Montréal

cinéma / classique / hommage

OSM : 2001 - L’Odyssée de l’espace

by Rédaction PAN M 360

L’Orchestre et le Chœur de l’OSM accompagnent le mythique film de science-fiction réalisée par Stanley Kubrick, 2001 : l’Odyssée de l’espace, pour un voyage philosophique où futurisme et poésie se rencontrent. Le film explore l’évolution humaine sous l’influence d’un mystérieux monolithe extraterrestre, de la préhistoire à l’ère spatiale. L’intelligence artificielle HAL 9000 se retourne contre l’équipage du vaisseau Discovery One. L’astronaute Bowman, seul survivant, traverse un portail cosmique et renaît sous une forme supérieure, symbolisant une nouvelle étape de l’humanité. Les images époustouflantes prennent vie au rythme du célèbre Beau Danube bleu de Johann Strauss, ainsi qu’avec des œuvres de Richard Strauss et des compositions envoûtantes de György Ligeti. Une expérience cinématographique et musicale à voir absolument.

Embark on a philosophical journey with the Orchestre symphonique de Montréal and the OSM Chorus as they accompany Stanley Kubrick’s iconic sci-fi masterpiece, 2001: A Space Odyssey. This fusion of futurism and poetry takes you through humanity’s evolution, from prehistory to the space age, guided by an enigmatic alien monolith. As the sentient supercomputer HAL 9000 turns on the crew of the spaceship Discovery One, astronaut Bowman becomes the last survivor. He passes through a cosmic gateway and is reborn as a higher life form symbolizing the next stage of humanity’s evolution. Stunning visuals are brought to life by Johann Strauss’ Blue Danube, works by Richard Strauss and the captivating compositions of György Ligeti. A cinematic and musical experience you won’t want to miss!

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Alt Folk / Indie

The Weather Station au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Projet de la chanteuse et autrice-compositrice Tamara Lindeman, The Weather Station se distingue par des chansons à la fois musicales et émotionnellement agiles, portées par sa voix cristalline et ses paroles lucides. Sur ses premiers albums, comme All of It Was Mine (2011), elle développe un style terre-à-terre, influencé par la scène folk de Toronto et construit autour de la guitare, du banjo et de textes introspectifs. Avec Loyalty (2015), sa musique devient plus abstraite, tandis que son écriture gagne en précision et en profondeur. Par la suite, Lindeman accompagne la complexité de ses paroles d’une musique tout aussi ambitieuse : The Weather Station (2017) fusionne son interprétation du rock & roll avec une réflexion féministe, tandis que Ignorance (2021) et son pendant plus feutré, How Is It That I Should Look at the Stars (2022), mêlent des méditations sur le changement climatique à des sonorités jazz et soft rock luxueuses. Avec Humanhood (2025), elle explore l’improvisation pour capturer le tumulte de l’existence dans les années 2020. Malgré ces évolutions, la musique de Lindeman reste constamment captivante, confirmant les comparaisons avec des figures comme Joni Mitchell et Leonard Cohen, ainsi qu’avec des contemporains tels que Weyes Blood et Bill Callahan.

The project of singer/songwriter Tamara Lindeman, the Weather Station’s musically and emotionally nimble songs are defined by her silvery voice and clear-eyed lyrics. On Lindeman’s earliest albums, like 2011’s All of It Was Mine, she cultivated a down-to-earth style informed by her time in Toronto’s folk scene and driven by her guitar, banjo, and confessional lyrics. By the time she released 2015’s Loyalty, her music had grown more abstract, and her songwriting more detailed and analytical. Later, Lindeman matched the intricacy of her words with equally ambitious music. 2017’s The Weather Station paired her version of rock & roll with feminist insights; 2021’s Ignorance and its hushed 2022 companion, How Is It That I Should Look at the Stars, combined musings on climate change with luxurious jazz and soft rock; the improvisations of 2025’s Humanhood reflected the tumult of being alive in the 2020s. Amidst the Weather Station’s changes, Lindeman’s music remained consistently compelling, proving the comparisons to forebears like Joni Mitchell and Leonard Cohen and contemporaries such as Weyes Blood and Bill Callahan were more than warranted.

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classique / post-romantique

OSM : Roméo et Juliette de Prokofiev

by Rédaction PAN M 360

Prokofiev dépeint les amours impossibles de Roméo et Juliette avec un lyrisme passionné et une grande inventivité mélodique; Abel Selaocoe raconte l’Afrique du Sud avec sa voix puissante, ses rythmes explosifs et son incroyable créativité dans Fours Spirits : àla croisée des traditions, les deux mondes sonores se rejoignent pour donner naissance à une expérience musicale exaltante et vous faire vivre le concert autrement grâce à l’œuvre participative de Selaocoe.

