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théâtre musical

Le Vivier : Mathilde Côté: Suzanne Guité – Théâtre Musical Contemporain à l’Espace orange de l’Édifice Wilder

by Rédaction PAN M 360

Entre théâtre et musique, le projet Suzanne Guité porté par la compositrice gaspésienne Mathilde Côté, met en lumière la vie, l’œuvre et la fougue de cette créatrice visionnaire. Suzanne Guité était une artiste gaspésienne, une femme d’idées, d‘images et de mots. Des années 1950 à 1980, elle a mené de front sa carrière d’artiste, produit sculptures, murales, aquarelles et œuvres textiles, dirigé un centre d’art à Percé et élevé 4 enfants entre le Mexique, l’Europe et la Gaspésie. Suite à son assassinat en 1981, elle est tombée dans l’oubli collectif, comme trop de femmes de son époque. Alors que l’année 2026 marque le centenaire de sa naissance, la compositrice Mathilde Côté lui rend un hommage poétique. On découvre Suzanne Guité à travers sa propre parole, incarnée par l’actrice et percussionniste Krystina Marcoux, Suzanne prend vie et se raconte. La pierre et le bois à sculpter deviennent des entités sonores en conversation avec l’artiste. On y parle d’art, d’amour et de maternité dans ce qu’ils ont de beau, de fort et de difficile.

Between theatre and music, the Suzanne Guité project, led by Gaspesian composer Mathilde Côté, brings to light the life, work and fervour of this visionary creator. Suzanne Guité was a Gaspesian artist, a woman of ideas, images and words. From the 1950s to the 1980s, she pursued her career as an artist on all fronts — producing sculptures, murals, watercolours and textile works, directing an art centre in Percé and raising four children between Mexico, Europe and the Gaspé Peninsula. Following her murder in 1981, she fell into collective oblivion, like too many women of her time. As the year 2026 marks the centenary of her birth, composer Mathilde Côté pays her a poetic tribute. We discover Suzanne Guité through her own words: embodied by actress and percussionist Krystina Marcoux, Suzanne comes to life and tells her own story. The stone and wood awaiting the sculptor’s hand become sonic entities in conversation with the artist. The work speaks of art, of love and of motherhood — in all that is beautiful, powerful and difficult about them.

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Baroque / classique / Opera

Les Violons du Roy : Didon et Énée à la salle Raoul-Jobin

by Rédaction PAN M 360

Le chef-d’œuvre absolu de Purcell
Composé vers 1689, Dido and Æneas de Henry Purcell demeure l’un des sommets du théâtre musical baroque. En moins d’une heure, le compositeur anglais déploie une tragédie d’une intensité déchirante, où chaque note porte le poids du destin. 
L’histoire d’un amour impossible 
Didon, reine de Carthage, accueille le prince troyen Énée après la chute de Troie. Leur amour naissant est brisé par l’intervention de forces maléfiques qui convainquent Énée de poursuivre sa destinée vers l’Italie. Abandonnée, Didon choisit la mort plutôt que de vivre sans son amour. 
Le lamento : un sommet d’émotion 
Le lamento final, « When I am laid in earth », compte parmi les pages les plus bouleversantes de toute l’histoire de la musique. Sur une basse obstinée descendante, Didon fait ses adieux à la vie avec une dignité tragique qui émeut depuis plus de trois siècles. Ema Nikolovska incarne cette reine déchue, soutenue par Tyler Duncan dans le rôle d’Énée et Magali Simard-Galdès en Belinda, la confidente.  
Purcell et le monde mythologique 
Trois extraits de The Indian Queen forment un prologue qui situe l’action dans un monde mythologique. Bernard Labadie dirige La Chapelle de Québec et Les Violons du Roy dans cette production qui réunit les forces vocales et instrumentales pour donner vie à l’une des plus grandes tragédies lyriques du répertoire baroque. 

