Lu Horta au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Lu Horta est une artiste brésilienne installée à Montréal, chanteuse, compositrice et spécialiste des percussions corporelles. Co-fondatrice du groupe Barbatuques, elle a collaboré à des films comme Rio 2 et Le Garçon et le Monde (nommé aux Oscars). En solo, elle signe des albums acclamés et s’engage dans des projets artistiques et pédagogiques avec la scène locale.

Lu Horta is a Brazilian artist based in Montreal — a singer, composer, and body percussionist. Co-founder of the group Barbatuques, she has contributed to films such as Rio 2 and The Boy and the World (Oscar-nominated). As a solo artist, she has released acclaimed albums and actively collaborates on artistic and educational projects with the local scene.

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classique

OSM : Schubert intensément!

by Rédaction PAN M 360

Grâce à l’ajout d’un second violoncelle dans son Quintette, Schubert redessine les frontières de la musique de chambre et donne à son œuvre une ampleur quasi orchestrale. Sommet d’expressivité, l’Adagio revêt un caractère intemporel.

By adding a second cello instead of the traditional second viola to his String  Quintet, Schubert redefined the boundaries of chamber music, giving his work an almost orchestral depth. The timeless Adagio is a pinnacle of expressiveness.

Programme

Franz Schubert, Trio pour cordes, D. 471 (12 min)
Franz Schubert, Quintette à cordes, D. 956, op. posth. 163 (55 min)

Program

Franz Schubert, String Trio, D. 471 (12 min)
Franz Schubert, String Quintet, D. 956, Op. posth. 163 (55 min)

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art rock / Pop-Rock / soft-rock

Chris de Burgh | 50LO à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Pour célébrer son 50e anniversaire de carrière musicale, le légendaire chanteur-compositeur irlandais Chris de Burgh sera en tournée solo canadienne en 2026. Il offrira à ses mélomanes montréalais une performance unique en solo de tous ces succès incluant ses chansons populaires, tel que Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia et naturellement son hit mondial Lady in Red qui célébra son 40e anniversaire en 2026.

To celebrate his 50th career anniversary, legendary singer/songwriter Chris de Burgh will be undertaking a Canadian solo tour in 2026. He will be offering his Montreal fans a unique solo performance of all his hits, including Spanish Train, Don’t Pay the Ferryman, A Spaceman Came Travelling, Patricia and naturally his worldwide hit Lady in Red which is celebrating its 40th anniversary in 2026.

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alt-rock / Indie / Post-Rock

Stereolab au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Avec leurs rythmes hypnotiques et leurs voix envoûtantes, Stereolab est devenu l’un des groupes les plus distinctifs et influents de l’indie lorsqu’ils ont émergé au début des années 90. Mené par Tim Gane et Laetitia Sadier, le groupe célébrait des genres musicaux – bossa nova, lounge-pop, bandes-son de films – qui étaient traditionnellement écartés de l’héritage du rock. Sur leurs premiers singles et albums comme Transient Random-Noise Bursts with Announcements (1993), Stereolab combinait des mélodies pop des années 60 avec une esthétique d’art rock empruntée aux groupes de Krautrock comme Faust et Neu! ; à l’époque de Emperor Tomato Ketchup (1996), leur son avait intégré le jazz, le hip-hop et la musique dance. Leur travail avec John McEntire et Jim O’Rourke sur Dots and Loops (1997) et Sound-Dust (2001) reflétait une approche de plus en plus complexe et expérimentale, mais après le décès de la membre Mary Hansen en 2002, ils sont finalement revenus à un style plus pop sur des albums comme Chemical Chords (2008). Le son inimitable de Stereolab a eu un impact durable : des contemporains comme Pavement et Blur ont imité leur style dans les années 90, tandis que des artistes de hip-hop tels que J Dilla et Tyler the Creator ont samplé leur musique ou collaboré avec ses membres dans les années 2000 et 2010. À la fin de cette décennie et dans les années 2020, la renaissance de Stereolab en tant que groupe en tournée et la sortie régulière de rééditions ont souligné leur réputation d’innovateurs.