Prokofiev depicted the star-crossed romance of Romeo and Juliet with ardent lyricism and great melodic inventiveness, while in Four Spirits, Abel Selaocoe tells of South Africa using his powerful voice, explosive rhythms, and astounding creativity. At the crossroads of traditions, these two soundscapes come together for a glorious musical experience and, with Selaocoe’s participatory work, an uncommon concert experience.

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DJ set / Electronic / hyperpop

SUICIDAL-IDOL & rouri404 au Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

SUICIDAL-IDOL

SUICIDAL-IDOL est le projet principal d’Alupe Tolentino, une artiste de musique dance/électronique de 20 ans basée à Los Angeles. SUICIDAL-IDOL a commencé à faire de la musique à la fin de l’année 2021, inspirée par d’autres artistes de sa scène tels que syris, Rebzyyx et 6arelyhuman. Son single Ecstacy a officiellement été certifié Platine aux États-Unis avec des millions de plays et de vues à travers le monde. SUICIDAL-IDOL comptabilise actuellement 4,5 millions d’auditeurs mensuels sur Spotify, et ses chiffres continuent de croître. Elle continue de sortir de la nouvelle musique et de nouveaux clips régulièrement. Elle collabore avec des artistes tels que syris, 6arelyhuman, skypebf, hubithekid, Kaneda7, parmi bien d’autres. SUICIDAL-IDOL est un membre clé du super-collectif de musique dance/électronique FabFantasy. SUICIDAL-IDOL se produira en concert à travers le monde, tandis que sa carrière fulgurante continue de croître aux côtés de ses fans.

SUICIDAL-IDOL is the primary project of Alupe Tolentino, a 20-year old LA-based dance/electronic music artist. SUICIDAL-IDOL Started making music in late 2021 – inspired by other artists in her scene such as syris, Rebzyyx, and 6arelyhuman. Her single Ecstacy has officially gone Platinum in the USA with millions of plays and views across the world. SUICIDAL-IDOL is currently at 4.5 million monthly listeners on Spotify and her numbers continue to grow. SUICIDAL-IDOL is continuing to release new music and new videos on a regular basis. She collaborates with fellow artists syris, 6arelyhuman, skypebf, hubithekid, Kaneda7, among many others. SUICIDAL-IDOL is a key member of the dance/electronic music super-collective FabFantasy. SUICIDAL-IDOL will be performing at concerts across the World as her whirlwind career continues to grow alongside her fans.

rouri404

rouri404 est un artiste émergent originaire d’Orlando, en Floride, qui fait sensation avec son mélange unique de hyperpop, pop punk et emo-rap. À seulement 20 ans, il a rapidement gagné en popularité dans le milieu underground sur Soundcloud avec la sortie de son single de 2021, narcissist, suivi de son EP GORE en 2022, un projet collaboratif avec Vaeo, un artiste bien connu de la scène hyperpop. Sa musique a été décrite comme émotionnellement chargée, passionnée et versatile, les fans saluant sa capacité à passer d’un genre à l’autre tout en conservant son son brut et distinctif. Son dernier single, fisheye, en est un parfait exemple, avec des mélodies accrocheuses et un style glitchy inspiré des années 2000.

rouri404 is an up-and-coming artist hailing from Orlando, Florida, who has been making waves with his unique blend of hyperpop, pop punk, and emo-rap. At just 20 years old, he quickly rose to underground fame on Soundcloud with the release of his 2021 single “narcissist” followed by his 2022 EP ‘GORE,’ a collaboration project with Vaeo, a prominent artist in the hyperpop scene. His music has been described as emotionally charged, passionate, and versatile, with fans praising his ability to seamlessly flow between genres while still maintaining his signature raw sound. His latest single “fisheye” demonstrates just that, with catchy melodies set against his glitchy 2000s-inspired stylings.

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Modern Classical

OCM: Bernstein and his “Side stories” in the spotlight

by Frédéric Cardin

The Orchestre classique de Montréal (OCM) gave a benefit concert under the auspices of the music of Leonard Bernstein, on Saturday, May 3, 2025. The concert featured soprano Sharon Azrieli, mezzo Julie Nesrallah, baritone James Westman and the orchestra’s concertmaster, Mark Djokic. The money raised will be used to provide access to classical concerts for newcomers, seniors in care and other groups who do not enjoy the same opportunities as the general population. 

