Interviews – Page 6

Nouvel album de Meggie Lennon, Desire Days vient à peine d’être lancé sous étiquette Mothland que l’autrice, compositrice et interprète bilingue se produit pour une première fois au FIJM, soit ce lundi 30 juin, 23h, scène Club Montréal / Loto-Québec, sans compter la première partie de Cat Empire, ce mercredi 2 juillet, 20h30, au MTelus. La voix feutrée et la dégaine très sensuelle de Meggie Lennon a fait son chemin dans le paysage indie québécois, le nouveau chapitre de sa dream pop pourrait laisser une marque plus profonde vu la maturité acquise et la fraîcheur toujours tangible de cette artiste Montréalaise originaire de Québec. Voilà qui justifie amplement cette conversation vidéo avec Alain Brunet.

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Comme le suggère ce néologisme, qui est aussi le nom d’un quartet de jazz invité au FIJM, il est tout à fait logique : Upendo met le paquet, en effet ! Le quartet de Baltimore est composé de Brandon Woody, trompette et leader, Troy Long, piano, Michael Saunders, contrebasse, Quincy Phillips, batterie.

La fraîcheur du jazz sera bientôt de retour, grâce à des artistes comme ceux-ci qui reprennent le style là où il fut laissé de côté.

Dimanche soir, sur la scène du Pub Molson, deux sets de Brandon Woody et de ses collègues nous ont rappelé les vertus de l’héritage afro-américain. Les fondements culturels de ce jazz noir restent collés à la soul, au R&B et au gospel, tout en explorant de nouvelles voies dans le territoire du jazz d’aujourd’hui pavé par les grands innovateurs des générations précédentes.

Les dissonances et les trajectoires atonales sont ici limitées aux improvisations des solistes (notamment la trompette), le reste étant consonant et très rythmé. Les mélodies des thèmes rassurent les mélomanes peu enclins à l’exploration, et c’est le dosage généralement souhaité par le FIJM : aventureux mais pas trop, fort en émotion, suffisamment contagieux pour relancer la forme.

And that’s exactly why PAN M 360 offers this on-the-spot interview with Brandon Woody.

PAN M 360 : J’ai beaucoup écouté votre musique récemment, en préparant cette interview, et il y a, eh bien, toute l’expérience afro-américaine qui s’y trouve. Il y a le gospel, la soul, le jazz moderne, les nouvelles questions harmoniques, et vous êtes vraiment dans la lignée de votre culture. Vous êtes vraiment en contact avec vos ancêtres, vos parents, vos grands-parents, etc.

Brandon Woody: Oui, je veux dire, je ne pense pas avoir le choix. Quiconque est noir, vous savez… Je ne veux même pas être connecté à la lignée de mes ancêtres. Non, non, ça arrive. J’ai ça dans le sang, vous savez, vous avez dit, le gospel, le jazz, la soul ou le funk. C’est même plus que cela. Je suis inspiré par toutes les musiques qui existent dans le monde.

PAN M 360 : Oui, oui, bien sûr. Oui, honnêtement, c’est difficile à décrire.

Brandon Woody : Je préférerais que vous n’essayiez pas de le décrire. Laissez-le être ce qu’il est.

PAN M 360 : Oui, eh bien… nous devons mettre des mots tout en sachant que les mots ne décrivent pas exactement ce qui se passe. C’est sûr, mais puisque nous parlons musique, il faut des mots n’est-ce pas ?

Brandon Woody : Oui, je comprends. Vous savez, cette musique représente tout pour moi. Chaque fois que nous montons sur scène, je me donne à fond, vous savez. Je joue comme si c’était la dernière fois que je jouais dans ma vie, à chaque fois. Le monde entier inspire cette musique.

PAN M 360 : Parlons de l’évolution de votre son, de la manière dont vous dirigez un orchestre, de la façon dont vous avez développé votre propre métier, votre propre signature.

Brandon Woody : J’ai joué de la batterie à l’âge de cinq ou six ans. Et juste pendant un an, j’étais à l’école primaire, et j’ai fait ce concours de talents, et j’étais nul, et j’ai perdu. Je n’ai pas gagné et j’ai arrêté la batterie après ça. Puis j’ai commencé l’année scolaire suivante, et les deux instruments dont je pouvais jouer étaient le saxophone et la trompette. Je suis tombé amoureux de la trompette. Je pensais que ce serait l’instrument le plus facile parce qu’il n’y avait que trois touches. C’est pourquoi je l’ai choisi. Ouais, et je n’ai pas pu faire une note de trompette avant deux semaines.

PAN M 360 : Et enfin… C’est un instrument très difficile à jouer.

Brandon Woody : Oui, j’ai finalement réussi à en tirer une note, et il m’a laissé l’emmener chez lui, m’a laissé louer l’instrument, et j’en suis tombé amoureux, mec. Je me souviens qu’à un jeune âge, moi, ma mère et mon frère, nous vivions, nous déménagions dans beaucoup d’immeubles différents. Et je me souviens que les habitants de ces immeubles étaient toujours en colère. Ils étaient comme, yo, arrêtez de jouer de la corne. Arrêtez. Tu es trop bruyant. Toutes ces choses. Ma mère s’en sortait très bien parce qu’elle leur disait simplement non. Elle disait simplement, non, ces heures d’entraînement de mon fils sont plus importantes que votre soirée tranquille. J’apprécie vraiment cela.