With their hypnotic rhythms and mesmerizing vocals, Stereolab became one of indie’s most distinctive and influential bands when they emerged in the early ’90s. Led by Tim Gane and Laetitia Sadier, the group celebrated strands of pop music — bossa nova, lounge-pop, movie soundtracks — that were traditionally banished from rock’s lineage. On early singles and albums such as 1993’s Transient Random-Noise Bursts with Announcements, Stereolab combined ’60s pop melodies with an art rock aesthetic borrowed from Krautrock bands like Faust and Neu!; by the time of 1996’s Emperor Tomato Ketchup, their sound incorporated jazz, hip-hop, and dance music. Their work with John McEntire and Jim O’Rourke on 1997’s Dots and Loops and 2001’s Sound-Dust reflected an increasingly intricate, experimental approach, but following the 2002 death of member Mary Hansen, they eventually returned to a poppier style on albums like 2008’s Chemical Chords. Stereolab’s unmistakable sound had a lasting impact: Contemporaries like Pavement and Blur aped their style in the ’90s, while hip-hop artists such as J Dilla and Tyler the Creator sampled the band’s music or collaborated with its members in the 2000s and 2010s. Late in that decade and into the 2020s, Stereolab’s revival as a touring band and a steady stream of reissues underscored their reputation as innovators.

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Alternative Rock / Britpop / dream pop

Elbow au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Avec un son cinématographique et une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public avec son premier album acclamé, Asleep in the Back (2001), et n’a cessé depuis de produire des albums tout aussi populaires et finement arrangés. Si leurs trois premiers disques leur ont permis de s’imposer sur la scène musicale britannique, c’est leur ambitieux quatrième album, The Seldom Seen Kid, qui a véritablement consacré leur statut, remportant le Mercury Prize en 2008 et établissant un modèle d’autoproduction pour le groupe. Cette approche a influencé leurs albums suivants, comme Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier album à atteindre la tête des classements au Royaume-Uni. Au fil des ans, Elbow a également remporté des Brit Awards et des prix Ivor Novello, tandis que leur musique a été largement mise en avant lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où ils ont joué lors de la cérémonie de clôture. Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) ont eux aussi atteint la première place des charts britanniques. En 2021, ils ont sorti Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album dynamique et axé sur le groove.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since. While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production. It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony. Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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Indie Folk / Reggae / rétro-soul

MUZ : Lapelúda, Cordâme, Umurutasaté, Nora toutain, Hendry Massamba et Raíz Viva au Studio TD

by Rédaction PAN M 360

Lapelúda

Nommée dans la catégorie Album de l’année au Latin Awards Canada pour son premier album Caídas (2022), Lapelúda fait sa place dans le cadre du festival POP Montréal en 2024. L’artiste colombo-québécoise incarne la nostalgie emblématique de la musique latino-américaine au travers de ses chansons indie-folk. C’est avec une vulnérabilité vocale percutante que l’artiste envoûte l’audience au-delà des barrières de langues. Elle tisse des liens à travers des chansons hautes en émotions et nourries de rythmes latins.

Nominated for Album of the Year at the Latin Awards Canada for her debut album Caídas (2022), Lapelúda made her mark at POP Montréal in 2024. The Colombian-Québécois artist embodies the emblematic nostalgia of Latin American music through her indie-folk songs. With a strikingly vulnerable vocal delivery, she captivates audiences beyond language barriers, weaving connections through emotionally charged songs infused with Latin rhythms.

Cordâme

Fleuve vous invite à une immersion profonde dans l’univers envoûtant de Cordâme, où les courants musicaux se rencontrent et s’entrelacent avec fluidité. Porté par les nouvelles créations de Jean Félix Mailloux, ce concert est un voyage sonore captivant, entre tradition et modernité, où chaque note évoque le mouvement et la richesse infinie des eaux qui nous entourent. Laissez-vous porter par ces harmonies envoûtantes, naviguant entre jazz, musique impressionniste et rythmes évocateurs. Une expérience incontournable pour les mélomanes avides de découvertes et d’émotions pures.

Fleuve invites you to a deep immersion into the enchanting world of Cordâme, where musical currents meet and intertwine with fluidity. Led by the new creations of Jean Félix Mailloux, this concert is a captivating sonic journey, bridging tradition and modernity, where each note evokes the movement and infinite richness of the surrounding waters. Let yourself be carried away by these mesmerizing harmonies, navigating between jazz, impressionistic music, and evocative rhythms. An unmissable experience for music lovers seeking discovery and pure emotion.

