Feu! Chatterton
Palais d’argile
Caroline

Arthur Teboul (parolier et chanteur) et ses collègues Raphaël de Pressigny (batteur), Antoine Wilson (bassiste), Clément Doumic et Sébastien Wolf (guitaristes et claviéristes) disposaient de tout un lot de chansons à l’état de maquettes, lorsqu’a commencé le confinement. Restait à choisir celles qui figureraient sur Palais d’argile, puis trouver un réalisateur. Feu! Chatterton a choisi Arnaud Rebotini et le résultat est plus que probant : Palais d’argile est encore meilleur, à tous égards, que ce qu’a produit Feu! avant. Entre les pièces en appui-livres Un monde nouveau et Monde nouveau défilent douze autres titres tout aussi stimulants les uns que les autres. (Luc Marchessault)

Institut
L’effet waouh des zones côtières
Rouge Déclic

L’effet waouh des zones côtières est le troisième album du trio Institut, après Spécialiste mondial du retour d’affection (2016) et Ils étaient tombés amoureux instantanément (2011). Arnaud Dumatin, directeur d’Institut, a presque tout écrit et composé. Comme parolier, il se pose généralement en observateur désabusé. Il nous balade dans le champ littéraire de Michel Houellebecq, là où l’air ambiant exhale des effluves de fin de civilisation. Nina Savary élève la proposition de sa voix exquise. Le musicophile sera réconforté par L’effet waouh des zones côtières car la poésie, même lucide et blasée, demeure porteuse d’espérance. (Luc Marchessault)

Danny Driver
Ligeti : 18 études
Hyperion

Le syncrétisme des meilleures pratiques musicales du 20^e siècle. C’est un peu ce que sont les Études de Ligeti, un monument du piano savant moderne, à la fois ludique, exigeant et stimulant. Danny Driver s’est approprié ces grandioses miniatures avec force et personnalité. (Frédéric Cardin)

BAAB
Rédactions tranquilles
MFC Records

Pour son premier album, le duo montréalais BAAB s’est intelligemment et créativement approprié les codes de la lo-fi house, du jazz et de la pop, allant parfois même jusqu’à flirter avec l’expérimental. La voix éthérée de Mariève Harel-Michon, alias Bayta, s’entrelace avec fluidité et douceur aux compositions accrocheuses de Charles-David Dubé. C’est prenant, touchant et ça met du baume sur l’âme. Avec Rédactions tranquilles, c’est un vent de fraîcheur qui souffle sur la scène locale. Assurément à suivre. (Elsa Fortant)

Gojira
Fortitude
Roadrunner Records

Une chose est certaine: le quatuor français Gojira a une moyenne élevée en matière de qualité d’album. Sur sept parutions, y compris Fortitude, il n’y a que de The Link (2003) qu’on est incapable de réécouter. En 25 ans de carrière, Gojira a presque toujours réussi l’exploit de se réinventer dans son propre univers, composé de chansons multidimensionnelles et envoûtantes. Il y a encore matière à réflexion dans les textes de Gojira. Puis, des mélodies enveloppantes et puissantes nous rappellent que le groupe n’a pas perdu toute sa force de frappe, même si les harmonies prennent plus de place qu’avant. (Christine Fortier)

Dry Cleaning
New Long Leg
4AD

Si Dry Cleaning emprunte à un tas de groupes issus de la scène art-punk, post-punk ou alternative, de Siouxsie and the Banshees à The Fall en passant même par Marianne Faithfull ou tous ceux, plus contemporains, ayant adopté le style déclamatoire plutôt que le chant (Sleaford Mods, Yard Act, Protomartyr, Gudrun Gut et tant d’autres), on doit admettre que le groupe de Londres a su s’imposer grâce à la voix froide et détachée de sa chanteuse Florence Shaw. D’un ton monocorde, elle livre sans émotion des paroles frisant l’absurde dans lesquelles cohabitent observations du quotidien et clins d’œil ironiques. La dichotomie entre la voix et la musique est encore plus flagrante en concert, alors que la dame demeure impassible tandis que tout le reste du groupe s’énerve sur ses instruments. Bien que la formule a ses limites (quoique les Sleaford Mods en sont à leur 11^e album…), l’approche inusitée de Dry Cleaning intrigue et risque de charmer pour encore un petit moment. (Patrick Baillargeon)

Cadence Weapon
Parallel World
eOne Music

Cadence Weapon a fait du millage sur la route du Prix Polaris, qu’il a remporté en 2021 après y avoir été sélectionné sur la liste courte dès 2006. Le rappeur mérite pleinement le fameux prix, car il a mis au point un rap électronique parfaitement distinct des tendances hip-hop à la mode en Amérique du Nord (trap, drill, etc.) et des variantes du grime britannique, tout en puisant de chaque côté de l’Atlantique pour ainsi mettre au point un langage unique. Excellent chroniqueur de la mouvance sociale, ceci incluant le racisme systémique et les possibles dérives autoritaires dans un environnement numérique, Cadence Weapon est sans conteste un artiste hors du commun. (Alain Brunet)

Laurence Anne
Musivision
Bonsound

Dream-pop, art-rock, funk cosmique, synthwave… ces étiquettes réunies ne peuvent décrire avec exactitude cet opus de Laurence Anne, distinct de toutes les mouvances de la scène indie en Amérique francophone, ce qui lui a valu le statut d’« artiste de l’année » au GAMIQ. Ainsi, sa voix laineuse et haut perchée survole des arrangements singuliers et une étonnante diversité compositionnelle. Un tantinet sibyllin, cet album se veut un « recueil de lettres de correspondance destinées à un ancien amant secret », ainsi que la « trame sonore qui résonne entre les murs d’un manoir mystérieux ». Alors… on ne pénètre pas dans ce manoir pour ses propriétés poétiques, mais bien pour les riches vibrations sonores qui y résonnent. (Alain Brunet)

Birmani
Birmani
Cuchabata

Après trois microalbums portant le sceau Birmani et lancés entre l’automne 2018 et le printemps 2019, voici un recueil qu’on pourrait qualifier de complet puisqu’il totalise 33 minutes et quelques secondes de musique. On y entend des rythmes syncopés, des riffs qui fendent l’espace auditif, un blues lourdement lesté de psychédélisme, des évocations de Soundgarden, Queens of the Stone Age ou Mastodon. Outre l’apport textuel de l’auteure Gabrielle Delamer sur trois chansons, Simon Doucet-Carrière, Antoine Lévesque-Roy et Mathieu Racine ont tout fait eux-mêmes. Cet album homonyme gonflera de bonheur le cœur de tous les musicophiles friands de sonorités stoner, métal et sludge. (Luc Marchessault)

Konstantia Gourzi
Anajikon
ECM

On se promène dans l’écoute d’Anajikon comme dans un rêve brumeux, mélodies poignantes ici, quelques dissonances légèrement épicées ailleurs, nous accompagnant comme un guide bienveillant. On a vite l’impression de plonger dans une trame sonore d’un film de Theo Angelopoulos. C’est vrai que la plume de Gourzi a quelque chose d’aussi évocateur que la musique d’Eleni Karaindrou, et nous invite presque parfois à attendre l’entrée de la voix magique d’Angélique Ionnatos. Nils Mönkemeyer (alto), William Youn (piano), l’orchestre de l’Académie de Lucerne et le Miguet Quartett sont tous excellents. À ne manquer sous aucun prétexte. (Frédéric Cardin)

