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expérimental / contemporain / Free Improvisation

Le Vivier / Semaine du Neuf | Limules + No Hay Banda & Ana María Romano, les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous emmène au programme de l’ultime concert au programme:

“Le Festival se conclut  avec un programme double qui met en vedette le groupe d’improvisation Limul avec No Hay Banda qui invite Anna Maria Romano. Donc, c’est une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves qui s’entrelacent à travers une écoute curieuse, on pourrait dire. Une œuvre qui  dialogue avec des univers sonores qui sont à la fois nourris d’histoires personnelles, mais aussi qui sont en lien avec les instruments. J’ai très hâte d’assister à cette rencontre entre No Hay  Banda et la compositrice colombienne  Anna-Maria Romano qui sera sur place.”

Un programme double mettant en vedette le groupe d’improvisation Limules aux côtés de No Hay Banda et Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (personne ne peut enlever ce que nous avons dansé)
Une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves et des sensibilités qui s’entrelacent à travers l’écoute et la curiosité. Cette œuvre fait dialoguer des univers sonores nourris d’histoires personnelles, de liens avec les instruments, d’affects, de confiance et d’échanges culturels. Elle est une invitation à respirer, imaginer, créer, transformer. Un espace où se croisent la conversation, la minutie, la subtilité, la vulnérabilité, le petit, le fragile. Un pari sur les présents, les passés et les futurs qui nous relient et nous parlent.
Limules
Réunissant des improvisateurs férus de langages contemporains, le groupe explore les formes de l’improvisation libre en travaillant sur la permanence et la transformation, le stable et l’imprévisible. Comme la musique, la limule présente un conservatisme morphologique exceptionnel. Cependant, les études biochimiques montrent qu’un grand nombre de caractères moléculaires distinguent les organismes actuels des espèces éteintes, même morphologiquement proches. Si l’animal remonte à plus de 50 millions d’années, l’ensemble est né en 2022, d’un simple désir d’improvisation outre-frontière.

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Programme

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – création
  • Limules , 2026  – création

Artistes

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Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, takes us through the program for the final concert:

“The Festival concludes with a double bill featuring the improvisational group Limul with No Hay Banda, who invite Anna-Maria Romano. So, it’s an encounter of bodies, memories, and dreams that intertwine through what you might call curious listening. A work that engages in dialogue with soundscapes that are both nourished by personal stories and connected to the instruments. I am very much looking forward to attending this encounter between No Hay Banda and Colombian composer Anna-Maria Romano, who will be there.

A double bill featuring the improvisation group Limules alongside No Hay Banda and Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (no one can take away what we have danced)
A meeting of bodies, memories, dreams, and sensibilities that intertwine through listening and curiosity. This work creates a dialogue between sonic universes nourished by personal stories, connections with instruments, affects, trust, and cultural exchanges. It is an invitation to breathe, imagine, create, transform. A space where conversation, meticulousness, subtlety, vulnerability, the small, the fragile intersect. A wager on the presents, pasts, and futures that connect us and speak to us.
Limules
Bringing together improvisers passionate about contemporary languages, the group explores forms of free improvisation by working on permanence and transformation, the stable and the unpredictable. Like music, the horseshoe crab (limule in french) exhibits exceptional morphological conservatism. However, biochemical studies show that a large number of molecular characteristics distinguish current organisms from extinct species, even those that are morphologically similar. While the animal dates back more than 50 million years, the ensemble was born in 2022, from a simple desire for cross-border improvisation..

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Program

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – premiere
  • Limules , 2026  – premiere

Artists

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

Afro Latin / Eastern European / Klezmer

Syli d’Or : Thaynara Peri & Red Hot Chili Schleppers au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Thaynara Peri est une chanteuse, compositrice et percussionniste brésilienne basée à Montréal. Son parcours artistique se développe à la croisée des racines afro-brésiliennes et d’influences variées telles que le jazz, le rock et la bossa nova. Parallèlement à son travail personnel, Thaynara fait partie du groupe Tamboreal Samba Bloco, où elle se produit comme chanteuse et percussionniste. Avec le groupe, elle a participé au Festival International Nuits d’Afrique, une expérience marquante qui a nourri son rapport au groove, à l’énergie collective et à l’improvisation. Ses projets personnels reflètent cette richesse d’influences, mêlant ijexá, samba de coco et percussions traditionnelles à des harmonies contemporaines et une interprétation vocale à la fois puissante et sensible. Sur scène, Thaynara propose des performances immersives, ancrées dans le rythme, le mouvement et la présence.
Les Red Hot Chili Schleppers, c’est pas le klezmer de ta Bubbe ! Ce groupe montréalais revisite avec fougue et humour les airs traditionnels juifs dans un style qu’il décrit comme du « klezmer pour le club » : une fusion festive et débridée entre tradition et modernité. Leur musique fait tour à tour rire, pleurer et danser le public jusqu’au bout de la nuit. Depuis trois ans, les Red Hot Chili Schleppers enflamment les scènes à Montréal, au Québec et à travers le Canada, avec un sens du rythme contagieux et une joie de jouer irrésistible.

