Rouyn-Noranda

Dark Pop / Shoegaze

FME 2025: APACALDA Cracks the Door for Us

by Lyle Hendriks

Bringing together dark tones, bedroom boudoir, and electrifying pop sensibilities, APACALDA was one of the steadiest acts at FME on Saturday. Cassandra Angheluta brought incredible intimacy to the once-sterile environment of L’ordre Loyal des Moose, drawing us in with dark, heavy, yet incredibly restrained and refined tracks. Her band, made up of Raphy Bedard de Vilca (bass) and Caleb LeBel (drums), is right in the pocket alongside her, pulling us through pitch-black waters like ferrymen as we’re treated to maze-like song structures and captivating vocals. Bedard de Vilca plays with poise and a seemingly endless supply of restrained energy, while LeBel’s intricate, subtle drum work provides the perfect energy.

The word for Apacalda is restraint. Like a tight bandage on an old wound, Angheluta can shift effortlessly from breathy, secretive passages to incredible climaxes, dancing on a tightrope in a world of her own while she does.

There’s a deep reservoir of vulnerability and pain behind the initially catchy offerings of Apacalda, something that feels almost too private to look at directly. But still, Angheluta pulls us back every time, inviting us, then demanding us to look at the bloodied parts of her that produce such a visceral, compelling sound. Apacalda is at once instantly approachable and deeply challenging, caught in the middle of two extremes to deliver a beautiful tension unlike anything else we saw this weekend.

Photos by Jacob Zweig

crowd shot: Julia Mela

Neo-Psychedelia / Psych-Funk / Psych-Rock / Rock

FME 2025: La Flemme, a blender for everyone

by Stephan Boissonneault

There have been many hair-brained garage psych rock bands at FME, bands that can definitely list a group like Oh Sees as a main influence, but La Flemme might be among the most genuine. This Franco four-piece from Marseille, France, brings an uncontained intensity for the party, most likely the kind of people you can confide in during a rowdy 4 am rager or start of an unruly business adventure. The visuals from Anthony Piazza were legendary as always, and my favourite had to be the blender cycloning some icing that was actually planet Earth.

Alt Folk / art-folk / Folk

FME 2025: Bells Larsen tames the wild night

by Stephan Boissonneault

Speaking strictly from experience, it is pleasing and good for one’s health to check out some of the lighter folk fair at FME. But Bell’s Larsen brought one of those most vulnerable and calming sets to the Agora Des Arts I’ve seen in years. Under the gorgeous, seated venue, the singer-songwriter (now based in Montreal) weaved through songs from his fantastic Blurring Time album. This record got quite a bit of national attention after he was forced to cancel his US tour due to a new anti-transgender visa law.

Audience members were stunned and stupefied. I even spotted one woman tearing up near the end of the set. It was an intimate set from Bells, who has always worn his heart on his sleeve. The band was also on point, giving Bells the spotlight, but jumping in for a glowing moment or two. The lighting was dark, but with the standard red shapes blasting off the walls, it was a strange and almost esoteric vibe. I was only able to witness four or so songs (that’s how festivals like this go), but those four will be lodged in my brain stem for some time. A wonderful and tame set for an otherwise wild and loose night.

Photos by Jacob Zweig

Hard Rock / Hardcore / punk hardcore / Rock

FME 2025: Puffer is hardcore healing for the soul

by Stephan Boissonneault

Puffer was the last show of an eventful FME Day 2. This working man’s hardcore punk group from Montreal doesn’t play its hometown much, so their 1:30 am basement show was somewhat of a marvel. As they jumped into a track from the Street Hassle LP, the mosh began and never really ceased until the set was over. This band never slows down. I never saw them break speed or rest for a sip of water; just a pure onslaught of heavy punk. Heavy riffs, crashing drums, and a frontman leading the charge, pure maximum rock n roll. We’re all sweaty, bruised and a little tired, but Puffer is giving it their all and we do the same.