Purcell’s absolute masterpiece
Composed around 1689, Henry Purcell’s Dido and Aeneas remains one of the pinnacles of Baroque musical theater. In less than an hour, the English composer unfolds a tragedy of heartbreaking intensity, where every note carries the weight of destiny.
The story of an impossible love
Dido, Queen of Carthage, welcomes the Trojan prince Aeneas after the fall of Troy. Their budding love is shattered by the intervention of evil forces who convince Aeneas to pursue his destiny in Italy. Abandoned, Dido chooses death rather than life without her love.
The lament: a peak of emotion
The final lament, “When I am laid in earth,” is one of the most moving pieces in the entire history of music. Over a descending bass line, Dido bids farewell to life with a tragic dignity that has moved audiences for more than three centuries. Ema Nikolovska embodies the fallen queen, supported by Tyler Duncan as Aeneas and Magali Simard-Galdès as Belinda, her confidante.
Purcell and the mythological world
Three excerpts from The Indian Queen form a prologue that sets the action in a mythological world. Bernard Labadie conducts La Chapelle de Québec and Les Violons du Roy in this production, which brings together vocal and instrumental forces to bring to life one of the greatest lyrical tragedies in the Baroque repertoire.

Programme

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (En version concert, avec prologue reconstruit par T. Dart et M. Laurie)

Program

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (Concert version, with prologue reconstructed by T. Dart and M. Laurie)

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Electroacoustic / expérimental / contemporain

Festival Flux : Beatings Are in the Body + Tallado En El Aire à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Beatings Are in the Body

Beatings Are in the Body est un nouveau projet puissant et énigmatique, réunissant trois figures majeures de la musique expérimentale canadienne : la pianiste, compositrice et improvisatrice Róisín Adams (Vancouver), la vocaliste et compositrice Erika Angell (Montréal) et la violoncelliste, compositrice et improvisatrice Peggy Lee (Vancouver). Comme leur nom l’indique, leur musique possède une dimension brute et volatile : elle explore la manière dont les souvenirs, la douleur et une palette d’émotions sont stockés dans le corps et continuent d’y être portés. Leurs compositions cherchent à libérer des mémoires neuronales profondément ressenties à travers des vibrations sonores, tout en agissant comme un baume pour des corps fatigués et des âmes tourmentées.

Beatings Are in the Body is a powerful and enigmatic new project from three of Canada’s leading figures in experimental music—Vancouver-based pianist, composer, and improviser Róisín Adams (of Hildegard’s Ghost), Montréal-based experimental vocalist and composer Erika Angell (of Thus Owls), and fellow Vancouverite Peggy Lee—a renowned cellist, composer and improviser. As their name indicates, there’s a raw, volatile dimension to the music they create; it’s an investigation of how memories, pain, and a spectrum of emotions are stored in and continue to be carried by our physical bodies. Their “compositions seek to unlock some deeply felt neural memories and release them via sonic vibrations” (Annapoorna Shruthi for The Vancouver Arts Review) while “acting like a balm on our tired bodies and tortured souls” (Gérard de Oliviera, Á Décrouvrir Absolument).

Tallado En El Aire

Tout comme les artistes (public compris), chaque espace porte une empreinte, une trajectoire et une volonté qui lui sont propres — somme des intérêts qu’il rassemble, de ses particularités acoustiques et de l’ensemble des sons qu’il accueille, invoque, favorise et accumule. Chaque lieu constitue en soi un univers sonore riche et profond, un univers taillé dans l’air. Tallado en el aire part de l’approche de l’univers sonore où elle prend place, et de la relation que ses interprètes établissent avec celui-ci, en prenant en compte à la fois certains sons survenant dans la salle pendant l’exécution elle-même, et les sons présents dans des « phonographies ». Pour l’élaboration de la trame électronique de Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron ont fouillé dans les archives sonores du Festival Suoni Per Il Popolo , et inclut des extraits de concerts des éditions de 2009, 2017 et 2018, dans des événements ayant lieu à la Sala Rossa. Tallado en el aire est composé d’Adrianne Munden-Dixon (violon), de Daniel Áñez (piano) et de Daniel Leguizamón (composition).

Like artists (and audience), every space bears its own imprint, trajectory, and will—shaped by the interests it brings together, its acoustic particularities, and the totality of sounds it hosts, invokes, fosters, and accumulates. Each place is, in itself, a rich and profound sonic universe—an universe carved in air. Tallado en el aire begins from an engagement with the sonic universe in which it takes place, and with the relationship its performers establish with it, considering both certain sounds that occur in the room during the performance itself, and the sounds present in the “phonographies”. For the creation of the electroacoustic track of Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron dug into the sonic archives of the Suoni Per Il Popolo Festival, and includes excerpts of concerts from the 2009, 2017 and 2018 editions, all happening at Sala Rossa. Tallado en el aire features Adrianne Munden-Dixon (violon), Daniel Áñez (piano) and Daniel Leguizamón (composition).