PAN M 360 : Ta maman t’a protégé et défendu !

Brandon Woody : Oui, elle m’a protégé et a veillé à ce que mon frère et moi, mon grand frère, soyons inscrits à tous les grands programmes musicaux de Baltimore et d’ailleurs.

PAN M 360 : Où as-tu étudié?

Brandon Woody : Il y avait un programme appelé Eubie Blake Jazz Institute. C’est comme ça que j’ai rencontré Craig Austin, l’un de mes OGs. J’ai suivi le programme préparatoire Peabody. Ils ont tout un programme appelé Tuned In Program pour les jeunes, pour les jeunes défavorisés de Baltimore. Ensuite, j’ai fréquenté l’école des arts de Baltimore. J’ai également fréquenté le Brubeck Institute à Stockton, en Californie. Ensuite, je suis allé à la Manhattan School of Music à New York. J’ai abandonné après. Puis je suis revenu à Baltimore en 2018. Et c’est là que j’ai commencé à monter mon groupe.

PAN M 360 : Et comment s’est construit ce groupe ?

Brandon Woody : Oui, les amis, la famille. Oui, la famille. Je veux dire, nous vivions juste en bas de la rue l’un de l’autre. Nous ne le savions même pas. On s’est mis en relation. J’ai vu Quincy jouer un jour et je me suis dit : « yo, j’ai besoin de son son ». J’ai rencontré Mike. Nous avions un concert mensuel à An Die Music et nous pouvions vraiment être nous-mêmes, expérimenter et faire des erreurs. C’était il y a environ huit ans, donc le son s’est construit naturellement, progressivement avec la même famille.

PAN M 360 : Et cela s’est fait naturellement. Vous ne vous posez pas de questions. C’est ce qui se passe.

Brandon Woody : Oui, oui. Littéralement, avant que vous ne le sachiez, c’est comme, wow, nous avons notre propre son, vous savez, que personne d’autre n’a. C’est comme notre ADN. J’ai la chance d’avoir un groupe de membres qui me soutiennent. Vous savez, tout le monde y met du sien. Oui, mon nom est sur la scène, mais c’est un groupe. C’est un collectif. C’est une famille. Nous y mettons donc tous du nôtre.

PAN M 360 : Et si nous essayons d’être un peu plus précis, qu’est-ce qui le distingue ?

Brandon Woody : Je veux dire, simplement les expériences uniques que nous avons vécues en grandissant dans la même ville. C’est pour cela que nous sommes capables de nous connecter les uns aux autres comme nous le faisons. Mais aussi, je pense que tous les habitants de ma ville, d’une certaine manière, ont l’impression d’être des ambassadeurs, de répandre la positivité. D’une certaine manière, j’ai l’impression d’être une ambassadrice, simplement parce que Baltimore est perçue de manière tellement négative dans le monde entier. Beaucoup de gens parlent de la violence. Et moi, je me dis que je veux être une lumière positive.

Alors quand on est ici ensemble, c’est comme si tous les gens de Baltimore qui quittent la ville voulaient donner une image positive de la ville. Je pense qu’il y a tellement d’excellents artistes ici, mais je pense qu’être nous-mêmes est la chose la plus courageuse que nous puissions faire. Et comme moi qui me présente ici en ce moment, avec les membres de mon groupe.

PAN M 360 : Vous vous inspirez donc de cette expérience quotidienne.

Brandon Woody : Oui, je pense que ce qui m’a libéré, c’est de savoir et de croire que moi et mon groupe, le simple fait de venir, c’est suffisant. C’est littéralement plus que suffisant. Vous voyez ce que je veux dire ?

C’est aussi grand que possible et c’est puissant. Je suis tellement absorbé par la musique elle-même, par l’expérience. Il faut ressentir cette musique. Il faut venir à un concert. Vous devez me serrer la main. Vous savez, vous devez juste venir vous amuser avec nous et bouger et danser parce que je pense qu’en ce moment dans ma vie, je fais tellement d’interviews et de discussions et tout ça. Et je suis comme, mec, vous avez juste besoin de venir nous voir.

PAN M 360 : La réponse ultime consiste à écouter cette musique.

Brandon Woody : Oui. Nous sommes capables d’être aussi honnêtes et vulnérables que possible parce que nous passons tout ce temps à nous développer les uns les autres. Et j’ai l’impression que, lorsque nous voyageons à travers le pays, tout ce que je fais se répercute dans ma ville. J’essaie donc de faire en sorte que ce que nous faisons soit positif. Mais je suis tellement reconnaissant de la façon dont j’ai été élevé. Vous savez, il faut un village pour élever un homme. OK, il faut une communauté. J’ai été bien élevé. Je suis respectueux. Je diffuse l’amour.

PAN M 360 : Toujours à propos de la musique : peut-on parler d’influences très fortes ?

Brandon Woody : Valjohn Harris de Baltimore. Craig Austin de Baltimore. Mark Harris de Baltimore. Quincy Phillips de Baltimore. Gary Thomas de Baltimore. Tim Green de Baltimore. Tim Green de Baltimore. Clarence Ward de Baltimore. Oui, mes plus grandes influences viennent de la ville de Baltimore. Mais j’ai aussi d’autres grandes influences. Je suis très inspiré par Freddie Hubbard, Booker Little, Clifford Brown. Plus récemment, j’ai été très inspiré par tous ces trompettistes: Terence Blanchard, Ambrose Akimusire, Keyon Harrold, Christian Scott.

