Maison symphonique

hommage / Pop / Singer-Songwriter

Urbania : Aux rythmes de Montréal à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Une ville. Mille influences. Un concert unique avec une invitée surprise! Montréal vibre, inspire et rassemble… URBANIA vous invite à vivre toute cette énergie où la musique devient le reflet de l’âme de la métropole. Des rythmes jazz aux sonorités contemporaines, de la pop aux couleurs latines, appuyés par la puissance de deux orchestres, chaque œuvre célèbre la créativité, la diversité et l’effervescence qui font battre le cœur de Montréal. Sur scène, plus de 90 musiciens et 100 choristes uniront leur passion pour offrir un spectacle d’une intensité exceptionnelle, porté par une direction artistique audacieuse. Revivez les plus grands moments de notre patrimoine musical avec une programmation captivante qui rend hommage à Luc Plamondon, Leonard Cohen, Jean-Pierre Ferland, Oscar Peterson, Céline Dion et Ginette Reno. Découvrez la flamboyante Danzón No. 2, Danzas Cubanas et plusieurs autres œuvres qui représentent notre identité culturelle. URBANIA, c’est bien plus qu’un concert : c’est une célébration du talent d’ici, de son histoire et de ses couleurs.

One city. A thousand influences. A unique concert featuring a surprise guest! Montreal vibrates, inspires, and unites… URBANIA invites you to experience all this energy where music becomes a reflection of the metropolis’s soul. From jazz rhythms to contemporary sounds, from pop to Latin influences, supported by the power of two orchestras, each piece celebrates the creativity, diversity, and effervescence that make Montreal’s heart beat. On stage, more than 90 musicians and 100 choir members will unite their passion to offer a show of exceptional intensity, driven by a bold artistic direction. Relive the greatest moments of our musical heritage with a captivating program that pays tribute to Luc Plamondon, Leonard Cohen, Jean-Pierre Ferland, Oscar Peterson, Céline Dion, and Ginette Reno. Discover the vibrant Danzón No. 2, Danzas Cubanas, and many other works that represent our cultural identity. URBANIA is more than just a concert: it’s a celebration of local talent, history, and vibrancy.

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hommage / Singer-Songwriter

ArtChoral : Hallelujah – Mélodies intemporelles pour l’âme à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

L’Ensemble ArtChoral sous la direction de Matthias Maute, vous propose une soirée immersive dans l’univers profond et complexe des émotions humaines. Le grand hymne Hallelujah de Leonard Cohen est le point de départ de ce voyage à travers un vaste répertoire choral au fil des siècles, qui non seulement inclut plusieurs « best of » de ce grand chansonnier de Montréal, mais aussi des pages éternelles de la plume de compositeurs tels que Kurt Weill, Leonard Bernstein et Ernest Bloch. À travers leurs mélodies envoûtantes et puissantes paroles introspectives, ces artistes ont réussi à exprimer les aspects les plus profonds de l’expérience humaine.

Ensemble ArtChoral, under the direction of Matthias Maute, presents an evening that immerses us into the deep and complex world of human emotions. Leonard Cohen’s great hymn Hallelujah is the starting point for this journey through a vast choral repertoire over the centuries, which not only includes several “best of” songs by this great Montreal songwriter, but also timeless melodies from the pens of composers such as Kurt Weill, Leonard Bernstein, and Ernest Bloch. Through their haunting melodies and powerful, introspective lyrics, these artists have expressed the deepest aspects of the human experience throughout their lifetimes.

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Baroque / classique / Opera

Violons du Roy : Didon et Énée à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Le chef-d’œuvre absolu de Purcell
Composé vers 1689, Dido and Æneas de Henry Purcell demeure l’un des sommets du théâtre musical baroque. En moins d’une heure, le compositeur anglais déploie une tragédie d’une intensité déchirante, où chaque note porte le poids du destin. 
L’histoire d’un amour impossible 
Didon, reine de Carthage, accueille le prince troyen Énée après la chute de Troie. Leur amour naissant est brisé par l’intervention de forces maléfiques qui convainquent Énée de poursuivre sa destinée vers l’Italie. Abandonnée, Didon choisit la mort plutôt que de vivre sans son amour. 
Le lamento : un sommet d’émotion 
Le lamento final, « When I am laid in earth », compte parmi les pages les plus bouleversantes de toute l’histoire de la musique. Sur une basse obstinée descendante, Didon fait ses adieux à la vie avec une dignité tragique qui émeut depuis plus de trois siècles. Ema Nikolovska incarne cette reine déchue, soutenue par Tyler Duncan dans le rôle d’Énée et Magali Simard-Galdès en Belinda, la confidente.
Purcell et le monde mythologique 
Trois extraits de The Indian Queen forment un prologue qui situe l’action dans un monde mythologique. Bernard Labadie dirige La Chapelle de Québec et Les Violons du Roy dans cette production qui réunit les forces vocales et instrumentales pour donner vie à l’une des plus grandes tragédies lyriques du répertoire baroque. 