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Folk

POP Montréal 2026 : Le Ren sur le toit du Rialto

by Rédaction PAN M 360

Sur Don’t Be Funny Without Me (DBFWM), Le Ren nous confie, avec une douce évidence : « J’aime l’homme que je voulais être. » Elle est à la fois drôle et bouleversante, lucide tout en se laissant parfois tromper par elle-même. Tout au long de l’album, elle garde ces contradictions près d’elle : sans honte et pourtant honteuse, honnête mais encore en quête d’une version de la vérité qui ferait un peu moins mal. Au cœur de DBFWM se trouvent l’amour, la jalousie et les façons inconfortables dont ces deux sentiments s’entremêlent. À travers l’album, Le Ren revient sur les enchevêtrements émotionnels de sa vingtaine et sur le tiraillement persistant entre attachement, envie et conscience de soi. Il en résulte un disque à la fois tendre et finement observateur, qui équilibre sincérité et un humour discret, presque protecteur. Le Ren, au cas où vous ne le sauriez pas déjà, est la drôle. Après avoir longuement tourné en première partie d’artistes comme Jeff Tweedy, Devendra Banhart et Men I Trust, Le Ren est revenue au Canada pour enregistrer l’album à Mountain Grove, en Ontario. Coproduit avec ses amis de longue date Fez Gielen et Jonas Bonetta, DBFWM porte une sensibilité résolument canadienne. Les paroles de Le Ren sont imprégnées de cette endurance nordique, comme regarder le soleil se coucher derrière l’asphalte fissuré de l’avenue du Parc ou depuis le stationnement de ton On Route préféré. Sur le plan sonore, DBFWM est plus ample que son prédécesseur : arrangements plus riches, harmonies superposées et instrumentation entraînante viennent soutenir la voix angélique de Le Ren. L’album évoque la chaleur d’influences classiques comme Emmylou Harris et l’intensité émotionnelle de Gillian Welch, tout en restant profondément ancré dans une voix qui continue d’évoluer. Don’t Be Funny Without Me se termine là où il commence : avec le désir, chez Le Ren, d’un amour simple et pur, quelque chose qui se rapproche davantage de sa relation avec la musique elle-même. Ce faisant, elle chante son identité en devenir, aspirant à devenir celle qu’elle imagine. À la fois douloureux et envoûtant, le disque ressemble à un road trip d’après-rupture avec ta meilleure amie : aucune destination précise, un coffre rempli de bagages (au sens propre comme au figuré), et une lumière tachetée qui réchauffe ton visage à travers la vitre de la voiture.

On Don’t Be Funny Without Me (DBFWM), Le Ren tells us, “I love the man I wanted to be,” as a matter of tender fact. She is funny while devastating, self-aware and a little self-deceiving. Across the record, she holds those contradictions close: shameless and ashamed, honest but still searching for a version of the truth that hurts a little less. At its core, DBFWM explores love, jealousy, and the uneasy ways the two often intertwine. Across the album, Le Ren reflects on emotional entanglements from her twenties and the lingering push-and-pull between attachment, envy, and self-awareness. The result is a record that is both tender and sharply observant, balancing sincerity with a quiet, self-protective humour. Le Ren, if you didn’t already know, is the funny one. After touring extensively opening for acts like Jeff Tweedy, Devendra Banhart, and Men I Trust, Le Ren returned to Canada to record the album in Mountain Grove, Ontario. Self-produced alongside old friends Fez Gielen and Jonas Bonetta, DBFWM carries a distinctly Canadian sensibility—Le Ren’s lyrics are imbued with that northern endurance, like watching the sunset fade behind the cracked asphalt on avenue du Parc, or from the parking lot of your favourite On Route. Sonically, DBFWM is more expansive than its predecessor: fuller arrangements, layered harmonies, and driving instrumentation that complement Le Ren’s angelic vocals. The record evokes the warmth of classic influences like Emmylou Harris and the emotional edge of Gillian Welch, while remaining firmly rooted in her own evolving voice. Don’t Be Funny Without Me ends where it begins: with Le Ren craving an uncomplicated, pure love—something closer to her relationship with music itself. In doing so, she sings her evolving, aspirational self into being. Aching and intoxicating, the record feels like a post-breakup road trip with your best friend: no fixed destination, a trunk full of baggage (literal and figurative) and mottled sunlight warming your face through the car window.

