Fête de la Musique de Tremblant | Toutes nos recensions

par Alain Brunet

Pendant tout le week-end de la fête du Travail, le village piétonnier de Mont-Tremblant fut peuplé à pleine capacité, une météo quasi parfaite a assurément contribué à ces conditions gagnantes pour son activité maîtresse, la Fête de la Musique, présentée un 23^e fois depuis la première, 28 ans plus tôt. La direction artistique d’Angèle Dubeau gardé le cap : choix consensuels de musique classique et pop de qualité, éclectisme fédérateur, de la pop occidentale aux accents balkaniques ou afro-latins. En voici les moments forts, recensés par PAN M 360.

Jean-Michel Blais, néoclassicisme et profonde humanité

Dans cette charmante petite église de Mont-Tremblant, lieu autrefois sacré et transformé en salle de concert sans en perdre l’arôme originel, Jean-Michel Blais présentait vendredi une version réduite de sa musique pour orchestre de chambre. Aubades est certes apprécié par le public néoclassique.

Séduit par la composition strictement acoustique pour un ensemble exigeant une rigueur polyphonique et donc une maîtrise acceptable du langage classique, le musicien met de côté ses qualités de producteur et se concentre sur son jeu pianistique, sa composition instrumentale et ses qualités d’arrangeur, acquises plus récemment. On ne reprendra pas ici ce débat sur le néoclassicisme triomphant auprès des vingtenaires, trentenaires et plus encore… Cette approche a des limites évidentes mais, quoi qu’on en pense, demeure une zone d’élévation pour les mélomanes biberonnés à la pop et ses déclinaisons indies.

Super sympathique, intelligent et sans prétention malgré son remarquable succès, Jean-Michel Blais ne réinvente pas la roue et, néanmoins, met de l’avant ses qualités de mélodiste au service de la musique de chambre. Mélodies et harmonies tonales, contrepoint serré, une instrumentation à quatre, économie oblige : piano, violoncelle, violon, bois. Les partitions ne sont pas d’une grande complexité, cette musique peut certes sembler prévisible pour quiconque connaît la musique romantique et moderne (fin 19^e siècle début 20^e), ou encore plusieurs musiques de films français, exigent néanmoins une exécution rigoureuse de la part des interprètes mis à contribution. En somme, un moment très sympa avec un être humain qui mérite pleinement le succès qui lui est accordé en ce moment.

Kleztory… tout sauf klezthéorique

Le groupe est composé d’Elvira Misbakhova (violon), d’Airat Ichmouratov (clarinette, clarinette basse, duclar), Mark Peetsma (contrebasse), Raphaël D’Amours (guitare), Mélanie Bergeron (accordéon). Musiciens classiques de haut niveau, Elvira, aussi violoniste chez I Musici de Montréal et altiste à l’Orchestre Métropolitain, et Airat, également compositeur post-romantique de plus en plus joué par nos orchestres, avaient fondé cette formation peu après être débarqués au Québec dans les années 90. Kleztory demeure un projet important pour ces musiciens classiques à la rencontre d’interprètes spécialisés, notamment dans la musique des Balkans, plus précisément celle qui dominait avant les migrations forcées et exactions causées par le nazisme dans les années 30. Au fil des ans, Kleztory a réussi à se rapprocher davantage de l’esprit klezmer et autres musiques compatibles tel le jazz. On note plus de souplesse et de sensualité dans le jeu d’Elvira, la virtuose de cette formation autour de laquelle se greffent d’excellents musiciens. Outre le klezmer, cette musique juive de Kleztory et ses explorations modales avec quarts de ton, vous pourrez d’ailleurs le réaliser une fois de plus, soit le 21 septembre prochain à la Salle Bourgie, avec un pianiste en prime, David Ryshpan.
Tout sauf… klezthéorique !

Charles Richard-Hamelin, médiation culturelle à Tremblant

Vu son calibre et sa stature déjà immense, le pianiste Charles Richard-Hamelin pourrait fort bien ne pas se prêter à ce type de médiation culturelle et refuser un bain de foule dans un petit festival. Eh bien non! Le virtuose, certes un de nos pianiste les plus accomplis au pays, à tout le moins dans le top 5 canadien, reste humble et accessible. Installé sous un petit chapiteau, entouré de mélomanes curieux venus à sa rencontre, le pianiste s’est prêté au jeu à quatre reprises, rien de moins. Une de ces représentations d’une heure consistait à fournir des détails de sa fameuse deuxième place au Concours Chopin, certes le plus prestigieux des concours de piano sur Terre, 2^e place gagnée en 2016 parmi 450 interprètes d’excellent niveau, « un peu comme les olympiques du piano ». Il aura joué entre autres une pièce peu jouée de Chopin, l’Allegro de concert, op. 46, pendant laquelle on pouvait entendre les murmures de la foule, les chiens qui jappent et les bébés qui gémissent dans les poussettes. On aura eu aussi droit à 6 valses de Chopin, pour la plupart archi-connues. Entre les pièces, Richard-Hamelin nous a fourni plusieurs détails de sa préparation au concours remporté en 2015. En fin de programme, ses fans lui demanderont de fournir des détails sur sa préparation, sur l’autorité parentale et la nécessité de répéter quotidiennement durant toute son enfance et plus encore. Mine de rien, ces généreux rapprochements contribuent à souder la relation des grands interprètes avec leur public.

Ayrad, mahgrébin avec attitude rock

Formation multiculturelle et multi genres à dominante maghrébine, Ayrad est chapeauté par le guitariste et compositeur d’origine marocaine Hamza Abouabdelmajid, assisté d’Annick Beauvais (hautbois amplifié, basse, voix), d’Anit Ghosh (violon, choeurs), de Kattam Laraki-Côté (percussions, choeurs), de Sylvain Plante (batterie, percussions) et de Gabriel Brochu-Lajoie (basse, clavier). Depuis une décennie, on connaît cette approche nord-africaine avec attitude rock, intégrant le raï, le chaâbi, le gnawa, le blues touareg du désert, mais aussi le funk, l’afro-latin ou même le bhangra indien. La machine Ayrad est rodée à souhait, on a ici affaire à des professionnels sérieux qui roulent leur bosse depuis nombre d’années.

Yves Lambert, nouveau cycle à la veille de ses 67 ans

C’était écrit dans le ciel, notre Yves Lambert national coifferait les 90 minutes triomphales de son spectacle d’un enchaînement de La cuisinière et Dans nos vieilles maisons, mégatubes de La Bottine souriante qu’il a quittée deux décennies plus tôt mais dont il fut la figure emblématique. Ce programme audacieux et diversifié était constitué d’un hommage bien senti à Philippe Bruneau, de reprises de chansons traditionnelles dont une de Jean-Paul Guimond et une paire de classiques signés Oscar Thiffault, aussi de chansons originales et de deux pots-pourris de la Bottine Souriante. Depuis sa rupture avec la Bottine, Lambert a connu différents cycles de création, le plus récent se vit aujourd’hui en formule quartette (voix, accordéon diatonique, violon, guitare, podorythmie) et l’album à venir relance ses ambitions orchestrales. Dans ce contexte, les arrangements de Gabriel Schwartz complètent l’ensemble avec quatre instrumentistes supplémentaires (flûtes, sax sopranino, basson, clarinettes, claviers) et nécessitent une sonorisation délicate afin que ces très beaux arrangements soient perceptibles, surtout dans les séquences les plus rythmées du répertoire au programme. Et puisque ce nouveau cycle vient à peine de débuter, des ajustements sont nécessaires et on peut déjà prévoir qu’Yves Lambert aura tôt fait de peaufiner tout ça. Quoi qu’il advienne, la majorité absolue de ses fans seront ravis par la proposition, n’y verront que du feu.

Serhiy Salov, un hommage à l’Ukraine

Dimanche midi, le premier concert au programme était donné par le pianiste ukrainien Serhiy Salov, établi à Montréal depuis exactement 10 ans. S’étant produit à maintes reprises sur les scènes montréalaises, le Québécois d’adoption avait reçu la commande d’un hommage à son pays natal dont on sait la souffrance quotidienne. Ainsi, il a joué des compositeurs ukrainiens, romantiques ou modernes, dont Mykola Lysenko, un contemporain de Liszt, ou encore Igor Naoumovitch Chamo et Miroslav Skoryk, ayant tous deux vécu au 20^e siècle. Le pianiste jouera également la 12^e étude de Chopin op 10, dont le pays d’origine jouxte l’Ukraine. Le compositeur avait écrit cette étude tempétueuse après avoir appris la reconquête de Varsovie ar les troupes russes pendant l’insurrection polonaise de novembre 1830 contre les abus de la tutelle russe. Parallèle évident avec l’actuelle tentative russe de dominer l’Ukraine, il va sans dire, et tout à fait compatible au style intense de Salov, pour employer un euphémisme. « Dessert ou digestif », au programme, une chanteuse azérie (qui fut réfugiée vu la guerre) s’est jointe au pianiste. Accompagnée de son hôte, la soprano Irane Ibragimli chantera ce requiem de guerre de Miroslav Skoryk, une pièce de circonstance dans le contexte de la guerre qui fait rage en Ukraine… et dont Serhiy Salov est un fier partisan.

The Lost Fingers

On connaît The Lost Fingers depuis la décennie 2000, la dernière mouture remonte à 2014 : Valérie Amyot, chant, François « La Mitraille » Rioux, guitare solo, Byron Mikaloff guitare, Alex Morissette, contrebasse. Inspirés à l’origine par le jazz manouche, The Lost Fingers ont construit un répertoire fondé à la fois sur la virtuosité guitaristique et un répertoire hybride entre jazz gitan et pop culture, ceci incluant de vivifiantes relectures de tubes tel Pump It Up. À l’évidence, le concept trouve encore preneurs, car la foule a fort bien réagi .