Charles Richard-Hamelin
Chopin : 24 préludes; Andante Spianato et Grande polonaise brillante
Analekta

CRH est résolument romantique, incitant à souhait toute la viscéralité des partitions à s’épanouir totalement. Chopin est une extension de l’âme musicale du jeune homme, qui continue de gagner en maturité d’année en année. Cet album démontre la puissance évocatrice que CRH construit avec brio, dans chacune des 24 perles miniatures de l’op. 28 signées de la main du grand Frédéric. (Frédéric Cardin)

Deine Lakaien
Dual
Prophecy Productions

Ce groupe emblématique de la scène culturelle allemande nous offre un dixième album fort original : dix nouvelles pistes, composées sous l’inspiration de pièces d’autres artistes, précèdent les reprises par le groupe de ces pièces inspiratrices. Elles proviennent d’horizons musicaux éclectiques, de Can (Spoon) à Cat Stevens (Lady D’Arbanville) en passant par Brel (La chanson des vieux amants) et même Linkin Park (My December), chansons auxquelles le groupe a le génie d’offrir autant d’écrins faits sur mesure. Aux éminents talents de compositeur du pianiste Ernst Horn s’ajoute la voix d’Alexander Veljanov, d’une douceur et d’une générosité sans faille. (Geneviève Gendreau)

Squid
Bright Green Field
Warp

Nous pourrions passer des heures à décortiquer les multiples facettes de Bright Green Field. Nous pourrions nous attarder aux textes qui dénoncent l’industrie pharmaceutique, qui ironisent sur les victimes de la mode à l’ère numérique, qui ridiculisent les appareils d’aérobie dans les gymnases. Nous pourrions nous attarder aux talents musicaux et académiques des artistes de Squid, qui s’inspirent des autodidactes des générations précédentes. Nous pourrions discuter du mélange astucieux de genres et d’improvisations qui font toute la couleur de ce vaste champ musical. Par souci de brièveté, on peut dire que c’est très très bon. (Louis Garneau-Pilon)

Yautja
The Lurch
Relapse

Vous aimez les groupes capables de vous surprendre avec des changements de rythmes intrépides? Alors écoutez Yautja. Le trio de Nashville est composé du bassiste-chanteur Kayhan Vaziri (Coliseum, Die Young), du batteur-chanteur Tyler Coburn (Thou, Gnarhwal, Mutilation Rites) et du guitariste-chanteur Shibby Poole (Thirdface), ce qui donne également un bon indicatif de la qualité de The Lurch. À l’écoute, on songe d’abord à Converge, Baptists et Pig Destroyer, mais des passages évoquent aussi le mathcore de The Dillinger Escape Plan, la fureur de Napalm Death et la profondeur de Gorguts. On ne peut que vous recommander fortement The Lurch, de Yautja. (Christine Fortier)

Teke::Teke
Shirushi
Kill Rock Stars/Ray-On

Monstre à sept têtes, Teke::Teke est une drôle de bête. Conçu à la base comme un hommage improbable au légendaire guitariste japonais Takeshi Terauchi, la bande a élargi son champ d’action, fusionnant pratiquement tout sur son passage, incorporant à sa mixture plusieurs instruments traditionnels ou exotiques à ceux qui le sont un peu moins, créant ainsi son propre univers musical. La musique schizophrène du collectif montréalais est tout sauf banale et Shirushi, premier album complet du septuor, l’illustre parfaitement en dix temps. Du surf-rock nippon à des envolées épiques à la Sergio Leone ou à la Badalamenti, en passant par des charges punk-prog baignées d’essences lysergiques et d’autres morceaux mystiques se rapprochant de l’enka nippon, l’ensemble est mené brillamment par la théâtrale chanteuse Maya Kuroki. S’exprimant uniquement en japonais, Kuroki captive, sublimant magistralement la musique de la troupe, lui donnant un aura de mystère ou de folie. (Patrick Baillargeon)

Robert Robert
Silicone Villeray
Chivi Chivi

Silicone Villeray se trouve au nord du Colorado Plateau et à l’ouest de Rosemount, Minnesota. C’est là que vit Arthur Gaumont-Marchand, alias Robert Robert. Sur Silicone Villeray, il délaisse quelque peu les variantes électro et house de la musique de club pour se concentrer sur des sous-genres pop. Robert s’est mis à l’écriture de textes, avec un coup de main d’Hubert Lenoir et de Benoît Parent. Le résultat s’avère probant : réflexions, introspections et observations simples mais fort bien tournées. Robert Robert atteint, sur Silicone Villeray, le délicat équilibre prosodique aussi cher aux créateurs de pop que l’était l’Arche d’alliance à Indiana Jones. (Luc Marchessault)

Night Beats
Outlaw R&B
Fuzz Club

Night Beats est le véhicule de l’auteur-compositeur-interprète Danny Lee Blackwell, seul membre permanent de cette formation basée dans l’État de Washington. On suit l’évolution de sa palette musicale depuis 2011. Sans provoquer de coup de foudre comme la cultissime chanson Puppet on a String, l’album Outlaw R&B amène le son de Night Beats vers des horizons où les perspectives se déforment, à travers l’écran de chaleur. On sort un peu du garage, mais on ne s’en éloigne pas trop non plus. Juste assez pour prendre un peu de soleil. (Patrice Caron)

Mustafa
When Smoke Rises
Regent Park Songs

Pendant que les jeunes de sa génération préféraient le hip-hop, Mustafa écoutait Nick Drake, Joni Mitchell et Richie Havens. Il estimait que le folk lui permettait d’explorer un langage poétique plus intime, plus sentimental. L’album When Smoke Rises explore le sentiment ressenti après une tragédie :  son titre et ses pièces font référence à la mort de son ami et rappeur Smoke Dawg, victime d’une fusillade en 2018. Ces huit chansons folk-pop constituent une introspection des étapes du deuil. The Hearse porte sur l’envie de venger la mort de son ami, mais se décline finalement comme une chanson d’amour, plutôt qu’une chanson violente. (Jade Baril)

Yoo Doo Right
Don’t Think You Can Escape Your Purpose
Mothland

Le post-rock fleurit à Montréal depuis l’époque où Godspeed! You Black Emperor et Fly Pan Am en ont jeté les bases. Or, Yoo Doo Right en opère tranquillement la refonte. Le son de Yoo Doo Right peut faire s’évaporer des larmes et trembler les rues d’une ville: de véritables galaxies sonores prennent forme puis implosent, en l’espace de six minutes. L’album Don’t Think You Can Escape Your Purpose, paru en 2021, constitue un chef-d’œuvre auditif. (Stephan Boissonneault)

Jesse Royal
Royal
Easy Star

Pour son album Royal paru en juin dernier, Jesse Royal s’est entouré d’une demi-douzaine de réalisateurs – Sean Alaric (Koffee), Natural High et Wayne Thompson, entre autres – pour onze titres de styles variés, mettant tous de l’avant sa prose rastafarienne. Le disque commence et se termine avec des paraboles, la sagesse rasta coule librement sur une variété de rythmiques empruntant au hip-hop, au jazz, au blues, à l’afrobeat et, évidemment, au dancehall. En à peine quelques années, Royal s’est développé une réputation enviable qui attire des collaborateurs bien en vue comme Kumar, Runkus, Stonebwoy, Protojé et Vybz Kartel. (Richard Lafrance)