Purcell’s absolute masterpiece
Composed around 1689, Henry Purcell’s Dido and Aeneas remains one of the pinnacles of Baroque musical theater. In less than an hour, the English composer unfolds a tragedy of heartbreaking intensity, where every note carries the weight of destiny.
The story of an impossible love
Dido, Queen of Carthage, welcomes the Trojan prince Aeneas after the fall of Troy. Their budding love is shattered by the intervention of evil forces who convince Aeneas to pursue his destiny in Italy. Abandoned, Dido chooses death rather than life without her love.
The lament: a peak of emotion
The final lament, “When I am laid in earth,” is one of the most moving pieces in the entire history of music. Over a descending bass line, Dido bids farewell to life with a tragic dignity that has moved audiences for more than three centuries. Ema Nikolovska embodies the fallen queen, supported by Tyler Duncan as Aeneas and Magali Simard-Galdès as Belinda, her confidante.
Purcell and the mythological world
Three excerpts from The Indian Queen form a prologue that sets the action in a mythological world. Bernard Labadie conducts La Chapelle de Québec and Les Violons du Roy in this production, which brings together vocal and instrumental forces to bring to life one of the greatest lyrical tragedies in the Baroque repertoire.

Programme

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (En version concert, avec prologue reconstruit par T. Dart et M. Laurie)

Program

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (Concert version, with prologue reconstructed by T. Dart and M. Laurie)

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classique / période romantique

Brahms – Mendelssohn à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Que reste-t-il quand le deuil s’installe? Brahms et Mendelssohn répondent : la consolation. Dans son Requiem allemand, Brahms délaisse le latin et la crainte du jugement : il choisit des textes bibliques qui s’adressent aux vivants, à ceux qui pleurent et propose à l’auditeur une longue étreinte sonore, d’une humanité bouleversante. Le Psaume 42 de Mendelssohn, où l’âme assoiffée cherche l’espérance, dévoile la face lumineuse de celle-ci, avec un clin d’œil à Bach. Les choristes du Chœur classique de Montréal seront rejoints en deuxième partie de concert par ceux des Chœurs du Plateau pour interpréter le Requiem allemand jusqu’à former une masse chorale de plus de 110 chanteurs expérimentés qui, avec deux excellents solistes et l’orchestre Sinfonia de Montréal, seront rassemblés à la Maison symphonique pour une soirée de ferveur et de beauté.

What remains when grief sets in? For Brahms and Mendelssohn, the answer is consolation. In his Deutsches Requiem, Brahms sets aside Latin and the fear of judgment: he chooses biblical texts that speak to the living, to those who mourn and offers them a long musical embrace, deeply moving in its humanity. Mendelssohn’s Psalm 42, in which the thirsty soul seeks hope, reveals the luminous side of such hope, with a nod to Bach. The singers of the Chœur classique de Montréal will be joined in the second half of the concert by those of the Chœurs du Plateau to perform the Deutsches Requiem, forming a chorus of over 110 high level choristers who, along with two outstanding soloists and the Sinfonia de Montréal orchestra, will gather at the Maison symphonique for an evening of fervour and beauty.

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classique / musique de film

Grand Concert Fantastique : Du Cinéma à la Scène à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Le Grand Concert Fantastique : Du Cinéma à la Scène réunira sur la scène de la Maison symphonique de Montréal : l’Orchestre à Vents Péri-Phonique (OVP) qui célèbre ses 15 ans cette année, l’Orchestre Philharmonique de Saint-Hyacinthe (OPSH) qui aura bientôt 150 ans d’histoire et un imposant chœur de plus de 100 voix. Ce rassemblement d’envergure mettra en lumière toute la richesse, la puissance et la couleur des ensembles à vents et percussions alliés à la force expressive du chant choral. Dans l’écrin acoustique d’exception de la Maison symphonique, ce spectacle offrira un voyage sonore à travers les grandes œuvres du répertoire cinématographique. L’alliage unique des cuivres éclatants, des bois chaleureux, d’une section de percussions percutante et des voix massives permettra de déployer des textures riches et des contrastes saisissants. Des thèmes héroïques aux fresques fantastiques et aux grands airs du cinéma, le programme explorera aussi bien des moments d’intimité mélodique que des crescendos monumentaux portés par plus de cent artistes sur scène. Ce concert d’exception incarne l’aboutissement d’un partenariat artistique majeur et la concrétisation d’une vision festive et rassembleuse, promettant au public une expérience musicale vivante, immersive et mémorable.