Lengaïa Salsa Brava, que calor!

Lengaïa Salsa Brava est un combo latin fondé à Montréal en 2012 par le tromboniste guyanais Giany-Frantz Huyghues-Despointes. Comme Montréal, Lengaïa est multiculturel : ses membres proviennent de 7 pays différents : Guyane française, Cuba, Colombie, Pérou, Québec, Espagne et Venezuela, inutile d’ajouter que ses membres communiquent dans les trois langues qu’ils pratiquent au quotidien : français, anglais, espagnol. Conformément à l’instrumentation des meilleurs orchestres latinos dans les 3 Amériques, cet ensemble est constitué de trois trombones et d’un saxophone baryton, d’une section de trois percussionnistes, d’un contrebassiste, d’un pianiste et de trois chanteurs. La vraie patente ! En 2023, Lengaïa a lancé un 3e album studio, Estética de un Rumbero dont le public de Tremblant a reçu en pleine gueule quelques vivifiants extraits. Salsa, rumba, guaguanco, cha-cha-cha, bachata, latin jazz et autres rythmes afro-latins propulsent carrément cette machine huilée au quart de tour. Qu’on ne s’y méprenne, Lengaïa n’est pas un groupe latino de service, sous-produit d’une diaspora nostalgique. Il y effectivement de quoi être étonné par la qualité d’exécution de ces excellents musiciens, parfaitement soudés, inspirants pour les danseurs de la Place Saint-Bernard où se trouve la scène principale au cœur du village piétonnier.

Résurrection de Diane Juster avec Angèle Dubeau et La Pietà

Chaque Fête de la musique culmine, Angèle Dubeau et La Pietà intègrent à leur programme dominical un ou une invité.e de marque. Le 27 novembre, elle sera à la Maison symphonique avec un programme spécial, tout Philip Glass et Ludovico Einaudi, dont elle a joué quelques extraits devant une salle comble: côté Glass, Opening et le un mouvement de sa Symphonie no 3 pour cordes, côté Einaudi, Expérience et Choros. Avant quoi la Danse macabre de Saint-Saëns fut exécutée malgré une sonorisation quelque peu laborieuse et l’humidité qui impactait aussi les instruments – il faut dire que l’expertise en la matière de sonorisation de scènes extérieures pour des ensembles à cordes est rarissime, car ces formations classiques jouent généralement en salle, sans micros contacts. Vint ensuite la jeune prodige de 9 ans, Iza Kamnitzer, pour l’exécution de l’Hommage à l’Ukraine. Après les interprétations de la Rhapsodie roumaine d’Enescu et des deux titres d’Einaudi, une « grande dame de la chanson », pour reprendre l’expression d’Angèle Dubeau, nous est apparue. Diane Juster, que très peu de gens ont vue sur scène depuis de nombreuses années, a accepté de venir interpréter ses classiques, toutes des chansons de passion amoureuse : À ma manière, J’ai besoin de parler,Ce matin et l’incontournable Je ne suis qu’une chanson que Ginette Reno avait popularisée. À tout le moins instructive, cette plongée dans les années 70…

FME JOUR 3: Vanille, Night Lunch, AMMAR 808, Truckviolence, TUKAN, Les Louanges

par Rédaction PAN M 360

Deux rédacteurs de PAN M 360 sont actuellement à Rouyn-Noranda pour la 21e édition du Festival Musique Emergente (FME), une prise de possession musicale de la ville pour voir certains des meilleurs et des plus brillants groupes émergents du Québec, de l’Ontario et de l’échelle internationale s’adonner au rock alternatif, au shoegaze, à la new wave, à la dream pop, à la synthpop, à l’art rock, au psych, et bien plus encore. Sans plus attendre, voici quelques groupes que nous avons voulu mettre en lumière pour le troisième jour.

Photos: by Stephan Boissonneault

Vanille apporte le soleil et nous emmène là où nous devons aller

La prestation de Vanille à la Guinguette chez Edmund au FME a sans doute été l’une des plus belles du festival, avec sa pop ensoleillée des années 60 qui a fait naître un véritable lever de soleil sur le lac Osisko. Elle a joué une grande partie de son ancien album Soleil ’96 et quelques versions plus rock n’ roll de ses chansons baroques et médiévales du dernier album, La clairière. Les vibrations et l’atmosphère étaient fantastiques, et tout semblait être dans une brume sépia. Des enfants courent partout, un métalleux se détend en regardant le ciel d’un air endormi. Il n’y a pas grand-chose d’autre à dire, si ce n’est que c’était le fantastique début d’une journée ensoleillée.

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– Stephan Boissonneault

AMMAR 808 et sa foudroyante danse tunisienne

Sofyann Ben Youssef, alias AMMAR 808, un DJ tunisien installé au Danemark qui a un penchant pour les basses lourdes et l’électro européenne qui rappelle les clubs allemands faiblement éclairés, était l’un des artistes prévus pour tuer le temps avant Blesse. À un moment donné, le micro d’AMMAR s’est coupé, mais il s’est dit « Fuck It », on va le faire en direct, et il a commencé à mixer sur place, en improvisant, tout en contrôlant l’énergie de la foule. Ce qui distingue le son d’AMMAR 808, c’est son mélange en direct de rythmes agressifs et implacables et de voix pan-maghrébines. C’est trippant et lourd, parfait pour le dancefloor quand on veut se dissocier, ce que beaucoup d’entre nous étaient déjà en train de faire.
– Stephan Boissonneault

TUKAN Post-Everything Jazz Electro Bliss

Day 3 of FME was graced by the analog electro-jazz mania of TUKAN in a basement, but their secret show set on the train tracks in front of the Horne Foundry was the true magic hour. TUKAN has the same energy and aptitude as say an electro-trance producer, but uses live instruments to create their dancy soundscapes. Floating Points, BADBADNOTGOOD, Wetpaint, Popul Vuh; these influences and more can be heard in TUKAN’s set. Though the fact they are recreating everything live makes it an exhilarating experience; especially for the two men fronting a catwalk fashion show during the train tracks set. The basement set was definitely more of a club setting, but this scrappy band from Brussels is not one to be missed. – Stephan Boissonneault

Night Lunch (Served at 3PM)

There’s nothing like a generously-cut grey suit, dark shades, and a little analog synth to instantly transport you to an ideal world of yesteryear—one of carphones and glittering city skylines. This specific moment of time was brought to life last night by Montreal art pop outfit Night Lunch. Featuring a cool, calm performance from lead singer and human ice cube Lukie Lovechild, he was backed up in style by rock-solid bass grooves and soft, cushiony chords and melodies coming from synth player Wesley McNeil.

Despite the pop influences that Night Lunch so proudly wear on their sleeves, there’s a darker, sexier side to their sound than you might first expect—just as at home in the dusky, subterranean venue we saw them in as they would be at the front a cigarette haze nightclub. In each track, ’80s-style synths and lead guitar come together to create passage after passage of resonant, endlessly satisfying changes that simply make you want to boogie the whole night away.
– Lyle Hendriks

Truckviolence – Violence As Community Service

Les garçons de Truckviolence ne sont pas vraiment effrayants ni menaçants, mais on vous pardonnera de penser le contraire après avoir vu ce trio se déchaîner sur scène. Tonitruant et agressif, Truckviolence s’enfonce dans votre crâne comme une cartouche de calibre 12, avec un travail de batterie puissant et presque incompréhensiblement complexe grâce à Ryley, des guitares gutturales, et bien sûr, la volonté et l’intensité absolues du chanteur Karsyn Henderson, qui n’a pas perdu de temps pour se déshabiller et sauter dans la fosse pour un peu de violence à son tour.

Malgré la violence caractérielle que ce groupe incarne avec perfection, cette approche n’est pas dépourvue de subtilités cachées, ni même de moments plus doux. À un moment donné, Ryley a pris une pause bien nécessaire de la batterie pour qu’Henderson et le guitariste se lancent dans un jam country étonnamment sombre et beau, avec rien d’autre qu’un doux banjo et les douces tonalités d’un homme tatoué qui ne porte rien d’autre que le cœur sur lmain. Et une fois que c’était fait, nous nous sommes remis au travail, nous cognant les uns contre les autres, headbangnant au point de faire gicler de la bière dans tous les sens – telle est la dualité tout à fait captivante de Truckviolence. – Lyle Hendriks

Les Louanges balancent les règles du jeu

Tant d’artistes prétendent défier les conventions et les genres, mais peu y parviennent aussi efficacement que Les Louanges l’ont fait sur la scène principale du FME, samedi soir. Armés de flûtes, de saxophones, de synthétiseurs et d’énormes pantalons emo, Les Louange ont donné un spectacle très varié, de la meilleure façon possible. Parfois, je devais m’assurer qu’un nouveau groupe n’avait pas pris le relais sans que je m’en rende compte, mais dans tous les cas, il s’agissait simplement d’une nouvelle approche aventureuse. Se promenant avec aisance dans d’innombrables genres, du jazz au funk, en passant par le R&B et une touche de danse latine, un profond sentiment de confiance et de joie émanait de l’ensemble du groupe, mais en particulier du chanteur Vincent Roberge.

J’ai eu le plaisir de voir d’innombrables jeunes gens passer possiblement la meilleure soirée de leur vie, surfant sur la foule, sautant, lançant des bâtons lumineux au groupe en guise de remerciement. À un moment donné, Roberge a dû prendre un moment, apparemment submergé par les quelque 1000 représentants du public qui chantaient chaque mot de sa chanson, tandis qu’il continuait à sourire. Avec tant d’éléments qui nagent et se transforment dans la musique des Louanges, il s’agit d’un groupe à suivre de près, encore et encore.
– Lyle Hendriks

FME JOUR 2: Annie-Claude Deschênes, RIP Pop Mutant, FouKi, La Sécurité

par Rédaction PAN M 360

Deux rédacteurs de PAN M 360 sont actuellement à Rouyn-Noranda pour la 21e édition du Festival Musique Emergente (FME), une prise de possession musicale de la ville pour voir et entendre certains des meilleurs groupes émergents du Québec, de l’Ontario et de l’échelle internationale s’adonner au rock alternatif, au shoegaze, à la new wave, à la dream pop, à la synthpop, à l’art rock, au psych, et bien plus encore. Sans plus attendre, voici quelques groupes que nous avons voulu mettre en lumière pour le deuxième jour.

