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Chamber Pop / chanson keb franco / Folk Pop

FME : Stéphanie Boulay et Bells Larsen à l’Agora des Arts

by Rédaction PAN M 360

Bells Larsen (20h)

Avec Blurring Time, Bells Larsen propose un album profondément intime et réfléchi, où le temps devient un espace fluide et cérémoniel. Pensé en résonance avec sa transition de genre, le disque incarne une volonté de réconcilier passé et présent : enregistré d’abord avec sa voix d’avant, Larsen a ensuite attendu que sa voix change sous testostérone pour y superposer des harmonies graves, créant ainsi un dialogue bouleversant entre différentes versions de lui-même. Avec l’aide de Georgia Harmer, il construit une œuvre où chaque voix trouve sa place. Réalisé par Graham Ereaux, Blurring Time navigue entre indie lo-fi des années 90 et folk contemplatif. Les arrangements évoquent l’élégance d’artistes comme Elliott Smith ou Adrienne Lenker, tandis que les textes abordent les liens fraternels, la construction d’un monde queer et la complexité du devenir. Pour Larsen, il ne s’agit plus de choisir entre l’avant et l’après, mais de dire « et » plutôt que « ou ». Cet album est autant une œuvre musicale qu’un geste politique et personnel : il explore la continuité de l’identité à travers le changement, avec une grâce rare. C’est une célébration de l’introspection, de la transformation et de la tendresse envers soi-même.

On Blurring Time, Bells Larsen transforms time into a series of patient, ceremonial acts. Reflecting their gender transition, the album is a bold exploration of identity in flux. Larsen intentionally recorded their higher, pre-testosterone voice and instrumentation in 2022, then waited for their voice to deepen before enlisting longtime collaborator Georgia Harmer to arrange harmonies with their present, lower voice—creating a poignant and intentional duet with the self. Produced by Graham Ereaux, the album blends ’90s indie lo-fi with emotionally rich folk ballads. Unlike previous work where Larsen’s voice remained subdued, Blurring Time brings both past and present voices to the forefront. The result is an emotionally resonant, sonically layered album drawing comparisons to Elliott Smith, Sufjan Stevens, and Adrienne Lenker. Themes include sibling relationships, queer world-building, and quiet revelations, wrapped in lush, intimate soundscapes. Rejecting the binary of “before and after,” Larsen embraces the connective thread of “and.” In their words, “I wanted to reach out to older versions of myself and carry them with me as I grow.” Blurring Time is a radical act of self-compassion—a musically rich and politically tender portrait of transition, memory, and becoming.

Stéphanie Boulay (21h)

C’est avec le cœur léger et plus de confiance en ses propres moyens que jamais que Stéphanie Boulay, « la moitié blonde » du duo Les sœurs Boulay, remonte sur scène en solo oui, mais entourée de ses ami.e.s précieux (Charles Blondeau, Camille Gélinas et Alexandre Martel) pour défendre son deuxième album solo, Est-ce que quelqu’un me voit? Habile à créer chaque soir des moments qui n’existaient pas encore et qui n’existeront plus jamais sous la même forme, à faire rire et à se livrer avec autodérision et impudeur, Stéphanie présentera ses chansons toutes neuves, qu’elle a travaillé deux ans durant à extirper d’elle-même, avec l’aide du réalisateur Alexandre Martel (Anatole, Hubert Lenoir, Thierry Larose, Lou-Adriane Cassidy).

It is with a light heart and more confidence in her own abilities than ever that Stéphanie Boulay, “the blonde half” of the duo Les sœurs Boulay, returns to the stage — solo, yes, but surrounded by her cherished friends (Charles Blondeau, Camille Gélinas, and Alexandre Martel) — to perform her second solo album, Est-ce que quelqu’un me voit? Skilled at creating moments each night that have never existed before and will never exist again in the same way, at making people laugh, and at opening up with both self-deprecation and bold honesty, Stéphanie will present her brand-new songs, which she spent two years drawing out of herself, with the help of producer Alexandre Martel (Anatole, Hubert Lenoir, Thierry Larose, Lou-Adriane Cassidy).

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Art Pop / Electro-Pop / fuzz-rock

FME : ÉVÉNEMENT SIRIUSXM – Klô Pelgag, Ariane Roy, Population II et DJ Rip Pop Mutant à la scène principale

by Rédaction PAN M 360

Population II (20h)

Population II, c’est le fruit d’une amitié fusionnelle et d’un amour profond pour les sons lourds et libres. Depuis leurs débuts, le trio — Pierre-Luc Gratton (voix, batterie), Tristan Lacombe (guitare, claviers) et Sébastien Provençal (basse) — cultive une identité sonore unique : un mélange de rock psychédélique dense, de funk fiévreux, de jazz libéré et de punk naissant. Le tout est tissé de riffs tortueux, de gammes mineures héritées du heavy metal et de textes introspectifs portés par la voix singulière de Gratton. Né à Pointe-Calumet, à l’écart de la scène montréalaise, Population II puise autant dans la scène garage-funk de Détroit que dans le krautrock ou le Miles Davis électrique, créant un univers marécageux, hors du temps. Après quelques sorties indépendantes, le groupe signe chez Castle Face Records et lance À la ô Terre en 2020. S’ensuivent des tournées nord-américaines et un second album, Électrons libres du Québec, en 2023 chez Bonsound. En 2024, le groupe revient avec l’EP Serpent Échelle, un split avec Mulch, et remporte deux prix au GAMIQ. Population II prépare maintenant Maintenant Jamais, un album qui affirme sa place parmi les formations les plus singulières et audacieuses du rock actuel.