Billie Eilish
Happier Than Ever
Interscope

La colorée sensation pop et icône de la génération Z, qui passe du ton chuchoté à l’aérien, a encore une fois composé cet album avec son frère Finneas dans le sous-sol de ce dernier. Auréolée de deux Grammy en 2021, dont un pour la pièce No Time to Die (chanson-thème du dernier James Bond), après une pléthore de récompenses prestigieuses sur les deux côtés de la grande mare en 2020, Eilish s’impose comme l’une des artistes incontournables de cette nouvelle décennie. Majeur. (Claude André)

Dobet Gnahoré
Couleur
Cumbancha

Couleur est une ode à la femme, un éloge de la francophonie, une lettre d’amour à la maternité, une célébration de la musique africaine… Mais avant tout, un excellent album! Dobet Gnahoré nous offre un tour de force qui contient un petit quelque chose pour tous. Ceux qui aiment l’afro-pop trouveront leur compte dans les rythmes envoûtants de la diva africaine. Ceux qui veulent élargir leurs horizons pourront découvrir un tout nouvel univers musical entraînant. Ceux qui veulent danser auront de quoi se trémousser jusqu’au petit matin! (Louis Garneau-Pilon)

Etana
Pamoja
Freemind Music

La chanteuse Etana avait sorti un album autoproduit intitulé Gemini en 2020. Déjà de retour cette année avec Pamoja, qui signifie « ensemble » en swahili, la Jamaïcaine s’est entourée de nombreux artistes sur l’album, provenant pour la plupart du continent africain. On y trouve aussi l’incontournable Vybz Kartel, Damian « Junior Gong » Marley et les Européens Alborosie et Patrice. En matière de rythmes, elle a puisé dans l’afrobeat, le dancehall et, bien sûr, le reggae-roots auquel elle nous habitué depuis ses débuts. Très riche en influences, réalisé de main de maître et interprété par l’une des chanteuses majeures de la scène actuelle, Pamoja marque un grand coup en 2021. (Richard Lafrance)

René Lussier
Complètement marteau
ReR Megacorp / Circum Disc

Plus qu’à l’extraordinaire guitariste ou au compositeur déjanté, c’est à un René Lussier chercheur de sons que l’on a affaire ici. Sauf pour le quatuor de contrebasses (4 fois Hugo Blouin) que l’on peut entendre dans Le clou (1999), c’est Lussier qui joue de tout, incluant « tout un lot de percussions maison faites de frottements, de bruits de bouche, de spatules à gâteau, de broches à barbecue et de styromousse sur une vitre mouillée », sans compter, bien sûr, du daxophone et des guitares. Un bon cru! (Réjean Beaucage)

Ofer Pelz, Meitar Ensemble
Trinité
New Focus

Après des études à Jérusalem, puis à Paris, c’est à l’Université de Montréal qu’Ofer Pelz a obtenu un doctorat en composition. Il utilise différentes méthodes de travail, comme l’exploration du concept de « répétition instable », la rétro-ingénierie et des manières de composer qui sont inspirées des mathématiques ou dérivées de l’électroacoustique (spirale logarithmique, accumulation de boucles, etc.). L’ensemble Meitar est basé à Tel-Aviv, mais ce disque offre néanmoins plusieurs occasions d’entendre, fût-ce par la bande, « le son de Montréal ». (Réjean Beaucage)

King Gizzard and the Lizard Wizard
Butterfly 3000
KGLW

Il est parfois dur de trouver l’inspiration pour un premier album. Trouver l’inspiration pour le 18e l’est probablement tout autant. Pourtant, le très prolifique septuor King Gizzard and the Lizard Wizard réussit son pari. KGLW délaisse légèrement l’intensité du prog-rock pour des boucles de synthé de style dream-pop. Le résultat est épatant. Les textes ont aussi évolué, délaissant les histoires fantasques d’autrefois pour s’intéresser au monde ambigu du rêve. Butterfly 3000 est peut-être un détour inattendu pour la sensation prog australienne. Or, puisqu’il s’agit d’un groupe spécialisé dans les détours inattendus, celui-ci en vaut largement la peine. (Louis Garneau-Pilon)

Greentea Peng
Man Made
AMF/EMI

Après deux EP et de nombreux simples, la Britannique Greentea Peng signe Man Made, un premier album d’une étonnante cohésion. Fille d’un père acteur d’origine arabe et d’une mère africaine, Aria Wells – de son vrai nom –  et son groupe The Seng Seng Family proposent 18 titres de néo-soul lascive, largement colorée d’effluves psychédéliques, R&B, dub, funk, acid-jazz, bhangra, trip-hop et hip-hop, qui viennent appuyer des textes aux forts contours sociopolitiques, bien que parfois un peu naïfs. Si son style peut légèrement faire penser à celui de Lily Allen ou d’Erykah Badu, les comparaisons s’arrêtent là, la Londonienne ayant un truc définitivement bien à elle. (Patrick Baillargeon)

Haepaary
Born by Gorgeousness
Flipped Coin

Après le succès retentissant de la formation sud-coréenne Leenalchi, voici le duo Haepaary, de Séoul, qui modernise lui aussi les traditions enracinées localement. Compte tenu de sa vision plus large, Haepaary s’apparente au groupe japonais Kuunatic, tout aussi mystique, et à Prairie WWWW de Taiwan. Le duo pratique une sorte d’électro-confucianisme subversif et rituel, revisitant la musique des temples royaux de la dynastie Joseon. Les deux chanteuses s’opposent également au patriarcat en explorant le genre vocal traditionnellement masculin appelé namchang gagok. Le résultat est envoûtant, voire obsédant. (Rupert Bottenberg)

Hélène Barbier
Regulus
Michel / Celluloid Lunch

Avec Regulus, Hélène Barbier s’impose bien modestement comme la reine du bricolage avant-pop lo-fi. Sur ce ce deuxième album solo, qu’elle a pas mal fait toute seule dans son coin à la maison (pandémie oblige), la chanteuse et multi-instrumentiste Française – exilée à Montréal depuis une dizaine d’années – créé un univers intime, peuplé de petites chansons faussement approximatives, entre no-wave soft et post-punk minimaliste, une musique engageante et originale au charme fou. Regulus est l’œuvre d’une créatrice ingénieuse et inventive qui n’a pas peur du risque. (Patrick Baillargeon)

Hildegard
Hildegard
Chivi / Section 1 (RoW)

Nous avons ici un cas patent de synergie, Ouri et Helena Deland sont ici inspirées par la nonne Hildegarde von Bingen, rarissime femme de lettres au Moyen-Âge, compositrice, artiste, grande mystique. Les Montréalaises ont débusqué ce qui les élève au-delà de leurs accomplissements individuels (électro et chanson indie-folk-pop) fort louables, au demeurant. Les formes chansonnières y sont déconstruites à souhait, les mélodies vocales et les textes se trouvent au service d’œuvres construites telles des pièces électroniques ou instrumentales; les arrangements, traitements et transmutations des sources (voix, instruments, claviers, cordes, sons) témoignent d’une finesse hors du commun. (Alain Brunet)