Photos par Stephan Boissonneault

Annie-Claude Deschênes au restaurant

L’hyper théâtrale Annie-Claude Deschênes (PYPY et Duchess Says) a présenté vendredi son spectacle de synthwave sur le thème du restaurant au Petit Théâtre du Vieux Noranda, et l’ambiance est devenue bizarre. En fait, tout est bizarre dans le personnage qu’Annie-Claude adopte sur scène, mais c’est tout à fait captivant à regarder. Elle installe de la techno sombre, » répond » à un appel téléphonique concernant une réservation et dresse la table. La toile de fond est constituée de spatules, de mélangeurs, de cuillères et de fourchettes qui flottent. Le spectacle est plus une pièce de théâtre qu’un concert, mais les petits délires synthpunk d’Annie-Claude sont la raison pour laquelle beaucoup sont restés jusqu’à la fin. C’était une expérience multidimensionnelle, tout à fait à la hauteur si vous connaissez Annie-Claude Deschênes ou l’un de ses autres projets.

– Stephan Boissonneault

La Sécurité, donneuse de leçons !

Si vous avez suivi PAN M 360 au cours de la dernière année, vous savez que nous sommes de grands fans du groupe new wave et post-disco punk montréalais La Sécurité, et sa performance au Diable Rond n’a pas déçu. En entrant, je me suis rendu compte que nous allions assister à un set de faces B et de morceaux plus obscurs du premier album de La Sécurité, Stay Safe !, avec le shoegazeux K9 , le riot-punk Hot Topic et l’humoristique Waiting For Kenny. La danse d’Eliane était bien sûr au rendez-vous, mettant le public dans une transe frénétique et sensuelle de moiteur. Le cofondateur et bassiste Félix Bélisle était en tournée avec Chose Sauvages, mais le remplaçant Jean-Philippe Bourgeois (de Mothland/shoegaze pop band Karma Glider) a joué chaque note à la perfection. Surtout sur le funky Serpent, qui m’a fait penser que Félix Bélisle venait d’apparaître sur scène.

– Stephan Boissonneault

Augmenter le niveau d’énergie avec FouKi

Parfois, tout ce dont on a besoin, c’est d’un petit spectacle pop pour se sentir mieux. Pour moi, ce soulagement est venu sous la forme de FouKi, un rappeur montréalais qui n’a apporté rien d’autre que de la hype et de l’énergie aux gens du FME. En plein centre de l’immense foule, il était difficile de ne pas se nourrir des gens qui vibraient autour de nous – la plupart d’entre eux chantaient à tue-tête.

FouKi a une présence sur scène imposante et une assurance dans sa prestation qui le rend difficile à ignorer. Bien que ses beats ressemblent à des sons de club standard et qu’il se repose peut-être un peu trop sur son autotune à la Travis Scott, il nous a fait vibrer à des milliers de reprises. Même lorsqu’il a fait exploser un haut-parleur vers la fin de son set, la foule n’a pas semblé s’en soucier, sautillant joyeusement au rythme des kicks croustillants et des voix distordues et gutturales. FouKi s’est amusé comme un fou, et il l’a fait généreusement. C’était la façon idéale de commencer la soirée du vendredi au FME.

– Lyle Hendriks

Rip Pop Mutant se fait étrange au FME

Synthétique, sombre, trippeux, futuriste, Rip Pop Mutant a pris la scène d’assaut vendredi soir au FME. Avec des instruments grinçants et inquiétants portés par des basses lourdes, des touches épicées et une batterie induisant la transe, le chanteur Alex Ortiz s’est élevé au-dessus de tout cela avec des effets lourds sur sa voix, chantant en trois langues et se sentant indéniablement lui-même.

Ortiz portait un manteau en peau de serpent, conférant à son set une ambiance excentrique à laquelle je ne m’attendais pas, ajoutant à cette pop plus sombre qui se présentait à moi. L’un des moments forts du concert a été celui où Ortiz s’est emparé d’un faux saxophone en papier juste à temps pour « jouer » son solo, s’agenouillant et haletant avec tout ce qu’il avait en lui. La vision d’Ortiz est crue et authentique, avec ses aspérités et son engagement total pour l’imperfection. Mais plutôt que de donner l’impression d’être négligé ou de manquer d’effort, c’est clairement le résultat d’une véritable intention. Je pense que vous conviendrez que le nom de Rip Pop Mutant est tout à fait approprié lorsque vous entendrez les nuances tordues et mutantes de la musique pop qui se dégage de ce trio plein d’énergie.

– Lyle Hendriks

FME 2023 JOUR 1: Laurence-Anne, Myst Milano, Margaret Tracteur, Population II, Pressure Pin, YOCTO

par Rédaction PAN M 360

Deux rédacteurs de PAN M 360 sont actuellement à Rouyn-Noranda pour la 21e édition du Festival Musique Emergente (FME), une prise de possession musicale de la ville pour repérer certains des meilleurs et des plus brillants groupes émergents du Québec, de l’Ontario et de la scène internationale s’adonner au rock alternatif, au shoegaze, à la new wave, à la dream pop, à la synthpop, à l’art rock, au psyché rock, et bien plus encore. Sans plus attendre, voici quelques groupes que nous avons voulu mettre en lumière pour le premier jour.

Photos by: Stephan Boissonneault

Laurence-Anne fait de la magie à l’Agora Des Arts

Après un set émouvant de Nao, sans conteste l’une des préférées de PAN M 360, Laurence-Anne est apparue sur scène dans un manteau violet vaporeux pour ouvrir le set avec quelques titres de son prochain album Oniromancie. C’est un titre approprié pour la redoutable dream pop de Laurence-Anne, qui utilise un ensemble de pédales, de synthétiseurs, de chanteurs et, à un moment donné, quelques gongs. La chanson Flores, la deuxième chanson de Laurence-Anne en espagnol, est absolument magnifique en live et ses falsettos et ses tonalités vocales puissantes et soutenues nous ont laissés bouche bée. J’ai reçu de folles vibrations de The Mars Volta pendant les boucles vocales spatiales.

La salle était magnifique mais c’était un spectacle assis, et on pouvait voir que la foule avait envie de se lever et de bouger pendant que Laurence-Anne nous entraînait dans son monde onirique. À un moment donné, elle est sortie de scène et s’est dirigée vers la foule pour obtenir un meilleur point de vue. C’était très théâtral, un peu comme une interprétation plus lourde de quelque chose comme Le Songe d’une nuit d’été, mais avec une instrumentation synth-wave beaucoup plus brumeuse.

Stephan Boissonneault

Margaret Tracteur sort de scène trop tôt

J’aimerais pouvoir dire que j’en ai entendu davantage de la sensation folk-punk-yodel, Margaret Tracteur, mais le début de ce set a été écourté en raison de la tête d’affiche de la scène principale, le très populaire Québec Redneck Bluegrass Project, qui a joué beaucoup plus que le temps qui lui était alloué (environ 30 minutes). La foule de la scène principale était vraiment dans le coup, mais une petite phalange de spectateurs près de l’allée d’entrée de la scène principale était prête à groover sur les airs de Margaret Tracteur. Nous avons eu droit à une chanson de l’album L’heure du thé avec Margaret Tracteur, et ce fut un moment d’ivresse avant qu’on dise au groupe d’attendre que la tête d’affiche de la scène principale ait fini. Je ne sais pas à qui revient la faute, ni au Québec Redneck Bluegrass Project pour avoir décidé de jouer plus longtemps que prévu, ni à l’équipe de planification de la scène principale, mais on pouvait voir que Margaret Tracteur était un peu irrité – et je ne les blâme pas. Ils ont quand même pu jouer, mais devant une foule beaucoup moins nombreuse, parce que tout le monde a dû passer d’un concert à l’autre dans des lieux différents. Mais qui sait, peut-être auront-ils droit à un spectacle secret en guise de récompense.

Stephan Boissonneault

Myst Milano insuffle l’énergie d’une mauvaise garce à la première soirée du FME

Jeudi soir, la rappeuse et DJ Myst Milano, basée à Toronto, a décrit son son comme de la « bad bitch music », et j’ai du mal à trouver une meilleure façon de la décrire. Avec attitude, mais sans jamais perdre l’attitude ludique essentielle et une joie apparente sur scène, le set de Milano était irrésistible dans tous les sens du terme. Milano passe sans effort de morceaux de grosses basses dures et agressives, accompagnés de voix féroces à la Rico Nasty, à des morceaux plus intimes et sexy, avec de nombreuses pauses instrumentales pour montrer leurs talents de danseurs. Que vous fassiez des crimes dans la rue ou que vous fassiez des folies dans les draps, Myst Milano avait un morceau qui correspondait à l’ambiance.

Ce qui est peut-être le plus impressionnant, c’est la confiance et l’énergie que Myst Milano a apportées sur scène. Bien qu’elle fusse seule sur scène, elle a joué avec un engagement total, comme si nous étions une arène de fans adorateurs qui avaient fait la queue toute la journée pour ce concert. Et si ce groupe relativement récent continue comme ça, il ne tardera sûrement pas à déchirer les stades.