Population II is the product of deep-rooted friendship and a shared devotion to unrestrained, heavy sound. The Montréal-area trio — Pierre-Luc Gratton (vocals, drums), Tristan Lacombe (guitar, keys), and Sébastien Provençal (bass) — blend dense psychedelic rock with feverish funk, the philosophy of jazz, early punk energy, and a flair for minor-key heaviness. Gratton’s distinctive vocals and introspective, offbeat lyrics add a further layer of uniqueness. Formed in Pointe-Calumet, far from the buzz of Montréal’s indie scene, Population II took inspiration from Detroit’s late-’60s garage-funk scene, Canterbury prog, German krautrock, and Miles Davis’s electric period. This mix, shaped by years of jamming and near-telepathic chemistry, birthed a timeless, murky, and explosive sound. Following self-released material, they caught the attention of Castle Face Records and dropped their debut À la ô Terre in 2020. After touring across Canada and the US, they returned in 2023 with Électrons libres du Québec on Bonsound—more direct yet just as distinctive. In 2024, they released the Serpent Échelle EP, a split with punk band Mulch, and picked up two GAMIQ awards. Now, with Maintenant Jamais, Population II continues to push their sonic boundaries, delivering a bold and shape-shifting third album.

Ariane Roy (21h)

Couronnée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2022 et nommée dans la catégorie Album francophone de l’année aux Prix JUNO 2023, Ariane Roy s’inscrit dans cette nouvelle vague d’artistes qui redéfinissent la chanson québécoise. Suite à l’éclatante série de concerts Le Roy, La Rose et le Lou[p] qui a brillé partout dans la province dans les deux dernières années ainsi qu’à sa première tournée medium plaisir, elle revient sur scène avec son projet solo en nous présentant son deuxième album Dogue, co-réalisé avec Félix Petit. Avec la fougue qu’on lui connaît, elle se montre à nous cette fois sous des jours plus sombres, le verbe plus mordant, la voix plus caustique, dans une lumière résolument contemporaine. Dogue montre les dents, oui pour sourire, mais aux dépends de qui ? Peu nous importe puisque l’on ne peut résister à se coucher devant les crocs, espérant se joindre à la meute.

Crowned Revelation of the Year at the 2022 ADISQ Gala and nominated for Francophone Album of the Year at the 2023 JUNO Awards, Ariane Roy is part of a new wave of artists redefining Québécois chanson. Following the dazzling concert series Le Roy, La Rose et le Lou[p], which shone across the province over the past two years, and her first tour medium plaisir, she returns to the stage with her solo project, presenting her second album Dogue, co-produced with Félix Petit. With the fiery energy she’s known for, she now reveals a darker side—sharper lyrics, a more caustic voice, and a resolutely contemporary edge. Dogue bares its teeth—yes, to smile, but at whose expense? We hardly care, because we can’t resist lying down before the fangs, hoping to join the pack.

Klô Pelgag (22h)

« Abracadabra comme une quête d’absolu, comme un désir de croire encore à quelque chose. Pour tous les nœuds qu’on doit faire disparaître pour apparaître tel qu’on est véritablement, sans peur et sans gêne. Une formule qu’on aimerait voir tout régler, tout résoudre. Un mot qu’on se répète en fixant la fenêtre. À force de le répéter, finira-t-il par ouvrir une porte à l’intérieur de soi? Abracadabra, un mot ridicule mais pourtant beau qui nous épargnerait les efforts que ça prend pour aider notre prochain ou pour s’aider soi-même. Abracadabra, un mot qui m’appelle à le déconstruire et auquel je voudrais offrir un autre sens. Abracadabra comme cette pilule magique que me prescrit mon médecin pour dormir, comme mon téléphone qui m’empêche de penser quand mon esprit part en couille, comme l’alcool qui me console et me redonne cette joie qui me quitte trop souvent. Et dans cette quête d’absolu et de sens, dans cette constante chasse au fun se retrouve le désir de créer quelque chose que je ne connais pas mais qui me ressemble pourtant. Une musique qui me transperce aussi férocement que mes émotions, un sentiment de bout de falaise et de chute infinie qui créent l’urgence d’écrire. Et de toutes les manières et pour toujours probablement, je tenterai d’attraper cette chose intangible et innommable, chose à ressentir momentanément et qui me donne parfois l’absurde envie de le dire: ça y est, abracadabra. » – Klô Pelgag

Abracadabra, like a quest for the absolute, like a desire to still believe in something. For all the knots we must unravel to appear as we truly are, without fear or embarrassment. A formula we would like to see everything sorted, everything resolved. A word we repeat to ourselves while staring out the window. By repeating it over and over, will it end up opening a door to our inner self? Abracadabra, a ridiculous yet beautiful word that would spare us the effort it takes to help our neighbor or ourselves. Abracadabra, a word that calls me to deconstruct it and to which I would like to offer another meaning. Abracadabra like the magic pill my doctor prescribes for me to sleep, like my phone that prevents me from thinking when my mind goes to shit, like alcohol that consoles me and gives me back the joy that too often leaves me. And in this quest for the absolute and for meaning, in this constant hunt for fun, lies the desire to create something that I don’t know but that nevertheless resembles me. A music that pierces me as fiercely as my emotions, a feeling of being on the edge of a cliff and of an infinite fall that creates the urgency to write. And in every way and probably forever, I will try to catch this intangible and unnameable thing, something to feel momentarily and which sometimes gives me the absurd desire to say: that’s it, abracadabra. – Klô Pelgag

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Indie Pop / Rock

FME : Oui Merci au Café-bar L’Abstracto

by Rédaction PAN M 360

Formé en 2019 dans l’élan d’une amitié bien réelle — et peut-être d’une bière partagée —, oui merci rassemble Mathilde Joncas, Ludovic Leblond, Laurent Massie, Marc-Antoine Lavallée et Gabriel Couture autour d’un projet indie-rock en français à la fois vibrant, délicat et fougueux. Leur musique, influencée par Dirty Projectors, Animal Collective et Feist, marie précision artisanale et spontanéité, dans un mélange d’émotions qui ne triche pas. Après un passage remarqué aux Francouvertes 2021, ils lancent leur premier EP chaque chose, puis poursuivent leur exploration sonore sur ok bebye (2023), un premier album intense et éclaté, qui évoque aussi bien les amitiés perdues que les élans d’euphorie. L’album mène le groupe sur les scènes du Québec : La Noce, Santa Teresa, FEQ, FRIMAT (en première partie de Karkwa), Petite-Vallée et bien d’autres. En 2024, le single Bébé et deux live sessions au Madame Wood poursuivent cette lancée, culminant avec un concert à guichets fermés à la Sala Rossa au printemps 2025, entouré·es d’ami·es artistes. Dans l’univers de oui merci, tout commence par l’amitié — et chaque chanson est une main tendue vers les autres.