PAN M 360 : En tant qu’instrumentiste, avez-vous des difficultés à développer votre propre style ?

Brandon Woody : Merde, mec, je dois continuer à m’entraîner tous les jours. C’est difficile. Je dois respirer par le nez et fumer parfois de l’herbe pour me détendre. Alors je sors du lit et je m’échauffe. Ma routine d’échauffement consiste donc à faire dans le chromatisme, travailler ma souplesse, jouer des gammes, améliorer mon articulation. Tout cela doit se produire chaque jour. Si ce n’est pas le cas, je ne peux exercer mon métier.

PAN M 360 : Vous devez maintenir vos compétences à leur meilleur niveau et aussi mettre l’accent sur votre propre évolution.

Brandon Woody : Oui, et il ne s’agit pas seulement de la technique, mais de beaucoup de choses. La technique me permet d’éliminer les limites de mon plan. Si je ne me préoccupe pas de ma technique, je peux jouer ce qui me passe par la tête.

Le 5 juillet 2025 à 16h (notez l’heure hâtive), à Orford Musique, le flûtiste Denis Bluteau (ex-OSM pendant environ 30 ans et professeur à l’université de Montréal) donnera un concert tout indiqué pour un bel après-midi d’été : une rare Sonate pour flûte en si bémol majeur, WoO Anh. 4 et la mieux connue Sérénade pour flûte, violon et alto en ré majeur, op. 25, de Beethoven. Deux œuvres du compositeur réalisées dans son jeune âge. Elles témoignent des débuts ‘’classicistes’’ de Beethoven, cette première période où il était encore inspiré par Haydn. Une musique tout indiquée pour un concert estival. En complément de programme, la grande sonate romantique Undine op. 167 de Carl Reinecke (1824-1910) basée sur un conte féérique, celui d’une nymphe des eaux qui se marie avec un mortel dans le but de lui voler son âme. Le caractère ondoyant et narrativement dramatique de l’œuvre séduira à coup sûr les mélomanes. J’ai parlé de tout cela avec le flûtiste Denis Bluteau, qui sera accompagné pour l’occasion de Julie Triquet au violon, Jutta Puchhammer-Sédillot à l’alto et de Mariane Patenaude au piano.

Il est 17h à l’Esplanade Tranquille, le soleil plombe, les festivaliers se crèment. Une poignée de passants — un mélange de jeunes familles et de travailleurs tout juste libérés du bureau — forment un attroupement clairsemé. Puis, rafraîchissante, ALICE monte sur scène.

Elle s’installe derrière son Crumar, sourire aux lèvres, n’a qu’une hâte : celle de commencer à jouer. Le pouvoir d’attraction de sa voix incandescente opère instantanément, et la foule ne tarde pas à se garnir. Les curieux restés en marge se laissent entraîner par une danse en ligne, menée avec entrain par ALICE.

Tellement à l’aise, tellement à sa place. Pas mieux pour clôturer les Francos un samedi après-midi.

Ça ne fait que deux ans qu’Alice Tougas St-Jak évolue sous le nom d’ALICE, un projet qu’elle mène de front en signant aussi bien la musique que les paroles. L’assurance qu’elle émane aujourd’hui, elle l’a taillée à même dix ans de collaboration comme chanteuse et accordéoniste au sein du défunt Canaille — un groupe de huit, neuf musiciens où folk et bluegrass se rencontraient dans un joyeux chaos maîtrisé.Elle bifurque maintenant vers un territoire plus intime, sans toutefois renier ses racines ancrées dans le terreau country.

Tant mieux pour nous, ça lui va bien. L’accordéon a fait place au clavier. Le bluegrass, au rock. Elle n’a peut-être pas son permis, mais elle sait driver.Je l’ai rencontrée juste après sa performance, derrière la scène du Pub Brasseur Montréal. Elle venait d’y livrer un set qui a charmé à l’unanimité aux côtés de son ALICE BAND, un quatuor solide, bien en forme, bien coiffé et de bonne humeur. Les yeux encore brillants, elle me dit qu’il lui reste amplement de jus pour répondre à mes questions.

PAN M 360: Est-ce que tu retrouves le même rush — avant, pendant, après le show — qu’à l’époque de Canaille ?

ALICE: L’effervescence sera toujours là. Au début, avec ALICE, c’était comme recommencer à zéro, j’étais pas mal nerveuse. Tantôt, j’étais fébrile, mais dans le meilleur des sens. Juste l’excitation d’être là avec ma gang. La grosse différence qu’à l’époque de Canaille, c’est que maintenant, c’est moi qui porte le show et qui anime. Avant, même si parfois, je leadais, la pression était partagée.

Je pense vraiment que ça a dû m’aider d’avoir 10 ans de show derrière la cravate. Là, je me sens vraiment sur mon X !

PAN M 360: Tu as décidé de donner ton prénom au projet. Après toutes ces années en groupe, avais-tu envie de te révéler davantage, de t’afficher plus personnellement ?

ALICE : Oui, c’est ça. J’avais comme un besoin de m’y mettre. J’ai commencé le projet solo lorsque Canaille était encore actif. La fin du groupe m’a permis de consacrer plus de temps là-dessus. C’est mon nom, c’est moi, faut que j’assume ce qui sort de là !