Sleater-Kinney
Path of Wellness
Mom + Pop Music

Path of Wellness est le dixième ouvrage de cette formation passée récemment de trio à duo, après le départ de la percutante batteuse Janet Weiss. Les guitaristes-chanteuses Corin Tucker et Carrie Brownstein ont réalisé elles-mêmes ce nouvel opus. L’esthétique rythmique de Janet Weiss est pérennisée ici par trois batteurs qui se relaient efficacement. Rien de bien inusité sur Path of Wellness, pas grand-chose qui ne correspond pas au mode opératoire de S-K. Outre ces claviers qui parent avantageusement plusieurs pièces. Mais chez ces femmes d’Olympia dans l’État de Washington, même le non inusité est olympien. (Luc Marchessault)

Amenra
De Doorn
Relapse

Le groupe flamand, actif depuis 1999, présente un délectable album cette année. En pleine maîtrise de ses moyens, il nous catapulte dans un espace où la gravité règne. En dépit de cette lourdeur extrême qui caractérise leur esthétique, les pièces respirent : les atmosphères sont précautionneusement installées, et le cri primal de Colin H. Van Eeckhout donne la pleine mesure de la souffrance. Il est parfois rejoint par le chant de Caro Tanghe (Oathbreaker), instillant des parcelles d’espoir. On comprend que cette douleur ne confine pas à une simple plainte, mais charrie une catharsis, aussi grave qu’est âpre « de doorn », c’es-à-dire « l’épine », titre de l’album. (Geneviève Gendreau)

Anika
Change
Sacred Bones

Après un premier album en 2010 puis un EP en 2013, Anika n’a plus rien fait paraître sous son propre nom (préférant se joindre à d’autres artistes, notamment la formation mexicaine Exploded View), jusqu’à ce Change, sorti au cours de l’été. Avec sa beauté froide, son phrasé rappelant celui de Nico et ses chansons art-pop mécaniques, Annika Henderson n’a eu aucun mal à (re)séduire un public aux goûts plus avant-gardistes. Coréalisé par la principale intéressée ainsi que Martin Thulin d’Exploded View, Change voit la chanteuse germano-britannique créer ses propres chansons, alors que presque tous les morceaux de son premier effort étaient des reprises. Change amène aussi Anika hors des sentiers néo-dub et un peu plus près du krautrock et du post-rock, tout en demeurant toujours audacieuse, expérimentale et fort élégante. (Patrick Baillargeon)

U-Roy
Solid Gold
Trojan Jamaica

Solid Gold est paru quelques mois après la mort de U-Roy et propose plusieurs nouvelles collaborations impressionnantes avec des poids lourds comme des nouveaux venus. L’album reconfirme la pertinence de papa U-Roy avec ses reprises de classiques jamaïcains, dont les surprenantes Man Next Door avec Santigold, ainsi que Stop That Train en compagnie de Rygin King. Big Youth offre une relecture convaincante de Every Knee Shall Bow et Richie Spice, un Wear You to The Ball qui aurait même satisfait Duke Reid… Ziggy Marley propose une version énergisée de Trenchtown Rock et Shaggy accompagne le doyen DJ dans un style old-school bien assumé sur Rule The Nation. (Richard Lafrance)

Arjun Vagale
Time Top
Quartz Rec

Arjun Vagale est resté sous silence quelques années pour se consacrer à la création de son label et de son projet Asymetrik. Ce sont deux entités stylistiques complètement distinctes. Arjun nous a créé cinq titres de dub techno hypnotique. Au fil de l’écoute, on se laisse paisiblement glisser dans la charmante noirceur de Scatter Dos, après avoir piétiné sévère sur Time Cop. Sustain Sequence, éphémère et envoûtante, vous laisse sur une note acidulée pour, énergiquement, en redemander. (Salima Bouaraour)

Rodrigo Amarante
Drama
Polyvinyl

Cruellement méconnu dans l’hémisphère nord, Rodrigo Amarante jouit d’une grande notoriété au Brésil d’où il est originaire, puisqu’il a fait partie de Los Hermanos, formation indie rock assez célèbre pour remplir les stades. Ayant élu domicile aux États-Unis, il enregistre maintenant en solo des albums qui sont des bijoux d’inventivité et de finesse. Son petit dernier, Drama, marie subtilement folk, rock, samba et bossa nova. De sa voix suave et réconfortante, il chante en anglais et en portugais des textes qui abordent les grandes questions de l’existence, sans toutefois se prendre au sérieux. (Steve Naud)

Giri
Antichthon
Axis

Avec Antichthon, Giri explore le thème du cosmos et des voyages dans l’espace. Antichthon, c’est la planète qui pourrait accueillir l’humanité puisqu’elle doit quitter la Terre. L’équipe scientifique de la mission Discovery Behind The Sun voyage à bord du Cyrillia. Sur le chemin, elle croise un vaisseau jumeau avec, à bord, une équipe venue d’Antichthon qui se dirige vers ce qui semblerait être leur futur lieu de vie : la Terre. Rêve ou réalité? À la manière d’un récit de science-fiction, la tension se bâtit tant à l’échelle micro d’une pièce que macro de l’album. Force est de constater que Giri est un excellent conteur. (Elsa Fortant)

Emma Jean Thackray
Yellow
Movementt

Sorti sur l’étiquette qu’Emma-Jean Thackray a créée, Yellow propose un son riche et organique, enregistré en studio. Peut-être pourrait-on le ranger dans la catégorie « musique lègère » grâce à des titres particulièrement accrocheurs comme Say Something? Une chose est sûre, Yellow est plus accessible que Um Yang, son EP précédent (2020), qui jouait dans la cour free-jazz. Les quatorze compositions convoquent des noms comme J Dilla ou Fela Kuti. Amatrice d’afro-beat, la bandleader emprunte à la house ses motifs rythmiques kick-hi-hat-snare, ce qui confère un groove imparable à son travail. (Elsa Fortant)

Lingua Ignota
Sinner Get Ready
Sargent House

La dialectique dure de Sinner Get Ready est relativement comparable à celle observée dans les enregistrements précédents de Lingua Ignota : enchevêtrement, accrochage, collision, déchirure, suture, symbiose. Ses récentes allégations d’agression par Alexis Marshall (du groupe Daughters), avec qui elle a eu une liaison, contribuent à épaissir les états évoqués dans cet album excellent. Cette Lingua Ignota, langue inconnue si vous préférez, marie les musiques sacrées et folklores d’Europe et d’Amérique, le chant des Appalaches, le chant choral et cette magnifique voix de contralto. Avec ceci en prime : la portion plus soyeuse et plus douce de son expression n’a jamais atteint de tels sommets. (Alain Brunet)

Susumu Hirasawa
Beacon
Teslakite

Icône de la techno-pop audacieuse du Japon des années 1980, Susumu Hirasawa est surtout connu pour les inoubliables musiques des films de Satoshi Kondu, défunt maître de l’animation japonaise. Les décennies n’ont pas entamé la sensibilité d’Hirasawa, qui allie la gravité hymnique à l’humour ironique et pince-sans-rire. On retrouve, sur son quatorzième album solo, ses figures mélodiques familières, sa grandeur opératique et ses envolées de fausset, tout comme son étrange mais séduisante juxtaposition de dureté martiale, d’absurdité ludique, de candeur et de sons électroniques déconcertants. L’élément crucial réside dans la sympathie et l’optimisme qu’Hirasawa ne manque jamais de projeter, cette lumière qui fend éternellement les ténèbres, comme le phare que suggère le titre de l’album. (Rupert Bottenberg)