Born out of real friendship—and maybe a shared beer or two—oui merci came together in 2019 when Mathilde Joncas, Ludovic Leblond, Laurent Massie, Marc-Antoine Lavallée, and Gabriel Couture decided to craft music that’s as intricate as it is impulsive. Drawing inspiration from Dirty Projectors, Animal Collective, and Feist, the band delivers a French indie-rock sound that blends precise arrangements with joyful chaos—an emotional whirlwind rooted in honesty. After a standout performance at 2021’s Francouvertes, the band released their debut EP chaque chose, followed by their critically acclaimed first album ok bebye in 2023. The record oscillates between tender reflections and bursts of pure energy—songs about friendship, loss, joy, and everything in between. Their heartfelt live shows took them across Quebec, gracing major festivals like La Noce, Santa Teresa, FEQ, Petite-Vallée, and FRIMAT, where they opened for Karkwa. In 2024, the single Bébé and two live sessions at Madame Wood extended their sonic universe. A sold-out headline show at Sala Rossa in March 2025—with a lineup of friends and collaborators—affirmed their growing place in the francophone music scene. For oui merci, it all starts with friendship—and every song is an invitation to feel more, together.

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Darkwave / Dream Pop / Shoegaze

FME : Meggie Lennon et Apacalda au Les Mooses

by Rédaction PAN M 360

APACALDA (17h30)

APACALDA est le projet de la chanteuse, compositrice et productrice montréalaise Cassandra Angheluta, qui utilise la musique pour exprimer ce qui ne se dit pas toujours à voix haute. Ancrée dans une pop alternative aux teintes gothiques, elle développe un son fluide et atmosphérique, à la fois intense et sans compromis. Son premier album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (13 juin 2025), a été réalisé en collaboration avec Mishka Stein (Patrick Watson) et Samuel Woywitka, reconnu pour son travail primé avec Half Moon Run, avec la participation de Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) et Dayhills. L’album a été salué par The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, Le Canal Auditif, entre autres, et s’est retrouvé sur plusieurs playlists éditoriales. En 2025, APACALDA a assuré les premières parties de Sheenah Ko, Kandle Osborne et Meggie Lennon, présentant un spectacle immersif sur des scènes à travers le Québec et l’Ontario.

Montreal’s APACALDA is the moniker of songwriter, vocalist, and producer Cassandra Angheluta, who uses music to process what can’t always be said out loud. Building from a foundation of goth-tinged alternative pop, APACALDA shapes a genre-fluid sound that’s both atmospheric and unflinching. Her debut album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (June 13, 2025), was produced in collaboration with Mishka Stein (Patrick Watson) and Samuel Woywitka, known for his award-winning work with Half Moon Run and features additional collaborations from Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) and Dayhills. The record has been featured by The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, and Le Canal Auditif and more and has earned placements on several editorial playlists. In 2025, APACALDA has supported artists such as Sheenah Ko, Kandle Osborne, and Meggie Lennon, bringing her immersive live show to stages across Quebec and Ontario.

Meggie Lennon (18h30)

L’univers chatoyant de l’artiste montréalaise Meggie Lennon est un délicat canevas d’indie pop éthérée et de soft rock voluptueux, un appel à la rêverie, à la douceur et à la sensualité. Les chansons de cette auteure-compositrice-interprète abordent, avec maturité, l’amour, les désirs libérés, la découverte de soi, la résilience et les complexités de la vie moderne. Louder than War note que son premier album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – « fusionne le psychédélisme des années 60 et du début des années 70 pour créer une ambiance indie dream pop », ajoutant également : « Les chansons parlent de désir et de péchés mignons, tout en exprimant une vision mature de l’amour à une époque où la romance est insaisissable et fragile. De temps en temps, c’est un peu épicé aussi ». Le deuxième album de Meggie Lennon, Desire Days, est paru le 20 juin 2025, toujours sur l’étiquette Mothland. Le long jeu réalisé avec Samuel Gemme met en vedette des musicien.ne.s de groupes renommés tels que Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat et The Besnard Lakes, de même que le Quatuor Esca sur des arrangements d’Antoine Gratton, promettant ainsi un nouveau chapitre dans l’évolution de la sonorité et de la vision de l’artiste montréalaise.

The shimmering world of Montréal artist Meggie Lennon is a delicate canvas of ethereal indie pop and lush soft rock, inviting the listener into a space of reverie, gentleness and introspection. The singer-songwriter’s mature songs deal with love, desires, self-acceptance, resilience and the complexities of modern life. Louder than War notes that her debut album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – “fuses 60s and early 70s psychedelia to create an indie dream pop vibe”, also adding: “The songs are of desire and playful sins, yet they convey a mature take on love in this era of elusive and brittle romance. Occasionally it’s a bit spicy too.” Meggie Lennon’s sophomore album, Desire Days, produced with Samuel Gemme, and featuring musicians from celebrated outfits such as Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat, and The Besnard Lakes, along with Quatuor Esca playing arrangements by Antoine Gratton, was released on June 20th, 2025 via Mothland, promising a new chapter in her evolving sound and vision.

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boom bap / rap

FME : Super Duty Tough Work et Mosez Jones au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

Mosez Jones (17h)

Mosez Jones, natif de Montréal, se distingue comme un artiste et producteur hip-hop avant-gardiste, dépassant les frontières conventionnelles grâce à une identité sonore unique. Sa plume poétique ne se contente pas de capturer des instants : elle les tisse avec finesse dans une véritable tapisserie musicale. Dès ses débuts sur la scène locale, Mosez Jones a marqué les esprits, s’imposant par des collaborations percutantes allant du rap au R&B/Soul. Libéré des limites de genre, il navigue avec aisance entre divers univers musicaux, révélant une polyvalence mise en valeur par des singles au charme indéniablement classique.