Thaynara Peri is a Brazilian singer, songwriter, and percussionist based in Montreal. Her artistic journey unfolds at the crossroads of Afro-Brazilian roots and diverse influences such as jazz, rock, and bossa nova. Alongside her solo work, Thaynara is a member of the group Tamboreal Samba Bloco, where she performs as both singer and percussionist. With the group, she took part in the Festival International Nuits d’Afrique, a defining experience that deepened her connection to groove, collective energy, and improvisation. Her personal projects reflect this wealth of influences, blending ijexá, samba de coco, and traditional percussion with contemporary harmonies and a vocal style that is both powerful and sensitive. On stage, Thaynara offers immersive performances rooted in rhythm, movement, and presence.
The Red Hot Chili Schleppers, this ain’t your Bubbe’s klezmer! This Montreal-based band brings new life to traditional Jewish tunes with infectious energy and humor, in a style they like to call “klezmer for the club.” A vibrant mix of old-world soul and modern groove. Their music will make you laugh, cry, and dance all night long. For the past three years, the Red Hot Chili Schleppers have been lighting up stages across Montreal, Quebec, and Canada, sharing their unmistakable energy and love of music wherever they go.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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Afrobeat / Kompa / Rara

Syli d’Or : Melting Point & KANNFÒ au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Melting Point réunit des musiciens venus d’horizons multiples, portés par des influences qui s’étendent des rythmes afro-antillais et du jazz modal aux différentes formes du funk, sans oublier les riches traditions musicales du Moyen-Orient. Cette diversité s’exprime dans une musique vivante et contrastée, nourrie de percussions polyrythmiques, de grooves puissants et de mélodies envoûtantes. Le groupe privilégie les compositions originales tout en revisitant avec créativité des standards de jazz et de funk. Leurs parcours et cultures variés forment un langage commun où se rencontrent expérience, liberté et expression collective. Chaque performance vise à créer un moment authentique, vibrant et profondément engageant, à l’image de leur métissage musical.
KANNFÒ est un collectif musical montréalais fondé par deux artistes d’origine haïtienne, RèN Darah et Ericka Julie. Tiré des mots créoles canne (racines) et fò (force), leur nom symbolise un ancrage caribéen à la fois profond et puissant. Leur musique fait dialoguer les rythmes traditionnels haïtiens – pétro, rara, konpa – avec les sonorités modernes, pour créer une expérience scénique vibrante où se rencontrent voix, percussions et mouvement. Ancienne danseuse et chanteuse formée en Haïti, Ericka Julie s’est illustrée sur les scènes internationales (Trinidad, Taïwan, Mali) avant de s’installer au Canada, où elle poursuit une démarche artistique engagée et plurielle. RèN Darah, quant à elle, est une chanteuse et autrice révélée par la scène québécoise, lauréate de plusieurs prix (dont le Kilimandjaro Award de la Voix féminine de l’année 2024), dont la musique mêle R&B, néo-soul et influences caribéennes. En unissant leurs univers, KANNFÒ célèbre la force des femmes et la richesse des identités afro-caribéennes à travers des performances puissantes, sensibles et profondément enracinées dans l’héritage haïtien.

