Les mélomanes curieux avaient de quoi être comblés ce vendredi soir 12 août à la Virée classique de l’OSM. Deux concerts présentant du répertoire rarement entendu étaient proposés sur la scène de la Compagnie Jean-Duceppe de la Place des Arts. Le premier a transporté les mélomanes sur place dans la musique baroque du continent sud-américain, une merveille encore trop souvent ignorée des ensembles de musique ancienne, et pourtant pleine de flamboyance. Des mélodies chaleureusement naïves, qui trahissent le contexte d’éloignement radical du savoir européen, se retrouvent déployées dans des harmonies polyphoniques simples mais bougrement efficaces. On devine que les compositeurs de l’époque avaient à cœur non seulement d’édifier les populations locales, largement ignorantes du savoir musical européen, mais surtout de les toucher émotionnellement sans trop les dérouter. On retrouvait sur la scène onze membres du Choeur de l’OSM sous la direction d’Andrew Megill, accompagnés de trois des meilleurs musiciens de la scène baroque montréalaise, soit Sylvain Bergeron au théorbe et à la guitare baroque, Luc Beauséjour au clavecin et à l’orgue positif et Elinor Frey au violoncelle. Bien que le niveau de perfection technique du chœur n’était pas aussi millimétré que celui d’un ensemble plus spécialiste du genre comme le Studio de musique ancienne de Montréal (pour prendre une évidence), le jeu de groupe était bon et le côté ludique de certaines pièces, bien exprimé. Il manquait un peu de rondeur dans la projection, mais on doit probablement mettre cela sur l’acoustique de la salle, non optimisée pour ce genre de sonorités.

Le deuxième concert dans la même salle nous offrait encore une fois du répertoire hors norme mais tout à fait satisfaisant! Trois petits bijoux de musique de chambre, des découvertes enthousiasmantes en vérité, étaient séparés par deux chefs-d’œuvre bien connus de Debussy, Syrinx et Danse sacrée et danse profane (en version de chambre). J’ai pour ma part adoré également le Quintette pour saxophone alto et quatuor à cordes d’Adolf Busch, le premier mouvement du Quarteto simbolico de Villa-Lobos et le Quintette pour saxophone alto et quatuor à cordes d’Ellen Taaffe Zwilich. Le premier est un intéressant exercice d’équilibre entre un pastoralisme souriant, voire espiègle, et un néoclassicisme (celui de la première moitié du 20e siècle) plus frugal. La plume de Busch est claire et limpide, privilégiant des lignes bien définies pour chaque instrument, se chevauchant sans jamais saturer l’harmonie. Des entrelacs de lignes, parfois sinueuses et parfois hachurées, servent de canevas au saxophone alto qui tour à tour s’amuse, ignore et survole ses compagnons de jeu. Une œuvre importante qui mérite d’être bien mieux connue. Le Quarteto simbolico, dont nous n’avons entendu que le 1er mouvement, est une belle révélation. Symbolique de titre, mais plutôt impressionniste de nature, c’est une petite merveille où la flûte, le saxophone alto, la harpe et le célesta se sont épanouis dans la splendeur et le raffinement de l’écriture du compositeur brésilien. La dernière pièce au programme, le Quintette de l’Étatsunienne Zwillich, est elle aussi une très jolie nouvelle addition à ma bibliothèque mentale, et probablement à celle du public présent également. Le jazz y tient une place prépondérante, mais la rigueur technique exigée du saxophone est résolument classique moderne. Le concert était surtout l’occasion de découvrir un interprète de grand talent, le saxophoniste étatsunien Steven Banks. Quel élégant artiste! Un son beau et moelleux, une aisance autant dans les aigus que dans les graves et une technique impeccable, nette et finement ciselée. Bien que M. Banks tenait l’affiche, la réalité de la musique est qu’il s’agissait d’un travail collectif et chambriste de très haut niveau. Plusieurs lauréats du Concours OSM faisaient partie de l’ensemble sur scène (dont Cameron Crozman et Antoine Malette-Chénier), et le jeu d’ensemble était hautement relevé. Je ne sais pas combien de temps ces jeunes artistes ont eu pour mettre tout cela en ordre, mais le résultat était impressionnant : des attaques en tutti précises comme un scalpel, une sonorité globale équilibrée, des nuances pile poil là où il le fallait et d’une grande efficacité, bref, un très grand concert qui en valait des dizaines d’autres avec des artistes plus célèbres et un répertoire plus prévisible. Merci à la Virée classique pour avoir eu le courage de programmer ce genre de programme. Les quelque 350 spectateurs présents à chaque concert ont démontré qu’il y a un public non négligeable pour de la musique moins connue et même pointue. C’est rassurant, et ça mérite d’être souligné.