Umurutasaté

Umurutasaté est une auteure-compositrice-interprète originaire du Rwanda, exprimant son talent en huit langues et autant d’univers musicaux. Elle manie les rythmes et mélodies de ses ancêtres avec une voix suave et envoûtante. Sa musique, urbaine et métissée, est doublement influencée, aussi bien par les mélodies traditionnelles africaines que par celles occidentales, particulièrement le Jazz et le Reggae. Après une maîtrise en science politique, une vie professionnelle loin de la musique, Umurutasaté décide de répondre à l’appel de la musique depuis 2019.

Umurutasaté is a singer-songwriter from Rwanda, expressing her talent in eight languages and just as many musical worlds. She weaves the rhythms and melodies of her ancestors with a smooth, captivating voice. Her urban, cross-cultural music is shaped by a double influence: traditional African melodies and Western sounds, particularly Jazz and Reggae. After completing a master’s degree in political science and pursuing a professional life away from music, Umurutasaté chose to answer the call of music in 2019.

Nora toutain

Auteure-compositrice-interprète franco-marocaine de Montréal, Nora navigue dans un style éclectique et une fusion subtile entre rétro-soul, afro-jazz et pop, faisant écho à la multiplicité des univers culturels dans lesquels elle a baigné. Ses performances, portées par des rythmes ancestraux africains et amazighs associés à des sonorités soul, jazz et pop, offrent une véritable modernité à son héritage multiculturel et font d’elle une artiste qui se dit avec aisance en trois langues, français, arabe et anglais, lui permettant de créer ces passerelles musicales mais aussi humaines entre les peuples et les cultures.

Montreal-based Franco-Moroccan singer-songwriter Nora moves within an eclectic style, blending retro-soul, afro-jazz, and pop, reflecting the multiple cultural worlds that have shaped her. Her performances, driven by ancestral African and Amazigh rhythms combined with soul, jazz, and pop sounds, bring a modern dimension to her multicultural heritage. Comfortable performing in three languages, French, Arabic, and English, she creates musical and human bridges between people and cultures.

Hendry Massamba

Originaire du Congo, Hendry Massamba est un musicien et percussionniste engagé dans une quête de transmission et de valorisation des langues anciennes africaines. À travers une musique dynamique, festive et rythmée, il cherche à éveiller les consciences et à créer des ponts entre l’héritage africain et les enjeux contemporains et mêle musicalement des sonorités traditionnelles à des influences modernes. Avec cette approche, Hendry Massamba aspire à offrir au public une expérience à la fois festive et introspective, où la musique devient un vecteur de changement et de réconciliation entre passé et présent.

Originally from Congo, Hendry Massamba is a musician and percussionist dedicated to preserving and promoting ancient African languages. Through dynamic, festive, and rhythmic music, he seeks to raise awareness and build bridges between African heritage and contemporary issues, blending traditional sounds with modern influences. With this approach, Hendry Massamba aims to offer audiences an experience that is both celebratory and introspective, where music becomes a vehicle for change and reconciliation between past and present.

Raíz Viva

Le nom Raíz Viva, « racine vivante » en français, symbolise l’engagement du groupe à honorer son héritage de racines africaines et indigènes qui ont sculpté la musique latino-américaine et à faire partie de l’évolution de la musique et de ses traditions. Leur démarche artistique vise à tisser des liens avec ces traditions venues du monde entier afin d’enrichir leurs créations musicales et promouvoir la diversité culturelle mondiale.

The name Raíz Viva, meaning “living root” in French, reflects the group’s commitment to honoring their African and Indigenous roots that have shaped Latin American music, while actively participating in the evolution of music and its traditions. Their artistic approach seeks to forge connections with these global traditions to enrich their musical creations and promote cultural diversity worldwide.