Melting Point brings together musicians from diverse backgrounds, drawing inspiration from Afro-Caribbean rhythms, modal jazz, various forms of funk, and the rich musical traditions of the Middle East. This wide range of influences fuels a vibrant and dynamic sound, blending polyrhythmic percussion, infectious grooves, and captivating melodies. The group focuses on original compositions while bringing a fresh perspective to jazz and funk standards. Their varied cultural journeys shape a shared musical language rooted in experience, freedom, and collective expression. Each performance delivers an authentic, energetic, and deeply engaging experience that reflects their creative fusion of sounds and identities.
KANNFÒ is a Montreal-based musical collective founded by two Haitian artists, RèN Darah and Ericka Julie. The name, drawn from the Creole words canne (root) and fò (strength), symbolizes deep and vibrant Caribbean roots. Their music bridges traditional Haitian rhythms — pétro, rara, konpa — with contemporary sounds, creating a powerful stage experience where voice, percussion, and movement intertwine. A singer and dancer trained in Haiti, Ericka Julie has performed internationally (Trinidad, Taiwan, Mali) before settling in Canada, where she continues to expand her multidisciplinary artistic practice. RèN Darah, meanwhile, is a singer and songwriter emerging from the Quebec music scene — winner of several awards, including Female Voice of the Year at the 2024 Kilimandjaro Awards — whose sound blends R&B, neo-soul, and Caribbean influences. By combining their creative worlds, KANNFÒ celebrates the strength of women and the richness of Afro-Caribbean identities through performances that are powerful, heartfelt, and deeply rooted in Haitian heritage.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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classique

OSM : De Bartók à Mozart – flûte, improvisation et symphonie

by Rédaction PAN M 360

Le clarinettiste Kinan Azmeh séduit par son jeu fluide, nuancé et sa grande aisance à improviser. Aux côtés de l’OSM, il présente un programme où se croisent liberté créative, accents folkloriques de Bartók et sensibilité novatrice de Carl Philipp Emanuel Bach. La Symphonie no 39 de Mozart conclut ce programme avec fluidité et élégance.

Clarinetist Kinan Azmeh captivates audiences with his fluid, nuanced playing and remarkable improvisational talent. Joined by the OSM, he will showcase a program that blends creative freedom, Bartók’s folk-inspired motifs, and Carl Philipp Emanuel Bach’s innovative sensitivity. The evening concludes with Mozart’s graceful and elegant Symphony No. 39.

Programme

Béla Bartók, Six danses folkloriques roumaines (6min)
Carl Philipp Emanuel Bach, Concerto pour flûte, H.425, W.22 en re mineur (26min)
Kinan Azmeh, Suite for improvisor and orchestra (22min)
Wolfgang Amadeus Mozart, Symphonie no 39, K. 543 (29min)

Program

Béla Bartók, Six Romanian Folk Dances (6 min)
Carl Philipp Emanuel Bach, Concerto for Flute in D Minor, H. 425, W. 22 (26 min)
Kinan Azmeh, Suite for Improvisor and Orchestra (22 min)
Wolfgang Amadeus Mozart, Symphony No. 39, K. 543 (29 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

Indie Pop / Neo-Soul / Vocal Jazz

Caity Gyorgy et Gabi Hartmann en programme double à la salle Raoul-Jobin

by Rédaction PAN M 360

Le Palais Montcalm – Maison de la musique est fier d’offrir un programme double exclusif avec deux étoiles montantes : Caity Gyorgy et Gabi Hartmann. Récipiendaire de plusieurs prix, dont deux Juno, la chanteuse canadienne Caity Gyorgy est reconnue ici comme ailleurs pour son riche répertoire bebop et swing. On lui doit de superbes interprétations de même que des compositions originales dans la veine du Great American Songbook. Gabi Hartmann, artiste parisienne née en 1991, s’impose pour sa part avec un style mêlant pop, folk, jazz, soul et musiques du monde. Chanteuse multilingue, elle brouille les frontières musicales et raconte ses émotions à travers une voix douce et mélancolique. Après un premier album éponyme écouté plus de 20 millions de fois et salué par la critique, elle vient présenter son nouveau projet, La femme aux yeux de sel, qui la positionne comme une incontournable sur la scène internationale.

The Palais Montcalm – Maison de la musique is proud to present an exclusive double bill featuring two rising stars: Caity Gyorgy and Gabi Hartmann. A multiple award winner, including two Juno Awards, Canadian singer Caity Gyorgy is renowned both at home and abroad for her rich bebop and swing repertoire. She is celebrated for her superb interpretations as well as her original compositions inspired by the Great American Songbook. Paris-based artist Gabi Hartmann, born in 1991, has made a strong impression with a style that blends pop, folk, jazz, soul, and world music. A multilingual singer, she blurs musical boundaries and conveys her emotions through a soft, melancholic voice. Following the success of her self-titled debut album streamed more than 20 million times and critically acclaimed, she now presents her new project, La femme aux yeux de sel, establishing her as a must-see artist on the international stage.