Depuis un bon moment déjà, je surveille l’ascension de l’artiste canado-nigérian TOBi. Il y a quelques années, le rappeur avait piqué ma curiosité avec son titre City Blues. Sa dégaine à la Kendrick Lamar, son énergie similaire à celle d’Anderson .Paak et sa tessiture à la Brent Faiyaz faisaient de lui un artiste prometteur, du moins à mes yeux. Depuis, TOBi a sorti deux albums – ELEMENTS Vol.1 et Still+ – et a collaboré avec des artistes américains tels que The Game, Maxo Kream et Flo Milli. Force est d’admettre que TOBi est en constante progression et possède tous les outils pour briller à l’international. À la sortie de la programmation du FIJM 2022, j’étais agréablement surpris d’y voir son nom. J’avais bien hâte de voir ce que TOBi réservait aux Montréalais, et il ne m’a pas déçu. TOBi a entamé son spectacle en douceur avec des titres plus R&B comme Too Hot.

Sur scène, le rappeur était accompagné d’un batteur, d’un bassiste, d’un claviériste et d’un saxophoniste. Mis à part quelques échantillons de discours, la musique était entièrement faite en temps réel. La voix de l’artiste et la musique jazz se mélangeaient à merveille. À chacune de ses punchlines, la musique s’intensifiait, conférant davantage de poids aux paroles de l’artiste. Plus les minutes passaient, plus TOBi plongeait dans son catalogue rap. À mi-chemin, il a offert un freestyle à la foule. Dans son élan d’improvisation, TOBi a fait référence Montréal et au FIJM. Après sa chanson Made Me Everything, TOBi a quitté la scène. Cependant, la foule du FIJM en a décidé autrement en scandant le nom de l’artiste. Face à cette vague d’amour, TOBi est revenu sur scène pour chanter son titre le plus populaire, City Blues. Mission réussie pour TOBi, lui qui a visiblement charmé la foule du FIJM.

Black Thought et sa bande ont offert près de deux heures de musiques sans arrêt, lors de la dernière soirée du FIJM 2022. Avec son flow rapide, découpé à la lettre et presque hypnotisant par moment, Tarique Trotter a emporté les milliers de gens présents dans un tourbillon de nostalgie. En passant par le rap, le jazz, le R&B et même la disco, The Roots a rendu hommage aux grands de la musique. Au total, l’orchestre de huit musiciens – comprenant l’incontournable Questlove – accompagnait le rappeur sur scène. Afin de reprendre son souffle, Black Thought laissait place aux prouesses musicales de chacun des membres du groupe. La formation philadelphienne a interprété à sa manière des titres intemporels tels que You’re The One For Me de D.Train, ainsi que Running Up That Hill (A Deal with God) de Kate Bush.

Bien évidemment, le collectif mythique a chanté leurs plus grands succès, notamment What They Do et You Got Me, aux grands plaisirs des gens entassés à la Place des Festivals. Initialement chanté par Erykah Badu, le refrain de cette dernière pièce a été interprété par le guitariste de la formation, Captain Kirk Douglas, aidé par la foule. Les gens présents dansaient, festoyaient et s’époumonaient sur les sons envoûtants des Roots. Du début à la fin, le collectif a conservé un rythme effréné. La dégaine des musiciens a visiblement plu à la foule, qui a accueilli à bras ouverts ce tsunami musical sans fin. Impossible de demander mieux pour clore les dix jours de la 42^e édition du Festival international de jazz de Montréal!

J’aime Josiah Wise, alias Serpentwithfeet, artiste de R’n’B contemporaine mâtinée de racines chorales gospel et d’études lyriques classiques. De ses deux albums principaux (il a aussi des EP ici et là), c’est le premier, Soil, qui m’habite encore. On y décelait ses racines étoffées soutenant une profusion d’idées intéressantes dans les rythmes et l’agencement de l’ensemble. Deacon, l’opus apparu en 2021, se rapprochait pas mal plus de l’appellation « adulte contemporain » utilisée dans les prix en musique tels les Grammys. Une appellation que je trouve abominable tellement elle ne correspond à rien. Et pire, une catégorie qui enfante une pléthore de déchets autotunés qui se ressemblent tous. Cela dit, même dans ce rapprochement, le porteur d’une culture afro-queer bienveillante et assumée réussissait à remplir son univers sonore avec ce continuel attrait pour la surprise.