The “Grand Concert Fantastique : Du Cinéma à la Scène” will bring together three groups on the stage of the Maison Symphonique de Montréal: the Orchestre à Vents Péri-phonique (OVP) celebrating its 15th anniversary this year, the Orchestre Philharmonique de Saint-Hyacinthe (OPSH), with a history spanning nearly 150 years, and a massive choir of over 100 voices. This major event will showcase the richness, power, and color of wind and percussion ensembles combined with the expressive force of choral singing. Set within the exceptional acoustics of the Maison symphonique, the performance will offer a sonic journey through great works from film scores. The unique blend of brilliant brass, warm woodwinds, a dynamic percussion section, and massive vocal forces will create rich textures and striking contrasts. From heroic themes and epic fantasy scores to iconic cinematic melodies, the program will explore everything from intimate, lyrical moments to monumental crescendos delivered by over a hundred artists on stage. This extraordinary concert represents the culmination of a major artistic partnership and the realization of a festive, unifying vision, promising the audience a vibrant, immersive, and memorable musical experience.

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Indie Pop / Indie Rock / Modern Classical / pop symphonique / Post-Minimalist / post-romantique

FIJM 2026 | St. Vincent Symphonic: Pure Ecstasy

by Alain Brunet

Annie Clarke, known by her stage name St. Vincent, added another symphonic gem to her body of work on Sunday. Dressed in a simple yet elegant suit paired with scarlet shoes, she shone brightly from the first to the last second of this superb performance.

St. Vincent performed her classics with poise and authority, weaving together guitar solos and stage movements with carefully choreographed gestures, all punctuated by lavish orchestrations that elevated the entire performance.

There is no doubt about this American artist’s sensual charisma; her intellectual presence continues to impress and blends seamlessly with her rock persona—sexy, queer, electric, and incandescent. The symphonic complexity here serves a woman deeply rooted in rock culture, who is completely at ease in this context, striking a perfect balance on the tightrope connecting the two worlds.

Composed of local musicians, an orchestra of some sixty instrumentalists accompanied the fifteen or so songs on the program at the Maison symphonique, featuring arrangements by Jules Buckley, Rachel Eckroth, Sam Gale, Jochen Neuffer, Peter Riley, and Tom Trapp. Brilliant.

These arrangements are not uniform; one can observe different styles from one song to the next—sometimes post-Romantic, sometimes post-minimalist, sometimes modern, sometimes contemporary. The day after the performance, we listened to the brand-new album Live in London! and concluded that it has a beautiful cohesion.

Generally speaking, the spirit of the songs is surprisingly well preserved; the soloist’s guitars are often brought to the forefront, and the rock band backing her achieves a remarkable balance with the orchestra. We know how incredibly difficult it is to blend pop/rock and symphonic aesthetics—a feat that is still all too rarely accomplished. Here, however, the arrangements are varied and well-suited to rock expression—that of one of the most unique artists to have made a name for herself internationally since the golden age of indie rock.

St. Vincent’s symphonic repertoire is performed under the baton of British maestro Jules Buckley, who has created a wealth of orchestral arrangements tailored to various contexts and contemporary styles: today’s pop culture, jazz, and contemporary music. The conductor of the now-famous Metropol Orkest (a different ensemble from the one performing at Salle Wilfrid-Pelletier on Sunday) draws from a wide range of artists, from Patrick Watson to Louis Cole, including Emilie Claire Barlow and… St. Vincent.

For a long time, symphony orchestras enhanced popular songs by smoothing out their rough edges and emotional intensity. What we’re seeing today is quite different: the talented arrangers of our time have grasped the essence of rock’s energy, and we had a compelling example of this on Sunday—in the service of St. Vincent.