The Limiñanas / Laurent Garnier
De Peliculas
Because

Le couple français Lionel et Marie Limiñana s’affaire à pasticher un son psychédélique aux échos sombres et transatlantiques. À l’aide de bourdons hallucinés et de poésie débauchée, The Limiñanas attirent les spectres de l’Été de l’amour de 1967. Sur De Películas, ils collaborent avec Laurent Garnier, vétéran du Manchester des années 1980 et titan de la French Touch. L’album repose ainsi sur des grooves qui assurent, flottant sur l’air et se mouvant à un rythme raisonnable. C’est le confort qui prime, pas la vitesse : ces ondes rythmiques sous-tendent avec grâce les grondements d’orgue et les récits rocailleux des Limiñanas. En prime : les intonations mordantes d’Edi Pistolas – de la légendaire formation dance-punk latino Pánico –, qui pimentent la très remuante Que Calor!. (Rupert Bottenberg)

Hubert Lenoir
Pictura de Ipse : musique directe
Simone Records

La ballade SECRET donne le ton de Pictura de Ipse : musique directe : Hubert passe aux confidences, les guitares ont pris le bord, les claviers, synthés et programmes règnent, les ambiances funkisantes dominent. Cet album, qu’Hubert a réalisé lui-même, constitue à bien des égards un hommage à Prince, comme l’illustre spectaculairement QUATRE-QUARTS. Pour résumer, Hubert Lenoir a largué le néo-glam, est allé voir du côté de Flying Lotus, Mac Miller, Thundercat, Frank Ocean et l’immense Prince, puis nous a pondu l’album québécois le plus audacieux et le plus réussi de 2021. (Luc Marchessault)

André Duchesne
Travaux publics : ballades urbaines, vol. 1 et 2
Autoproduction

C’est sans doute plus difficile de faire de la musique en groupe ces derniers temps, alors le cofondateur de Conventum s’est constitué un ensemble virtuel (guitares, basse, programmation [sax et batterie]). Ensuite, il s’est amusé à tout faire tout seul : enregistrement, montage, mixage, etc. Le résultat est étonnant, et on trouve là des couleurs de cette protomusique actuelle des années 70-80, quand Conventum ressemblait à Henry Cow (ou vice versa), mais avec en plus une dose de DIY qui fait tanguer la musique. (Réjean Beaucage)

Deutsch Nepal
Dystopian Partycollection III
Entartete Musikk

Les parutions de Deutsch Nepal se font rares. Le présent album constitue le troisième volet des Dystopian Partycollection, dont les deux premiers datent de 2008 et 2016. Il s’agit cette fois d’une compilation de pièces, reprises et versions alternatives composées entre 2012 et 2021, sur lesquelles interviennent certains collaborateurs. Sans prétention, donc. L’ensemble s’avère moins uniforme que ses albums, mais la magie opère toujours. On retrouve avec bonheur les imprécations vocales de Peter Andersson, qui avec la présence surprenante du guitariste italien Alessio Betterelli (How Low…), qui avec les rythmes glacés de Geoffroy Delacroix, alias Dernière Volonté (Amanda Lear). (Geneviève Gendreau)

Tasha
Tell Me What You Miss the Most
Father/Daughter Records

Dans Tell Me What You Miss the Most, son deuxième album, Tasha chante qu’elle resterait au lit la journée tout entière si elle le pouvait. Sa lente batterie au son duveteux et sa guitare légèrement saturée appellent autant à la douceur qu’à la mélancolie. Sa flûte, ses cordes, sa voix céleste, un léger écho et des titres évocateurs (Burton Island, Lake Superior) forment une enveloppe chaude. La simplicité soulève des sentiments lorsqu’elle est bien exprimée. C’est une pause nécessaire qu’elle nous offre ici, entre le ciel et la terre, le tumulte des jours gris et du bruit de la ville, pour un plus bel hiver. (Anne-Sophie Rasolo)

Hayden Pedigo
Letting Go
Mexican Summer

Musicien prolifique à seulement 27 ans, on peut présager que la notoriété et le rayonnement du Texan Hayden Pedigo ne cesseront de croître. Sur Letting Go, on aperçoit un ciel bleu, un ranch à l’abandon et de hautes plaines texanes qui s’étendent à perte de vue. Alternant entre une six cordes et une douze cordes, la guitare acoustique est jouée à l’American primitive et Pedigo manie parfaitement les rythmes, comme le ferait un conteur. Les pièces font naître en nous des émotions vives, fondamentales, ce qui fait de Letting Go un album saisissant. (Isabelle Marceau)

Little Simz
Sometimes I Might Be Introvert
Age 101 – AWAL

Si on cherche la définition d’une femme, artiste, épanouie, rayonnante, mettant sa beauté et son intelligence au service du concept de la femme puissante, capable de dégager à la fois force et douceur d’une seule traite et de poser ses textes engagés avec génie, on la trouvera chez Little Simz. Mon cher collègue et ami, Alain Brunet a déjà chroniqué cet album et je le suis sur toute la ligne. J’ai mis cette reine dans ma liste, car elle dégage une maturité incroyable ainsi qu’un talent indéniable. Sa personnalité exceptionnelle se ressent à travers sa voix, et ce, peu importe les styles de ses albums. Pour moi, l’image et les symboles qu’elles véhiculent honorent toutes les femmes de ce monde. (Salima Bouaraour)

Michael Spyres, Orchestre philharmonique de Strasbourg, Marko Letonja
Baritenor
Erato

Est-ce possible pour un même chanteur d’interpréter à la fois des rôles de baryton et de ténor? Michael Spyres se présente comme l’exception à cette séparation des voix. D’abord baryton, Spyres a passé plusieurs années à perfectionner sa voix pour élargir son ambitus vocal. Le résultat est étonnant; on reste médusé d’entendre avec quelle aisance ce dernier revêt les habits vocaux de différents personnages et alterne entre des aigus bel cantistes et des graves sonores verdiens. Accompagné par Marko Letonja et l’Orchestre philharmonique de Strasbourg, rien ne sonne forcé et le grain de la voix demeure stable et percutant, dans l’exécution. (Alexandre Villemaire)

Suuns
The Witness
Secret City Records

The Witness explore de nouvelles avenues chez Suuns : inclusion d’instruments acoustiques, à vent ou à cordes, superbes arrangements presque jazz, ponctuant ainsi les hybridations entre les esthétiques avant-rock, électroniques ou expérimentale auxquelles Suuns nous a habitués, depuis 2010. The Witness aborde poétiquement divers angles de notre voyeurisme mondialisé, faits et gestes planétaires simultanément observés au quotidien par des millions d’humains. Il y a dans cet album une valeur ajoutée dans une portion congrue des arrangements et de l’exécution. Voilà certes l’un des meilleurs crus de cette extraordinaire formation, toujours l’une des plus importantes de la scène montréalaise. (Alain Brunet)

Low
Hey What
Sub Pop

En 2018, la formation Low en a déboussolé plus d’un en faisant paraître Double Negative, album sur lequel elle faisait exploser les structures de ses chansons à grands coups de distorsion et d’assauts électroniques. Dépassé par le radicalisme de cette approche, le bassiste Steve Garrington allait quitter le groupe qui ne compte désormais que le couple formé par Alan Sparhawk et Mimi Parker. Les harmonies vocales réconfortantes du duo font maintenant leur chemin à travers une nuée de bruits discordants et nous démontrent qu’au milieu du chaos ambiant, les lumières de l’humanisme parviennent toujours à nous éclairer. (Steve Naud)