It’s always nice to see other bands watching hometown heroes, but in the front row of Puffer’s set was Lieselot Elzinga of Amsterdam’s Baby Berserk (who held a wild midnight secret show in the parking lot of Morasse Poutine). Many claim they know the best way to end a raucous night at FME, but no doubt about it, Puffer is hardcore healing for the soul.

Hip Hop / Hip Hop / hip-hop abstrait / hip-hop alternatif

FME 2025: Super Duty Tough Work Makes It Look Easy

by Lyle Hendriks

There’s a sincere quality to Brendan Grey, frontman and emcee for the Manitoba-borne Super Duty Tough Work. He has an artful, rambling way of spitting his lyrics, seemingly blurring the lines between freestyle and written performance as he canters through his literary style. Supported by a truly outstanding live band to bring the classic jazz-hop foundation into focus. Grey commands his players deftly as he goes, hushing the drums here, redirecting the piano there, all while effortlessly spitting thousands of syllables as though he was simply taking a breath.

At one point, Grey took an interlude to discuss what keeps the band going. The love from the audiences, their love for the music. But above all else—it’s the merch. He earns a laugh from us and jumps quickly into more esoteric tracks, most notably an original, semi-MF DOOM-inspired cut entitled “Fuck the Police,” which won the crowd over with ease as Grey strutted across the stage with grace, poise, and sheer willpower.

When you listen to Super Duty Tough Work, it’s easy to feel the love and gratitude that each member exudes. Criminally tight and completely enmeshed in their music and their message, this group deserves your attention, your money, and your time.

Photos by Julia Mela

Darkwave / Synth-Pop

FME : FIN DE SOIRÉE – Automelodi au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda 

by Rédaction PAN M 360

Officiellement formé en 2006, Automelodi est en fait la suite logique de la démarche électro-pop entamée à la fin des années 90 par Xavier Paradis sous le pseudonyme Arnaud Lazlaud. Paradis se présente maintenant en formule solo mais a également travaillé au fil des années en compagnie de différents collaborateurs, tels que Hayden Payne (Phase Fatale) ou Liz Wendelbo (Xeno & Oaklander), autant sur scène qu’en studio. Souvent nommée Impossible Folk, la musique d’Automelodi porte en sa base un mélange d’influences du vingtième siècle, comme la poésie d’une Brigitte Fontaine récitée sur de l’Italo-Disco désaxé, ou alors au son de synthés japonais trafiqués, dans un échange survolté au fond d’un immeuble brutaliste d’Europe orientale. En réalité (et malgré l’usage d’instruments dits “modernes”), Automelodi suit une trajectoire intemporelle située en parallèle du discours technocentriste souvent associé à la musique électronique. Après un premier album éponyme paru en 2010 sur le défunt label new-yorkais Wierd Records, le deuxième microsillon, Surlendemains acides, paru à l’origine en 2013, fut par la suite réédité par le label Holodeck Records. Une longue tournée européenne avait permis en 2019 de présenter le troisième album, Mirages au futur verre-brisé. Depuis 2020, Paradis partage son temps entre différentes tournées, l’écriture de nouveau matériel pour Automelodi et des travaux de mixage et remix pour différents artistes. Un nouvel EP intitulé Cavallo doit paraître à l’automne 2025.

Formed in 2006, Automelodi is a constantly evolving project based around the solo work of songwriter/producer Xavier Paradis. With a career that spans over two decades, Paradis is a well-established figure in Montreal’s dense electronic music culture, releasing over time with various projects, performance line-ups, or under different monikers such as Arnaud Lazlaud. He also collaborates with artists like Liz Wendelbo (of Xeno & Oaklander) as the duo Liz and László, as well as Latvian Producer Dmitry Distant. Automelodi’s music embraces and re-contextualizes a spectrum of influences that include the lesser-known European synthpop and post-punk of the latter Twentieth Century, combined with literary stylizations reminiscent of Gallic songwriters such as Serge Gainsbourg and Brigitte Fontaine—with nearly all vocals delivered in French. Following the self-released first EP, an eponymous album was released in 2010 by the now defunct Brooklyn label Wierd Records. The second LP, “Surlendemains acides”, was released in digital format in 2013. A third LP, “Mirages au futur verre-brisé” was released in 2019 on Austin’s Holodeck Records. The release was followed that same year by an extensive tour of Europe. Automelodi resumed touring in 2023, with several dates across the USA and is currently working on a collection of new songs, including an EP and some singles to be released in 2025. In parallel to his work as Automelodi, Paradis has also been very active over the past two decades as a music producer, focusing primarily on mixing and remixing for other projects and artists such as Bootblacks, Silent EM, The Harrow and Laura Krieg.