Audacity? Artistic integrity? Austere works, in the Bernstein pantheon, dominated the evening (Arias and Barcarolles, and the Serenade (after Plato’s Symposium)). Barely two excerpts from West Side Story (the Mambo and Somewhere, placed at either end of the concert) and an aria from Candide, not even the one we’re used to (Glitter and be gay) but rather I am so easily assimilated, which also fully deserves to be heard. There was finally A Simple Song, from Mass. 

If Candide was successful, with soprano Sharon Azrieli in teasing form, the Mambo suffered from rhythmic imbalances (a mortal sin in this kind of music), and Somewhere was no more than okay, with the three vocal soloists and the orchestra. Having said that, I’m happy to say that the central corpus of the concert was extremely successful, even splendid. 

Arias and Barcarolles is Bernstein’s last major work (1988, a year before his death). It is a cycle of nine songs that form a narratively coherent whole, like a mini-opera, for mezzo-soprano, baritone and orchestra. In less than thirty minutes, it evokes the ups and downs of a couple’s life, from beginnings to old age, with reflections on love, life and more. The tightly-packed songwriting still allows a wide range of musical styles to shine through, including jazz, blues and modern atonalism. Unlike Mass, however, there are no head-on collisions, or even disgracious juxtapositions, between these genres. Rather, a great maturity in the organization of oppositions and eclecticism. A work that deserves to be heard much more widely. 

The soloists, Nesrallah and Westman, were in very good form, especially the mezzo, whose authenticity and accuracy on stage (and within the limits of what the situation would allow) were striking. I’d never seen this lady, also a famous CBC host, on stage before. I’d like to see her again in a truly operatic setting. The orchestral score is, it must be said, formidable. The ensemble cover is stripped bare, each and everyone must fend for him-herself and cannot ‘’hide’’, rhythms intertwine, notes spurt out with skin-tight precision, and everything must be conducted with impeccable dexterity and technical firmness. Discreet but reliable conductor Mélanie Léonard and her musicians rose to the challenge.

The other big piece was the Serenade, a violin concerto that doesn’t say its name. Although better known than its predecessor, this work remains relatively demanding for a general public who know the American maestro for his musicals and his memorable conducting of great symphonic masterpieces. 

The orchestra’s concertmaster, Mark Djokic, gave a remarkable performance, with a luminous, sparkling timbre and a very convincing emotional embodiment. For a “small” orchestra like the OCM, the presence of a soloist of Djokic’s calibre is a real treat. Once again, the orchestra, which Bernstein doesn’t often let rest, rose to the occasion, under the convincing baton of Ms. Léonard. 

Your humble servant didn’t have access to the cocktails and small sandwiches that probably came with the more expensive (and more mission-critical) tickets, but we can rest assured that ladies and gentlemen Nesrallah, Westman, Djokic and Léonard (and all the other musicians) must have received well-deserved accolades when they arrived among the guests after the concert (notwithstanding the few downsides mentioned at the start of this article). 

Gothic / Indie / Post-Punk

Bria Salmena au Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

La chanteuse et auteure-compositrice torontoise Bria Salmena apporte une intensité inlassable à sa musique, fusionnant des genres disparates allant du punk et du goth au country et à l’indie rock ambiant. Elle s’est d’abord fait connaître à la fin des années 2010 en tant que leader du groupe post-punk acclamé par la critique, Frigs, avant de passer un certain temps au sein du groupe de tournée d’Orville Peck. Au début des années 2020, elle a lancé une carrière solo, publiant plusieurs EPs de covers éclectiques, puis a signé chez Sub Pop pour son premier album complet, Big Dog, prévu pour 2025.

Toronto singer/songwriter Bria Salmena brings a restless intensity to her music, blending disparate genres from punk and goth to country and ambient indie rock. She first made her name in the late 2010s as the frontwoman for the critically lauded post-punk band Frigs, then spent some time as part of Orville Peck’s touring band. In the early 2020s, she launched a solo career, releasing a handful of eclectic covers EPs, then signed to Sub Pop for her full-length debut, 2025’s Big Dog.