Pas que je n’assumais pas ce que je faisais avec Canaille. J’adorais être dans un band, je suis contente d’avoir vécu ça, de rendre service à une chanson même si ce n’est pas la mienne. Autant que la nostalgie est là, autant que c’est correct que ça soit fini. C’était effréné on fait quelque chose comme 700, 800 shows. Tant qu’à faire autre chose je me suis dit « ok, j’aimerais ça leader » et j’aime composer, même si c’est tellement plus de travail ! Mais tout est plus feelé.

PAN M 360: Avais-tu composé des nouvelles chansons dans le but de sortir ton EP ou ça dormait pendant tes autres projets ?

ALICE: J’ai composé une des tounes pendant Canaille, mais pour la majorité, ça ne dormait pas. Ça m’a pris un peu de temps de trouver ma voie ! Je savais juste que je voulais laisser tomber l’accordéon et faire quelque chose de plus rock.

PAN M 360: Parlant d’accordéon, je suis tombée sur une de tes biographies qui te décrivait comme une clown-accordéoniste. Qu’est-ce qu’une clown-accordéoniste ?

ALICE: Ah haha oui, j’ai étudié en théâtre. À l’époque, j’avais une amie qui faisait du cirque, alors on a décidé de monter notre propre cirque pour faire de l’animation de rue pendant des festivals de jazz — en France, au Danemark, en Pologne… C’était très théâtral. Roue allemande, acrobaties, diabolo, jonglerie. Moi, j’assumais la partie rigolote, avec l’accordéon et le personnage de clown muet. Je ne me souviens plus exactement de l’année… mais je me rappelle que j’ai eu 21 ans en Pologne !

PAN M 360: Ta fête de 21 ans en Pologne devait être mémorable pour que tu l’utilises comme point de repère pour te situer dans le temps !

ALICE: Oui, je m’en rappellerai toujours ! Ma première tournée et mon premier voyage sans ma mère. Ça m’a préparé pour les tournées de Canaille après. C’était comme forain haha ! La bohème, mais très français on cuisinait nos salades sur le trottoir. De beaux souvenirs.

PAN M 360: Y a-t-il quelque chose que tu te permets aujourd’hui, que tu n’aurais jamais osé plus tôt dans ta carrière ?

ALICE: Avant, je trippais vraiment acoustique. Je ne me permettais pas de faire du rock. J’avais comme un syndrome de l’imposteur… Je me disais : « je ne connais pas assez ça moi ».

Voyons, j’écoute du rock depuis que j’ai 14 ans, The Mamas & the Papas, les Beatles, les Stones. J’ai toujours trippé sur la musique des années 60, 70. On dirait que ce n’était pas une option peut-être parce que je ne voyais pas beaucoup de femme en faire et ma voix n’est pas particulièrement rock. Je ne chante pas comme Janis Joplin !

Je rock avec mon instrument, avec mon intention. Le rock prend la couleur qu’on veut, c’est très vaste. Maintenant, je me permets de faire ce dont j’ai envie.

PAN M 360: Ton goût pour cette époque-là, il te vient de tes influences musicales ? Est-ce nourri par une forme de nostalgie pour une époque ne que t’as pas connue ?

ALICE: Ça me rappelle ce que j’écoutais pendant mon adolescence. Je ne l’ai pas vécu, mais ma mère, oui ! Il doit bien exister une photo d’elle à Woodstock, en bobette dans un lac. Je la ressens, cette nostalgie-là. Chez nous, je collectionne les vinyles, la vaisselle, le pyrex et toutes sortes de bébelles rétros dites inutiles, des années 50 à 80. L’ambré, le multicolore… ce sont ces années-là que j’aime !

PAN M 360: Avec ALICE, tu changes un peu de registre. Est-ce que ton public t’a suivie dans ce virage, ou tu reconnectes plutôt avec de nouveaux visages ?

ALICE: Canaille ou pas Canaille, beaucoup de mes amis viennent me voir. Je sais que certains m’ont découverte à travers Canaille et continuent de me suivre, et ça me touche. Ce que je trouve génial, c’est de voir du nouveau monde à chaque fois ! Les Francos, c’est parfait pour ça : tu entends de la musique, c’est l’fun, c’est gratuit. Ça me donne vraiment de l’énergie. Il y a des gens qui me disent : « On a le goût d’être ton amie. »

Et pendant que je joue, je les vois sourire. C’est ça qui me donne le fuel !

photo: Frédérique Ménard-Aubin

En plus d’assurer la direction artistique du Festival international de Landaudière, soit le plus important festival de musique classique au Canada, Renaud Loranger est Vice-Président Artistes et Répertoire du label européen Pentatone, c’est-à-dire qu’il chapeaute le recrutement et le développement discographique de grands musiciens de la planète classique, on pense notamment aux maestros Vladimir Jurowski, René Jacobs et Esa-Pekka Salonen, aux chanteurs.euses Piotr Beczala, Lisette Oropesa, Javier Camarena et Magdalena Kožená, aux pianistes Pierre-Laurent Aimard et Francesco Piemontesi, on en passe évidemment. Depuis novembre 2018, Renaud Loranger est directeur artistique de Lanaudière, soit à Joliette, sa ville natale où il séjourne chaque été depuis. Musicologue et historien de l’art, il est parmi les professionnels les plus aguerris et les plus raffinés pour mener à bien de telles missions. Écoutez-le exprimer sa passion pour sa nouvelle programmation lanaudoise et nous faire part de ses meilleures prises! Alain Brunet a mené cette interview pour PAN M 360.