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fuzz-rock / glam / prog

FME : SHOW DE CLÔTURE – Teke::Teke, Les Freaks de Montréal (Un hommage à Aut’Chose) et Elle Barbara au Paramount

by Rédaction PAN M 360

Elle Barbara (20h)

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste, metteure en scène de théâtre expérimental, réalisatrice vidéo, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, de disco, de pop sophistiquée, de synth-pop, de prog, de jazz et de glam, avec un intérêt marqué pour la library music, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus de dix ans. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara puise son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, ainsi que des sommités du grand public comme Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Les Freaks de Montréal (Un bummage à Aut’Chose) (21h)

Parlons d’Aut’Chose. Le mythique groupe, formé en 1971 change la donne de l’univers musical au Québec avec ses trois albums déferlés entre ’74 et ’76. Une poésie de ruelle, crue, réelle, sur fond de rocaille sophistiquée et cinglante. En 2005, l’ami de longue date Ron McGregor reforme le groupe autour du guitariste OG Jacques Racine et son chanteur/poète Lucien Francoeur. Le collectif étoilé allie des membres de Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, entre Aut’ et enregistre Chansons d’Épouvante. Une relecture collaborative des morceaux les plus marquants du répertoire. Ce Best Of servira de célébration vivante entre freaks de toutes générations partout en province pour les quinze années à suivre. FME, aujourd’hui. Les Freaks de Montréal se regroupent pour rendre bummage à ses deux capitaines disparus à quelques jours d’intervalle en 2024. Ils seront accompagnés d’invité.es brillants et scintillants, ‘teindus’ chacun à leur manière par l’influence de la musique et le propos hors piste de ce fauve indomptable du rock québecois, devenu légende.

Let’s talk about Aut’Chose. The legendary band, formed in 1971, changed the face of Quebec’s musical landscape with its three albums released between 1974 and 1976. It’s a raw, real, alley-style poetry set against a backdrop of sophisticated and scathing rock. In 2005, longtime friend Ron McGregor reformed the band around OG guitarist Jacques Racine and singer/poet Lucien Francoeur. The star-studded collective brought together members of Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, and Entre Aut’ to record Chansons d’Épouvante. A collaborative reinterpretation of the most memorable pieces from the repertoire. This Best Of album would serve as a vibrant celebration of freaks of all generations across the province for the next fifteen years. FME, today. The Montreal Freaks are reuniting to pay tribute to its two captains who passed away a few days apart in 2024. They will be accompanied by brilliant and scintillating guests, each ‘tinted’ in their own way by the influence of the music and the off-piste words of this indomitable wild beast of Quebec rock, who has become a legend.

TEKE::TEKE (22h)

TEKE::TEKE est un groupe psych-rock japonais basé à Montréal composé des guitaristes Serge Nakauchi Pelletier et Hidetaka Yoneyama, de la flûtiste Yuki Isami et de l’artiste visuelle et chanteuse Maya Kuroki. Mettant en vedette des instruments japonais traditionnels, de la flûte, du trombone, des guitares enragées et une section rythmique palpitante, TEKE::TEKE crée un son rappelant les bandes sonores japonaises psychédéliques des années 60 et 70, avec une touche frénétique et moderne.