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Brazilian jazz / Chaâbi / Electro-Pop

MUZ : Marcia, Irem Bekter, Lasso, Meryem Saci, Floric Kim et Abdel Grooz au Studio TD

by Rédaction PAN M 360

Marcia

Trois musiciennes de la relève jazz montréalaise, Adele Levayer (flûte traversière et flûte alto), Julie Morisod (voix) et Mikhael Doudi (guitare) se réunissent depuis plus de deux ans, animées d’abord par l’exploration du vaste répertoire de la musique brésilienne, puis par la création collective autours d’influences communes: le jazz moderne et les rythmes brésiliens du nord-est du Brésil. De cette union est né Marcia. Inclassable, le jazz de Marcia est métissé, hybride et mouvant, à l’image des multiples parcours de ces artistes . Trio à l’instrumentation rare, Marcia se démarque sur scène par la symbiose et la sincérité musicale qui se dégagent des pièces. Le groupe a déjà eu l’occasion de partager sa musique au Québec mais également en Europe (France, Belgique, Suisse et Allemagne). Après deux années de complicité et de développement artistique, Marcia est fière de sortir son premier album de musique originale à l’été 2025.

Three emerging jazz musicians from Montreal, Adele Levayer (flute and alto flute), Julie Morisod (voice), and Mikhael Doudi (guitar), have been collaborating for over two years, initially driven by the exploration of the vast Brazilian music repertoire and later by collective creation around shared influences: modern jazz and the rhythms of northeastern Brazil. From this union was born Marcia.
Unclassifiable, Marcia’s jazz is mixed, hybrid, and fluid, reflecting the diverse paths of its members. As a trio with a rare instrumentation, Marcia stands out on stage for the musical symbiosis and sincerity that emanate from their pieces. The group has had the opportunity to share its music both in Quebec and in Europe (France, Belgium, Switzerland, and Germany). After two years of artistic collaboration and growth, Marcia is proud to release its first album of original music in the summer of 2025.

Irem Bekter

De son enfance à Istanbul, à ses années en Angleterre en passant par deux décennies en Argentine, jusqu’au Québec, sa dernière terre d’accueil, chaque étape avec une nouvelle langue, une nouvelle culture, fut une nouvelle couche à son identité qui se reflète profondément dans sa musique.
Son dernier album, This Winding Road marque une révélation audacieuse de ses œuvres originales.
Sa musique, imprégnée de rythmes turcs et argentins, de pop britannique et d’électro, en tout respect de la société distincte qu’est le Québec français, évoque les époques, les lieux et les personnes qui ont marqué son parcours, de façon profondément personnelle et singulière.

From his childhood in Istanbul, to his years in England, through two decades in Argentina, and finally to Quebec, his current home, each stage, each new language and culture, added a layer to his identity that resonates deeply in his music.
His latest album, This Winding Road, represents a bold revelation of his original work. His music, infused with Turkish and Argentine rhythms, British pop, and electronic elements, while honoring the unique culture of French-speaking Quebec, evokes the eras, places, and people who have shaped his journey in a deeply personal and singular way.

Lasso

Salif Sanou, dit Lasso, est né dans une famille griotte du Burkina Faso. Il découvre très tôt ses talents pour plusieurs instruments traditionnels et pour le chant mais surtout développe une passion et une habileté incroyable pour la flûte peule (flûte mandingue ou encore flûte à parler). Arrivé au Québec en 2009, Lasso se produit dans plusieurs événements majeurs dont l’ouverture des Jeux Olympiques à Vancouver et de nombreux grands festivals. Avec ses musiciens, il fait naître un genre musical nommé FRAMM créant une fusion Reggae, afro-mandingue métissée.

Salif Sanou, known as Lasso, was born into a griot family in Burkina Faso. He discovered early on his talent for several traditional instruments and singing, but above all developed a remarkable passion and skill for the Fulani flute (Mandingue flute or “talking flute”). Arriving in Quebec in 2009, Lasso has performed at numerous major events, including the opening of the Vancouver Olympic Games and many large festivals. Alongside his musicians, he created a musical genre called FRAMM, a fusion of Reggae and Afro-Mandingue influences.

Meryem Saci

Meryem Saci est une chanteuse, autrice-compositrice né à Alger dont la voix vibrante reflète les influences multiples de son parcours. Son nouvel album est un véritable voyage sonique entre l’Afrique du Nord et l’occident. Une fusion de styles RnB, HipHop, Soul avec une touche de Chaabi algérien, Gnawa et electro. Le tout en 3 langues, entre chant et rap. Une rencontre entre les rythmes traditionnels et les productions digitales. Ses thèmes expriment l’expérience de déracinement, d’identité et les combats sociaux et internes le tout saupoudrés de chansons d’amour et de résilience. Elle s’est produite dans de nombreux festivals et tournées au Canada et en Europe. Elle a été invitée sur le dernier album du groupe IAM et ses pièces se retrouvent dans des séries télévisées très populaires.