BILLETS ET INFOS

Cette interview consacrée à la programmation du Festival de Lanaudière s’inscrit dans le cadre d’un partenariat de contenus PAN M 360 avec La Vitrine, soit le plus important site web consacré quotidiennement aux sorties culturelles à travers le Québec.

POUR ACCÉDER AUX INFOS SUR LE FESTIVAL DE LANAUDIÈRE VIA LA VITRINE, C’EST ICI

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À peine âgé d’une vingtaine d’années, le super batteur Kojo Melché Roney possède déjà une grande expérience. Musicien professionnel depuis l’enfance, il a grandi dans un environnement familial très favorable, étant le fils du saxophoniste Antoine Roney et le neveu du regretté trompettiste Wallace Roney et de la regrettée pianiste Geri Allen. Aujourd’hui chef d’orchestre, Kojo s’est produit vendredi sur la scène du Pub Molson en trio avec son père et le bassiste Jeremiah Kal’ab. On a pu assister à des power duos (père-fils) et power trios pas piqués des vers, le tout basé sur l’énergie d’un trio acoustique inspiré par le jazz électrique et les formes libres des années 60 et 70. Et voici l’interview vidéo de PAN M 360 !

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Peter Evans, 43 ans, fait incontestablement partie de l’élite des trompettistes de cette époque. Ses compétences phénoménales, ses réalisations et ses innovations techniques sont reconnues par les musiciens, les musicologues, les connaisseurs…. mais pas par un large public de jazz qui doit le connaître maintenant !

Invité à se produire avec son groupe au FIJM le 26 juin, il a offert un formidable double set gratuit sur la scène du Molson Pub avec ses coéquipiers – Joel Ross au vibraphone, Nick Jozwiak à la basse et le grand Calvin Weston ( à la batterie en tant qu’invité spécial. PAN M 360 a pu le rencontrer après les tests de son.

Sa biographie nous apprend qu’il est diplômé du Conservatoire de musique d’Oberlin (Ohio) et qu’il a également étudié à l’école d’éducation préparatoire du Conservatoire de musique de la Nouvelle-Angleterre. Il a dirigé un quintette avec Ron Stabinsky, Sam Pluta, Tom Blancarte et Jim Black, le Zebulon Trio avec John Hebert et Kassa Overall, et a été membre du groupe Mostly Other People Do the Killing. Il a travaillé notamment avec Peter Brötzmann, Mary Halvorson, Okkyung Lee, Evan Parker, Matana Roberts, Tyshawn Sorey (son batteur régulier), Dave Taylor, Weasel Walter et John Zorn.

PAN M 360 : Peter Evans, c’est un plaisir de vous rencontrer à Montréal !

Peter Evans : C’est un plaisir !

PAN M 360 : Votre jeu de trompette exceptionnel n’est pas seulement le fruit d’une approche classique, il y a des choses qui ont été accomplies pendant et après votre formation musicale. Vous avez définitivement trouvé votre voie, grâce à la virtuosité et à l’innovation. De nombreux aficionados applaudissent également vos techniques dites étendues.

Peter Evans : Je pense que c’est un peu un malentendu, cette idée de techniques étendues. L’idée que l’on étudie un instrument et que l’on atteint un certain niveau de maîtrise, ou que l’on y arrive et que l’on va au-delà, ce n’est pas exactement comme ça que ça fonctionne. Je pense donc que pour moi, l’attrait initial vers ces « techniques étendues », une expression que je n’utilise pas,’est plutôt une façon de décrire une façon normale de jouer d’un instrument.

PAN M 360 : L’expression peut être un cliché, oui.

Peter Evans : Cette expression est un fourre-tout, mais cela traduit aussi une certaine attitude à l’égard d’un instrument, à savoir qu’il y a, entre guillemets, une façon normale d’en jouer et des façons plus étendues d’en jouer.

PAN M 360: Et in sait que certaines personnes ne jouent que des techniques étendues et ne maîtrisent pas la mécanique de leur instrument.

Peter Evans: J’ai considéré l’exploration de différents sons comme une extension de la palette sonore de l’instrument. Il comprend donc tout et j’y ajoute quelque chose. Et puis, c’est peut-être plus une façon de penser la musique électronique que de combiner des sons. Pour moi, toutes les différentes façons d’aborder l’instrument sont fondamentalement liées. Tout découle de la technique de base de la trompette. Pour moi, toutes les différentes façons d’aborder l’instrument sont fondamentalement liées. Et ce qui m’a poussé à faire certaines de ces choses au départ, ce sont deux courants différents.

PAN M 360 : Quels sont ces flux ?

Peter Evans : Le premier était la musique classique contemporaine européenne, de Ligeti à Xenakis et Lachenmann. Je jouais donc la musique de chambre de tous ces compositeurs et je me suis habitué à cette idée. Pas tant pour la trompette, pas tant à cause des parties de trompette, mais simplement en étant dans cet environnement, vous voyez ? Alors que je m’intéressais à ce genre de choses, de manière totalement indépendante, j’ai découvert le monde du free jazz et de la musique improvisée. J’ai ainsi découvert des saxophonistes post-Coltrane comme Albert Ayler et Pharoah Sanders. Ensuite, je me suis intéressé à des artistes comme Evan Parker et John Butcher, à toute la scène d’improvisation britannique et européenne, à Willem Breuker. C’était à l’âge de 19 ou 20 ans, j’étais vraiment excité.