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DJ set / Moyen-Orient / Levant / Maghreb

Festival Orientalys : DJ Mina au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

L’accordéon de Farzad Milani ne joue pas seulement des notes, il dessine des espaces entre elles. Compositeur, chanteur et chercheur basé à Montréal, l’artiste creuse depuis des années les modes persans et leurs micro-intervalles, ces nuances subtiles absentes du système occidental mais essentielles à l’âme de cette musique. Avec ses acolytes sur scène, il compose un pont entre les traditions orales du Moyen-Orient et les pratiques harmoniques d’ici, sans jamais sacrifier l’une pour l’autre.
Sa musique n’est pas pensée pour être seulement écoutée : le rythme y est structurel, le mouvement y est intégré dès la composition, si bien que le corps répond avant même que l’oreille comprenne pourquoi. Entre répertoires traditionnels et pièces originales, Milani propose une expérience immersive où la rigueur de la recherche rencontre le plaisir simple de danser.

Some DJs mix sounds. DJ Mina mixes worlds. A son of the Nile raised at the Cairo Opera House, who passed through the choirs of Mary, Queen of the World Cathedral before conquering the clubs, Mina never chose between tradition and the night; he decided the two would speak to each other instead. On his turntables, the ancestral oud slips into house music, Middle Eastern rhythms embrace Latin accents, and for the length of a set, Montreal becomes somewhere between Cairo, Ibiza, and the Old Port.
A trained pharmacist and master of nighttime formulas, he never improvises his mixes; they’re measured, balanced, and set to explode at exactly the right moment.

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classique / Klezmer / musique de chambre

La Fête de la Musique de Tremblant : Oktopus – Brahms, Balkans & Bagels à la place Saint-Bernard

by Rédaction PAN M 360

Brahms, Balkans & Bagels explore les liens fascinants entre musique classique et traditions populaires. À travers des arrangements colorés et virtuoses, Oktopus met en lumière l’influence du folklore sur des compositeurs comme Brahms, Liszt, Mahler et Kodály. Fil conducteur du spectacle, la musique klezmer se mêle aux sonorités classiques, québécoises et jazz dans un voyage riche en contrastes, en émotions et en découvertes. Reconnu comme l’un des ensembles phares des musiques métissées au Canada, Oktopus séduit par la finesse de ses arrangements, son énergie communicative et l’équilibre entre virtuosité, humour et tradition.

Brahms, Balkans & Bagels explores how folk traditions have inspired the great classical composers. How did Hungarian folk melodies shake up Franz Liszt? What traces did klezmer leave in Gustav Mahler’s works? How did Zoltán Kodály preserve the rustic flavor of peasant songs in his symphonies? In this colorful concert, classical and folk traditions stand on equal footing, intertwined in touching and virtuosic arrangements. Sometimes festive, sometimes reflective, the music draws tears caught between laughter and emotion, guided by klezmer’s lively dances and ornamentations.

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Neoclassical / Piano

La Fête de la Musique de Tremblant : Viviane Audet au Piano Public Québecor

by Rédaction PAN M 360

Viviane Audet, d’abord connue comme comédienne au théâtre, à la télévision et au cinéma, mène depuis plus d’une décennie une carrière remarquée de compositrice. Elle signe de nombreuses musiques de films, séries et documentaires, dont Camion, Les rois Mongols, Arsenault et fils, Temps de chien et Le monde de Gabrielle Roy. Autrice-compositrice-interprète, elle évolue également avec le duo folk Mentana et en solo. Son album Les nuits avancent comme des camions blindés sur les filles (2023) a reçu plusieurs nominations. Elle a aussi présenté en 2025 Le piano et le torrent, son second récit pianistique néo-classique.

Viviane Audet first gained recognition as an actress before building an acclaimed career as a composer. She has written music for numerous films, television series, and documentaries, including Camion, Les rois Mongols, Arsenault et fils, and Le monde de Gabrielle Roy. Alongside her work for screen, she is an accomplished singer-songwriter, both as a member of Mentana and as a solo artist. Her 2023 album Les nuits avancent comme des camions blindés sur les filles earned multiple award nominations. Following her piano project Les filles montagne, she released Le piano et le torrent in 2025, further establishing her voice in the neoclassical repertoire.