While gazing at the sky one afternoon, TEKE::TEKE vocalist Maya Kuroki saw a cloud that looked like it had a bite taken out of it. The word that came to mind—Hagata—captured something profound: a trace, a mark, or a presence left behind. It’s this sense of duality—of being in-between worlds—that defines TEKE::TEKE’s new album Hagata (out June 9 via Kill Rock Stars). The Montreal-based psychedelic rock septet continues the adventurous spirit of their 2021 debut Shirushi, which fused Japanese folk, Brazilian garage, psych rock, and more. After months of expansive touring and free-form experimentation, the band returned to the studio determined not to pick a single path forward. “We went two ways at once,” says guitarist Sei Nakauchi Pelletier, embracing the layered, dreamlike quality of Hagata. From the lush “Jinzou Maria” to the thunderous “Yurei Zanmai,” the album explores transformation, memory, and the unseen forces that shape us. Each track is haunted by a feeling—an imprint that lingers. TEKE::TEKE no longer seeks definitions or binaries. Instead, they fully inhabit the liminal space between, where ghosts roam freely and creativity knows no borders. Hagata is both a mystery and a celebration of what remains.

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Deathcore / Metalcore

FME : SHOW MÉTAL – Despised Icon, Scorching Tomb et Digital Ghosts au Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Digital Ghosts (20h)

Digital Ghosts est un groupe de metalcore originaire de Rouyn-Noranda, fondé en 2023. Il réunit des membres de groupes locaux tels qu’Archons, Evil Prevail, Decrepity et Within the Abyss. Actuellement en studio, le groupe travaille sur son premier mini-album, un opus de six titres qui saura plaire aux amateurs de metalcore, notamment aux fans de Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, et bien d’autres.

Digital Ghosts is a metalcore band from Rouyn-Noranda, founded in 2023. It brings together members from local bands such as Archons, Evil Prevail, Decrepity, and Within the Abyss. Currently in the studio, the band is working on its debut EP, a six-track release that will appeal to metalcore fans, especially those who enjoy Polaris, Architects, Erra, Spiritbox, and more.

Scorching Tomb (21h)

Scorching Tomb surgit des entrailles de Montréal pour assaillir les foules de son Death Metal moderne tout en suivant les pas de ses prédécesseurs. Démarqué par leur forte présence sur scène, leur son puissant, viscéral et sans répit, le groupe s’est rapidement hissé au sommet des prospects de l’underground Québécois.

Born in the sewers of Montreal in 2018, it all started with a simple goal : blending old fashioned death metal and modern hardcore together in a city where technical death metal reigns supreme. It didn’t take long for the band to make a name in the underground tho. Fast, old school riffs, pummeling mosh parts mixed with energetic stage presence quickly earned Scorching Tomb attraction, especially in the hardcore scene. Initially formed by tattoo artist Vincent PL on vocals and axeman Philippe Leblanc, ST has now its hardest lineup to date by adding Miguel Lepage (ex- Blind Witness, ex- Obey the Brave) on bass and Émile Savard (Profane Order, ex- Malebranche) on drums, turning the band from another local act into an absolute fucking weapon. The time has come to follow the path of Cryptopsy, Quo Vadis and Despised Icon and show the world that Montreal is still to this day a reckless, unrelenting force of death metal.

Despised Icon (22h)

Depuis leurs débuts en 2002, Despised Icon ont bouleversé les codes de la musique extrême. Avec Consumed by Your Poison, le groupe montréalais fusionne pour la première fois de façon frontale les éléments du death metal classique avec la brutalité du hardcore, donnant naissance à ce qui deviendra bientôt le genre controversé mais incontournable du deathcore. Rapidement propulsés par des tournées intensives aux côtés de groupes majeurs comme Cryptopsy, Behemoth, Napalm Death ou Hatebreed, Despised Icon s’imposent comme des pionniers d’une nouvelle vague métallique. Leur mélange explosif de blast beats, de breakdowns implacables et de vocaux déchaînés leur confère une signature sonore unique, aussi radicale qu’influente. Après une pause en 2010, les membres poursuivent divers projets avant de revenir en force en 2016, plus déterminés que jamais. Ce retour marque une réaffirmation de leur identité et de leur héritage, sans compromis. Despised Icon n’ont plus rien à prouver : ils incarnent la quintessence du deathcore, un genre qu’ils ont contribué à forger. Aujourd’hui, les vétérans montréalais revendiquent leur trône avec fureur : pas de fioritures, pas de concessions—juste une puissance brute et une fidélité totale à leurs racines. Despised Icon sont de retour, et ils comptent bien le faire savoir.