Lyle Hendriks

Emma Beko s’éclate chez Morasse Poutine

Vêtue d’un maillot de la NBA, d’un short camouflage et d’une paire de Timbs indispensable, la performance mi-lofi, mi-chantée mi-rappée d’Emma Beko semblait étrangement parfaite sur la toile de fond de Morasse Poutine. La lumière rouge, les riches textures de son DJisme, et les mesures vulnérables de ses chansons contrastaient agréablement avec l’éclairage fluorescent et les foules de mangeurs de fromage-patate affamés derrière elle, soulignant cette approche pas trop sérieuse, pas trop gnangnan que Beko a conférée à son set.

Tout au long de sa prestation, l’amour de Beko pour ce qu’elle faisait était parfaitement visible. Et bien qu’elle se moquait de la foule du stationnement après chaque morceau, son attitude s’est transformée en une confiance blindée, dès que le rythme de la chanson suivante a démarré. Et avec une incroyable chant pour compléter ses sections de rap plus lyriques, il était clair que Beko et son DJ/partenaire, (qui a chanté à chaque mot) n’avaient pas l’intention de ralentir de sitôt.

Lyle Hendriks

Population II – The Queb Doom Prog Act You’ve Been Waiting For

Touffu et belligérant, le groupe Population II n’était rien de moins qu’une sensation lors de la première soirée du FME. Avec un son expansif qui dépasse de loin la capacité apparente d’un trio, la formation a balancé une énergie, une intensité et une proximité musicales qui ne pouvaient être ignorées. Population II est un groupe incroyablement soudé malgré les sonorités massives et explosives et les changements frénétiques de rythme, de tempo et de style auxquels ils sont manifestement habitués. Au-delà de la passion claire et apparente que ces les trois musiciens ont pour leur création, chaque morceau semble évoluer et se transformer devant nous, comme si l’on dépliait un origami pour y trouver une aquarelle brutaliste. Et au centre de tout cela, le chanteur/batteur Pierre-Luc Gratton, véritable cœur battant du groupe et moteur de chaque chanson, offrait un travail de percussion méticuleux tout en s’accompagnant d’une voix planante, riche contribution au mix d’ensemble. Le deuxième album de Population II, Électrons Libres du Québec, sera lancé en octobre, il s’agit sans conteste d’un groupe à surveiller à l’aube des sorties automnales.

– Lyle Hendriks

YOCTO présente un feuilleton de science-fiction au Cabaret de la Dernière Chance

L’un des groupes les plus récemment débarqués sur la scène art rock, post-punk et jangle pop de Montréal est YOCTO, sorte de supergroupe composé de membres de Chocolat, Jesuslesfilles et IDALG. Ces performers ont absolument explosé leur set d’une heure du mat au Cabaret de la Dernière Chance. Ils nous ont fait découvrir leur premier album, Zepta Supernova, une histoire de science-fiction où il est question de mégalomanie, de rivaux armés de pistolets à rayons et de totalitarisme spatial en phase terminale. Le thème est libre et vise à coller les sons sauvages de YOCTO, qui rappellent les groupes new wave des années 70 comme Talking Heads et The Human League, ainsi que la saveur des années 80 d’un groupe comme Tom Tom Club – excroissance des Talking Heads. Bien que les paroles aient été imaginées par Jean-Michel Coutu (basse, guitare, synthétiseurs), la chanteuse Yuki Berthiaume-Tremblay est une merveille à regarder lorsqu’elle court autour de la scène, sautant parfaitement dans les lignes vocales staccato alors que le groupe passe d’un rock prog lourd à une new wave plus poppy. Je me dois de féliciter le batteur, Félix-Antoine Coutu, qui a su garder le rythme au sein de cette folie. Le disque est bien, mais ce groupe est fait pour être dégusté en direct.

– Stephan Boissonneault

L’art punk de Pressure Pin

Pressure Pin, le projet solo de Kenny Smith (batteur et parfois synthétiseur pour La Sécurité) a donné une pléthore de spectacles à Montréal dernièrement, et c’est sans doute pour cette raison que Pressure Pin devient de plus en plus synchro à chaque concert. Le set matinal de FME au Diable Rond était facilement l’un des plus bruyants de la soirée, mais la chimie du groupe est vraiment plaisante à regarder. Smith a joué des solos intermittents et frénétiques sur sa guitare Flying V, suivis par des changements d’accords croustillants et bien calculés et des voix post-hardcore ; comme Devo et Scream avec une dose de puissants stimulants. Le groupe a joué la plupart des morceaux de l’album Superficial Feature, sorti précédemment, ainsi que quelques jams instrumentaux endiablés. Difficile de succéder à Population II, mais Pressure Pin était heureux de le faire.

Le bassiste, Danny Howse, a joué des lignes de basse dégoulinantes et les riffs les plus déchirants dans un synchronisme presque parfait, tandis que le percussionniste, Luca Caruso Moro, s’est acharné sur sa batterie – je me demande à quoi ressemblaient les toms après le concert. L’apparat de Pressure Pin était également de circonstance : Smith était habillé comme un biker italien des années 80, et le visage de Howse était entièrement peint en chrome brillant pendant toute la durée du set, ce qui ajoutait à la folie collective. Bien que le niveau sonore du (bar) Diable Rond ait été un peu trop élevé – convenons qu’il est difficile d’obtenir un son parfait avec du punk de cette trempe. Honnêtement, il vaut mieux que ce soit un peu grinçant. En somme, Pressure Pin a démontré à quel point il est possible de faire du bruit conscient avec trois mecs.

– Stephan Boissonneault

MUTEK 2023 | Suite et fin

par Alain Brunet

MUTEK Montréal s’est conclu au petit matin de lundi, voici l’ultime tartine de nos généreuses recensions d’une cuvée somme toute respectable. L’équipe de PAN M 360 conclut ainsi un parcours intensif amorcé mardi dernier.

crédit photo: Vivien Gaumand

Rich Aucoin, hum… pas mal

crédit photo Nina Gibelon-Souchon

Samedi soir au MTELUS, la série Métropolis présentait le performer Rich Aucoin dans son concert intitulé Synthetic, vaste projet discographique du même nom où il joue pas moins de 37 synthétiseurs différents. Ainsi, il reprend les éléments stylistiques de la musique électronique à travers les claviers mis en œuvre. Ainsi il comptait signer les évocations de tous les créateurs l’ayant marqué, Air, Daft Punk, Justice, Cornelius, Aphex Twin, Brian Eno, Wendy Carlos, Vangelis, pour ne reprendre que ses citations dans son interview accordée à PAN M 360. L’idée est excellente, il faut le souligner. Rich Aucoin nous avait habitués à des spectacles de variété immersive, on se rappellera surtout de sa toile de parachute qui se transforme en chapiteau.Or , cette fois, il s’agit d’une approche encyclopédique qui fait se succéder une généreuse collection de citations. Très cool sur disque, peut-être un peu trop dénudé sur scène… On ne peut affirmer que les seules pistes des deux premiers tomes de Synthetic aient soulevé les nuitards en cette soirée de samedi.

Eris Drew, wow en DJ set, bof en live set

crédit photo : Nina Gibelin Souchon

Un peu plus tard au MTELUS dans la nuit de samedi à dimanche, on s’attendait à beaucoup du live set de la DJ transgenre de Chicago Eris Drew, qui avait enflammé la veille l’esplanade Tranquille la veille. Eh bien ce ne fut pas non plus à la hauteur des attentes. On aurait dit que cette musicienne d’expérience, certes une des plus grandes DJ au monde pour le plancher de danse, ait manqué de préparation pour cette performance mal ficelée, entrecoupée de passages à vide qui en freinaient la montée dramatique essentielle aux grandes soirées. Ou bien il s’agissait tout simplement d’une contre-performance dont personne n’est à l’abri, même les meilleurs sur Terre. Son ensemble de claviers, hardware et outils numériques sera sûrement utilisé à meilleur escient, encore faut-il offrir une performance plus dense et plus cohérente que ce à quoi on a eu droit.

Cinthie, wow et re-wow!

crédit photo: Nina Gibelin Souchon

En clôture dominicale de la série Expérience, présentée gratuitement à l’esplanade Tranquille, la Berlinoise Cinthie nous a fait la preuve éclatante de sa réputation béton sur la scène house mondiale. Tous les sons au programme consistaient aux très solides constructions de cette artiste passée maître dans l’art de faire danser les gens. Le contrepoint est parfaitement conçu : percussions légère, harmonies éthérées ou pistes texturales précèdent des motifs de claviers typique du groove housy, les basses s’installent et la grosse caisse finit par s’imposer et fait lever le parterre lorsqu’elle est déclenchée. Décollage immédiat, un voyage sûr assortie de brillantes variations rythmiques, de sonorités au clavier. Assurément, Cinthie sait comment ça marche. Vraiment! Son immense culture de la musique house de la soul/R&B lui permet de varier ses constructions à souhait et de maintenir notre attention du début à la fin, sans essoufflement conceptuel aucun. Le corps et l’esprit sont nourris à ce puits de science qui rend la dance music plus subtile qu’il n’y paraît.

Intercity-Express, Tetsuji Ohno & Manami Sakamoto, bon pour la tête et le corps

crédit photo: Vivien Gaumand

Voilà l’un des meilleurs sets audiovisuels présentés cette année à MUTEK Montréal. Conception de l’artiste japonais Tetsuji Ohno, l’œuvre intègre brillamment différents styles musicaux, house, techno, industriel, bruitiste, ambient, afro-électro, etc. Ses projections audiovisuelles se combinent au son en temps réel, ce qui génère de nouvelles nuances audiovisuelles synchronisées en temps réel – avec le soutien de la partenaire Manami Sakamoto. Les vagues de couleurs et de motifs s’impriment sur les murs de la SAT pendant que la proposition sonore s’avère contrastée et captivante. Tout se module donc à travers la relation qu’ont les fréquences sonores avec les formes visuelles qui leur sont adjointes. Même si conceptuel, cet art électronique possède bien assez de puissance rythmique et une expressivité bien assez viscérale pour écarter tout soupçon de froideur clinique.