Meryem Saci is a singer-songwriter born in Algiers, whose vibrant voice reflects the diverse influences of her journey. Her latest album is a true sonic voyage between North Africa and the West, blending RnB, Hip-Hop, and Soul with touches of Algerian Chaabi, Gnawa, and electronic music. Sung and rapped in three languages, her music brings together traditional rhythms and digital production.
Her lyrics explore experiences of uprooting, identity, and social and personal struggles, all while weaving in themes of love and resilience. She has performed at numerous festivals and tours across Canada and Europe, was featured on the latest album by the group IAM, and her songs have been included in widely popular television series.

Floric Kim

Originaire du Congo, Floric Kim est un artiste polyvalent qui incarne la nouvelle vague de la créativité africaine. Il porte un regard novateur sur la scène musicale dans une démarche qui se veut célébration de l’Afrique moderne, en dialogue constant avec ses racines. Il s’imprègne des rythmes afrobeat, soul et de musiques traditionnelles africaines pour créer un univers sonore qui transcende les frontières. Sa démarche artistique aspire à refléter l’évolution de la culture africaine contemporaine, tout en restant enracinée dans des valeurs patrimoniales fortes.

Originally from Congo, Floric Kim is a versatile artist who embodies the new wave of African creativity. He brings an innovative perspective to the music scene, celebrating modern Africa while maintaining a constant dialogue with his roots. Drawing from Afrobeat, Soul, and traditional African music, he creates a sonic universe that transcends borders. His artistic approach seeks to reflect the evolution of contemporary African culture while remaining deeply rooted in strong heritage values.

Abdel Grooz

Abdel Grooz, artiste polyvalent, né dans le sud-ouest algérien dans une famille de grands maîtres de musique qui nourrissent sa passion, s’installe au Québec et crée son propre projet Grooz qui mêle groove et jazz. Son second album Zarbia connaît un grand succès dans le cadre de tournées en Europe, aux États-Unis, en Australie et au Maghreb. Le groupe fusionne des instruments occidentaux avec un répertoire ancestral, tout en intégrant des sonorités reggae, blues, rock et jazz.

Abdel Grooz, a versatile artist born in southwestern Algeria into a family of master musicians who nurtured his passion, settled in Quebec and created his own project, Grooz, blending groove and jazz. His second album, Zarbia, achieved great success during tours in Europe, the United States, Australia, and the Maghreb. The group fuses Western instruments with an ancestral repertoire while incorporating elements of Reggae, Blues, Rock, and Jazz.

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art sonore / expérimental / contemporain

Festival Flux : Tanner Menard + Martín Rodríguez au Centre d’art daphne

by Rédaction PAN M 360

Tanner Menard

Un vaisseau de conscience, transportant le son, la vision et le souffle comme des courants vivants de présence. Ici, en relation, un rayon transparent de lignée, coulant au-delà de soi. CETTE voie ouverte vers le devenir imaginaire — au-delà du nom, au-delà de la nation — avec ce qui est partagé, résonnant, vivant. Le chemin de la vie.

A vessel for consciousness, carrying sound, vision, and breath as living currents of presence. Here in relation, a transparent ray of lineage, flowing beyond self. THIS open pathway for imaginal becoming—beyond name, beyond nation—with what is shared, resonant, alive. The living path.