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Ce contenu provient du Palais Montcalm et est adapté par PAN M 360

Création / expérimental / contemporain

Le Vivier / Semaine du Neuf | lovemusic – Protest of the Physical, les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

D’abord quelques mots de Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf:

“Love Music est un super ensemble de Strasbourg dont l’œuvre présentée à Montréal est   Protest of the Physical, une performance en quatre tableaux. Les corps des musiciens ne sont pas utilisés exclusivement pour l’exécution instrumentale, mais sont complètement engagés dans l’œuvre. Il faut souligner ici que le geste  influence l’écoute et la perception du geste influence l’écoute. Il y a vraiment une intégration entre plusieurs disciplines dans ce spectacle. Je soulignerais spécifiquement, moi, une des pièces qui m’intéresse beaucoup, c’est le travail de Bethany Young.  C’est un ensemble relativement jeune en train de repousser les limites de l’expérience du concert traditionnel en musique contemporaine.”

lovemusic propose une performance musicale dans laquelle les corps des interprètes sont au cœur de l’expérience, devenant des éléments essentiels de la création sonore. Protest of the Physical est une performance en quatre tableaux. Les corps des musicien·ne·s n’y sont pas simplement des véhicules pour l’exécution instrumentale mais complètement engagés dans une physicalité expressive. Ils sont à la fois intrinsèquement liés à la musique et à ses exigences physiques, et servent de faire-valoir pour souligner la façon dont le geste façonne notre expérience d’écoute. En intégrant des artistes issus de différentes disciplines au processus créatif, en repensant le rôle du public et en revendiquant le corps comme un puissant outil de communication, les interprètes du collectif affirment ainsi avec audace leur identité singulière de performeur·euse·s.

Programmation

-Annette Schlunz, Anne-Hélène Kotoujansky: In die Ferne, dem Berg zu , 2025 (commande de lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique et gestes  – création
-Nik Bohnenberger: hands, drum – three bones , 2025 (commande de la Philharmonie de Luxembourg pour lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique, électronique et vidéo  – création
-Bethany Younge: Seeds , 2025 (commande de lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique  – création
-Helmut Oehring: [iɱˈfɛrno] (extrait de : MAPPA) Contrapasso I – V (à Wladimir Poutine / Sergej Lawrow) , 2022 (commande de lovemusic et le festival klangwerkstatt – Berlin) pour pour flûte basse, clarinette basse, violoncelle, guitare électrique et bande  – création

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First, a few words from Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf:

“Love Music is a great ensemble from Strasbourg whose work presented in Montreal is Protest of the Physical, a performance in four scenes. The musicians’ bodies are not used exclusively for instrumental performance, but are fully engaged in the work. It should be noted here that gesture influences listening, and perception of gesture influences listening. There is a real integration between several disciplines in this show. I would specifically highlight one of the pieces that interests me greatly, which is the work of Bethany Young. This is a relatively young ensemble that is pushing the boundaries of the traditional concert experience in contemporary music.”

Translated with DeepL.com (free version)

lovemusic presents a musical performance in which the performers’ bodies are at the heart of the experience, becoming essential elements of the sonic creation. Protest of the Physical is a performance in four tableaux. The musicians’ bodies are not simply vehicles for instrumental execution but are completely engaged in an expressive physicality. They are both intrinsically linked to the music and its physical demands, and serve as a foil to emphasize the way gesture shapes our listening experience. By integrating artists from different disciplines into the creative process, by rethinking the role of the audience, and by asserting the body as a powerful tool of communication, the collective’s performers thus boldly affirm their singular identity as performers.

Program

-Annette Schlunz, Anne-Hélène Kotoujansky: In die Ferne, dem Berg zu , 2025 (commissioned by lovemusic) for for flute, clarinet, violin, cello, electric guitar and gestures  – premiere
-Nik Bohnenberger: hands, drum – three bones , 2025 (commissioned by the Philharmonie de Luxembourg for lovemusic) for or flute, clarinet, violin, cello, electric guitar, electronics and video  – premiere
-Bethany Younge: Seeds , 2025 (commissioned by lovemusic) for for flute, clarinet, violin, cello, electric guitar  – premiere
-Helmut Oehring: [iɱˈfɛrno] (extrait de : MAPPA) Contrapasso I – V (à Wladimir Poutine / Sergej Lawrow) , 2022 (commissioned by lovemusic and the klangwerkstatt festival – Berlin) for for bass flute, bass clarinet, cello, electric guitar and tape  – premiere

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

cinéma / orchestre

Le Seigneur des Anneaux : Le Retour du Roi – En concert à la salle Louis-Fréchette

by Rédaction PAN M 360

Debout, debout, cavaliers de Théoden! L’heure est enfin venue d’assister au dernier épisode de la saga épique de Peter Jackson, Le Seigneur des Anneaux – Le Retour du Roi. Rejoignez l’orchestre et le chœur FILMharmonique et ses 250 musiciens sur scène pour cette dernière aventure vers l’Ouest et découvrez la partition d’Howard Shore, récompensée aux Oscars, interprétée en direct durant la projection du film projeté en HD sur grand écran. Forth Eorlingas!