Mosez Jones, a Montreal native, stands out as an avant-garde hip-hop artist and producer, transcending conventional boundaries with a unique sonic identity. His poetic songwriting not only captures moments but intricately weaves them into a tapestry of musical expression. From the outset of his career in the local scene, Mosez Jones made a resounding impact, establishing himself through dynamic collaborations spanning the realms of Rap to R&B/Soul. Unconstrained by genre limitations, he effortlessly navigates through diverse musical landscapes, showcasing a versatility that is underscored by singles exuding an undeniably classic aura.

Super Duty Tough Work (18h)

Un goût d’âge d’or, une ère futuriste. Du Paracétamol pour les migraines capitalistes. De la débauche basée sur la résistance pour les méchants désabusés. Attaché à la tradition, mais résolument tourné vers l’innovation, Super Duty Tough Work est un projet d’art-rap en constante évolution mené par le visionnaire discret Brendan Grey. Deux fois nominé au Polaris et une fois lauréat des Western Canadian Music Awards, Super Duty Tough Work a subtilement élargi sa portée ces dernières années grâce à des productions de qualité et à des tournées internationales. Ancré dans la tradition des arts de résistance noirs américains, Super Duty Tough Work est connu pour son humour mordant et ses analyses approfondies, promouvant ses idées radicales de révolution, de fête et de conneries, sur disque comme sur scène. Inspiré par le son jazz crasseux du hip-hop de la côte Est des années 90, Super Duty Tough Work incarne en live la quintessence de la culture hip-hop, se produisant en tant que groupe mais déployant un son qui s’apparente davantage à un échantillonneur MPC ou SP-404. Réputés pour leurs sets soigneusement sélectionnés, SDTW mêle rap décontracté et interprétations cinglantes à des boucles hypnotiques et des transitions fluides, gardant le public en haleine et captivé par l’attente de la suite. En bref : l’internationalisme est le thème, la libération par l’hédonisme le rêve, et la satisfaction est garantie par une équipe dont la spécialité est d’emmener le public dans un voyage à travers une culture où les boucles sont explosées et les bijoux sont les outils du métier.

Golden-era taste, future-era based. Tylenol 3 for capitalist migraines. Resistance based-debauchery for disaffected baddies. Committed to tradition, yet set on innovation, Super Duty Tough Work is a constantly evolving, art-rap project led by quiet visionary Brendan Grey. Two-time Polaris nominees and one time Western Canadian Music Award winners, Super Duty Tough Work have subtly been growing their reach over the last few years through quality offerings and international touring. Rooted in the tradition of Black American resistance arts, Super Duty Tough Work is known for their scathing wit and thorough analysis, pushing their radical politic of revolution, party and bullshit, on record and on stage. Inspired by the dirty jazz sample sound of 90s east coast hip hop, Super Duty Tough Work are the live incarnation of hip hop culture’s quintessential era, appearing as a band but manifesting a sound that’s more akin to something straight out of an MPC or SP-404 sampler. Revered for their methodically curated sets, SDTW mixes laidback rap action and razor-sharp delivery with hypnotic loops and effortless transitions, keeping audiences on their feet and transfixed in anticipation for what’s coming next. Simply put: internationalism is the theme, liberation through hedonism is the dream, and satisfaction is guaranteed from the team whose specialty is taking audiences on a journey through a culture where loops are slayed and jewels are the tools of the trade.

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Dance-Punk / Post-Punk

FME : SHOW DE NUIT – Mary Shelley au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Mary Shelley est un groupe punk de Brooklyn à l’énergie débridée, qui transforme chaque prestation en invitation à danser, sauter, cogner ou simplement perdre le contrôle. Ce quatuor électrique brise les barrières de genre avec audace : leurs rythmes post-punk se mêlent à des influences disco, shoegaze, hip-hop et bien plus encore. Le résultat est un cocktail sonore imprévisible, où chaque morceau est unique, porté par une impulsion créative qui refuse toute répétition. Leur son rappelle à la fois l’urgence d’IDLES, l’excentricité de Talking Heads, la densité de Radiohead, l’intensité de Kendrick Lamar et même l’esprit libre de Dolly Parton ou Viagra Boys. Des critiques enthousiastes, comme The Deli ou Look At My Records!, célèbrent leur chaos (presque) contrôlé et leur charisme singulier. Sur scène, Mary Shelley enflamme les foules, qu’ils jouent dans une cave, une arrière-cour ou un théâtre de 500 places. Le groupe a tourné en Amérique du Nord, en Europe et au Royaume-Uni, notamment en première partie de Gogol Bordello, dont le chanteur Eugene Hütz a publié deux de leurs morceaux sur son label Casa Gogol Records. Mary Shelley, c’est du punk dansant, irrévérencieux et furieusement vivant.

Mary Shelley is Brooklyn’s genre-defying punk band known for turning chaos into groove. Fusing post-punk with dance rhythms, disco, shoegaze, hip-hop, and more, their shape-shifting sound channels raw energy and artistic spontaneity. Each track reinvents the band’s sonic identity, refusing formulas in favor of fearless exploration. Their inspirations stretch far and wide—from IDLES, Talking Heads, and Radiohead, to Kendrick Lamar, Dolly Parton, and Viagra Boys. Critics have embraced the band’s intensity and eccentricity: The Deli says their music “will probably make you wanna dance the pogo or smash things,” while Look At My Records! likens their energy to the “(barely) controlled chaos of The Birthday Party” with shades of Mark Mothersbaugh and Jim Morrison “on a triple shot red eye.” Their electrifying live shows have captivated audiences in basements, backyards, and major venues across North America, Europe, and the UK. A 2023 West Coast tour with Gogol Bordello helped elevate their reach, with frontman Eugene Hütz releasing two Mary Shelley songs on his Casa Gogol Records label. With infectious rhythms and irreverent lyrics that probe both human nature and their own absurdities, Mary Shelley offers punk you can dance to—fierce, unpredictable, and undeniably alive.