Martín Rodríguez

Artiste de la transmission et du son, le travail de Martín Rodríguez émerge de son origine Xicanx le long de la frontière entre l’Arizona et le Mexique. Il utilise la performance, l’intervention et l’installation comme processus de déchiffrage des histoires orales et des identités enchevêtrées.
Après s’être remis d’une opération chirurgicale visant à retirer une tumeur au cerveau, une rencontre fortuite avec une transmission radio prise dans les bobines de sa guitare a réorienté Rodríguez. Enracinant sa relation avec la radio dans la guérison, il examine la radio comme un moyen de transformation. Ses œuvres d’art considèrent la transmission comme un matériau à travers lequel le son s’entrelace avec l’affect, agissant comme un vaisseau pour des formes ultérieures de communication.
Des éléments de soins et de réflexion spéculative créent des rhizomes dans l’ensemble de ses œuvres. En utilisant ces méthodes plus larges, Rodriguez exploite la radio comme un matériau et une métaphore pour les connexions invisibles et pour rassembler et révéler des sites de connaissance.
Son travail a notamment été présenté au Musée d’art contemporain de Montréal (CA), au Museo Universitario Arte Contemporáneo (MX), à la Darling Foundry (CA), au Walking Festival for Sound (UK/PL), au Spektrum (DE), ainsi que dans divers festivals et salles de spectacle au Canada et aux États-Unis.

As a transmission and sound artist, Martín Rodríguez’s work emerges from his Xicanx upbringing along the Arizona-Mexico border. He employs performance, intervention, and installation as a process for deciphering aural histories and entangled identities.

After recovering from surgery to remove a brain tumor, a chance encounter with a radio transmission caught in the pickup coils of his guitar reoriented Rodríguez. Developing his practice from crisis, he examines radio as a transformative medium. Rooting his relationship with radio in healing, his artworks consider transmission as a material through which sound intertwines with affect, acting as a vessel for ulterior forms of communication.
Elements of care and speculative thinking create rhizomes throughout his artwork. Utilizing these broader methods, Rodriguez approaches his work from the Xicanx concept of rasquachismo; this methodology utilizes pragmatic ways of remaking and hacking material and objects to reimagine their function. This is a process born from adapting, merging, and creating something practical and new from scarcity.
Notably, his work has been presented by the Musée d’art contemporain Montréal (CA), Museo Universitario Arte Contemporáneo (MX), Darling Foundry (CA), Walking Festival for Sound (UK/PL), Spektrum (DE), as well as various festivals and performance venues across Canada, and the US.

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Rock

Rock & Rides : Big Brothers, Hair Fryers & Abie au Club Soda

by Rédaction PAN M 360

Abie est une étoile montante de la scène musicale, captivant le public avec sa voix envoûtante et son style unique.
Sur scène entourée de musiciens chevronnés pour des performances scéniques électrisantes, une présence charismatique et énergique. Un autre moment magique « Vibe Me, ça va rocker ».

Abie is a rising star on the music scene, captivating audiences with her mesmerizing voice and unique style.
On stage, she is surrounded by seasoned musicians, delivering electrifying performances with a charismatic and energetic presence. Another magical moment—Vibe Me, it’s going to rock!

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DJ set / Electronic / Techno

OfF Piknic : Carl Cox et plus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Faisant partie de la famille de Piknic Électronik, OfF Piknic est un « spin-off » en mode concert des rendez-vous dominicaux de Piknic. Prenant place au Parc Jean-Drapeau, les événements OfF Piknic sont le fruit d’une réinterprétation du site par les géants de l’industrie. Mettant en lumière l’ensemble de la scène électronique, ces événements ont lieu les vendredis et samedis, de la fin de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Part of the Piknic Électronik family, OfF Piknic is a concert spin-off of the regular Piknic Sunday gatherings. Taking place at Parc Jean-Drapeau, OfF Piknic events are the fruit of a production takeover led by curated all-star line-ups. Highlighting the whole realm of the electronic scene, these events take place on Fridays and Saturdays, from late afternoon to dusk.

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Electronic / Trip Hop

Skinshape au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Projet studio de l’instrumentiste et producteur britannique Will Dorey, Skinshape mêle trip-hop atmosphérique, funk des années 60 et 70, reggae, soul et influences psych-rock. Ancien membre de Palace et producteur pour Horus Records, Dorey s’est fait remarquer avec ses albums, dont Oracolo (2015), Life & Love (2017), Umoja (2020) et Nostalgia (2022).

The studio project of British instrumentalist/producer Will Dorey, Skinshape blends atmospheric trip-hop with ’60s and ’70s funk, reggae, soul, and psych-rock influences. An ex-member of Palace and producer for Horus Records, Dorey has garnered buzz for his albums, including 2015’s Oracolo, 2017’s Life & Love, 2020’s Umoja, and 2022’s Nostalgia.

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