre voix uniques provenant des quatre coins du Canada, Laughing est un band de rock n’ roll basé à Montréal qui s’inspire de certains des plus grand·es grandes auteur·es-compositeur·ices pop des cinq dernières décennies. Le matériel cousu main et la sublimation temporaire de l’ego leur sont utiles dans leur quête de la chanson parfaite. Leur premier album, Because It’s True, est une tentative honnête de vous inclure dans une immense blague cosmique. Que vous jetiez vos louanges, votre adulation, vos moqueries ou votre mépris sur eux, Laughing rira toujours. Qui rira le dernier ?

What’s so funny about peace, love and compassion? Blending four unique voices from across Canada, Laughing is a Montreal-based rock n’ roll band inspired by some of the greatest pop songwriters of the past five decades. Hand-sewn material and temporary ego-sublimation come in handy in their quest for the perfect song. Their debut album, Because It’s True, is an honest attempt to include you in a huge cosmic joke. Whether you throw your praise, adulation, mockery or scorn at them, Laughing will always laugh. Who’s laughing last?

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Electronic / Folk / Indie / new age

POP Montréal : Cassandra Jenkins + Nailah Hunter + Valmy

by Rédaction PAN M 360

Cassandra Jenkins

Comme le ciel nocturne lui-même, le monde de Ma Lumière, Mon Destructeur est en constante expansion. Le troisième album de Cassandra Jenkins ouvre la promesse d’atteindre les limites du nouveau, avec une palette sonore plus large que jamais auparavant, englobant le rock indie piloté par la guitare, le new age, la sophistipop et le jazz. Au centre de tout cela se trouve la curiosité de Jenkins envers les quarks et quasars qui composent son univers, alors qu’elle mélange les enregistrements de terrain avec un lyrisme poétique tour à tour allusif, humoristique, dévastateur et confessionnel – un geste alchimique qui approfondit encore la richesse de l’album.
À ses côtés dans cette immersion, un groupe d’amis issus de tout le spectre du rock indépendant moderne ; producteur Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), El Kempner de Palehound, Meg Duffy de Hand Habits, Isaac Eiger (anciennement de Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producteur et l’instrumentiste Josh Kaufman (de An Overview de Jenkins), la productrice Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange) et l’amie de Jenkins, la réalisatrice/actrice/journaliste Hailey Benton Gates. Avant tout et comme toujours, Jenkins s’inspire de l’électricité bavarde du monde qui l’entoure, louchant les parasites radio avec le désir de mieux comprendre. Tissant habilement l’enregistrement sur le terrain, les sons trouvés et l’audio auxiliaire (comme les sons des trains et les agents de bord), elle attire l’attention sur des moments plus étranges que la fiction qui amènent l’auditeur plus loin.

Like the night sky itself, the world of My Light, My Destroyer is always expanding. Cassandra Jenkins’ third full-length cracks open the promise of reaching the edge of the new, with a wider sonic palette than ever before—encompassing guitar-driven indie rock, new age, sophistipop, and jazz. At the center of it all is Jenkins’ curiosity towards the quarks and quasars that make up her universe, as she blends field recordings with poetic lyricism that is at turns allusive, humorous, devastating and confessional—an alchemical gesture that further deepens the richness of the album.
Joining her in this immersion is a cast of friends pulled from across the modern indie rock spectrum; producer Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), Palehound’s El Kempner, Hand Habits’ Meg Duffy, Isaac Eiger (formerly of Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producer and instrumentalist Josh Kaufman (of Jenkins’ An Overview), producer Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange), and Jenkins’ friend, director/actor/journalist Hailey Benton Gates.
Above all and as ever, Jenkins is drawing inspiration from the chattering electricity of the world around her, squinting through radio static with the desire to gain a greater understanding. Deftly weaving field recording, found sound, and ancillary audio (like train sounds & flight attendants) she brings attention to stranger-than-fiction moments that bring the listener further in.

Nailah Hunter

Nailah Hunter est une multi-instrumentiste et compositrice basée à Los Angeles. Sa musique pour harpe, électronique et voix scintille d’un rayonnement spirituel, plein de magie, d’émerveillement et d’énergies curatives.

Nailah Hunter is a multi-instrumentalist and composer based in Los Angeles. Her music for harp, electronics and voice shimmers with spiritual radiance, full of magic, wonder, and healing energies.