Deena Abdelwahded, Tunisie électronique

crédit photo: Vivien Gaumand

La Tunisie produit d’excellents artistes malgré les épisodes chaotiques de son histoire récente (ou peut-être à cause d’eux!), en voici une autre preuve éclatante : la DJ et productrice Deena Abedelwahded injecte à sa techno une sélection bien sentie de rythmes traditionnels du Maghreb. Les percussions y sont pré enregistrées et traitées électroniquement mais conservent leur cachet originel, sans compter ce guembri amplifié que gratte en temps réel un collègue nord-africain. Qui plus est, la productrice sait chanter, fort bien d’ailleurs, usant d’une voix grave et anguleuse qu’elle dégaine au moment opportun dans son set, attitude punk à l’appui. Voilà autant d’éléments qui contribuent à plonger les nuitards ravis dans une quasi-hypnose collective sur le parquet de la SAT.

Pascale Project, synth-pop girl de talent

crédit photo: Frédérique Ménard-Aubin

Pascale Project, c’est le projet de la DJ, productrice, musicienne et chanteuse montréalaise Pascale Mercier présenté dans la Satosphère. Ce live set des plus rafraîchissants est traversé par la house de Chicago, l’euro dance, l’acid techno, la synth-pop, la tech-house et plus encore. Un peu comme l’a fait la talentueuse Elise Trouw au dernier FIJM, Pascale reconstruit ses chansons devant nous, ses qualités de multi-instrumentiste en studio nous semblent évidentes même si elle se contente de chanter et de déclencher ses excellents grooves et accroches mélodiques. Cette Pascale Mercier n’a peut-être pas la voix du siècle mais elle respire le talent à n’en point douter.

MUTEK 2023 | A/Visions 2 : Hatis Noit, DATUM CUT, SPIME.IM

par Laurent Bellemare

L’équipe de PAN M 360 vous offre une couverture exhaustive de MUTEK Montréal 2023. Voilà une sélection des meilleurs performances samedi soir au Théâtre Maisonneuve, dans le cadre de la série A/Visions.

Crédits photos : Nina Gibelin Souchon

Hatis Noit

« Je n’utilise que ma voix, est-ce que c’est correct de jouer à Mutek? » C’est la question que Hatis Noit posait lors de sa première adresse à la foule. L’artiste japonaise basée à Londres n’avait effectivement qu’une pédale de boucles et des projections comme matériel technologique, opérant l’essentiel de son art à partir de ses plis vocaux. Du point de vue technique, Noït impressionnait en passant aisément du chant opératique à du yodel très près de ce que les chanteuses est-européennes font en musique traditionnelle. Imitations de cris d’animaux et autres textures étaient également au rendez-vous. Les voix se superposaient ainsi en textures arythmiques, toujours tonales. La compositrice n’avait toutefois pas une approche maximaliste, ses pièces restreignant leur épaisseur à quelques boucles. Les différentes couches mélodiques étaient donc toujours perceptibles pour l’oreille souhaitant décomposer la masse. Avec les déplacements et la présence scénique de l’artiste, celle-ci a livré une performance hors de l’ordinaire et des plus uniques du festival. La communication verbale avec la foule entre les pièces et les projections de Yuma Kishi étaient un bonus. Même uniquement sonore, le spectacle aurait été tout aussi captivant. Oui, Hatis Noit, c’est correct que tu joues à Mutek!

DATUM CUT

Derrière ses écrans et ses synthétiseurs, Maxime Corbeil-Perron composait un drone massif, mais harmoniquement assez simple. On avait l’impression d’être plongé dans un accord durant l’entièreté de la prestation, l’artiste prenant le temps de décortiquer et varier sur toutes ses formes le contenu harmonique. Sur cette trame relativement statique s’ajoutait une séquence complexe de sons plus rugueux. Sans pulsation perceptible, la composition était tout de même très rythmée, avec des attaques percussives rapides et sporadiques. La musique se développait par micro-montage, révélant des événements sonores complexes cachés dans la texture globale. Les aigus semblent avoir été filtrés, ce qui adoucissait nettement l’agressivité des sons plus noise. Esthétiquement, le tout rappelait un groupe comme Yellow Swans, qui développe justement une forme de « noise harmonique ». Visuellement, des photographies de textures métalliques alternaient avec des images de synthèse dans une palette néon. Inex.materia était un bon exemple d’œuvre accessible informée par une pratique académique. Il s’agit là de l’une des manifestations sonores de Corbeil-Perron, qui opère sous plusieurs alias.

SPIME.IM

Décidément, le collectif italien SPIME.IM ne passe pas par quatre chemins pour en mettre plein la gueule. En format duo, les artistes ont débuté la performance de façon assez minimaliste, avec une musique industrielle et noise rythmée, éclairée par des stroboscopes blancs. Rapidement, le tout est devenu beaucoup plus éclectique… et politique. Toutes les abjections de notre monde contemporain y sont passées : culture militaire, individualisme numérique, pollution, surconsommation, matérialisme, obscénités richissimes, destruction du monde naturel, etc. Ces images étaient décomposées et recomposées dans des séquences parfois raffinées et parfois viscérales. Particulièrement percutante était une longue mise en abîme où les pixels de chaque nouvelle image s’agrandissaient pour plonger dans de nouvelles images qui s’agrandissaient à leur tour pour ensuite révéler de nouvelles images. Il y avait quelque chose de thérapeutique à voir toutes ces représentations de violences être réutilisées de manière artistique.

La musique, toujours très expérimentale, devenait de plus en plus intense, martelant des sons très saturés avec quelques échos d’harmonie quand l’effet dramatique souhaité le commandait. Par exemple, une brusque progression d’accords entrecoupée de silences laissait apparaître un à un les mots « Where are we going then? ». Ce passage, comme bien d’autres durant la performance, aurait très bien pu clôturer le numéro. C’était peut-être le défaut de SPIME.IM: ne pas savoir quand s’arrêter. Les culminations dramatiques étaient si fréquentes que le public les applaudissait telles des fins de soli dans un spectacle de jazz. En somme, le public a eu droit à une critique cinglante des images médiatiques qui tapissent notre quotidien. La trame sonore apocalyptique accompagnant ces clichés déferlants soulignait habilement la brutalité des enjeux auxquels nous faisons face. Captivant du début à la fin.

MUTEK 2023 | Nocturne 4 : SUFYVN, Deadbeats present Ark Welders Guild, Honeydrip, µ-Ziq & ID :Mora, dBridge

par Laurent Bellemare

L’équipe de PAN M 360 vous offre une couverture exhaustive de MUTEK Montréal 2023. Voilà une sélection des meilleurs sets présentés samedi soir à la SAT, dans le cadre de la série Nocturne.

Crédits photos : Vivien Gaumand

SUFYVN

Dès son entrée sur scène, SUFYVN a installé une ambiance de club dans la salle, avec une musique électronique puissante et accrocheuse. Ce style s’est toutefois nuancé dès le second morceau, plongeant plutôt l’auditoire dans un langage IDM équilibrant bien les sonorités familières avec un traitement varié du rythme et du timbre. Il est dit que l’artiste s’inspire de sonorités et de rythmes soudanais, ce qui n’est pas immédiatement accessible comme référence pour la majorité des auditeurs. Quoi qu’il en soit, SUFYVN produisait sans équivoque une musique pour faire danser. La performance parcourait une variété de tempi, alourdissant ou précipitant l’énergie du parterre aux moments opportuns. Les projections de Kaminska faisaient défiler des formes ondulées dans des teintes multicolores. Si ces formes étaient apparemment puisées dans les graphiques économiques, leur résultat produisait une esthétique psychédélique bien connue dans le milieu de la musique électronique. Une performance variée, quoiqu’un peu générique, qui fonctionnait bien comme avant-goût, à une heure où le public entrait toujours au compte-goutte.

Deadbeats present Ark Welders Guild

Ark Welders Guild, c’est le nom d’une collaboration entre le producteur canadien Scott Monteith (Deadbeats) et la chanteuse italienne Leitizia Trussi. Avec ce duo, c’est une ambiance plus sombre qui se développait. Les pièces lourdes et planantes avaient notamment des échos de trip-hop par leur tempi plus lents. La voix noyée dans la réverbération y était également pour beaucoup, tout à fait dans le style. Le registre grave était très chargé, faisant onduler des basses qui supplantaient souvent les autres éléments du mix. Le reste du spectre harmonique était flottant, suffisamment libre pour y ajouter toute sorte d’interventions sonores. Des moments plus agressifs contrastaient l’occasion avec cette direction musicale. Par ailleurs, un mélange de sépia et de noir prédominait sur le plan visuel. Des images granuleuses de paysages désertiques ont graduellement laissé place à des formes sphériques évoquant une cartographie céleste imaginaire, puis à des alvéoles de matière spongieuse. Ces éléments s’arrimaient plutôt bien avec la nostalgie générale se dégageant de la musique.

Honeydrip

Artiste très attendue de la soirée, la Montréalaise Honeydrip s’est emparée de la scène avec son Bass/Dub énergique. Dans cette musique, la mélodie et l’harmonie ne font plus partie des paramètres. Plutôt, on a affaire à des boucles rythmiques aux subdivisions de « hi-hat » bien marquées et aux basses fréquences grondantes. L’élément le plus distinctif de cette performance était la participation du chanteur reggae King Shadrock. Cette collaboration ajoutait un élément performatif supplémentaire, en plus de créer une esthétique originale. La performance présentait le matériel d’un album au titre très approprié de Psychotropical. Dépourvu de ses accords de guitares et de son accentuation des contretemps, le reggae était ici recontextualisé dans une musique électronique inharmonique et aux downbeats bien lourds. Le tout était accompagné d’un visuel constitué d’archives vidéos filtrées de diverses façons, voulu comme une représentation de l’expérience vécue sous les drogues psychotropes. Signée par Emma Forgues, cette conception visuelle complémentait bien la présence scénique et les costumes des artistes.