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Jazz / période romantique

Concerts aux Îles du Bic : Élise et Hugues à la Place du Festival

by Rédaction PAN M 360

Un voyage dans le temps, un moment de partage entre deux amis. Bien connus du festival, les violonistes Élise Lavoie et Hugues Laforte-Bouchard se retrouvent pour ce concert en duo et naviguent des harmonies baroques de Jean-Marie Leclair aux sonorités jazz de Helmut Lipsky en passant par le romantisme de Reinhold Glière et les élans folkloriques de Grażyna Bacewicz! Une rencontre musicale qui fait du bien.

A journey through time, a moment of connection between two friends. Familiar faces at the festival, violinists Élise Lavoie and Hugues Laforte-Bouchard reunite for this duo concert, guiding audiences from the Baroque harmonies of Jean-Marie Leclair to the jazz-inspired sounds of Helmut Lipsky, with stops along the way in the Romantic lyricism of Reinhold Glière and the vibrant folk influences of Grażyna Bacewicz. A musical encounter that uplifts and inspires.

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Folk / Indigenous peoples / Traditional

Concerts aux Îles du Bic : Racines – Concert de clôture à la Chapelle Notre-Dame des Murailles

by Rédaction PAN M 360

Un concert comme un voyage autour du monde qui nous confronte à l’inconnu et à la rencontre de l’autre, avec ses curiosités comme avec ses ressemblances. Un concert qui nous relie à des cultures ancestrales vieilles comme le monde et qui nous fait apprécier la valeur de l’instant présent. Un concert festif qui célèbre notre humanité commune pour clôturer le festival sous le signe du respect, du partage et du plaisir d’être ensemble. Venez vous faire emporter par des chants de rassemblement, de guérison et de joie issus du territoire sur lequel nous sommes et par d’autres venus d’ailleurs, dans des arrangements pour voix et ensemble de chambre. Avec la participation de l’artiste interdisciplinaire wolastoq Samaqani Cocahq, de la chanteuse suédoise Erika Angell, de l’ensemble instrumental du festival et du trio traditionnel Salicorne. Chants autochtones, mélodies et chansons traditionnelles d’Europe et d’Amérique pour voix et ensemble instrumental, dont la fascinante collection Folk Songs constituée par Luciano Berio.

A concert that is like a journey around the world, one that invites us to embrace the unknown and encounter others, discovering both their unique traditions and our shared humanity. A concert that connects us with ancient cultures as old as time itself, while reminding us to cherish the value of the present moment. A festive celebration of our common humanity, bringing the festival to a close in a spirit of respect, sharing, and the simple joy of being together. Join us for an uplifting program of songs of gathering, healing, and celebration from the Indigenous lands on which we gather, alongside traditional music from around the world, presented in arrangements for voices and chamber ensemble. Featuring Wolastoq interdisciplinary artist Samaqani Cocahq, Swedish singer Erika Angell, the festival’s instrumental ensemble, and the traditional music trio Salicorne. Indigenous songs, traditional melodies and folk songs from Europe and the Americas for voices and instrumental ensemble, including Luciano Berio’s fascinating Folk Songs collection.

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Indie Pop / Indigenous peoples / Reggae

Présence autochtone : TDH aux Jardins Gamelin

by Rédaction PAN M 360

Tommylee Dauphinais Howard est un jeune artiste dont les origines jamaïcaines et premières nations Innu de Mashte Uiatsh du Saguenay-Lac-Saint-Jean ont fortement influencé son parcours créatif au cours des dernières années. Aujourd’hui, Tommylee Dauphinais Howard effectue un retour aux sources sous la bannière de Nikamo Production, explorant l’univers de la musique fusion contemporaine allant du reggae québécois, du folk, du Indie pop, du rock et cherche à faire connaitre cette identité musicale alternative. Ses derniers titres, « La raison m’échappe » et « No Fear », témoignent de cette exploration artistique. Il cherche à repousser les limites de sa créativité et prépare le terrain pour son prochain album, sur lequel il travaille avec passion depuis déjà deux ans. Dans ce processus de création TDH comprend l’importance qu’on les mots, l’histoire de ses ancêtres et l’impact que les chansons peuvent avoir sur la population. Il tentera d’approcher des sujets plus sensibles le tout en français. TDH eu la chance de collaborer avec Mia Kelly, ENOMiS, QuietMike, Otto, Samian, Elie Paquet, Ramon Chicharron, Fovelle ainsi que bien d’autres artistes déjà établi ou encore émergents. Il a eu l’opportunité de collaborer avec des artistes qui ont su croire en lui et qui ont également beaucoup à proposer. Tommylee Dauphinais Howard est un artiste énergique et talentueux, qui trouve dans son art une véritable liberté d’expression et un outil pour transmettre des messages remplis de sagesses et d’espoirs. Sa volonté de partager ses textes envoutants, ses sons uniques et à vouloir interagir avec le publique est une preuve de sa détermination à se faire une place dans le monde artistique montréalais. Avec sa vision unique et son amour pour les différentes formes d’expression, TDH promet de continuer à inspirer les autres et à créer des œuvres qui touchent les cœurs et les esprits.