Nicolas Bernier et Simon Trottier
Les éternités vibrantes
Indépendant

Il s’agit d’une musique pour le moins atmosphérique. Dans le mouvement final de onze minutes, qui donne son titre à l’ensemble, on entend presque la voix – ou l’instrument soliste – qui pourrait s’élever au-dessus de ce qui constituerait alors une magnifique toile de fond. C’est quand même un sacré pouvoir que de nous faire entendre ce qui n’est pas là, et c’est celui qui se développe à travers ce programme qui s’appuie sur une certaine forme de simplicité volontaire. (Réjean Beaucage)

LLNN
Unmaker
Pelagic Records

Le 3e disque du groupe danois est, selon le communiqué qui l’accompagne, un récit sonore tonitruant sur la façon dont la technologie, en combinaison avec certaines structures du pouvoir, transforme l’humanité et affecte les valeurs humaines. Cette description donne tout son sens à la noirceur qui se dégage des volutes sludge post-metal d’Unmaker. Un disque méditatif qu’on écoute en boucle. Matt McCachy, chanteur du groupe montréalais Cryptopsy, collabore à la chanson Desecrator. (Christine Fortier)

Emily D’Angelo; das freie orchester Berlin & Jarkko Riihimäki
enargeia
Deutsche Grammophon

La mezzo-soprano Emily D’Angelo rivalise d’audace en offrant un premier album qui repousse les conventions avec un programme éclectique, mélangeant œuvres médiévales enrobées d’indie rock électro et pièces de compositrices du XXIe siècle. Les œuvres « augmentées » d’Hildegard von Bingen côtoient ainsi les pièces graves et planantes d’Hildur Guðnadóttir, les percutants et lyriques airs de Missy Mazoli et les poignants extraits du cycle Penelope de Sarah Kirkland Snider, dont on retiendra le mémorable The Lotus Eaters avec son efficace et engageant passage rock de guitare électrique et de batterie, auquel se greffe le timbre grave et clair D’Angelo de manière surprenante. Un album choc d’une jeune artiste lyrique qui chamboule le canon associé aux chanteurs classiques. Et c’est tant mieux! (Alexandre Villemaire)

Malik Djoudi
Troie
Lisbonne Lux

Voici Troie, dont le titre renvoie au fameux cheval, sauf qu’au lieu de receler un commando de guerriers grecs, il réserve au musicophile une douzaine de belles pièces électro-soul signées Malik Djoudi. Leur dénominateur commun réside dans la suavité qu’elles exhalent, à divers degrés, sans jamais que ce soit trop. Il faut dire que Malik Djoudi chante haut, toujours juste, d’une voix qui agit comme un onguent anti-inflammatoire non stéroïdien. Duos avec la rappeuse Lala &ce, le monstre sacré Isabelle Adjani et Philippe Katerine, qui personnifie le personnage-titre de la comptine déhanchante Eric. On sourit donc brièvement avant Petit héros, finale mélancolique d’un album par ailleurs tonique. (Luc Marchessault)

Fuck Toute
Coké Computer
Slam Disques

Ça commence par Gelé su’l feu, riff tribal à tendance arabisante, grosses caisses qui pistonnent sur un méchant temps, voix gutturale à affoler un oto-rhino-laryngologiste, et ça se poursuit pendant 36 minutes et demie, jusqu’à la dernière note de Persona. Nous avons affaire à des praticiens adroits chez qui prime la rigueur harmonique, à des musiciens qui alternent les genres et les tempos sans coup férir. Sur ce deuxième opus complet, Fuck Toute édifie l’auditeur par sa cohésion musicale et textuelle. Le groupe qui se trouve aujourd’hui au confluent du punk, du métal et du bruitisme québécois s’appelle Fuck Toute, qu’on se le dise. (Luc Marchessault)

Circuit des Yeux
-io
Matador

Haley Fohr, mieux connue sous le nom de son projet principal Circuit des Yeux, est une autrice-compositrice-interprète possédant un registre vocal de quatre octaves. De ses débuts lo-fi où elle s’accompagnait à la guitare douze cordes et lançait des albums expérimentaux sombres, ses compositions sont devenues plus mélodiques et dramatiques. L’album -io nous présente des pièces puissantes grâce à une musique orchestrale capable d’égaler sa voix. Il s’agit de son album le plus accompli. (Isabelle Marceau)

Marissa Nadler
The Path of the Clouds
Sacred Bones

Des ballades dream-folk sombres composent ce 9^e album, conçu pendant la pandémie et réalisé par Nadler. Lors du confinement, elle visionna intensivement les reprises d’épisodes de la série Unsolved Mysteries; les histoires sordides ou fantastiques servirent d’inspiration pour l’écriture des textes. Cet isolement forcé l’aura également incitée à apprendre à jouer le piano, apprentissage qu’elle mettra en pratique de manière exploratoire sur l’album. Elle a pu compter sur ces collaborateurs (à distance) :  la harpiste Mary Lattimore, la guitariste Emma Ruth Rundle, le claviériste Jesse Chandler (Mercury Rev) et Simon Raymonde, ex-bassiste des Cocteau Twins. (Isabelle Marceau)

Andrew Wan, Charles Richard-Hamelin
Beethoven : Sonates pour violon et piano nº 4, 9 & 10
Analekta

Le violoniste Andrew Wan et le pianiste Charles Richard-Hamelin concluent, de manière impériale, leur série des intégrales des sonates pour violon et piano de Beethoven, commencée en 2018. Unis dans une expression de jeu synergique, le duo de choc livre une interprétation cohérente des multiples dynamiques et nuances des sonates de Beethoven. De l’écriture pianistique fine et richement texturée de la quatrième sonate, en passant par la compétition musicale virtuose qu’est la neuvième, pour finir par les textures harmoniques lyriques et mordantes de la dixième, les deux interprètes livrent une performance habile et sensible d’une grande musicalité. (Alexandre Villemaire)

Vanishing Twin
Ookii Gekkou
Fire

C’est Cathy Lucas, une multi-instrumentiste éclairée, qui tient la barre de Vanishing Twin. À titre de commandante du vaisseau, c’est à elle que revient le mérite de tirer autant de cohésion d’un projet aussi multidirectionnel. Stereolab est le point de référence le plus évident, mais attardons-nous à tous les autres succulents ingrédients de cet excellent deuxième album. Au fil de celui-ci, on a droit à de la disco spatiotropicale à faible gravité, à de l’exotisme élégant et ellingtonien, à des harmonies célestes et à des textes au raffinement inusité. Puis, près d’une phrase sur deux se termine par un point d’interrogation, ce qui atteste de la curiosité insatiable qui nourrit ces aventuriers du son. (Rupert Bottenberg)

Juçara Marçal
Delta Estácio Blues
Mais Um

La chanteuse et compositrice de São Paulo Juçara Marçal constitue le tiers de Metá Metá, trio afrosonique et très expérimental de samba-punk. Elle a lancé en 2021 Delta Estácio Blues, un album solo peut-être un peu plus accessible, mais non moins inventif et inspiré. Et, bien que le détestable président brésilien Bolsonaro n’y soit jamais nommé, l’album véhicule une énergie politique irrésistible. Mentionnons également La femme à barbe, reprise aussi décapante que l’originale de la grande Brigitte Fontaine. (Rupert Bottenberg)