µ-Ziq & ID :Mora

Vétéran de la scène britannique µ-Ziq s’est imposé à une SAT bondée de monde avec une musique complètement déjantée. Davantage breakcore qu’IDM, la musique se développait à toute allure, laissant place à peu de répétition. Structures déconstruites et entrées fréquentes de rythmes typiquement drum’n’bass, la performance débutait avec un matériel somme toute assez harmonique, créant même un sentiment de légèreté chez l’auditoire. La partie centrale était, quant à elle, tout à fait atonale et chaotique. Sans jamais décroître en énergie, Muziq a fait évoluer sa trame en la tapissant de progressions majeures à l’effet planant vers la fin. On avait ainsi droit à un mélange intéressant de breakcore sur le plan rythmique et de trance sur le plan mélodique. Visuellement, le spectacle était tout aussi prenant. Les animations 3D de l’artiste tchèque ID:Mora étaient totalement loufoques, passant d’une pluie d’autobus scolaires à des pantins faisant de l’escrime. Les couleurs étaient vives, les personnages étaient enfantins et le traitement graphique rappelait des ébauches d’écrans de veille Windows 1995. Ces éléments visuels enjolivaient nettement l’expérience.

dBridge

Au petit matin, c’était finalement au tour de dBridge de s’emparer de la scène. Cependant, c’est toute la SAT qui vibrait au rythme des basses extrêmes de cet autre vétéran britannique. On pouvait sentir une catharsis générale dans la foule, qui prenait collectivement ces attaques fréquentielles de plein fouet. La musique de dBridge était physique, et mettait surtout en valeur le registre grave. Des percées de courts motifs mélodiques au clavier venaient parfois décorer la trame, à l’instar d’échantillons de voix variés qui intervenaient à d’autres moments. L’artiste livrait une performance entièrement analogue, synthétiseurs modulaires et pédales en guise de matériel. Il y avait dans sa musique une urgence menaçante. Les projections de Line Katcho, très minimalistes, complémentaient bien cette énergie. Un moment Mutek vécu par le corps tout entier.

MUTEK 2023 | Expérience 5: Sara Berts, Sheenah Ko, OBUXUM, ROSINA

par Théo Reinhardt

MUTEK Montréal 2023 et PAN M 360, voilà une combinaison qui tombe sous le sens ! Voilà pourquoi notre équipe s’y consacre cette semaine. Les férus de musiques électroniques de pointe et de création numérique se retrouvent cette semaine à Montréal, alors suivez la vibrante couverture de notre équipe , et ce jusqu’à dimanche!

Crédits photos : Bruno Aiello Destombes

Sara Berts

Sara Berts est une conceptrice de mondes parallèles. Je suis arrivé légèrement après le début de sa performance, et dès les premiers sons qui me parvenaient en sortant de la station Saint-Laurent, je me sentais doucement transporté ailleurs.

La compositrice et artiste sonore italienne utilise des tons ronds, lisses, et d’autres qui claquent un peu comme un marimba, ainsi que des enregistrements de sons de vagues, de criquets et d’autres bruits nocturnes, le tout de manière très élémentaire. Du petit bonbon pour les oreilles, quoi. Souvent, alors que les mélodies basses se meuvent lentement, d’autres sons plus aigus tournent beaucoup plus vite: accords arpégés, petites bulles de savon synthétisées, cui-cui d’oiseaux électroniques… Les compositions font ressortir leurs couches, du souterrain au sol, du sol aux nuages, des nuages à l’atmosphère.

Se créent ainsi des espaces sonores qui ressemblent étrangement à des mondes vivants, riches et mûrs pour l’acte de contemplation. Des mondes calmes et étrangement sauvages, mais tout de même en harmonie. « Une conversation entre écosystèmes naturels et synthétiseurs », explique la page de l’artiste sur le site de MUTEK.

C’est un son qui fait beaucoup penser aux saveurs électro tribales et déjantées que le groupe The Knife a avancées sur leur album Shaking the Habitual, mais en plus relax. Le même monde, peut-être, mais sur un autre continent, à une autre ère, sous d’autres cieux, avec d’autres créatures. Tout aussi enchanteur.

Sheenah Ko

« Je ne suis pas une DJ » dit Sheenah Ko avant de débuter sa performance 100% improvisée. « L’énergie que je vais recevoir de vous, je vais vous la renvoyer ». Un set spontané, donc.

Le tout commence avec un loop de percussion lente et une basse bourdonnante. Rapidement, l’artiste assombrit le son, usant d’une gamme inhabituelle. Cela ne lui prend pas longtemps pour se mettre à chanter des semblants de paroles, avec beaucoup de réverbération.

Après des changements progressifs d’effets, des jeux de polyrythmie, un alourdissement des coups de basse, une intensification des chants, nous sommes dans un territoire étrangement céleste. On se demande où la musicienne chinoise-irlandaise pourrait bien aller par la suite. Elle aussi, probablement.

Les percussions sont ensuite enfouies, et l’allure générale ralentie, pour une nouvelle section. Nouveaux sons de percussion, énervés et métalliques, tempo accéléré, progression d’accords lumineux qui enflent comme des vagues, ajoutant une touche de clarté et d’espoir à l’atmosphère.

15 minutes plus tard, une basse vrombissante et un rythme club prennent le dessus, alors que des accords arpégés à intensité variable voguent au-dessus, leur timbre rappelant surtout les années 80, dont l’artiste utilise souvent l’esthétique dans ses œuvres.

Le tout se termine sur une éclaircie musicale très cinématique, un zoom-out général au synthétiseur, suivi d’un mouvement panoramique vers le ciel… au synthétiseur aussi. Retour au vrai monde.

Une performance très fluide qui relève certainement d’une préparation rigoureuse de la part de Sheenah Ko, ainsi que d’une maîtrise impressionnante de son arsenal sonore. Surtout, un coup d’œil satisfaisant dans sa créativité atypique.

OBUXUM

Les sons d’OBUXUM sont variés. On passe de ce qui pourrait être un sample de hip-hop à des tambours et des bâtons, à de l’électro cyberpunk rétro, à un groove abstrait industriel, et à plein d’autres de ces sons qui ne semblent pas congrus du tout. Tout de même, et malgré les transitions abruptes, on sent une narrativité à l’expérience. On sent qu’une histoire se construit, que chaque petit morceau rentrera éventuellement dans l’ordre des autres.

À travers les rythmes déroutants, les virages à 90 degrés, et le caractère généralement kaléidoscopique de son approche, OBUXUM effectue peut-être une œuvre anthologique, un ratissage un peu aléatoire de différentes ère de l’histoire musicale. Ce qu’elle présente est une mosaïque d’échantillons de créativité provenant des quatre coins du monde et de l’esprit, un grand exercice de variété, de bricolage sonore historique qu’une heure peut à peine contenir… ou quelque chose comme ça. On sent qu’une grande démarche se dissimule derrière, et il n’est pas difficile de l’apprécier.

ROSINA

On dit peut-être de ROSINA qu’iels ne sont pas des « people-pleasers ». Pourtant, observons leurs demandes: un monde où n’importe qui peut aimer la personne qui lui plaît, un monde où les gens ont leurs besoins de base comblés, un monde où on peut ressentir de la joie. Ces choses, elles, feraient bien plaisir aux gens, non?

Le trio ROSINA est dirigé par l’interprète de drag et artiste multidisciplinaire Franny Galore-Wngz et la poétesse, chanteuse et productrice ROSINA. Personnalités excentriques, les deux font semblant, pendant leur performance, d’être Anglaises. Ce n’est qu’un aperçu de l’espièglerie qui irradie de ces deux personnes.

Les membres de ROSINA aiment jouer leur musique lors du crépuscule. Rappel symbolique de leur mantra que rien ne dure pour toujours, que tout est éphémère, autant la joie que la souffrance. « We’re tired. We don’t want to be mad all the f****** time. », dit ROSINA (l’artiste). Face à l’adversité, ces mauvaises herbes qui poussent dans les craques de l’espoir décident de se tourner vers l’amour, vers les autres, d’embrasser la sensuelle bizarrerie de nos mondes extérieur et intérieur. Une reconquête du monde par une reconquête de soi qui, comme iels le disent, peut faire peur. Le tout dans une attitude assumée, affranchie, presque punk, l’esprit DIY à fond, sur un fond de musique dansante, agrémenté par des paroles affirmatives comme « I want to feel joy », et des mantras qui semblent provenir d’un train de conscience pur et inaltéré. Testée, pliée, tordue et grafignée par le monde, peut-être, cette conscience, mais honnête.

Peut-être pas la performance la plus cohérente, ou lisse, ou musicalement impressionnante, mais la force de ROSINA réside définitivement dans l’énergie. Un des meilleurs flux d’énergie, qui prend sa source dans l’euphorie, la terreur, la montagne russe florissante de la queerness, et qui, en fin de compte, provoque un grand plaisir, et, sans doute, une grande libération à qui en aurait besoin.

MUTEK 2023 | Métropolis 1: .VRIL, E-Saggila, SYNC. (AtomTM & Peter Van Hoesen)

par Salima Bouaraour

Des jambes engourdies par la danse, des yeux plein d’étoiles et des cris de joie: Métropolis 1 a su déployer de l’amour à profusion! Cette première soirée MUTEK consacrée à la Techno fut étonnamment redoutable jusqu’aux premières lueurs du jour. La programmation, finement pensée, a offert au public une formule plus qu’efficace. Résultat : une foule électrisée par des rythmes binaires et fulgurants.