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classique / Modern Classical / Piano

Hania Rani – Non Fiction : Piano Concerto in Four Movements au Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Hania Rani est une compositrice et pianiste polonaise plusieurs fois récompensée qui évolue avec aisance entre les univers de la musique classique et expérimentale. Connue pour une série d’albums remarquables et en constante évolution — Esja, Home et Ghosts — elle a aussi composé pour le cinéma, le théâtre et la télévision.
Non Fiction est le premier concerto pour piano et la première pièce symphonique de Rani, composée en partie en réponse à la découverte en 2020 des compositions d’une jeune prodige de la musique, Josima Feldschuh, écrites pendant les horreurs de la Seconde Guerre mondiale dans le ghetto de Varsovie. Émue par l’histoire de cette jeune fille, elle a choisi de l’examiner à travers le prisme des horreurs modernes : l’invasion de l’Ukraine et le génocide à Gaza, et la façon dont nous pouvons les « observer » et les « entendre » de près grâce aux médias modernes. Ce faisant, Rani examine la coexistence constante de l’harmonie et du désordre, créant une métaphore sonore de la survie de l’esprit humain face à la violence, et utilise la valeur émotionnelle du son pour rendre ces conflits quelque peu lointains plus accessibles à notre sensibilité humaine.
S’appuyant sur la formation classique de Rani et son admiration pour la musique expérimentale et improvisée, juxtaposant symboliquement une musique précisément orchestrée à la beauté de l’élan, Non Fiction est un chef-d’œuvre moderne : révélateur, puissant, émouvant et profond. 
Pour cette première mondiale, Rani est accompagnée du Manchester Collective, un orchestre de 45 musiciens dirigé par le violoniste Rakhi Singh, avec la participation exceptionnelle du saxophoniste Jack Wyllie (Portico Quartet) et de la batteuse Valentina Magaletti, sous la direction de Hugh Brunt (London Contemporary Orchestra).
Pour le premier set, Rani présentera une sélection de ses compositions instrumentales contemporaines pour le cinéma et le théâtre, ainsi que de nouvelles compositions arrangées pour un petit ensemble.  

Hania Rani is a Polish multi-award winning composer and pianist who moves effortlessly between the worlds of classical and experimental music. Best known for a series of remarkable, ever evolving albums — Esja, Home and Ghosts — she also has written for film, theatre and television.
Non Fiction is Rani’s first piano concerto and symphonic piece composed partially in response to the discovery in 2020 of the compositions of a young music prodigy, Josima Feldschuh, written during the horrors of World War II in the Warsaw Ghetto. Moved by the girl’s story she choose to examine it through the lens of modern horrors: the invasion of Ukraine and genocide in Gaza, and how closely we can ‘observe’ and ‘hear’ them through modern media. In doing this Rani examines the constant coexistence of harmony and disorder creating a sonic metaphor for the survival of the human spirit when faced by the violence and uses the emotional value of sound to make these somehow distant conflicts more relatable to us on a human level. 
Drawing on Rani’s classical background, and her admiration for experimental and improvised music, symbolically juxtaposing precisely scored music with the beauty of momentum Non Fiction is a modern masterwork: revelatory, powerful, emotional and profound. 
In this world premier Rani is joined by the Manchester Collective assembled as a 45-piece orchestra, led by violinist Rakhi Singh and guest performances saxophonist Jack Wyllie (Portico Quartet) and drummer Valentina Magaletti and conducted by Hugh Brunt (London Contemporary Orchestra). 
For the opening set Rani will present a selection of her contemporary instrumental music for film and theatre alongside new music arranged for a small ensemble. 

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Blues Rock / R&B

Festival International de Jazz de Montréal : Taj Mahal et Phantom Blues Band à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Taj est une figure musicale imposante, une légende qui a transcendé le blues non pas en le laissant derrière lui, mais en révélant son magnifique champ d’application. En remontant ses origines jusqu’au sud des États-Unis, aux Caraïbes, en Afrique et ailleurs, il a créé des sons entièrement nouveaux.
Taj Mahal n’attend pas la permission. Si un son l’intrigue, il se met en tête de le reproduire. Si ses origines le mystifient, il part à leur recherche. Si des règles se dressent sur son chemin, il les enfreint sans vergogne. Pour Taj, les conventions n’ont aucune importance, mais les traditions sont sacrées. Il a fait progresser la musique et la culture, tout en gardant un regard affectueux sur le passé. Il souhaite simplement pouvoir créer la musique qu’il entend, et c’est ce qu’il fait.
Artiste brillant doté d’un esprit de musicologue, il a exploré et sublimé les racines de ces sons tant appréciés avec un dévouement et un talent sans limites. Il est impossible de quantifier l’importance de Taj, mais les gens essaient quand même.