La Zarra
Traîtrise
Universal

Attention coup de cœur. D’emblée, l’album s’ouvre sur « Fille de joie », une pièce qui plante le décor du personnage qu’est La Zarra. Juxtaposition d’une voix contralto et tragique au propos mélancolique à une musique qui évoque les grosses productions cinématographiques avec ses cordes et ses beats saccadés. Le personnage s’impose. D’entrée de jeu, il s’agit de choisir d’y croire ou non. Va pour la première option. Bang! (Claude André)

Converge / Chelsea Wolfe
Bloodmoon I
Epitaph

Chelsea Wolfe se joint de nouveau au groupe Converge, l’objet étant de jeter un éclairage ambient à l’approche de la formation, réputée pour la complexité et la haute virtuosité mathcore de ses propositions. Or, on s’applique ici à jouer et chanter sur des tempos moyens ou lents, les choses deviennent forcément plus mélodiques, les ambiances plus douces qu’aigres. Nous sommes ici dans un contexte idéal, là où se rencontrent la profondeur d’un concept, l’animalité, la sensualité, la lourdeur, la saturation doom-metal, les guitares dégoulinantes, les influx post-rock ou post-prog, la virtuosité de l’exécution. (Alain Brunet)

Clinic
Fantasy Island
Domino

Le groupe qui portait des masques de chirurgiens avant que ce ne soit la mode a livré, en octobre dernier, ce qui pourrait bien être le disque le plus positif et peut-être le plus pop et le plus électronique de son catalogue. Pour résumer, Clinic s’est mis au disco funky, élargissant sa palette sonore grâce à l’ajout de plusieurs nouveaux gadgets et instruments farfelus. Ce neuvième effort du désormais duo de Liverpool mélange des influences aussi disparates que The Human League, Fun Boy Three, Kid Creole et The Coconuts, le disco cosmique italien, le Memphis Jug Band et le vieux blues en un tout cohérent, groovy et toujours menaçant. (Patrick Baillargeon)

Dooms Children
Dooms Children
Dine Alone

Wade MacNeil, qui officie chez Alexisonfire et Gallows, a créé un véritable grimoire rock psychédélique, un album imprégné de toutes ses insécurités, passions et expériences hallucinatoires. MacNeil sait exactement ce qu’il veut, musicalement. Sur ce premier opus solo, il fait se rencontrer le psych-rock des années 1960 et la musique de jam-bands contemporains. Dooms Children est saupoudré de riffs mémorables, de sons obsédants et de chants veloutés. (Stephan Boissonneault)

Xenia Rubinos
Una Rosa
Anti-

S’exprimant en espagnol et en anglais, cette brillante métisse américaine procède à un mélange protéiné de genres, au croisement de la synth-pop, de la synthwave, de l’avant-pop, de la soul/R&B, du hip hop, du jazz, de la rumba ou du boléro, le tout enrobé d’une touche expérimentale rejaillissant sur pas moins de 14 chansons et pièces. Una Rosa, deuxième opus studio paru chez Anti-, offre ainsi un répertoire furieusement éclaté, dont on apprécie la cohérence et la vaste culture musicale au fil des écoutes. L’approche compositionnelle, les arrangements atypiques et la voix très chargée émotionnellement font de Xenia Rubinos une artiste d’exception. (Alain Brunet)

Jerusalem In My Heart
Qalaq
Constellation

Quel autre artiste que le Canado-Libanais Radwan Ghazi Moumneh procède à ces mélanges extrêmes de musique traditionnelle/classique du Levant et de sombres propositions ambient aux frontières du bruitisme? Le maître d’œuvre de cette singulière approche multidisciplinaire a mis au point un langage unique, distinct de toutes les propositions moyen-orientales et occidentales, moult collaborations à l’appui dans le cas qui nous occupe. Métaphoriquement, Qalaq peut être perçu comme le documentaire émotionnel des violentes secousses subies à Beyrouth en 2020, ainsi que des enjeux esthétiques auxquels ses artistes doivent aujourd’hui s’adapter. Voilà l’expression de l’anxiété profonde… ce que signifie le mot Qalaq. (Alain Brunet)

Omar Sosa & Seckou Keita
Suba
Bendigedig / Otá Records

Quatre ans après leur magnifique Transparent Waters, le pianiste cubain et le griot sénégalais récidivent avec Suba. L’excellent percussionniste vénézuélien Gustavo Ovelles, décorateur nuancé et discret, les accompagne sur cet album. Il y a une telle connivence, une telle qualité d’écoute dans ce trio magique qu’on entend même les silences entre eux, la retenue, la tendresse, l’humanité… Suba, le titre de cet ouvrage, signifie bel et bien « ode à l’aube » dans la langue maternelle de Keita. Mentionnons aussi la présence d’un autre invité de marque, le violoncelliste brésilien Jaques Morelenbaum. Hautement recommandé. (Ralph Boncy)

Aquaserge
The Possibility of a New Work for Aquaserge
Crammed Discs

Pour ce nouvel ouvrage, les neuf musiciens du collectif protéiforme toulousain Aquaserge se fendent d’hommages à quatre compositeurs contemporains, soit Edgard Varèse (1883-1965), Giacinto Scelsi (1905-1988), György Ligeti (1923-2006) et Morton Feldman (1926-1987). Gros programme, qui comprend cinq pièces-hommages composées par Aquaserge, puis une chanson écrite par Varèse sur des vers de Verlaine, ainsi qu’une pièce de Morton Feldman sur un texte de Rainer-Maria Rilke (en deux versions). C’est calme, c’est frénétique, c’est mélodieux, c’est échevelé, c’est semi-classique, c’est nouveau-prog, c’est post-jazz, c’est avant-rock, ça rue dans les brancards, ça modère les transports, c’est fort, c’est rude, c’est rond, c’est bon. Très très bon, même. (Luc Marchessault)

Christina Pluhar / L’Arpeggiata
Alla Napoletana
Erato

Musique truculente aux accents de la commedia dell’arte, du folklore et de la gouaille des ruelles étroites de la Naples des 17^e et 18^e siècles. Lyrisme délicat, onomatopées croustillantes, rythmes enlevants, bonne humeur communicative. Un album hommage aux premiers succès de Palmarès de l’histoire! (Frédéric Cardin)

Joy Crookes
Skin
Sony

En laissant se dérouler l’album de Joy Crookes, la pochette la montrant avec une armure de peau dorée prend une signification particulière. Au-delà du pouvoir qu’elle incarne à travers ses mots et la puissance discrète de sa voix, Joy Crookes, de son jeune âge, suscite un certain élan d’admiration. Skin est un album chargé d’une palette d’émotions et de couleurs, déclinées grâce à des textes dont elle est en grande partie l’auteure et d’une troupe d’instrumentistes (saxophone, tuba, basse, batterie) qui donnent corps à cette œuvre. Cet album dépasse la mouvance actuelle des chanteuses londoniennes de pop sucrée qui défilent en ce moment. (Anne-Sophie Rasolo)

Michael Klein
Trip Image
Odd Even

Trip Image se visualise plus qu’il ne s’écoute, tel un condensé de glitch haut en couleur. Une composition ardemment déchiffrable. Michael Klein, pianiste de formation classique né à Francfort, se familiarise avec la scène techno allemande dans les années 1990. La texture synthétique pétille sur un fond de modulaire hallucinogène, liée par une profondeur cacophonique. Trip Image a une saveur autant épileptique qu’orgasmique. Taste, Whisper, Touch et Smell : vos sens seront en totale déperdition. (Salima Bouaraour)