Crédits photos : Bruno Aiello Destombes

.VRIL

.VRIL s’est promené sur des phases break, house et des voix féminines entraînantes qui ont su amener en douceur un set percutant et progressif au kick puissant. Au milieu de la nuit, l’ambiance s’est enrichie de sonorités industrielles, froides et répétitives créant les conditions sine qua non à une expérience digne d’un club underground allemand.

E-Saggila

En utilisant des nappes énergiques, la Canadienne E-Saggila a relancé l’intensité de la soirée, placée sous haute tension. La compositrice a activé le détonateur avec une masse de beats lourds, ronds et massifs. Les basses venaient vous chercher au corps et au cœur. Entrecoupée avec délicatesse par des sons de synthé vaporeux, sa performance nous a plongé dans les abîmes cachées du festival.

SYNC. (AtomTM & Peter Van Hoesen)

Les tant attendus AtomTM & Peter Van Hoesen ont investi la scène avec une longue table de 3 mètres environ où s’entremêlaient un capharnaüm hybride de machines analogiques, de modulaires, de boîtes à rythme, de pédales d’effet, de contrôleurs et d’un CDJ… Bien que tous les sets furent d’une très grande qualité, il faut souligner que la performance hardware était remarquable. Après une introduction teintée de basse groovy, le duo s’est lâché dans un libre dialogue endiablé durant trois heures!

Dans une arborescence de techno pure, le Métropolis, bondé, s’est perdu avec générosité tout en sachant que la course folle de MUTEK se poursuivra de plus belle samedi et dimanche!

MUTEK 2023 | Nocturne 3 : upsammy & Jonathan Castro, Nick León, Halina Rice, Quan & DBY

par Alain Brunet

L’équipe de PAN M 360 vous offre une couverture exhaustive de MUTEK Montréal 2023. Voilà une sélection des meilleurs sets présentés vendredi soir à la SAT, dans le cadre de la série Nocturne.

Crédits photos : Nina Gibelin-Souchon

upsammy & Jonathan Castro

Posées sur des surfaces végétales, des formes cabalistiques sont projetées sur les écrans. Au milieu de tout ça, une femme, un homme. DJ, productrice et artiste multidisciplinaire, la Néerlandaise upsammy (Thessa Torsing) aime illustrer les extrêmes: le confort, l’inconfort, la beauté harmonieuse, la désolation. Elle use de différentes couleurs pour peindre ses fresques sonores: voix traitées, rythmes et tempos variés, les sons de l’eau, les sons de la manipulation tactile, fragments mélodico-harmoniques, quelques poussées de beats fiévreux contrastants avec des séquences froides et arythmiques. On dit de cette approche illustrée dans l’espace par l’artiste péruvien Jonathan Castro Alejos, designer graphique de profession et artiste visuel de l’univers numérique, qu’elle serait de la techno expérimentale et de l’IDM. Peut-être… De notre côté, cette approche n’a pas de genre apparent a priori sauf l’usage de rythmes tirés de la techno minimale et de l’ambient cérébrale. On a plutôt ici un langage composite aux fondements électroacoustiques qui peuvent néanmoins accrocher le nuitard avec quelques électrochocs qui peuvent le rendre agité.

Nick León

Le Floridien Nick León est féru des avancées latines en matière de musique électronique, particulièrement portoricaines et colombiennes. Un galbe psychédélique enveloppe les rythmes et en transforment l’identité originelle. Le psychédélisme et l’électronique, il faut le rappeler, font bon ménage depuis un demi-siècle, nous en avons ici une version latine. Reggaeton, afrobeats, cumbia, krautrock et ambient se lient en direct. Juste assez groove pour un vendredi, juste assez nourrissant pour un set digne de MUTEK. D’une partenaire présente à ses côtés, des projections top niveau appuient le tout, motifs de joaillerie en mouvement, scintillements, kaléidoscopes stylisés et plus encore. À l’écoute de ce set tout à fait concluant, on constate avec intérêt que le reggaeton a déjà généré des formes les plus raffinées. À l’évidence, Nick León et sa partenaire de scène font de belles choses.

Halina Rice

Suite d’harmonies et de fragments mélodiques au clavier, musiques préenregistrées et modulées en direct. Techno cérébrale, électroacoustique, IDM. La Londonienne Halina Rice n’a pas le look de l’emploi, aucune extravagance vestimentaire sur scène, on la verrait fort bien animer un séminaire de doctorat. Les apparences sont trompeuses car Halina Rice crée une excellente musique technoïde,assortie d’une variété probante d’arrangements consonants, d’une superbe sélection de sons industriels, de techno, de big beat, de chant choral au féminin, de hululements synthétiques non sans rappeler celui des femmes arabes. Cette succession de climats contrastés, embrumés de glace sèche et de visuels conçus par la principale intéressée, illustrent l’envergure conceptuelle, l’intelligence et la sensibilité supérieures de cette femme qui, prédisons-le, marquera sa profession.

Quan & DBY

Au cœur de la nuit, un tandem montréalais de l’étiquette Chez.Kito.Kat fait dans la techno minimale, archi binaire pour les besoins évident du plancher de danse à l’heure qu’il est – de 2h à 3h. Les surimpressions sont relativement discrètes, absolument rien d’ostentatoire à ce programme déployé à la SAT: chuchotements variés, lignes rauques, ébullitions de microbasses et autres borborygmes de synthèse produisent un contrepoint sans l’emporter sur le beat. Plutôt que d’étaler toute la science qu’on leur connaît, breakbeat, deep house, acid, ambient, dub, bass music, dub, le tout produit par une impressionnante lutherie, notamment les synthétiseurs modulaires conçus pour les besoins de l’exercice, Quan et Dog Bless You (d’où l’acronyme D.B.Y., Samuel Ricciuti de son vrai nom) nous feront passer une heure concluante de petites modulations et de gros beat destiné aux danseurs qui n’ont pas migré au MTELUS où sévit Sync en même temps qu’eux.

MUTEK 2023 | A/Visions 1 : Kyoka & Shohei Fujimoto, Alexis Langevin-Tétreault & Guillaume Côté, Alessandro Cortini & Marco Ciceri

par Laurent Bellemare

Pour le premier volet de sa série A/Visions, le festival MUTEK accueillait son public dans un Théâtre Maisonneuve muni d’un simple écran géant. C’est effectivement par les projections et les haut-parleurs que toute l’action artistique était communiquée à l’auditoire, du moins pour le premier des numéros. Au total, trois duos d’artistes étaient à l’honneur dans ce concert de vidéomusiques expérimentales et immersives.

Crédits photos : Bruno Aiello Destombes

Kyoka & Shohei Fujimoto

Le premier quart de l’œuvre Cinema Blackbox faisait immédiatement croire à un pastiche de Ryoji Ikeda, avec ses sonorités aiguës et sinusoïdales et son visuel désincarné. On y trouvait effectivement plusieurs codes de la sommité japonaise en installations sonores : exclusivité du noir, blanc et rouge, lignes et formes rectangulaires stroboscopiques, esthétique minimaliste et abondance de sons de synthèses. Plus tard, la composition s’est complexifiée, en s’attaquant à des rythmes plus structurés et en décuplant les plans visuels en mosaïques se mouvant à toute allure. Un bref moment de statisme a fait intervenir quelques hauteurs tonales définies, colorant une musique autrement très industrielle, fidèle à la performance de Kyoka présentée la veille au festival. Des échantillons de voix et de gouttes d’eau ont également ramené l’œuvre sur la plaine terrestre. Autrement, Cinema Blackbox semblait volontairement adopter une posture autoréférentielle, où l’art technologique choisit de représenter la technologie elle-même. À l’écran, on voyait effectivement d’innombrables éléments de sonogrammes, d’encéphalogrammes, de quadrants de radars et de codes de programmation.

Alexis Langevin-Tétreault & Guillaume Côté

Pour la seconde partie du spectacle, une table avec dispositifs électroniques a été ajoutée au décor. Cela tombait sous le sen, car la démarche d’Alexis Langevin-Tétreault s’attèle à la « performance électroacoustique », soit le fait de créer en direct une musique habituellement conçue entièrement en studio. Avec son comparse Guillaume Côté, il faisait effectivement évoluer la masse sonore qu’est Aubes en variant les couches timbrales et mélodiques avec un synthétiseur modulaire. La minutie qu’impose le style très académique de l’électroacoustique pouvait se faire entendre, car les textures étaient riches et complexes. Toutefois, l’atmosphère demeurait toujours celle d’une rêverie, voire d’une évasion du monde physique. Le contenu harmonique gardait toujours l’auditoire dans des tonalités majeures, emplissant d’espoir et d’émotion une proposition par ailleurs plutôt cérébrale. Le visuel était lui aussi composé de textures colorées, mais complexes, confirmant une formule équilibrée d’expérimentalisme et d’éléments accrocheurs. On pardonne aisément le son intrusif Macintosh très reconnaissable qui ponctuait drôlement bien un changement abrupt au centre de l’œuvre.

Alessandro Cortini & Marco Ciceri

Le duo italien présentait une performance beaucoup plus lourde. En plus d’un tempo beaucoup plus lent, toute la pièce conservait une tonalité mineure, donc perceptiblement plus mélancolique. Des arpèges joués aux synthétiseurs progressaient lentement, résultant en une trame relativement statique qui s’est densifiée allègrement durant la finale. À ce moment, le spectre harmonique s’approchait tranquillement du bruit blanc, alors qu’on percevait toujours clairement les éléments mélodiques. Visuellement, les projections étaient une sorte d’étude sur les motifs microscopiques d’ailes d’abeilles. Alessandro Cortini impressionne par son synthétiseur inventé et un curriculum vitae rempli de collaborations prestigieuses—de Nine Inch Nails à Merzbow. Toutefois, sa performance à A/V Visions enthousiasmait de façon plus modérée. Sans être soporifique, la musique qui était proposée était loin de sortir de l’ordinaire. Elle était tout de même efficace comme mantra pour réfléchir sur la disparition éventuelle des abeilles pollinisatrices et sur le dérèglement des cycles de fertilisation des plantes.