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Classical Singing / classique

Concours musical international de Montréal : Finale du Prix Mélodie du CMIM

by Rédaction PAN M 360

Les cinq finalistes de la première épreuve MÉLODIE, sélectionnés parmi les chanteuses et les chanteurs les plus talentueux de leur génération, vous transportent au cœur de l’univers envoûtant de la mélodie. Le programme unique de cette finale de prix réunit des chefs-d’œuvre du répertoire, sublimant chaque voix et donnant vie à des récits empreints d’émotion, où poésie et musique s’unissent en parfaite harmonie. Une expérience musicale intime et profonde qui promet de captiver autant les amateurs de musique classique que les passionnés de poésie.
Les concurrents livreront des performances émouvantes en présentant des programmes où se côtoient des mélodies françaises, des lieder allemands, des art songs anglaises, des canciones artísticas espagnoles, des romances russes, des canzoni artistiche italiennes, ainsi que d’autres œuvres de récital. Ces prestations, présentées dans l’acoustique exceptionnelle de la Salle Bourgie du Musée des beaux-arts de Montréal, sauront ravir tant le public que le grand jury international.
Venez vivre un moment d’exception où l’excellence artistique est à l’honneur en assistant à cette finale du Prix Mélodie!

The five finalists in the Stage 1 ART SONG, selected from among the most exceptional singers of their generation, will transport you to the heart of the spellbinding world of Art Song. The unique program for this prize final brings together masterpieces from the repertoire, giving life to passionate works where poetry and music come together in perfect harmony. An intimate and profound musical experience that promises to captivate classical music lovers and poetry enthusiasts alike.
The competitors deliver moving performances in a program featuring French mélodies, German lieder, English art songs, Russian romances, Italian and Spanish art songs, and other recital works. These performances, presented in the exceptional acoustics of Salle Bourgie at the Montreal Museum of Fine Arts, will delight both the public and the international grand jury. Reserve your place or one of our packages now for an unforgettable musical and emotional experience in the company of exceptional singers.
Enjoy an unforgettable musical and emotional experience in the company of exceptional singers.

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death metal progressif / Grindcore / trash metal

Shred Fest 2025 au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Avec/With :

Obscura

Groupe de heavy metal novateur originaire de Landshut, en Bavière, Obscura propose un mélange audacieux et complexe de death metal technique et de thrash progressif, qui a été salué dès la sortie de leur premier album, Retribution, en 2006. Avec une formation en perpétuel changement, le guitariste et chanteur Steffen Kummerer (connu pour sa guitare Ran à sept cordes au design unique) reste le seul membre constant du groupe. Depuis 2002, il dirige le navire noir Obscura, livrant des albums d’un extrême métal aussi inventif que brutal, comme Omnivium (2011) et Diluvium (2018). Après plusieurs remaniements, le groupe sort A Valediction en 2021, suivi en 2023 par A Celebration I: Live in North America, publié chez Nuclear Blast. En 2024, Kummerer renouvelle entièrement le line-up pour enregistrer et tourner avec l’album A Sonication, prévu pour 2025.

An innovative heavy metal group from the Bavarian town of Landshut, Germany, Obscura employ a heady and jarring blend of technical death metal and progressive thrash that drew accolades with the release of their 2006 debut album, Retribution. Featuring a rotating cast of virtuoso players, guitarist and vocalist Steffan Kummerer (known for his custom-shaped, seven-string Ran guitar) is the group’s sole constant member, and he has steered the black ship Obscura since 2002, issuing singular extreme metal outings like Omnivium (2011) and Diluvium (2018) that are as inventive as they are punishing. In 2021, after several lineup changes, the band issued A Valediction. Two years later, Nuclear Blast issued A Celebration I: Live in North America. Kummerer cleaned house in 2024, hiring an entirely different lineup to record and tour behind 2025’s studio outing A Sonication.

Atheist

Sans doute le groupe de metal progressif ultime de son époque, Atheist a développé un death-jazz d’une complexité vertigineuse, trop avancé même pour les amateurs de metal les plus aguerris. Au fil de trois albums enregistrés avec une détermination admirable malgré de nombreuses difficultés, leur style inventif mais difficile d’accès leur a valu un respect durable, tout en limitant leurs chances d’atteindre un succès grand public.

Arguably the ultimate progressive metal band of their day, Atheist’s impossibly Byzantine death-jazz proved too advanced even for committed metalheads to stomach. Over the span of three albums admirably recorded in spite of crippling adversity, the band’s inventive but inaccessible style has earned them a lasting respect, but likewise compromised their chances of attaining widespread success.