Attacca Quartet
Of All Joys
Sony Classical

Les membres de l’Attacca Quartet, ensemble primé aux GRAMMY Awards de 2019, proposent sur cet album un répertoire unique dans son assemblage, aux antipodes du point de vue historique, mais lié par une unité thématique. Avec beaucoup de dextérité et une grande musicalité, les interprètes font cohabiter les lignes épurées des œuvres minimalistes de Glass et Pärt, ainsi que la richesse harmonique des compositeurs des XVIe et XVIIe siècles tels Dowland, Bennett et Gibbons. Dans une esthétique à la fois méditative et pleine de vitalité, l’ensemble cimente son approche artistique, soit une redéfinition du quatuor à cordes et de son répertoire. (Alexandre Villemaire)

Bernard Lavilliers
Sous un soleil énorme
Universal

Les partisans du « trafiquant de métaphores » seront ravis et apaisés en écoutant Sous un soleil énorme, ce 22^e album des plus réussis qui saura nous faire danser, voyager, triper, rêver, réfléchir et éclater en sanglots en onze chansons, et ce, dès Le cœur du monde, le premier titre. Peut-être son meilleur depuis l’immense Carnet de bord en 2004. Entre l’intime et le monde, Lavilliers tangue, mais pas toujours, sur des rythmes argentins accrocheurs et enveloppants, où des cuivres retentissants viennent ajouter des touches de lyrisme salvateur. (Claude André)

IDLES
Crawler
Partisan

La formation IDLES poursuit sur sa lancée, publiant presque un album par an depuis son premier, Brutalism, en 2017. Ultra Mono (2020) semblait insurpassable, mais IDLES nous revient avec ce qui est sans doute le meilleur post-punk atmosphérique entendu depuis belle lurette. Crawler diffère des albums habituels d’IDLES : la musique y est lente et lourde, la guitare discordante, la basse et la batterie tonitruantes. Les paroles de Joe Talbot sont violemment pacifistes, mais tout se tient dès le départ, lorsque Talbot demande aux auditeurs « Vous êtes prêts pour la tempête? »… (Stephan Boissonneault)

Léonie Pernet
Le Cirque de Consolation
InFiné

En seulement deux albums (l’autre est Crave, paru en 2018), une bande-son de série présentée sur Arte (H24 – 24 heures dans la vie d’une femme) et trois ou quatre microalbums (dont certains contiennent des remixes de ses chansons par Acid Arab, Malik Djoudi et Arthur Simonini), Léonie Pernet réussit à circonscrire son identité sonore. Son électro tend souvent vers l’acoustique, la Terre n’est jamais loin, le firmament non plus. On ne rit pas, « Le vide me poursuit depuis l’enfance », chante-t-elle dans La mort de Pierre. Le vieux tison new wave d’il y a 45 ans rougeoie encore. Tout, sur cet album dangereusement envoûtant, a été composé et écrit par Léonie Pernet, avec un coup de main de Jean-Sylvain Le Gouic pour quelques pièces. (Luc Marchessault)

Bruce Liu
18th International Frederic Chopin Competition: Bruce Liu
Deutsche Grammophon

Si vous n’avez pas eu l’occasion de suivre et d’entendre les prestations de Bruce Liu, premier Canadien à remporter le premier prix du Concours international de piano Frédéric Chopin, dont c’était la dix-huitième édition, alors cet album est fait pour vous. Sur cet album – assurément le premier d’une longue série –, on entend Bruce Liu interpréter l’essentiel du répertoire des épreuves éliminatoires, de son jeu dynamique et vivant. Sans tomber dans l’excès de sentimentalisme et d’intériorité que l’on peut souvent trouver chez Chopin, le jeune pianiste montréalais s’approprie le matériau musical dans un rendu bien personnel, empreint de lyrisme virtuose et d’une grande gaieté. (Alexandre Villemaire)

CMD
Social Factory Reset
Fixed Rhythms

Force, finesse et ambiance atmosphérique : tels sont les mots qui pourraient potentiellement définir cette dernière sortie de Corina MacDonald, alias CMD. Néanmoins, cela resterait extrêmement réducteur si on ne s’en tenait qu’à ces trois termes. Social Factory Reset est un EP d’une richesse et d’une qualité remarquables: le fruit d’un effort de longue haleine. CMD nous dévoile ici un album qui s’écoute de façon fluide et naturelle avec des sons (re)travaillés, triturés et enchevêtrés les uns aux autres, donnant à l’ensemble une composition d’une harmonie et d’une quiétude remarquables. Un subtil mélange entre dub, acid, techno, house, voire post-new wave et electro. Corina est une femme aguerrie de la scène montréalaise puisqu’elle est productrice, DJ, animatrice d’une émission de radio – Modular Systems sur CKUT 90.3FM –  et s’est produite à maintes reprises au festival MUTEK, notamment. Je lui souhaite de continuer à briller encore plus haut et plus loin en 2022. (Salima Bouaraour)

The Witching Tale
The Witching Tale
Bellissima Records

Voici le premier album d’un groupe formé de la compositrice et productrice Katharine Blake (Mediæval Bæbes, Miranda Sex Garden) et du multi-instrumentiste Michael J. York (Teleplasmiste, The Utopia Strong, Coil). Six musiciens supplémentaires ont été mis à contribution pour enrichir, si besoin était, ce ravissant opus tout en contrepoints et en dissonances. Riche est l’épithète qui vient en tête devant la liste des 28 instruments utilisés, en plus du chant et des enregistrements extérieurs. La musique n’apparaît jamais saturée : finement écrite et interprétée, l’impression en est une de légèreté et de grâce. De véritables joyaux qui trouvent à marier, de manière toujours adroite, élévation et expérimentation. (Geneviève Gendreau)

Ascii.Disko
Todos los conciertos, todas las noches, todo vacío
Young and Cold Records

Tout portait à croire que le vétéran originaire de Hambourg avait laissé tomber sa carrière musicale. Sa pièce Phoenix (2008) présageait-elle ce retour que l’on n’osait plus attendre? Quoi qu’il en soit, Ascii.Disko renaît bel et bien de ses cendres, de toute évidence encore fumantes. Il renoue robustement avec ses sonorités caractéristiques, tantôt minimalistes, tantôt extrêmement pesantes. L’artiste maintenant établi en Espagne nous offre un album d’une très grande attractivité, qu’il s’agisse de pistes plus introspectives et minimalistes (Stillstand, Unter Wellen) ou de véritables brûlots dansants (Selbstaufgabe, Todas las noches, So Anders) qui n’ont rien à envier aux classiques de son répertoire. (Geneviève Gendreau)

Arca
Kick ii, iii, iiii, iiiii
XL

Arca a entrepris de multiplier les compositions à travers Kick, cycle amorcé publiquement en juin 2020 et dont on a droit aux deuxième, troisième, quatrième et cinquième volets. Non seulement cette artiste transgenre y réussit le tour de force d’implanter bruitisme et électroacoustique de pointe dans un contexte de pop culture, mais encore y infuse-t-elle ses racines latino-américaines à travers une œuvre déjà colossale. Décliné en chapitres distincts où s’entrelardent reggaeton, cumbia électronique, post-rock et grunge, le vaste projet Kick nous en dit plus long sur le génie d’Arca. (Alain Brunet)