Cela m’a en quelque sorte donné la liberté et l’autorisation d’explorer par moi-même et à développer un… À l’époque, ce que je percevais de ces autres artistes plus âgés, c’était que les gens développaient leur propre vocabulaire. C’était un peu comme la recherche scientifique; vous ne voulez pas que vos recherches chevauchent celles de quelqu’un d’autre.

Ainsi, même au début des années 2000, il y avait un certain nombre de trompettistes très intéressants que je ne connaissais pas vraiment jusqu’à ce que je déménage à New York. Et même des gens à Berlin, comme Axel Dörner ou Franz Hautzinger en Autriche, Nate Woolley, etc. Ce qui est intéressant, c’est que nous ne sommes pas tous du même âge ou de la même génération, nous avons parfois 15 ans d’écart.

Axel a fait des choses pendant longtemps, mais je pense que ce que j’ai remarqué, c’est que chacun faisait son propre truc. Aucun d’entre nous ne faisait la même chose. Et même lorsque je pense à des musiciens que j’ai rencontrés plus tard, comme Ambrose Akinmusire, qui n’use pas de techniques étendues, mais qui a une attitude exploratoire avec l’instrument. Oui, et je pense que ce qui est intéressant avec la trompette, c’est que contrairement à beaucoup d’autres instruments, l’interface est tellement personnelle qu’il est très difficile de copier les gens, même si on le voulait.

Et donc je pense que le fait d’explorer différentes techniques était plus une fenêtre sur une attitude plus générale envers le son et envers l’instrument comme ayant une capacité orchestrale ou électronique à être malléable et à s’adapter à différentes situations, ce qui est la façon dont je le vois maintenant. Par exemple, dans ce groupe avec qui je tourne actuellement, je ne pense pas vraiment à la technique étendue.

J’utilise ce que j’ai pour me fondre et contraster avec les autres instruments. Il n’y a pas de plan à ce sujet. Cela se produit.

PAN M 360 : Oui. Oui, c’est vrai. De même, si l’on considère l’évolution d’un instrument acoustique en 2025, on constate que l’approche texturale a des limites avec les instruments traditionnels, alors que si l’on pense à l’électronique, l’approche texturale est infinie. Et maintenant, si nous pensons électroniquement, l’approche texturale est infinie. Mais… Même les instruments acoustiques ont été beaucoup explorés et il y a toujours quelque chose à trouver qui n’a pas été trouvé. Alors quels sont vos outils pour élargir vos possibilités texturales et sonores ? L’électronique ?

Peter Evans : En fait, je n’utilise pas tellement l’électronique. Des pédales d’effets ? Pas vraiment. Pas de pédales ? Non. Les explorations du timbre, pour moi, sont simplement issues du travail avec l’instrument et du travail avec le microphone. Oui, c’est plus une attitude et une façon de voir le son. J’utilise le micro et le système de sonorisation et c’est toujours une conversation avec les gars du son parce qu’ils ne comprennent pas forcément ce que je fais.

Oui, c’est plus comme, vous savez, parfois je pense… Oui, les gens ne comprennent pas nécessairement cette approche, cette approche dont vous parlez pour un instrument acoustique. Vous voyez ? Mais, oui, dans mon cas, c’est en travaillant avec un micro et un système de sonorisation, des caissons de basse, que j’ai acquis une grande partie de mes connaissances.

PAN M 360 : Oui, la relation entre le micro et le système de sonorisation est une sorte de point d’aboutissement, de progrès pour l’approche texturale.

Peter Evans : Oui, pour moi, absolument. D’accord, je comprends. Le micro est donc un instrument pour vous, tout comme la table de mixage. Oui, exactement. D’accord, c’est cool. Et aussi, vous savez, vous êtes l’un des rares à avoir atteint ce genre de… pas étendu, je n’utiliserai pas ce terme, mais, vous savez, ces nouveaux territoires, je dirais.Oui, exactement. D’accord, c’est cool. Et aussi, vous savez, vous êtes l’un des rares à avoir atteint ce genre de… pas étendu, je n’utiliserai pas ce terme, mais, vous savez, ces nouveaux territoires, je dirais.

PAN M 360 : Pouvez-vous préciser certaines étapes de votre propre évolution, quand cela s’est produit ?

Peter Evans : Oui, je veux dire que lorsque j’ai commencé à donner des concerts en solo, c’était en partie pour me mettre au défi de voir si je pouvais maintenir une ligne musicale avec les choses que je… Alors que je commençais à le faire, j’essayais en même temps d’explorer activement ces différentes techniques, ces différents sons. Lorsque j’ai déménagé à New York en 2003, c’était… Les cinq premières années que j’ai passées là-bas, c’est là que j’ai appris, vous savez, j’ai joué dans beaucoup de situations différentes. J’ai donc été obligé d’apprendre à jouer avec un micro et à adapter ce sur quoi je travaillais à un contexte plus pratique, comme celui d’un concert. Je pense donc que cela a été pour moi une période de réelle croissance. Et en fait, en me forçant à jouer autant…

Je me souviens d’une tournée au Canada. Il y a un batteur de Calgary qui s’appelle Chris Dadge. Nous nous sommes rencontrés sur MySpace en 2007 et il avait organisé une tournée où j’ai partagé l’affiche avec lui. Je pense donc que cela a été pour moi une période de réelle croissance. Et en fait, en me forçant à jouer autant… Je me souviens d’une tournée au Canada. Il y a un batteur de Calgary qui s’appelle Chris Dadge et qui a un label. Nous nous sommes rencontrés sur MySpace en 2007 et il a organisé une tournée pour moi où j’ai partagé l’affiche avec lui.