MUTEK 2023 | Nocturne 2: SAT – Twin Rising, Efe Ce Ele, Paraadiso, Animistic Belief, et plus…

par Laurent Bellemare

Opening Photo By: Frédérique Ménard-Aubin

Pour une seconde nuit, la Société des Arts Technologiques ouvrait ses portes à MUTEK 2023 pour l’événement Nocturne 2, présentant une palette d’artistes électroniques nichés. Avec ses deux espaces de prestations ouverts, les performances se sont enchaînées sans interruption, de sorte qu’il fallait parfois faire des choix déchirants entre l’une et l’autre des salles.

Twin Rising (VJ Isotone)

// Frédérique Ménard-Aubin

À travers son masque orné de chaînes, Twin Rising laissait entendre une voix douce et aiguë, dont la vulnérabilité faisait contraste avec les sonorités souvent rugueuses du registre grave. En effet, malgré une trame toujours harmonique, les basses fréquences onduleuses marquaient un tempo lent et pesant. Dans les moments les plus lourds, on se serait cru devant une performance de dubstep tel que le définissaient les années 2000. Une oreille attentive pouvait également déceler des « caisses claires » synthétiques volontairement asynchrones, créant un effet d’anticipation très efficace. Un équilibre entre pulsation accrocheuse et déconstruction rythmique gardait ainsi le public en haleine, tout comme le visuel hétéroclite projeté par Isotone sur le dôme de la satosphère. Entre déferlements aquatiques et géométrie granuleuse, il n’y avait que la palette multicolore pour s’accrocher à un fil conducteur. Quoi qu’il en soit, ces formes se mariaient très bien avec la musique de Twin Rising, créant une ambiance vaguement mélancolique. Une excellente façon de démarrer la soirée.

Efe Ce Ele

// Nina-Gibelin Souchon

En descendant au rez-de-chaussée, on pouvait tout de suite constater le changement d’atmosphère. Pour la performance de Efe Ce Ele, le ton s’est nettement assombri : pulsation insistante, éclairage stroboscopique, visuel psychédélique et messages politiques explicites. Il y avait des échos de techno et de musique industrielle dans cette trame sonore d’une époque anxiogène. Mélodiquement, la musique évoluait surtout dans le registre grave, avec quelques percées de piano, de percussions et de voix échantillonnées. Le plus souvent, on baignait dans un bourdon complexe où les voix modulaient lentement. Les transitions étaient souvent articulées par superpositions de sections, créant momentanément un passage très dense et dissonant.

Nadia Struiwigh

// Frédérique Ménard-Aubin

De retour dans une Satosphère bondée de monde, l’ambiance créée par Nadia Struiwigh était la première de la soirée à rappeler celle d’un rave. L’expérience était nécessairement plus physique que les autres, la musique de l’artiste hollandaise opérant avec des rythmes toujours en 4/4 et toujours accrocheurs. Des syncopes ajoutaient çà et là de légers échos de drum’n’bass et de breakbeat. Harmoniquement, des accords tenus ou entrants en fondu s’enchaînaient en une progression simple. Ces dernières étaient couplées avec de courtes cellules mélodiques répétées, créant un contraste de densité rythmique toujours présent. Les textures s’ajoutant à cette base accrocheuse permettaient de maintenir l’intérêt sur le plan sonore, alors que le corps se laissait aisément entraîner par la backbeats continus. Au visuel, les artistes BunBun et Alex Vlair proposaient une composition fort réussie. Motifs spiralés, cercles concentriques et mosaïques circulaires; ces formes s’arrimaient parfaitement avec le dôme de la SAT.

Paraadiso

// Nina-Gibelin Souchon

Composé des artistes TSVI et Seven Orbits, le duo Paraadiso livrait un son beaucoup moins convenu. L’atmosphère était tantôt éthérée et consonante, et tantôt soudainement chaotique et bruitiste. Le dénominateur commun ici, c’était les rythmes bien calculés pour éviter le prévisible. Les temps forts étaient souvent évités, accentuant plutôt les syncopes. À d’autres moments, des polyrythmies créaient des effets de déphasages très efficaces. Des subdivisions irrégulières venaient à leur tour déstabiliser la construction d’un rythme. De manière générale, les sonorités du duo étaient abstraites, plus près de l’art numérique que de la musique dansante. Cette expérimentation se reflétait également dans les projections, composées d’images microscopiques du monde naturel, lesquelles étaient hautement traitées jusqu’à devenir des textures méconnaissables. Avec une palette sonore riche, le duo Paraadiso offrait une savante performance de « musique pour ne pas danser ».

Amselysen/Racine

// Frédérique Ménard-Aubin

Le duo Amselysen/Racine présentait une musique austère, où tout était rythme et timbre. Pas de mélodie ni repères harmoniques. Qui plus est, la pulsation était noyée dans des syncopes rapides ou des tapis de bass drum rapides. Résolument industriel, ce son rappelait celui d’un Autechre dans ses moments les moins consonants. À l’image de cette musique grise, mais pas moins grisante, le visuel projeté sur le dôme par Diagraf était tout de noir et blanc vêtu. Des stalagmites en origami superposées de poussière d’étoiles se transformaient en nébuleuses de suie. Amselysen et Racine ont su habilement envoûter son public malgré une musique difficile et rigide.

X/O

// Nina-Gibelin Souchon

Déjà passé minuit, x/o montait sur scène pour présenter des morceaux de son excellent album Chaos Butterfly. Cette musique pesante, tout en contraste grâce à un chant rêveur, réinvestissait de nombreux repères musicaux connus. De l’IDM au métal, du dream pop au breakbeat; l’artiste de Vancouver performait de manière convaincante. On regrettait malheureusement une interprétation vocale un peu trop timide, laquelle ne perçait pas dans l’équilibre sonore. Problème technique ou manque d’assurance? Quoi qu’il en soit, la voix n’a pas eu un traitement qui rendait pleinement justice aux compositions, bémol qui s’est quelque peu corrigé vers la fin. Néanmoins, x/o a su captiver son auditoire sans problème, créant une atmosphère sombre augmentée d’un éclairage stroboscopique bleuté et de projections hypnotisantes. On pouvait apprécier des envolées noise presque shoegaze illustrées par des personnages dessinés à la japonaise. En somme, x/o a fait vivre un moment de catharsis aussi lourd qu’apaisant, avec une montée d’intensité bien contrôlée d’une pièce à l’autre.

// Frédérique Ménard-Aubin

D’emblée, Kyoka proposait une musique presque entièrement inharmonique, axée sur la plénitude de ses échantillons sonores et l’insistance de ses rythmes. Le début de la performance n’était pratiquement coloré que par les projections somme toute très cubistes de BunBun et Alex Vlair. Pourtant, dans un moment d’apesanteur soudain, toute trace de rythme s’est estompée pour laisser place à un long passage atmosphérique et harmonique. Il s’agissait là d’un réel vent de fraîcheur, dans une soirée où la pulsation continue était reine. Une musique rythmée, mais plus nuancée et avec de nouveaux éléments mélodique, a ensuite émergé de cette accalmie, bouclant une séquence de variations euphorisantes.

Animistic Beliefs

// Nina-Gibelin Souchon

Que leur apparition sur scène soit programmée aux petites heures importait peu à Animistic Beliefs. Le duo a vraiment transformé la SAT en fête nocturne, enivrant le parterre d’une pulsation incessante et de sonorités psychédéliques empilées les unes sur les autres. Leur musique expérimentale est générée en temps réel par un travail de synthétiseurs modulaires qui ne fait pas dans la dentelle. Le son était dense, le son était fort, et les sifflements rugueux aigus prenaient d’assaut les sens tout autant que les basses fréquences tonitruantes. La musique du duo était parsemée de sonorités intrigantes, des échantillons aux élans vocaux déclamés comme une chanteuse punk s’époumonerait dans un porte-voix. Il est dit qu’Animistic Belief incorpore des influences sud-est asiatiques dans leur son, échantillonnant notamment de la poésie vietnamienne et du totobuang, carillon de gongs des îles Moluques en Indonésie. Ce n’est toutefois pas le genre de nuances qu’on aurait pu percevoir sur le vif tant le duo a cassé la baraque avec son spectacle. Une découverte qui donne envie d’aller écouter leur album MERDEKA (indépendance en indonésien).

Eƨƨe Ran

// Frédérique Ménard-Aubin

Voilà un autre cas où la tonalité était bien peu présente. Alternant une pulsation effrénée à des rythmes syncopés puissants, Eƨƨe Ran avait la tâche ingrate de clôturer une soirée haute en stimulations. La formule de l’artiste aurait pu rester un peu drabe n’eut-ce été des nombreux écarts de conduite. Le montréalais n’hésitait pas à détourner son tapis rythmique en improvisant un passage bruitiste évoquant des sonorités de vocoder inintelligibles, ou en étirant ou compressant momentanément le tempo. Tout était dans le travail de texture. Autrement, la musique partageait cette froideur industrielle, commune à de nombreux artistes de la soirée, dans laquelle bruit blanc est davantage la norme que note de musique. De manière peut-être un peu aléatoire, les images pointillistes de structures moléculaires et de nébuleuses spatiales s’intercalaient avec des paysages désertiques et rocheux, le tout créant une atmosphère d’abandon presque nihiliste à la danse et aux décibels de trop. La soirée s’est finalement terminée sur un rallentando et un decrescendo vers le néant.