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hyperpop / Neo-soul

FME : Virginie B à la scène Fizz

by Rédaction PAN M 360

L’excentricité envoûtante de Virginie B n’a d’égal que sa créativité débordante. L’autrice-compositrice-interprète, réalisatrice et multi-instrumentiste propose une réappropriation unique des codes de l’hyperpop en y incorporant des touches de nu-jazz, de funk et de R&B. Accompagnée de son talentueux collaborateur et co-réalisateur Louis Jeay-Beaulieu, elle applique cet amalgame de styles à la fois distinctif et versatile à l’exploration de sa psyché, de sa féminité et de son rapport à la technologie et à la nature. En septembre 2024, Virginie B présente Astral 2000, un deuxième album qui allie mélodies accrocheuses, expérimentations stylistiques et textures recherchées à une poésie à la fois introspective, profonde et accessible.

Virginie B’s irresistible quirkiness is matched only by her boundless creativity. The singer-songwriter, producer and multi-instrumentalist offers a unique reappropriation of hyperpop by incorporating touches of nu-jazz, funk and R&B, complemented with a refined conceptual approach inherited from art pop and a pronounced taste for maximalism and glamour. Accompanied by her talented collaborator and co-producer Louis Jeay-Beaulieu, she applies this distinctive and versatile combination of styles to the exploration of her psyche, femininity and relationship with technology and nature. The result is an outlet through which she expresses her desires and excesses without taking herself too seriously, reflecting her vulnerability and confidence. In September 2024, Virginie B presents Astral 2000, a second album that combines catchy melodies, stylistic experimentation and intricate textures with poetry that is at once introspective, profound and accessible.

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Darkwave / psych / Synth-Pop

FME : FIN DE SOIRÉE – We Are Wolves et Baby Berserk au Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Baby Berserk (23h30)

Originaire d’Amsterdam, Baby Berserk est un projet né de la collaboration entre Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen et Lieselot Elzinga. Alliant musique et mode, le groupe incarne l’énergie brute de la scène live et l’attrait irrésistible de la culture club. Leur nouvel album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, agit comme un exutoire sonore, à la fois revigorant et libérateur. Plongeant dans le tumulte de la culture contemporaine, l’album questionne les normes et célèbre l’expression de soi. Entre fantasmes médiatiques (“Entertainment”) et cris de révolte pour la liberté (“Piggy Piggy”), chaque morceau explore les contrastes d’une nuit effervescente—des premières montées d’adrénaline aux souvenirs marquants du lendemain. Le résultat : une électro-pop grinçante, mêlant rythmes lents, synthés tranchants et une énergie viscérale. À mi-chemin entre l’élégance subversive et la fureur dansante, Baby Berserk délivre un manifeste sonore pour les esprits libres. Après le succès du single What I Mean (2020), le groupe propose ici un disque conçu autant pour les clubs que pour les salles rock. Les compositions luxuriantes de Mano s’entrelacent aux paroles évocatrices de Lieselot, offrant un album aussi stylé que revendicateur—un appel à vivre sans compromis, perles au cou et feu au ventre.

Hailing from Amsterdam, Baby Berserk is the brainchild of Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen, and Lieselot Elzinga. Known for fusing music and fashion, the band channels the intensity of live performance with the magnetic pull of club culture. Their new album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, is an electrifying dose of sonic liberation—for the body, mind, and spirit. Diving headfirst into the chaos of modern life, the album explores media spectacle, personal freedom, and emotional excess. Tracks like “Entertainment” tap into TV-fueled fantasies, while “Piggy Piggy” roars with defiance and a call for equality. The album mirrors a night out: seductive, erratic, euphoric—ending in catharsis and transformation. With slow-burning beats, slithering synths, and raw lyrical intensity, Baby Berserk delivers a sound that’s equally suited to sweaty rock venues and pulsing dance floors. Following the acclaimed 2020 single What I Mean, the band’s debut album finally arrives, pairing Mano’s rich production with Lieselot’s striking, imagery-driven lyrics. Slightly Hysterical Girls With Pearls is more than an album—it’s an anthem for radical self-expression. Stylish, rebellious, and unapologetically bold, Baby Berserk invites you to surrender to the beat and come out stronger, freer, and fiercely yourself.

We Are Wolves (00h30)

Le monde prend feu… Tout part en ruine… Pardon pour le retard : We Are Wolves construisait un bunker. Nous vous fournirons un code de réduction pour votre séjour. Retirez les piles du détecteur de fumée. Le dossier de spams est désormais votre boîte de réception. Il y a des microplastiques au bout de l’arc-en-ciel. Le monde prend feu. We Are Wolves a pris le contrôle du bunker. Entrez. On entend toujours le même refrain : on vit à une époque de changements profonds, de conflits et de chaos. Mais qu’est-ce qui mérite vraiment notre attention? La plupart d’entre nous avons l’impression d’être prisonniers d’un monde sens dessus dessous. Sur son sixième opus, le groupe montréalais We Are Wolves tente d’imaginer un avenir où l’on peut danser malgré l’enfer qui nous entoure. Sur cet album de dance-rock dystopique, les musiciens présentent une formule envoûtante qui nous pousse à revoir la finalité des choses et à accueillir le changement. Oubliez le chaos et laissez-vous porter par ce divertissement. Le bunker s’effondre, mais tout va bien se passer. Entrez.