Origin

Basé à Topeka, Kansas, le quintette Origin se spécialise dans un death/grind metal d’une technicité, rapidité et brutalité exceptionnelles. Depuis leur premier EP de 1997 et l’album éponyme de 2000 chez Relapse, le groupe a misé sur un picking tremolo/sweep furieux à travers les guitares et la basse, des triplets/quintuplets de notes en 16e sur des cordes en accordage bas, et une orgie de blastbeats. Le guitariste Paul Ryan est le seul membre original. Le batteur John Longstreth a joué avec le groupe de 1999 à 2003 avant de revenir en 2007, tandis que le bassiste Mike Flores a rejoint en 2002. Le chanteur Jason Keyser est le frontman du groupe depuis la fin de 2011. L’album Antithesis (2008) a reçu leurs critiques les plus constantes depuis leurs débuts, tandis que Entity (2011) a été enregistré par le trio Origin avant l’arrivée de Keyser. Omnipresent (2014) a marqué le retour triomphal du groupe en tant que quatuor avec un jeu légèrement plus lent. Unparalleled Universe (2017) a signalé un retour au death metal technique, rapide et brutal. Abiogenesis: A Coming Into Existence (2019) a compilé les démos du groupe et d’autres premiers morceaux composés par Ryan, tandis que Chaosmos (2022) a marqué le véritable retour du quatuor en studio.

Topeka, Kansas-based quintet Origin specializes in ridiculously technical, fast, and punishing death/grind metal. Since 1997’s debut EP and 2000’s self-titled Relapse full-length, the band put all of its chips down on furious tremolo/sweep picking across guitars and bass, downtuned, sixth string-riding triplet/quintet 16th notes, and an orgy of blastbeats. Guitarist Paul Ryan is the only original member. Drummer John Longstreth served from 1999 until 2003 and re-joined in 2007, while bassist Mike Flores joined in 2002. Vocalist Jason Keyser has fronted the band since late 2011. 2008’s Antithesis scored their most consistent reviews since their debut, while 2011’s Entity saw Origin record as a pre-Keyser trio. 2014’s Omnipresent showcased the triumphant return of the band as a somewhat slower-playing quartet. 2017’s Unparalleled Universe marked a return to speedy, brutal, technical death metal. 2019’s Abiogenesis: A Coming Into Existence compiled the band’s demos and other early Ryan-composed material, while 2022’s Chaosmos marked the quartet’s proper return to recording.

Decrepit Birth

Fusionnant une puissance physique brute avec une attaque d’une précision infaillible, Decrepit Birth est un groupe de death metal technique originaire de Santa Cruz, Californie. L’histoire du groupe commence au milieu des années 90, lorsque le chanteur Bill Robinson rencontre le guitariste Matt Sotelo, et qu’ils découvrent qu’ils partagent l’ambition de créer une musique véritablement intransigeante. En 2001, les choses se concrétisent lorsque Robinson et Sotelo s’associent au bassiste Derek Boyer et commencent à assembler du matériel. En 2003, le groupe avait déjà acquis une réputation grâce à leurs concerts marquants et a sorti leur premier album, … And Time Begins, avec le batteur Tim Yeung. Yeung ne resta pas longtemps avec le groupe, et en 2004, K.C. Howard est devenu leur nouveau batteur. Après une tournée intensive, Sotelo a commencé à écrire des morceaux qui donnaient à Decrepit Birth un son plus mélodique sans réduire leur férocité. Le résultat fut leur deuxième album, Diminishing Between Worlds (2008). Bien que Joel Horner jouait de la basse avec le groupe à ce moment-là, il ne figure pas sur l’album, Sotelo jouant également de la basse et des claviers en plus de la guitare. Selon les standards de Decrepit Birth, leur album suivant a été réalisé rapidement, avec Polarity sorti en 2010 sur le label metal respecté Nuclear Blast. La formation Robinson/Sotelo/Horner/Howard a été complétée en studio par les guitaristes Dan Eggers et Ty Oliver, ainsi que par le batteur Lee Smith. À la fin de 2010, Sam Paulicelli est devenu leur nouveau batteur, remplaçant K.C. Howard, et Sean Martinez a pris la place de Horner à la basse en 2013. Bien que Decrepit Birth ait tourné intensivement pour promouvoir Polarity, le groupe a pris une pause lorsque Sotelo est devenu père pour la première fois et a voulu rester à la maison avec son jeune fils. Cependant, il n’a pas cessé d’écrire de nouvelles chansons pendant son congé paternité, et avec Sot