Je me souviens qu’avant cette période, je ne jouais pas un seul morceau en solo. Je jouais plusieurs morceaux. Ainsi, lors de cette tournée, je me suis forcé à la fin à jouer un morceau de 30 ou 40 minutes, non pas sans pause, mais sans interruption dans le flux de la composition.

Ces expériences m’ont donc vraiment aidé à grandir. Ensuite, j’ai traversé des périodes de croissance et d’atrophie, puis de croissance et d’atrophie. Et en ce moment, surtout en ce qui concerne le jeu en solo, je suis à nouveau dans une période de croissance où je travaille à développer des techniques variées. Des techniques qui ne concernent pas vraiment le son. Maintenant, je me concentre sur le rythmes des notes et aussi l’ornementation – notamment la question de diminution, comme dans la musique de la Renaissance, c’est-à-dire l’idée de prendre quelque chose de simple et de le découper en petites unités pour créer une texture plus fine.

Voilà où j’en suis pour l’instant.

La jeune guitariste prodige et innovante américaine Yasmin Williams se produit au Festival International de Jazz de Montréal (FIJM) pour la première fois, sur la scène Rogers, ce vendredi 27 juin. Michel Labrecque s’est entretenu avec Yasmin Williams pour discuter de sa vision de la musique et de la situation politique dans son pays.

Yasmin Williams joue de la guitare comme peu de gens. Il lui arrive de mettre sa guitare à l’horizontale sur ses cuisses et de frapper les cordes de façon percussive; de frotter un archet sur ses cordes; de relier un instrument de percussion africaine, le kalimba, à sa guitare. Elle fait des percussions avec ses pieds. La jeune Afro-Américaine originaire de la région de Washington DC a bouleversé l’univers de la guitare en mélangeant les genres et les façons de jouer.

« Tout cela a commencé avec le jeu Guitar Hero », dit-elle en rigolant. « Mon père l’avait acheté pour mes frères, mais je m’en suis emparé et l’ai gardé dans ma chambre et j’ai fini par battre le jeu».

Yasmin avait douze ans et n’avait jamais joué de guitare. Elle a imploré ses parents d’en obtenir une. Peu de temps après, elle était propriétaire d’une guitare électrique et elle a commencé à la jouer de façon percussive. Aujourd’hui, Yasmin Williams est surtout reconnue pour son jeu fingerstyle innovant de guitare acoustique.

« Un jour, j’ai entendu Blackbird des Beatles et ça a transformé ma vie » , raconte-t-elle. Elle a alors rangé sa six cordes électrique dans son étui pour un bon moment. Entretemps, elle a fait des études en composition musicale à la New York University. Sa palette de connaissances s’est agrandie et elle a commencé à rêver à une carrière musicale.

« Je fais de la guitare folk, mais avec beaucoup d’autres influences; on pourrait appeler ça du « folk plus »,dit-elle.

En 2018, paraît Unwind, son premier album de guitare instrumentale. « J’étais très puriste, je rejetais l’idée de doubler des pistes sonores, je voulais un album sans artifices, strictement acoustique », dit Yasmin. Cette première offrande nous présente une guitariste dans le prolongement des guitaristes virtuoses des années 70 comme Stephen Grossman, John Renbourn ou Leo Kottke. Mais Yasmin nous fait aussi découvrir ses nouvelles facettes du jeu de guitare, réinventant la façon de toucher des cordes.

« Je ne connais personne qui joue de façon percussive comme moi, à part un guitariste québécois qui s’appelle Erik Mongrain, que j’ai découvert des années plus tard », raconte Yasmin. Vérification faite, c’est bien le cas. Erik Mongrain a joué à quelques reprises avec une guitare horizontale.

En 2021, arrive Urban Driftwood, un disque où elle se permet des doublages et des musiciens accompagnateurs. « Je me suis donnée plus de liberté, avec un batteur, une violoncelliste et de la kora. Bien qu’instrumental, l’album reflète une année 2020 très troublée dans son pays, avec la pandémie, la mort de George Floyd et le mouvement Black Lives Matter, comme le précise Yasmin Williams sur la pochette.

« Oui, je suis politisée, dans l’époque que nous traversons ce n’est pas vraiment un choix. J’essaie de concevoir des projets pour promouvoir certaines causes. Je n’aime pas du tout ce qui se passe en ce moment ».

Il est prévu qu’elle se produise en septembre prochain au Kennedy Arts Center de Washington, dont Donald Trump a pris le contrôle récemment. « Beaucoup d’artiste, boycottent, moi j’ai choisi de donner mon concert, par solidarité avec les gens qui y travaillent; mais je vais dire des choses sur scène, qui ne plairont pas à tout le monde. »

En 2025, Yasmin devient plus ambitieuse avec Acadia, un album où elle multiplie les collaborations et les sonorités. On entend de multiples sons de nombreuses guitares, tant électriques qu’acoustiques. C’est un album où les influences jazz transparaissent davantage en plus du folk. « J’ai vraiment travaillé très très fort sur ces musiques et elle reflète davantage ma personnalité de compositrice ». Elle joue entre autres une guitare électrique à double manche, dont elle tire des sons innovants.