Arise, arise, Riders of Théoden! The time has finally come to witness the final chapter of Peter Jackson’s epic saga, The Lord of the Rings – The Return of the King. Join the FILMharmonique Orchestra and Choir, with 250 musicians on stage, for this last journey to the West, and experience Howard Shore’s Academy Award–winning score performed live in sync with the film, projected in HD on the big screen. Forth Eorlingas!

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Ce contenu provient du Grand Théâtre de Québec et est adapté par PAN M 360

Musical Theatre / Rock

Bat Out of Hell – La comédie musicale à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Préparez-vous à vivre Bat Out of Hell – La comédie musicale qui fera exploser la scène pour une représentation seulement, dans un spectacle qui promet d’être tout simplement légendaire. Bat Out of Hell – La comédie musicale est un spectacle musical réinventé par excellence! Il s’agira d’un événement époustouflant où la musique légendaire de Jim Steinman et de Meat Loaf s’animera avec un groupe de rock dynamique composé de huit musiciens. Évoluant au cœur d’une scénographie à plusieurs niveaux, vous serez transporté à travers les univers variés de Bat Out of Hell.

Get ready to witness Bat Out of Hell: The Musical as it explodes onto the stage for one night only, in a spectacle that promises to be nothing short of legendary. Bat Out of Hell – The Musical, the award-winning musical, is a thrilling spectacle of a show where the timeless music of Jim Steinman and Meat Loaf reigns supreme with a dynamic eight-piece rock band performing amidst sprawling multi-level platforms that transport you through the diverse worlds of Bat Out of Hell.

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Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

chanson keb franco / Folk Rock / hommage

Guy Brière et Les mauvaises herbes : Assis ent’2 chaises – Hommage à Plume Latraverse à l’Amphithéâtre Cogeco

by Rédaction PAN M 360

Assis ent’2 chaises – Hommage à Plume Latraverse, retrace le parcours musical de Plume Latraverse, ce grand chansonnier rockeur, qui a oscillé tout au long de sa carrière entre le rock et le folk. Malgré les modes et les vagues, Plume a toujours su mener sa barque à bon port, à sa propre façon. Pigeant dans le vaste répertoire de l’artiste, Guy Brière et Les Mauvaises Herbes vous feront chanter et taper du pied en vous interprétant un grand nombre des classiques de notre Plume national. Ils se permettront également quelques coups de cœur et quelques coups de gueule. Une soirée pour brasser les vieux souvenirs et faire le plein de nostalgie avec des titres tels que Chambre à louer, Quel calvaire, Jonquière, Bobépine, La ballade des caisses de 24, La bienséance, Le rock’n’roll du grand flanc mou, Retour à la terre, Léon le caméléon et bien d’autres. Guy Brière et Les Mauvaises Herbes possèdent une grande expérience, des musiciens de talents qui sont fiers de s’attaquer à une partie de l’œuvre colossale de Plume. Le groupe est composé de François Plante à la direction musicale, à la guitare électrique et la guitare acoustique, ainsi que de Denis Rousseau à la basse, Carl Bouchard à la batterie et Jessee Pépin au clavier.

Assis ent’2 chaises – A Tribute to Plume Latraverse retraces the musical journey of Plume Latraverse, the legendary rocker-chansonnier whose career has continuously shifted between rock and folk. Despite trends and changing tides, Plume has always navigated his own path, in his own way. Drawing from the artist’s vast repertoire, Guy Brière and Les Mauvaises Herbes will make you sing along and tap your feet as they perform many of the classics by our beloved Plume. They’ll also share a few personal favorites and sharp-edged picks. Expect an evening filled with nostalgia and memories brought back to life through songs such as Chambre à louer, Quel calvaire, Jonquière, Bobépine, La ballade des caisses de 24, La bienséance, Le rock’n’roll du grand flanc mou, Retour à la terre, Léon le caméléon, and many more. Guy Brière and Les Mauvaises Herbes bring extensive experience and undeniable musical talent to this tribute, taking on a significant part of Plume’s colossal body of work. The group features François Plante as musical director on electric and acoustic guitar, Denis Rousseau on bass, Carl Bouchard on drums, and Jessee Pépin on keyboards.