Merging brutal physical power with an unerringly precise attack, Decrepit Birth are a technical death metal band from Santa Cruz, California. The band’s story begins in the mid-’90s, when vocalist Bill Robinson met guitarist Matt Sotelo, and the two discovered they shared an ambition to create truly uncompromising music. In 2001, things got serious when Robinson and Sotelo teamed up with bassist Derek Boyer and began assembling material. By 2003, the band had developed a reputation for their striking live shows, and they released their debut album, … And Time Begins, with the three musicians joined by drummer Tim Yeung. Yeung didn’t last long with the group, and in 2004 K.C. Howard became their new drummer. After extensive touring, Sotelo began writing material that gave Decrepit Birth a more melodic sound without cutting back on their ferocity. The result was their second full-length album, 2008’s Diminishing Between Worlds. While Joel Horner was playing bass with the band by this time, he didn’t appear on the album, with Sotelo playing bass and keyboards as well as guitar. By Decrepit Birth’s standards, their next album was completed quickly, with Polarity released in 2010 by respected metal label Nuclear Blast; the Robinson/Sotelo/Horner/Howard lineup was supplemented in the studio by guitarists Dan Eggers and Ty Oliver and drummer Lee Smith. By the end of 2010, Sam Paulicelli became the group’s new drummer, replacing KC Howard, and Sean Martinez took over from Horner on bass in 2013. While Decrepit Birth toured hard in support of Polarity, the group took a break after Sotelo became a father for the first time and wanted to stay home with his young son. However, he didn’t stop writing new songs while on paternity leave, and with Sotelo and Martinez recording in their respective home studios and Paulicelli cutting drum tracks at a studio in Canada, Decrepit Birth returned in 2017 with the album Axis Mundi.

Fractal Universe

Fractal Universe est un groupe français de metal progressif fondé en 2014.
Avec leur deuxième album Rhizomes Of Insanity sorti en 2019 chez Metal Blade Records, le groupe a créé l’une des œuvres les plus complexes et captivantes du metal progressif du XXIe siècle, tant sur le plan musical, lyrique qu’émotionnel. Le groupe a fortement tourné pour promouvoir cet album, rejoignant les poids lourds d’Obscura en février/mars 2020, participant ainsi à l’une des dernières tournées avant la pandémie, et satisfaisant leurs fans tout en gagnant de nombreux nouveaux adeptes. Avec son successeur, The Impassable Horizon, ils sont allés encore plus loin, suivant sans effort la trajectoire qu’ils s’étaient fixée pour créer un album captivant du début à la fin.

Fractal Universe is a French Progressive Metal Band founded in 2014.
With their 2019’s sophomore record Rhizomes Of Insanity, released on Metal Blade Records the band created one of the most musically, lyrically, and emotionally complex and compelling progressive metal works of the twenty-first century. The band toured the record hard, joining heavyweights Obscura in February/March of 2020, making for one of the last tours in the world pre-pandemic, and in doing so sated their faithful while winning legions of new followers. With its successor, The Impassable Horizon, they have gone even deeper, effortlessly following the trajectory they set themselves on to create an album that is riveting from start to finish.

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heavy metal / Metalcore

Invent Animate & Silent Planet au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Invent Animate

Le groupe texan de metalcore Invent Animate a émergé au milieu des années 2010 avec un son complexe et techniquement impressionnant, intégrant le djent, l’ambient, le métal progressif et le post-hardcore. Après avoir traversé plusieurs changements de membres, ils se sont forgé une réputation pour leur travail minutieux en studio avec des albums comme Stillworld (2016) et Greyview (2020), tout en consolidant leur héritage de groupe live intense. Après trois albums chez Tragic Hero, ils ont signé avec le label australien UNFD et ont sorti Heavener en 2023.

Texas metalcore combo Invent Animate rose in the mid-2010s with an intricate, technically dazzling sound that incorporated djent, ambient, progressive metal, and post-hardcore. While enduring a handful of membership changes, they earned a reputation for detailed studio craft on albums like 2016’s Stillworld and 2020’s Greyview while also cementing a legacy as a fierce live act. After three albums on Tragic Hero, they signed with Australia’s UNFD and released 2023’s Heavener.