À 19 heures, ce soir, sur la Scène Rogers, nous aurons droit à un mélange de ces trois albums. « Ce sera seulement moi, ma guitare et vous, le public, en espérant que le temps soit clément. Je ne fais jamais de liste de chansons à l’avance, donc on verra ».

Les principales influences de Yasmin? « Jimi Hendrix, c’est sûr mais avant tout Elizabeth Cotten, une chanteuse folk afro-américaine née à la fin du 19e siècle, très inventive à sa façon. »

La guitariste virtuose a aussi fait des musiques pour des documentaires, dont une au piano. Elle a aussi un projet de groupe plutôt rock et progressif. C’est aussi une fan de musique Gogo, un style funk inventé dans la région de Washington ou elle vit. Et de hip-hop.

On en entendra sans doute parler encore longtemps. Et pas forcément uniquement avec des guitares.

Souhaitons une météo clémente pour ce soir. Ce n’est pas forcément assuré.

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Pour sa quarante-septième saison, le Festival international du Domaine Forget invite les mélomanes du Québec à la découverte. Dans ce rendez-vous estival qui s’étale sur presque deux mois du 28 juin au 23 août, ce sont différentes expressions artistiques qui seront présentées, allant de la danse, à la musique classique en passant par le jazz. De Monteverdi à Farrenc, de Vivaldi à Oscar Peterson, la programmation 2025 propose un éventail riche de styles, d’époques et de formats, mettant en lumière des artistes de renom ainsi que les stagiaires de l’Académie du Domaine Forget.

En discussion avec le collaborateur de PAN M 360 Alexandre Villemaire, le directeur artistique du Domaine Forget Mathieu Lussier dresse un portrait de cette programmation et des incontournables à ne pas manquer.

Cette interview consacrée à la programmation de la saison estivale du Domaine Forget s’inscrit dans le cadre d’un partenariat de contenus PAN M 360 avec La Vitrine, soit le plus important site web consacré quotidiennement aux sorties culturelles à travers le Québec.

Pour accéder aux infos du Domaine Forget sur La Vitrine, c’est ici!

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Pour consultez la programmation, rendez-vous ICI

Éminent pianiste de renommée internationale, Ronan O’Hara a joué tant en Europe qu’en Amérique et en Asie, avec des ensembles tels que le London Philharmonic, le Philharmonia Orchestra, le BBC Symphony, le Royal Philharmonic Orchestra, l’English Chamber Orchestra, l’Academy of St Martin-in-the-Fields, le Hallé Orchestra, l’Indianapolis Symphony Orchestra, le Zurich Tonhalle Orchestra, le Netherlands Radio Chamber Orchestra et le Philharmonia Hungarica. Professeur à la Guildhall School of Music and Drama de Londres, pédagogue recherché, c’est dans ce double rôle qu’il sera sur la scène de la salle Gilles-Lefebvre le 28 juin à Orford dans un programme mettant à l’honneur quatre des sonates les plus importantes de Beethoven, faisant écho à la figure musicale qui jalonne cette année l’édition du Festival Orford Musique.

Dans son entretien avec Alexandre Villemaire, Ronan O’Hara nous parle en détail de ce programme, mais aussi de la place qu’occupent les sonates dans le catalogue du compositeur.

Cette entrevue a été réalisée en anglais

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827)

Sonate pour piano no8 « Pathétique », op. 13

Grave — Allegro di molto e con brio
Adagio cantabile
Rondo. Allegro

Sonate pour piano no28, op. 101

Allegretto, ma non troppo
Vivace alla marcia
Adagio, ma non troppo, con affetto
Allegro

Sonate pour piano no17 « La Tempête », op. 31 no2

Largo — Allegro
Adagio
Allegretto

Sonate pour piano no21 « Waldstein », op. 53

Allegro con brio
Introduzione. Adagio molto
Rondo. Allegretto moderato — Prestissimo

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Queenie est son prénom. Il lui a été donné par sa maman qui voyait déjà en elle une « petite reine ». Après une aventure à Star Académie, cette artiste originaire d’Haïti, née au Québec et ayant vécu en Floride nous présente son album éponyme, dans lequel elle chante en français, en anglais et en créole. On y trouve de la pop, du RnB et même un peu de reggae. Elle s’est jointe au label féminin Disques Juliette qui l’accompagne dans cette belle aventure. Notre journaliste Sandra Gasana s’est entretenue avec elle, alors qu’elle s’apprête à vivre une nouvelle aventure dans une série télévisée dans laquelle elle chante.

Modibo Keita a grandi à Montréal, il est tromboniste de formation et joue autant qu’il peut lorsqu’il n’est pas programmateur au Festival international de jazz de Montréal. Depuis la mise en place de la nouvelle direction artistique de l’événement, on voit que le jazz redevient une priorité dans la programmation extérieure, question de relancer l’intérêt et éventuellement de faire passer en salles les artistes les plus fédérateurs. Aussi, l’équipe de programmation a recruté un vrai de vrai musicien de jazz, de surcroît un fin connaisseur de la tradition et de l’apport des nouvelles générationsen la personne de Modibo Keita. Il nous aide ici à débusquer les musts de la programmation, en salle comme à l’extérieur, bien au-delà des évidences aussi mentionnées dans sa nomenclature. Alain Brunet l’a interviewé pour PAN M 360.

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