Everything is on fire… The world lies in ruins… We apologize for the delay: We Are Wolves have been building a bunker. We will provide a discount code for your stay. Take the batteries out of the smoke detector. Your spam folder is now your inbox. There are microplastics at the end of the rainbow. Everything is on fire. We Are Wolves have condemned the bunker—Go in. Noting that we are living through an era of seismic change, conflict, and chaos is a tired observation at this point—but what else merits our attention? Most of us feel like we’re living in Upside-Down World, 24/7. On their sixth full-length album, Montreal’s We Are Wolves nevertheless try to imagine a future: one in which we dance through the inferno instead of succumbing to it. You can call it dystopian dance-rock (which it is), but really their new album is a magic spell inviting us to reimagine The End as merely a transition. It is entertainment for a brief period of chaos. The bunker is collapsing, but it’s going to be OK. Go in.

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Art Pop / Dance-Punk / Electro-Pop

FME : Bibi Club, UTO et Crasher au Cabaret de la Dernière Chance

by Rédaction PAN M 360

Crasher (20h)

CRASHER est un nouveau trio de punk électronique mené par Airick Asher Woodhead (Doldrums / Errhead). CRASHER s’est formé pendant la COVID-19, alors qu’il se confinait dans un local de pratique partagé, et a enregistré la cassette « STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD », sortie au printemps 2021. Ils l’ont interprété en direct lors de la série de raves en plein air OXYGEN à Montréal à l’été 2021. La musique de CRASHER s’intègre parfaitement aux groupes de wave des années 80 et aux labels de réédition comme Dark Entries et Minimal Wave. Les paroles caustiques et le chant mélodique d’Asher unissent les sonorités variées du groupe.

CRASHER are a new 3 piece electronic punk band fronted by Airick Asher Woodhead (Doldrums / Errhead). CRASHER formed during COVID while ‘bubbling’ in a shared jam space, and recorded the tape ‘STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD’ which released in spring 2021. They performed it live at Montreal’s OXYGEN outdoor rave event series in summer 2021. CRASHER’s music would be at home next to wave bands of the 80’s and reissue labels like Dark Entries and Minimal Wave. Asher’s caustic lyrics and melodic singing style bind the varied sounds of the band together.

UTO (21h)

La nouvelle signature Infiné s’appelle UTO, du nom d’un chien qu’Emile et Neysa ont suivi dans un bois, à l’automne 2016, avant de s’y perdre. Pop de la nuit et trip-hop du jour, UTO manie aussi bien les codes de l’efficacité que ceux de l’expérimentation, un mélange aussi insolite que savoureux dans le paysage musical français actuel. Fusionnels, ils habitent, écrivent, composent, enregistrent, produisent et mixent leur musique dans leur studio du 45 situé au fond d’un bois. Leur style mélange leur amour pour la folk anglo-saxonne des années 70 ainsi que pour la musique électronique d’aujourd’hui, en passant par la scène anglaise de Bristol des années 90. Portishead, Broadcast, Bjork, Kim Gordon ou plus récemment Adrianne Lenker et Eartheater sont autant d’artistes qui pourraient mieux définir qu’un genre les couleurs si singulières de la musique de UTO. Depuis leur premier morceau “The Beast” à plus d’un million d’écoutes, UTO a sorti 2 EP chez Pain Surprises Shelter for the broken (2017) et The night’s due (2019) et s’apprête à taper fort avec leur premier album Touch the Lock, dont les premiers singles seront révélés dès février 2022.

The new Infiné signature is called UTO, named after a dog that Emile and Neysa followed into a wood in autumn 2016, before getting lost in it. Pop by night and trip-hop by day, UTO wields both the codes of efficiency and those of experimentation, a mix as unusual as it is delicious in the current French musical landscape. They live, write, compose, record, produce and mix their music in their studio in Le 45, deep in a wood. Their style blends their love of the Anglo-Saxon folk of the 70s with the electronic music of today, via the Bristol scene of the 90s. Portishead, Broadcast, Bjork, Kim Gordon and, more recently, Adrianne Lenker and Eartheater are all artists who could better define the singular colours of UTO’s music. Since their debut track ‘The Beast’ received over a million listens, UTO have released 2 EPs on Pain Surprises Shelter for the broken (2017) and The night’s due (2019) and are about to hit it big with their debut album Touch the Lock, the first singles of which will be revealed in February 2022.

Bibi Club (22h)

Avec Feu de garde, le duo Adèle Trottier-Rivard et Nicolas Basque signe un album incandescent, où la chaleur humaine prend le pas sur les ravages. Nourrie par une énergie collective et bienveillante, leur musique réchauffe, éclaire et réconforte comme un feu entretenu au cœur d’un hiver rude. Inspirée par l’expérience d’Adèle chez les scouts — courage, sororité, nature, entraide — l’œuvre puise dans ces rituels et liens profonds pour bâtir un univers à la fois intime et universel. Entre vertige, mystère et transformation, l’album évoque Moondog, Stereolab ou Suicide, tout en affirmant une signature audacieuse et frontale. Rythmes enlevés, chants de groupe et percussions habitées propulsent une musique à la fois brute, minimaliste et vibrante. Feu de garde est un appel à la communauté, à la résistance joyeuse, au mouvement des corps et des esprits. La rencontre décisive avec le réalisateur Ali Chant (Dry Cleaning, PJ Harvey, Aldous Harding) marque un tournant et aligne les influences du duo avec une production directe, sans artifice. Sorti le 10 mai 2024, Feu de garde est un manifeste lumineux où la joie triomphe. Une œuvre intense et fédératrice, qui transforme l’hostile en lieu de fête et d’émancipation.

Feu de garde is the latest album by Adèle Trottier-Rivard and Nicolas Basque—a radiant, communal work where warmth triumphs over hardship. Like a carefully tended campfire, the music emits an energy that comforts, transforms, and gathers. Drawing on Adèle’s past in an all-female scout group, the record reflects values of courage, friendship, and sisterhood, infused with the rituals of shared time in nature. The album navigates emotional and physical terrains with raw tenderness and bold simplicity. Its sound evokes Moondog, Stereolab, and Suicide, blending hypnotic minimalism with driving group vocals and propulsive percussion. Adèle takes risks on stage, seizing the beat and sparking movement—inviting the audience to join a celebration that is as political as it is visceral. A key moment in the project was meeting producer Ali Chant (Dry Cleaning, PJ Harvey, Aldous Harding) at The Great Escape Festival. That connection brought clarity to the duo’s sound—stripped-down yet powerful, uncompromising yet joyful. Released on May 10, 2024, Feu de garde is a declaration of collective strength and emotional renewal. In a world of concrete and cold, Feu de garde turns dust into sparkles. It’s a dance of resilience and joy, blazing a path through darkness with rhythm, community, and fire.