Taj is a towering musical figure — a legend who transcended the blues not by leaving them behind, but by revealing their magnificent scope. As he traced origins to the American South, the Caribbean, Africa, and elsewhere, he created entirely new sounds.
Taj Mahal doesn’t wait for permission. If a sound intrigues him, he sets out to make it. If origins mystify him, he moves to trace them. If rules get in his way, he unapologetically breaks them. To Taj, convention means nothing, but traditions are holy. He has pushed music and culture forward, all while looking lovingly back. He just want to be able to make the music that he’s hearing come to him — and that’s what he does.
A brilliant artist with a musicologist’s mind, he has pursued and elevated the roots of beloved sounds with boundless devotion and skill. Quantifying Taj’s significance is impossible, but people try anyway.

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hommage / Jazz Fusion

Festival International de Jazz de Montréal : Marcus Miller | We Want Miles! à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

L’été 2026 marquera le 100e anniversaire de la naissance de Miles Davis, et le monde célébrera sans aucun doute cette étape monumentale. Le projet We Want Miles! de Marcus Miller promet d’être un hommage passionnant à l’une des figures les plus importantes non seulement du jazz, mais aussi de l’histoire de la musique en général. Marcus Miller a réuni un groupe explosif, comprenant les membres originaux du groupe qui a accompagné le retour de Miles Davis dans les années 1980, avec Marcus Miller à la basse électrique, Mike Stern à la guitare, Bill Evans au saxophone et Mino Cinelu aux percussions. Le talentueux trompettiste Russell Gunn, qui a tourné avec Marcus Miller au cours de la dernière décennie, mettra en avant ses interprétations uniques de la musique de Davis. Le projet We Want Miles! présentera une sélection de morceaux tirés de l’enregistrement live emblématique de 1981 We Want Miles! au Japon, ainsi que des compositions classiques issues du célèbre catalogue de Miles, couvrant les années 1950 et 1960, jusqu’à sa dernière période avec Tutu en 1986 et Amandla en 1989, tous deux composés et produits par Marcus Miller. Le groupe jouera la musique de toutes les périodes importantes de la carrière de Miles, en plus d’emmener Miles vers le futur et d’explorer d’autres choses qu’il aurait pu apprécier jouer à l’avenir.

Summer 2026 will mark the 100th anniversary of Miles Davis’ birth, and the world will undoubtedly celebrate this monumental milestone. Marcus Miller’s We Want Miles! project promises to be an exciting celebratory tribute to one of the most important figures in not just jazz but in the overall history of music. Marcus Miller has assembled an explosive group, including the original members of Miles Davis’ 1980s comeback band, featuring Marcus Miller on electric bass, Mike Stern on guitar, Bill Evans on saxophone and Mino Cinelu on percussion. The talented trumpeter Russell Gunn, who has toured with Marcus Miller for the past decade, will bring his unique interpretations of Davis’ music to the forefront. The We Want Miles! project will feature selections from the iconic 1981 We Want Miles! live recording in Japan, along with classic compositions from Miles’ celebrated catalog spanning the 1950s and 60s, right up to his final era of Tutu in 1986 and Amandla in 1989, both of which Marcus Miller composed and produced. The group will play the music from all of the important eras of Miles’ career but will also take Miles into the future and explore some other things that he might have appreciated playing going forward.

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Classical Singing / classique / musique de chambre

Festival de musique de chambre de Montréal : Schubertiade à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

En clôture du Festival à la Maison symphonique de Montréal, seize musiciens se réunissent sur scène et célèbrent Schubert dans toute sa force expressive. Du Quintette pour piano et cordes « La Truite » à « La jeune fille et la mort », ces œuvres emblématiques traversent la lumière, la fragilité et la tension qui façonnent son univers. Portée par la présence collective des interprètes, le Barbican Quartet, la soprano Donna Brown, le pianiste Illia Ovcharenko, l’altiste Victor Fournelle-Blain, et le violoncelliste Denis Brott, cette Schubertiade promet une soirée inoubliable.

Sit onstage with the musicians for Schubert in its most intimate form: soprano Donna Brown performing The Trout, followed by the Trout Quintet and Death and the Maiden, arranged by Mahler for 16 strings. Performers include Illia Ovcharenko, pianist, the Barbican Quartet, violist Victor Fournelle-Blain and cellist Denis Brott.