Silent Planet

Silent Planet est un groupe de metalcore basé à Los Angeles, dont la musique oscille entre des moments de contemplation atmosphérique calme et des assauts sonores puissants. Leurs paroles offrent une réflexion sur les défis de la vie dans un monde destructeur et chaotique. Bien que le leader du groupe, Garrett Russell, soit chrétien, il a fermement rejeté l’idée de classer Silent Planet comme un groupe chrétien, expliquant que ses paroles sont thématiquement diverses et cherchent à poser des questions plutôt qu’à donner des réponses faciles. Le groupe a fait forte impression dès ses débuts avec l’attaque percutante de The Night God Slept en 2014, et a ajouté des structures plus complexes ainsi qu’une utilisation accrue de l’électronique avec When The End Began en 2018 et Superbloom en 2023.

Silent Planet are a Los Angeles-based metalcore band whose music embraces dynamics swinging from quiet, atmospheric contemplation to a full-on sonic assault, and whose lyrics offer a thoughtful view of the challenges of life in a destructive, chaotic world. Though group leader Garrett Russell is a Christian, he’s firmly rejected classifying Silent Planet as a Christian band, saying his lyrics are thematically diverse and strive to ask questions rather than provide easy answers. The group stormed out of the gate with a challenging attack on 2014’s The Night God Slept, and added more complex structures and increased use of electronics with 2018’s When The End Began and 2023’s Superbloom.

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Indie Pop / Indie Rock

Saint Motel au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Saint Motel est un groupe indie basé en Californie, dont le pop-art vivant et accrocheur est souvent accompagné d’éléments visuels innovants, tant sur scène que sous la forme de vidéos uniques créées par le groupe pour accompagner la plupart de leurs chansons. Après avoir signé avec le label major Parlophone, ils ont connu un hit dans les classements avec leur single de 2014, My Type, qui a trouvé un public au Royaume-Uni et dans certaines parties de l’Europe. Leur album de 2016, Saintmotelevision, comportait des vidéos en réalité virtuelle pour chaque morceau, faisant de lui le premier album VR jamais réalisé. Ils ont ensuite sorti les EPs Original Motion Picture Soundtrack, Pt. 1 et Pt. 2, qu’ils ont combinés pour créer leur troisième album, Original Motion Picture Soundtrack en 2021. À partir de Everyone’s a Guru Now en 2023, Saint Motel a entamé une nouvelle phase, avec des singles tels que Fine Wine et Stay Golden en 2024.

Saint Motel are a California-based indie band whose vivid and catchy art-pop is often paired with innovative visual elements both on-stage and in the form of unique self-made videos that accompany most of their songs. After signing with major-label Parlophone, they landed a charting hit with their 2014 single “My Type,” which found an audience in the U.K. and parts of Europe. Their 2016 album, Saintmotelevision, featured virtual reality videos for every track, making it the first VR album ever made. They later released the EPs Original Motion Picture Soundtrack, Pt. 1 and Pt. 2, which they then combined to make their third album, 2021’s Original Motion Picture Soundtrack. Starting with 2023’s “Everyone’s a Guru Now,” Saint Motel kicked off a new phase that has yielded singles like “Fine Wine” and 2024’s “Stay Golden.”

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Hip Hop / rap

Pouya au Club Soda

by Rédaction PAN M 360

Pouya s’est fait connaître avec “Get Buck”, titre phare de son EP Baby Bone, un morceau brutal et agressif, dépourvu de refrain. Le titre de cet EP sorti en 2013 faisait référence à son surnom et à son admiration pour Bone Thugs-N-Harmony. Si l’influence de ce groupe pionnier du rap mélodique se ressent tout au long de sa discographie, le rappeur originaire de Miami s’est démarqué par un style personnel et créatif, ainsi que par sa grande capacité d’adaptation aux variations de ses producteurs. Entre 2016 et 2018, Pouya connaît le succès avec Underground Underdog, Drop Out of School (en collaboration avec Fat Nick) et Five Five, qui se hissent dans les classements Billboard. Durant cette période, il marque aussi les esprits avec “1000 Rounds”, un single réalisé avec Ghostemane. Lorsque ce titre est certifié or en 2021, son catalogue s’est enrichi de plusieurs projets indépendants, dont The South Got Something to Say et Blood Was Never Thick as Water.

Pouya broke through with the Baby Bone EP highlight “Get Buck,” a track so unrelenting and combative that it lacked space for a hook. The title of its 2013 parent release referred to the rapper’s nickname and love for Bone Thugs-N-Harmony. While the influence of that pioneering melodic rap group can be sensed throughout Pouya’s discography, the Miami native’s highly personal and creative lyricism, combined with his easy adaptability to the wildly varying approaches of his producers, have made him stand out all along. From 2016 through 2018, Pouya’s Underground Underdog, Drop Out of School (with Fat Nick), and Five Five each hit Billboard charts, a period during which the rapper also scored with the Ghostemane collaboration “1000 Rounds.” By the time that single went gold, in 2021, Pouya’s catalog had expanded with additional independent projects such as The South Got Something to Say and Blood Was Never Thick as Water.