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Ce contenu provient du Festival de musique émergente et est adapté par PAN M 360

hyperpop / Pop-Rock / rap-pop

FME : SHOW DE LA RENTRÉE SIRIUSXM – Jay Scøtt, Marie-Pierre Arthur, BéLi et Billie du Page à la scène principale

by Rédaction PAN M 360

Billie du Page (19h)

À seulement 20 ans, Billie du Page s’impose déjà comme une figure montante de la pop francophone et anglophone. Avec un grain de voix distinctif, des mélodies accrocheuses et des textes empreints de sincérité, elle signe une pop résolument libre, féministe et assumée. Sa musique célèbre l’affirmation de soi, entre douceur mélancolique et audace éclatante. Révélée par le succès de son single Fake Friends — numéro 1 au Québec et top 10 au Canada — Billie enchaîne rapidement les projets. Après un premier EP en français (Billie du Page, octobre 2024), elle revient en mars 2025 avec Not Your Princess, un nouveau projet en anglais qui confirme son talent pour naviguer entre langues et émotions. Capable de faire danser autant que d’émouvoir, elle transforme peines de cœur et désillusions en refrains lumineux. Billie brille aussi sur scène : en premières parties de Cœur de pirate, Aliocha Schneider ou Grand Corps Malade, elle séduit par sa spontanéité, sa présence généreuse et sa sincérité désarmante. Entre studio et tournée, Billie du Page trace une trajectoire fulgurante, portée par une pop sensible et engagée. Une artiste entière et prometteuse, à suivre de très près.

At just 20 years old, Billie du Page is quickly becoming a standout voice in both French and English pop. With a powerful vocal tone, instinctive pop hooks, and deeply honest lyrics, she offers a confident, feminist sound rooted in self-expression and emotional authenticity. Her breakout single Fake Friends shot to #1 on Quebec radio and reached the top 10 nationally in Canada, launching her into the spotlight. Just months after releasing her debut French EP (Billie du Page, October 2024), she followed up with Not Your Princess, an English-language EP released in March 2025, showcasing her bilingual artistry and fearless songwriting. Whether crafting vulnerable ballads or cheeky pop anthems, Billie transforms heartbreak into empowerment. Her music invites you to cry, dance, and heal—all in the same breath. Onstage, she feels right at home: opening for artists like Cœur de pirate in Europe and Aliocha Schneider and Grand Corps Malade in Quebec, Billie has already captivated audiences with her charm, presence, and generosity. With a growing catalogue and a natural flair for connection, Billie du Page is forging a unique and vibrant path in pop music—bold, heartfelt, and entirely her own.

BéLi (20h)

Arrive BéLi avec une pop vive et tiraillée, corporelle et entêtante, qui est le fruit d’un besoin de créer en explorant. Résolument éclectique, elle canalise sa colère et ses facettes moins reluisantes en confrontant la pudeur et en visant bousculer le statu quo de la féminité. Sur scène, BéLi et son band manifestent une attitude décomplexée, mettant en lumière le déploiement d’une pop alternative aussi singulière et exaltante que déstabilisante. Son premier album, XUV, coréalisé avec Blaise Borboën-Léonard (Lydia Képinski, Mort Rose, Nicolet…) et Nader Abouzeid (alias Funkywhat -notamment connu pour son travail avec Magi Merlin), paraît le 27 septembre 2024 sous l’étiquette Duprince.

BéLi arrives with a lively, tugging, bodily, heady pop that’s the fruit of a need to create by exploring. Resolutely eclectic, she channels her anger and less glamorous sides by confronting prudishness and aiming to shake up the status quo of femininity. On stage, BéLi and her band display a no-holds-barred attitude, highlighting the deployment of an alternative pop that is as singular and exhilarating as it is destabilizing. Her debut album, XUV, co-produced with Blaise Borboën-Léonard (Lydia Képinski, Mort Rose, Nicolet…) and Nader Abouzeid (aka Funkywhat – best known for his work with Magi Merlin), will be out on September 27, 2024 on Duprince Records.

Marie-Pierre Arthur (21h)

Quinze ans après ses débuts en solo, Marie-Pierre Arthur revient avec Album bleu, un cinquième opus façonné avec une attention minutieuse et un désir d’intensité maîtrisée. Entourée de son complice de toujours François Lafontaine et du réalisateur Sébastien Blais-Montpetit, elle explore chaque piste créative avec liberté et curiosité. Pour la première fois, elle ouvre aussi la porte à d’autres voix : les autrices Amylie et Carole Facal, ainsi que Mantisse et Rau_Ze, apportent fraîcheur et pluralité aux textes. Connue d’abord comme bassiste, Marie-Pierre Arthur a imposé sa signature pop-rock depuis 2009 avec des albums comme Aux alentours, Si l’aurore et Des feux pour voir. Avec Album bleu, paru chez Simone Records en 2024, elle poursuit sa quête d’équilibre entre émotion brute et groove rassembleur. Sa voix y trouve encore une fois un écrin sur mesure, chaque mot s’imbriquant avec soin dans des mélodies justes et vibrantes. Au printemps 2025, elle dévoile Album bleu (Deluxe), enrichi de collaborations sensibles, dont Klô Pelgag sur Sœurs, ainsi qu’une nouvelle chanson, Brille autant. Une œuvre lumineuse et généreuse, fidèle à une artiste qui, plus que jamais, compose avec le cœur.