Valmy

Valmy est une auteure-compositrice-interprète et multi-instrumentiste originaire de l’Ontario qui a suivi l’océan et s’est installée sur la côte est. Explorant les thèmes de l’émerveillement, du deuil et de la guérison, elle utilise sa musique d’influence folk pour raconter des histoires sur l’amour et sur la façon de se frayer un chemin dans l’obscurité. Basée à St. John’s, Terre-Neuve, Valmy crée en tissant son écriture contemplative à des vagues mélodiques inspirées de la nature et des harmonies atmosphériques. Son premier album, The In Between, est sorti en septembre 2023 et a été chaleureusement accueilli par le public, avec une critique élogieuse de Tony Ploughman chez Fred’s Records : « Les rythmes et les mélodies enveloppent l’esprit et l’âme comme une courtepointe soigneusement rapiécée… Il y a une cohésion dans cet album qui offre des réflexions méditatives sur l’équilibre de notre état mental en harmonie avec la nature, ses chansons fournissant un processus méthodique pour atteindre cet équilibre. Et l’intensité sous-jacente qui nous pousse à suivre l’appel de nos pensées et de nos émotions pour créer est constante… Habilement produit, réalisé et mixé, The In Between est l’une des meilleures sorties NL de 2023 ». Valmy a clos l’année 2023 avec deux nominations aux MusicNL Awards, a été sélectionnée aux East Coast Music Awards 2024 et a également été sélectionnée pour trois MusicNL Awards 2024 dans les catégories Artiste alternatif, Artiste solo et Auteur-compositeur Ron Hynes de l’année. Elle est très enthousiaste à l’idée de rencontrer son public lors de sa tournée d’automne de l’est du Canada pour The In Between.

Valmy is a singer-songwriter and multi-instrumentalist from Ontario who’s been following the ocean and making home on the East Coast. Exploring themes of wonder, loss, and healing, she uses her folk-influenced music to tell stories about loving and stumbling your way through the dark. Based in St. John’s, Newfoundland, Valmy creates and performs by weaving nature-inspired melodic swells and atmospheric harmonies with her contemplative writing. Her debut full-length album ‘The In Between’ was independently released in September 2023 and warmly received by listeners, with a thoughtful review from Tony Ploughman of Fred’s Records: “The rhythms and melodies wrap around the mind and soul like a lovingly patched quilt… There is a cohesiveness to this full album offering meditative musings on balancing one’s own mental state in harmony with nature, the songs providing a methodical process to achieve that balance. And the underlying intensity to follow through on the beckoning of one’s thoughts and emotions to create is constant…Deftly produced, engineered and mixed, “The In Between” is one of 2023’s finest NL Releases”. Valmy concluded 2023 with two MusicNL nominations, was a 2024 East Coast Music Award nominee, and was also nominated for three 2024 MusicNL awards for Alternative Artist, Solo Artist, and Ron Hynes Songwriter of the Year. She is excited to be connecting with audiences on her Autumn Tour in support of ‘The In Between’, through Eastern Canada.

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Country Folk

POP Montréal: Iris Dement + Nico Paulo

by Rédaction PAN M 360

Sur son nouvel album transcendant, Workin’ On A World, Iris DeMent fait face au monde moderne – tel qu’il est actuellement – ​​avec sa catastrophe climatique, ses pandémies et ses épidémies de violence et d’injustice sociale – et ne se contente pas de nous demander comment nous pouvons continuer à le faire. œuvre pour un monde meilleur, mais nous implore de nous aimer les uns les autres, malgré nos façons de voir très différentes. Ses chansons sont sa façon de guérir nos espaces intérieurs et extérieurs brisés.

Le résultat est un album plein d’espoir – scintillant de brillants éclairs d’humour poignant et de tendresse édifiante – qui dit la vérité, « de la même manière que la vérité est toujours porteuse d’espoir », explique-t-elle. En réfléchissant aux paroles de la chanson « The Sacred Now » (« voyez ces murs/fayons-les tomber / ce n’est pas un rêve ; c’est le sacré maintenant »), DeMent se souvient de Jésus disant que le Royaume de Dieu est en vous. et le moine activiste bouddhiste Thich Nhat Hanh disant que la rose est dans le compost ; le compost est dans la rose. Sur Workin’ On A World, Iris DeMent démontre que les chansons sont la guérison et que la guérison surgit à travers la chanson.

On her transcendent new album, Workin’ On A World, Iris DeMent confronts the modern world – as it is now – with its climate catastrophe, pandemics and epidemics of violence and social injustice – and doesn’t just ask us how we can continue to do so. works for a better world, but implores us to love one another, despite our very different ways of seeing. Her songs are her way of healing our broken inner and outer spaces.

The result is a hopeful album – sparkling with brilliant flashes of poignant humor and uplifting tenderness – that tells the truth, “in the same way that the truth is always hopeful,” she explains. Reflecting on the lyrics of the song “The Sacred Now” (“see these walls/let’s tear them down/it’s not a dream; it’s the sacred now”), DeMent is reminded of Jesus saying that the Kingdom of God is within you. and Buddhist activist monk Thich Nhat Hanh saying that the rose is in the compost; the compost is in the rose. On Workin’ On A World, Iris DeMent demonstrates that songs are healing, and that healing happens through song.

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