Tommylee Dauphinais Howard is a young artist whose Jamaican and Innu First Nation roots from Mashteuiatsh, in the Saguenay–Lac-Saint-Jean region, have profoundly shaped his creative journey over the past several years. Today, under the banner of Nikamo Production, Tommylee Dauphinais Howard is returning to his roots while exploring a contemporary fusion of Québécois reggae, folk, indie pop, and rock. Through this alternative musical identity, he continues to carve out a distinctive artistic path. His recent singles, La raison m’échappe and No Fear, reflect this ongoing exploration. Currently, he is pushing the boundaries of his creativity as he passionately works on his upcoming album, a project that has been in development for the past two years. Throughout this creative process, TDH has come to appreciate the power of words, the stories of his ancestors, and the impact that music can have on people. His upcoming work will tackle more sensitive subjects, primarily in French. Along the way, he has collaborated with artists such as Mia Kelly, ENOMiS, QuietMike, Otto, Samian, Elie Paquet, Ramon Chicharron, Fovelle, and many other established and emerging musicians. These collaborations have allowed him to grow alongside artists who believed in his talent and shared their own unique creative visions. An energetic and gifted performer, Tommylee Dauphinais Howard finds true freedom of expression through his music, using it as a vehicle to share messages of wisdom and hope. His desire to connect with audiences through compelling lyrics, distinctive sounds, and dynamic performances reflects his determination to establish himself on Montreal’s artistic scene. Guided by a unique vision and a deep appreciation for diverse forms of artistic expression, TDH continues to create work that resonates with both the heart and the mind.

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Indigenous peoples / Musique traditionnelle

Présence autochtone : Shanipiap aux Jardins Gamelin

by Rédaction PAN M 360

Artiste innue aux multiples talents, Geneviève McKenzie-Sioui, également connue sous le nom de Shanipiap, est auteure-compositrice-interprète, conteuse, animatrice, productrice de télévision et écrivaine. Née à Matimekush, près de Schefferville, elle est établie depuis de nombreuses années à Wendake, où elle poursuit une démarche artistique profondément ancrée dans la transmission des savoirs et de la culture innue. Elle compose et interprète des chansons en langue innue depuis la fin des années 1970. En 1999, elle lance son premier album, La Lune du Labrador, sous le nom de Shanipiap. En parallèle de sa carrière musicale, elle fonde les Productions Shanipiap et crée l’émission jeunesse Les Découvertes de Shanipiap, qu’elle produit et anime pour les chaînes APTN et TFO. À travers ses chansons, ses contes et ses écrits, Geneviève McKenzie-Sioui tisse un pont entre les traditions innues et le monde contemporain. Accompagnée de son tambour et de sa voix, elle célèbre la mémoire des ancêtres, la langue innue et les valeurs culturelles qui continuent d’inspirer son œuvre. Son parcours fait d’elle une figure incontournable de la création autochtone au Québec et au Canada.

Innue artist of many talents, Geneviève McKenzie-Sioui, also known as Shanipiap, is a singer-songwriter, storyteller, host, television producer, and author. Born in Matimekush, near Schefferville, she has lived for many years in Wendake, where she continues an artistic practice deeply rooted in the transmission of Innu knowledge and culture. She has been writing and performing songs in the Innu language since the late 1970s. In 1999, she released her debut album, La Lune du Labrador, under the name Shanipiap. Alongside her music career, she founded Productions Shanipiap and created the children’s television series Les Découvertes de Shanipiap, which she produced and hosted for APTN and TFO. Through her songs, stories, and writings, Geneviève McKenzie-Sioui builds a bridge between Innu traditions and the contemporary world. Accompanied by her drum and distinctive voice, she honours the memory of her ancestors, the Innu language, and the cultural values that continue to inspire her work. Her remarkable career has made her one of the leading figures in Indigenous arts and culture in Quebec and across Canada.

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