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Ce contenu provient de l’Amphithéâtre Cogeco et est adapté par PAN M 360

chanson keb franco / Indie Pop / R&B

Les Louanges à l’Amphithéâtre Cogeco

by Rédaction PAN M 360

Les Louanges, c’est le projet de Vincent Roberge, auteur-compositeur-interprète et producteur au talent brut et à l’audace musicale avérée. À la fois inspiré par D’Angelo, Gorillaz et Leonard Cohen, il développe au fil des années une signature distinctive, caractérisée par un alliage moderne de funk et de soul enrichi d’un enrobage pop raffiné, lui permettant de se positionner comme l’une des figures incontournables du renouveau de la musique québécoise. Après deux albums La nuit est une panthère (2018) et Crash (2022) , un EP, une poignée de singles et de multiples tournées au Québec et en Europe, Les Louanges revient à la charge à l’automne 2025, mettant ainsi la table pour Alouette!, son très attendu troisième album, à paraître au printemps prochain.

Les Louanges is the project of Vincent Roberge, a singer-songwriter and producer known for his raw talent and bold musical vision. Inspired by artists such as D’Angelo, Gorillaz, and Leonard Cohen, he has developed a distinctive sound over the years, blending modern funk and soul with refined pop elements, establishing himself as one of the leading figures in the renewal of Quebec’s music scene. Following two albums, La nuit est une panthère (2018) and Crash (2022), an EP, several singles, and numerous tours across Quebec and Europe, Les Louanges returns in fall 2025, setting the stage for Alouette!, his highly anticipated third album, set for release next spring.

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jeunesse

Le Vivier : Mini Neuf – Duo ÉK : Pouet! au Studio-Théâtre de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Place aux enfants avec le Duo ÉK et leur spectacle Pouet! une pièce de théâtre musicale qui invite le public à participer. Pouet! est un spectacle jeune public énergique où musique, bruitage en direct, mime, clown et théâtre d’objets fusionnent pour une expérience ludique et interactive. Cette performance de 30 minutes met en scène deux personnages qui communiquent uniquement par le bruit et le charabia. À travers un langage basé sur le son et le mouvement, les artistes explorent le potentiel musical du quotidien, transformant des gestes banals – se réveiller, se brosser les dents, faire du sport – en un univers sonore magique et imprévisible. Instruments détournés, bruitages et improvisations font de Pouet! une aventure sensorielle où la musique surgit des objets et du corps, révélant le merveilleux caché dans l’ordinaire. Un voyage du son à la musique!

Children take center stage with Duo ÉK and their show Pouet! a musical theatre piece that invites the audience to participate. Pouet! is an energetic children’s show where music, live sound effects, mime, clowning, and object theatre merge for a playful and interactive experience. This 30-minute performance features two characters who communicate solely through noise and gibberish. Through a language based on sound and movement, the artists explore the musical potential of everyday life, transforming mundane gestures—waking up, brushing teeth, exercising—into a magical and unpredictable sonic universe. Repurposed instruments, sound effects, and improvisations make Pouet! a sensory adventure where music emerges from objects and the body, revealing the wonder hidden in the ordinary. A journey from sound to music!

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jeunesse

Le Vivier : Mini Neuf – Hanatsu Miroir : Ptitécouti au Studio-Théâtre de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Musique, scénographie, lumière : chaque élément est adapté à la psychologie et à la compréhension du monde des enfants de moins de 3 ans. Au cœur du spectacle : une boîte lumineuse pleine de surprises, faite de divers compartiments et tiroirs. Dans chacun d’entre eux se trouvent des objets de formes et de textures différentes, à l’aspect organique et rassurant. La musicienne, tantôt avec de l’eau, tantôt avec de l’air, de ses doigts agiles qui donnent aux objets une certaine magie, en tire une multitude de sons nouveaux qui finissent par former une musique intime et poétique. 

Music, scenography, lighting: each element is adapted to the psychology and understanding of the world of children under 3 years old. At the heart of the show: a luminous box full of surprises, made of various compartments and drawers. In each of them are objects of different shapes and textures, with an organic and reassuring appearance. The musician, sometimes with water, sometimes with air, with her agile fingers that give the objects a certain magic, draws from them a multitude of new sounds that ultimately form an intimate and poetic music.

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