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Ambient / électro-minimal / Neoclassical

Festival International de Jazz de Montréal : Flore Laurentienne à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Mathieu David Gagnon travaille depuis longtemps dans l’ombre de projets remarquables en tant qu’arrangeur, orchestrateur, directeur musical et réalisateur. Tout en continuant de jongler avec les projets des autres, il a secrètement donné suite à une inspiration personnelle et a finalement dévoilé en 2019 son œuvre, Flore Laurentienne, Volume I suivie en 2022 de Volume II. Mariage étrangement naturel entre orchestre à cordes et synthétiseurs analogues des années 60 et 70, Flore Laurentienne est une invitation à la contemplation. Les albums de Flore Laurentienne Volume I et Volume II sortis via Costume Records ont conquis le public et séduit les critiques, récoltant deux Félix au Gala de l’ADISQ 2020 et le trophée du Meilleur album expérimental au GAMIQ la même année. Les albums ont également recueilli plusieurs nominations au Gala de l’ADISQ, au Prix JUNO ainsi que sur la longue liste du prestigieux Prix de musique Polaris. La pièce Fleuve No. 1 s’est retrouvée en ouverture du défilé de la maison Chanel à la Paris Fashion Week 2022. 8 tableaux, le dernier album de Flore Laurentienne, est paru le 1er mars 2024 sur Secret City Records. Sur ce nouvel album concept, le compositeur, orchestrateur et musicien, puise l’inspiration dans les œuvres de Jean Paul Riopelle.

Mathieu David Gagnon has long worked behind the scenes on remarkable projects as an arranger, orchestrator, musical director, and producer. While continuing to juggle other people’s projects, he secretly pursued a personal inspiration and finally unveiled his work, Flore Laurentienne, Volume I in 2019, followed by Volume II in 2022. A strangely natural marriage between string orchestra and analog synthesizers from the 60s and 70s, Flore Laurentienne is an invitation to contemplation. The albums Flore Laurentienne Volume I and Volume II, released via Costume Records, won over audiences and critics alike, garnering two Félix awards at the 2020 ADISQ Gala and the Best Experimental Album trophy at the GAMIQ that same year. The albums also received several nominations at the ADISQ Gala, the JUNO Awards, and on the long list for the prestigious Polaris Music Prize. The piece Fleuve No. 1 was featured as the opening number for the Chanel fashion show at Paris Fashion Week 2022. 8 tableaux, Flore Laurentienne’s latest album, was released on March 1, 2024, on Secret City Records. On this new concept album, the composer, orchestrator, and musician draws inspiration from the works of Jean Paul Riopelle.

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chanson française / Pop

Francos de Montréal : Pierre Lapointe – La forêt des cœurs abîmés à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

2026 marque deux anniversaires importants dans la carrière de Pierre Lapointe: le premier anniversaire de Dix chansons démodées pour ceux qui ont le cœur abîmé et le vingtième anniversaire de La forêt des mal-aimés.
Deux albums, deux succès exceptionnels, à presque vingt ans d’écart. Fait remarquable, qui rappelle à quel point Pierre Lapointe n’a cessé, depuis son arrivée dans le paysage artistique, de surprendre et d’exceller avec une agilité sans égale. 
Pour souligner cette période charnière, Pierre a décidé de nous offrir un spectacle symphonique accompagné de l’Orchestre Métropolitain en deux actes : Dix chansons démodées pour ceux qui ont le cœur abîmé suivi de La forêt des mal-aimés tous deux présentés dans leur intégralité. 
Les chansons composant ces deux opus se mariant naturellement aux arrangements symphoniques, nous pouvons d’ors et déjà parier que cette tournée sera un des faits saillants de la carrière de celui qui a fait de la chanson triste sa marque de commerce.

2026 marks two important anniversaries in Pierre Lapointe’s career: the first anniversary of Dix chansons démodées pour ceux qui ont le cœur abîmé and the twentieth anniversary of La forêt des mal-aimés. 
Two albums, two exceptional successes, almost twenty years apart. This is remarkable, reminding us how Pierre Lapointe has never ceased, since his arrival on the artistic scene, to surprise and excel with unparalleled agility.  
To mark this pivotal period, Pierre has decided to treat us to a symphonic show accompanied by the Orchestre Métropolitain in two acts: Dix chansons démodées pour ceux qui ont le cœur abîmé followed by La forêt des mal-aimés, both presented in their entirety.  

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