Je vous dis tout cela parce que je m’attendais à mieux de la première partie que M. le serpent-avec-des-pieds proposait au concert où la Montréalaise folk Basia Bulat allait séduire l’auditoire un peu clairsemé du Théâtre Maisonneuve. Dans la musique de l’Américain, il y a un potentiel scénique fort intéressant (choeurs, cordes, instruments rythmiques, claviers), mais ce à quoi on a eu droit, c’était un serpent dénudé de ses attributs les plus attrayants. Wise était seul avec un DJ qui coordonnait, grosso modo, le lancement des voix chorales préenregistrées, les boucles et les beats. Bref, un gars chantait sur une trame sonore. Bof. Principaux moments d’intérêt : quand ledit Serpent s’installe seul au clavier et nous charme de douces ballades ou encore de réflexions personnelles inspirées du moment. On voit qu’il sait créer une belle intimité avec le public. À ce moment, on comprend mieux pourquoi l’artiste est une étoile montante. À l’image de ses clips où la vie toute simple de couples gais (souvent le sien) est montrée sans ostentation militante, juste la nature touchante d’un quotidien banal fait de tendresse et de complicité. Mais on s’attendait quand même à du déploiement, à de la fantaisie et à beaucoup plus de chaleur (un éclairage banal et froid!) pour une musique qui doit envelopper son auditeur comme une doudou. Bref, j’aime l’artiste, mais voilà un show qui n’était pas à sa hauteur.

Le contraste était de taille avec l’arrivée de Basia Bulat, son quatuor à cordes, et son trio basse-guitare-batterie. La scène s’est éveillée, bien que tranquillement, et sans jamais déborder d’intensité, vu la nature de la musique de la Torontoise qui a fait de Montréal sa maison de cœur. Les mélodies, simples et belles, chaleureusement étoffées par les cordes et pudiquement soutenues par la section rythmique (on a à peine remarqué la batterie tellement elle restait en retenue), se sont épanouies dans le Théâtre au grand plaisir du public qui souriait, charmé. Bulat s’est exprimée en un français exquis et en anglais, en s’adressant aux spectateurs.

Un brin tranquille au final, mais ça, c’est parce que la première partie qui aurait dû soulever l’atmosphère est restée trop placide et bien trop retenue.

C’était une soirée retrouvailles hier soir sur la Place des Festivals. Un hommage à 25 ans de jeunesse pour l’album qui a marqué toute une génération : Glee de Bran Van 3000. James (Di Salvio) était là, Sara (Johnston) aussi, puis plusieurs autres. Presque tous. On a entendu les meilleures, mais pas toutes, puisque l’hommage a en fait été distillé à part presque égales avec Discosis, l’autre album culte du band montréalais. Sur scène. Ça dansait, ça groovait, ça chantait, ça souriait. Le groupe, à l’image de Montréal, mélangeant français (pas chanté) et anglais, styles musicaux allant du dancefloor au rock en passant par le reggae, le hip-hop, la soul vintage et l’électro dans une communion syncrétique qui rappelle le métissage de cette foule multi-inter-culturelle savoureuse à voir. Toutes les tonalités de couleur de peau, toutes les générations, peu importe la lettre de l’alphabet, probablement les confessions aussi, les langues et les orientations sentimentales, tout Montréal y était et célébrait le simple fait d’avoir une identité commune aussi rassembleuse. Ma blonde m’a dit « Des fois, c’est faux » en parlant des voix. Elle a l’oreille classique, voyez-vous. Moi aussi d’ailleurs. Et je ne peux nier qu’elle a raison. Astounded sans Curtis Mayfield comme sur Discosis, eh bien, c’est pas aussi pareil. Ben non. Pis la pop, en général, c’est comme ça. Faut pas s’attendre à l’impeccabilité d’autres styles plus savants comme le classique et le jazz (on est pourtant à la grand-messe mondiale de ce genre!). Mais il faut faire fi de certaines notions, tout à fait légitimes par ailleurs, et se laisser entraîner par le sentiment de plénitude collective que crée ce groupe, devenu culte par la force des choses, et par son énergie communicatrice.