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heavy metal / humour / post-grunge

Steel Panther & Buckcherry au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Steel Panther

En se faisant passer de manière satirique pour un groupe de hair metal ayant manqué sa chance dans les années 80, le chanteur Ralph Saenz (Michael Starr), le batteur Darren Leader (Stix Zadinia), le bassiste Travis Haley (Lexxi Foxxx) et le guitariste Russ Parrish (Satchel) ont écumé les clubs du Sunset Strip au tournant du millénaire sous le nom de Metal Shop (plus tard rebaptisé Metal Skool, puis Steel Panther). Avec leurs perruques volumineuses, vestes en cuir, spandex à rayures zébrées, une technique acquise en jouant dans un groupe hommage à Van Halen, et une dose massive de machisme, leur parodie des excès du sexe, des drogues et du rock’n’roll a rapidement séduit le public, entraînant des concerts à guichets fermés et quelques incursions inattendues dans le grand public. À mesure que leur popularité grandissait, la scène hollywoodienne se pressait à leurs concerts, avec des apparitions fréquentes sur scène. Cela leur a ouvert des portes : le groupe a incarné le groupe de metal Danger Kitty dans une publicité pour Discover Card, a joué son propre rôle dans The Drew Carey Show, et sa chanson FF a été utilisée comme thème de l’émission Fantasy Factory sur MTV.

Satirically pretending to be a hair metal band that missed its big break in the ’80s, singer Ralph Saenz (“Michael Starr”), drummer Darren Leader (“Stix Zadinia”), bassist Travis Haley (“Lexxi Foxxx”), and guitarist Russ Parrish (“Satchel”) hit the club circuit on the Sunset Strip around the turn of the millennium under the name Metal Shop (later changed to Metal Skool and then to Steel Panther). With big, spiky wigs, leather jackets, zebra-striped spandex, chops earned from playing in a Van Halen tribute band, and lots and lots of machismo, their comic take on sex, drugs, and rock & roll to the extreme caught on quickly, leading to sold-out shows and some unexpected brushes with mainstream success. As their popularity increased, the Hollywood crowd started frequenting their sets, often making appearances on-stage. This led to some opportunities: the group fittingly played the metal band “Danger Kitty” in a Discover Card commercial; they appeared on The Drew Carey Show as themselves; and their song “FF” was used as the theme for MTV’s Fantasy Factory.

Buckcherry

Arrivé à la fin des années 90, alors que le post-grunge s’éteignait et que le nu-metal gagnait du terrain, Buckcherry a fièrement entretenu la flamme du hard rock décadent. Le groupe s’est présenté comme un retour assumé à l’âge d’or du Sunset Strip des années 80, considérant Mötley Crüe comme ses pairs plutôt que Limp Bizkit. Son premier album éponyme, paru en 1999, a produit le hit Lit Up, qui s’est hissé au sommet du palmarès Mainstream Rock, permettant au groupe de se maintenir jusqu’à ce qu’il connaisse un succès inattendu en 2006 avec son troisième album, 15. Porté par le sulfureux Crazy Bitch et la ballade Sorry (qui a atteint le Top 10), l’album a été certifié platine, un succès qui a permis au groupe de traverser les décennies malgré de nombreux changements de formation, avec toujours le chanteur Josh Todd comme pilier. Buckcherry a sorti son dixième album studio, judicieusement intitulé Vol. 10, en 2023.

Arriving in the late ’90s amidst the embers of post-grunge and the rise of nu-metal, Buckcherry proudly kept the torch of hard rock sleaze burning. The band styled themselves as deliberate throwbacks to the glory days of the ’80s Sunset Strip, acting as if their peers were Mötley Crüe instead of Limp Bizkit. Their eponymous 1999 debut generated the number one mainstream rock hit “Lit Up,” which was enough to keep the band afloat until they had an unexpected hit in 2006 with their third album, 15. Boasting the sordid rocker “Crazy Bitch” and “Sorry” (a power ballad that cracked the Top Ten), the album was certified platinum, a success that buoyed the group for decades amid numerous lineup changes, but always anchored by singer Josh Todd. Buckcherry issued their tenth studio album, the aptly named Vol. 10, in 2023.

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