Fifteen years into her solo career, Marie-Pierre Arthur returns with Album bleu—a refined, emotionally charged fifth album that reflects the care and freedom she’s given herself in the creative process. Co-produced with longtime collaborator and partner François Lafontaine and newcomer Sébastien Blais-Montpetit, the record distills years of ideas into an elegant and powerful collection. For the first time, Marie-Pierre welcomes outside voices into her writing process. Lyricists like Amylie, Carole Facal, and the younger artists Mantisse and Rau_Ze breathe new perspectives into her introspective pop-rock world. Known initially as a bassist, Arthur has built a rich discography since 2009, with acclaimed albums like Aux alentours, Si l’aurore, and Des feux pour voir. Album bleu, released in fall 2024 on Simone Records, continues her signature blend of emotive lyrics and groove-laden arrangements. Her voice and songwriting interlock like puzzle pieces—thoughtful, precise, and deeply felt. In spring 2025, she releases Album bleu (Deluxe), featuring reimagined versions of key tracks with guest artists, including Klô Pelgag on the haunting Sœurs. A brand-new track, Brille autant, completes this luminous extension of the original record. Heartfelt and finely crafted, Album bleu confirms Marie-Pierre Arthur as a cornerstone of Quebec’s music scene.

Jay Scøtt (22h)

Originaire de Terrebonne, Jay Scøtt est un auteur-compositeur-interprète polyvalent dont le style unique oscille entre pop, rap et folk. Chanteur, beatmaker, guitariste (à l’envers !) et anciennement connu sous le nom PL3, il marque la scène québécoise depuis plus d’une décennie. Ses chansons, imprégnées de références culturelles et de mélodies accrocheuses, explorent les hauts et les bas du quotidien avec une sincérité désarmante. Révélé au grand public grâce à Copilote en duo avec FouKi, morceau devenu un véritable phénomène (double platine, chanson la plus écoutée au Québec en 2021), Jay Scøtt enchaîne les succès. En 2021, il sort Ses Plus Grands Succès, un album certifié Félix de l’année dans la catégorie Folk et cumulant plus de 20 millions d’écoutes. S’ensuit une impressionnante série de concerts à guichets fermés, notamment au Club Soda, à l’Impérial Bell et au MTELUS. Avec plus de 100 spectacles entre 2022 et 2023, Jay Scøtt s’impose comme un artiste incontournable de la scène québécoise. En 2024, il amorce un nouveau chapitre avec le single LVL UP et l’album Toutes les rues sont silencieuses. Authentique et prolifique, il continue de rallier un public fidèle grâce à ses performances touchantes et son univers bien à lui.

Jay Scøtt, a multi-talented singer-songwriter from Terrebonne, Quebec, blends pop, rap, and folk in a raw, relatable, and catchy musical style. Formerly known as PL3, he’s a seasoned artist with over a decade of experience. Whether singing, rapping, beatmaking, or playing his upside-down guitar, Jay brings emotion and cultural relevance to his storytelling. He gained widespread recognition in 2020 with the hit Copilote, a collaboration with FouKi that topped Quebec’s radio charts for 11 weeks and went double platinum. The track became the most streamed Quebec song of 2021 and won “Song of the Year” at the ADISQ Gala. His debut album Ses Plus Grands Succès followed in 2021, earning him the ADISQ Félix Award for Folk Album of the Year and SOCAN’s Francophone Revelation prize. Jay’s sold-out shows at major venues like Club Soda, Impérial Bell, and MTELUS confirmed his strong connection with fans. With over 100 shows in just two years and a strong YouTube presence under JayScott89, he continues to share his acoustic sessions and unique guitar style. In spring 2024, Jay kicks off a new era with the single LVL UP, leading into his upcoming album Toutes les rues sont silencieuses. Honest, inventive, and unstoppable—Jay Scøtt is a true Quebec star.

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Dance-Pop

Tate McRae au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Tate McRae s’est rapidement imposée comme une chanteuse, auteure-compositrice-interprète et danseuse accomplie. Après le succès de singles tels que « you broke me first » ou « she’s all I wanna be », l’artiste aux millions de vues est la nouvelle révélation pop.

Tate McRae has quickly established herself as an accomplished singer, songwriter and dancer. Following the success of singles such as “you broke me first” and “she’s all I wanna be”, the million-view artist is the new pop revelation.

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classique / Contemporary

Domaine Forget : Concert de clôture – La Belle époque

by Rédaction PAN M 360

Après les Trois mélodies de Satie, charmantes et poétiques, et le dynamique Bœuf sur le toit de Milhaud, c’est Le Petit Faust d’Hervé qui prend le devant de la scène en clôture du Festival. Cette opérette pleine d’humour et de légèreté, nous plonge dans l’histoire d’un Faust bien différent de celui de Goethe, alors qu’un jeune homme insatisfait de sa vie conclut un pacte avec le diable pour satisfaire ses désirs, mais se retrouve pris dans une série de quiproquos et de situations comiques. Une œuvre joyeuse et satirique, qui détourne les codes du mythe pour offrir une vision espiègle de la quête du bonheur. Le tout, interprété par Les Violons du Roy, Pentaèdre et les stagiaires en chant et orchestre de chambre de l’Académie, sous la direction de Mathieu Lussier.

After Satie’s Trois mélodies, charming and poetic, and Milhaud’s vibrant Le Bœuf sur le toit, Hervé’s Le Petit Faust takes center stage to close the Festival. This operetta, full of humor and lightness, immerses us in the story of a Faust quite different from Goethe’s: a young man, dissatisfied with his life, makes a pact with the devil to fulfill his desires, only to find himself caught in a series of misunderstandings and comic situations. A joyful and satirical work, it playfully twists the codes of the myth to offer a mischievous take on the quest for happiness. All of it performed by Les Violons du Roy, Pentaèdre, and the Academy’s voice and chamber orchestra trainees, under the direction of Mathieu Lussier.

Programme/program

SATIE
Trois mélodies (arr. M. Lussier)
« Je te veux »
« La diva de l’empire »
« Tendrement »
MILHAUD
Le Bœuf sur le toit, op. 58
HERVÉ
Le Petit Faust (extraits/excerpts)

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