Despised Icon have long been hailed as pioneers of extreme metal, and their 2002 debut Consumed by Your Poison marked a seismic shift in the genre. At a time when death metal and hardcore rarely intersected, the Montreal band fused both worlds into something ferocious and new—what would soon become known as deathcore. Touring relentlessly with genre titans like Cryptopsy, Behemoth, Morbid Angel, Hatebreed, and Napalm Death, Despised Icon quickly earned respect across a wide musical spectrum. Their sound—defined by savage vocals, explosive breakdowns, and relentless blast beats—helped launch a movement alongside peers like Suicide Silence and Carnifex. Though the term “deathcore” has been debated and dismissed by some, there’s no denying the genre’s impact—and Despised Icon’s foundational role within it. After disbanding in 2010, the group’s members explored other musical paths, returning in 2016 with renewed clarity and intensity. Now, they embrace their legacy without hesitation. Despised Icon are back with full force, standing as one of the original architects of a sound that forever altered extreme music. No frills, no compromise—just pure, unrelenting power. The kings of deathcore have returned, and they’re not going anywhere.

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Americana / Indie Rock

FME : Ada Lea au Café-bar L’Abstracto

by Rédaction PAN M 360

Alexandra Levy, alias Ada Lea, est une artiste multidisciplinaire montréalaise qui marie musique et arts visuels avec une grande sensibilité. Son troisième album, when i paint my masterpiece, est une œuvre intuitive, imagée, presque tactile—chaque chanson s’écoute comme on contemple un tableau. Après des années de tournées épuisantes, Levy a ressenti le besoin de se recentrer. Elle s’est éloignée des attentes de l’industrie musicale pour retrouver un processus de création plus lent et authentique, en se tournant vers l’enseignement, la peinture et la poésie. Enregistré en Ontario rural fin 2023 avec son groupe et le producteur Luke Temple, l’album a été capté en grande partie en live, sans clic, favorisant l’imperfection et la spontanéité. On y retrouve une chaleur acoustique et une esthétique proche du folk canadien des années 1970. Inspirée par des artistes comme Olga Tokarczuk et Leonora Carrington, Levy explore les thèmes de la métamorphose, du rêve, et du regard intérieur. when i paint my masterpiece ne cherche pas la perfection, mais célèbre le devenir. C’est une œuvre vivante, ouverte, qui privilégie le processus à l’objet fini—un témoignage poétique et sincère d’une artiste en pleine réinvention.

Alexandra Levy, known as Ada Lea, is a Montreal-based multidisciplinary artist whose third album, when i paint my masterpiece, blends music and visual art through a deeply intuitive and imagistic lens. Each song feels like a painting—tactile, expressive, and full of emotional resonance. After years of relentless touring, Levy stepped away from the pressures of the industry to rediscover a slower, more honest creative process, turning toward teaching, painting, and poetry. The album was largely recorded live in rural Ontario in late 2023, with her core band and producer Luke Temple. Captured without a click track, its warm, acoustic textures recall the golden era of Canadian folk while embracing human error and spontaneity. Influenced by surrealists like Leonora Carrington and writers such as Olga Tokarczuk, Levy’s lyrics explore transformation, dreams, and the act of observing oneself. when i paint my masterpiece doesn’t chase perfection—it embraces becoming. It’s a poetic, open-hearted work where the process takes precedence over the product. With rich instrumentation and surprising melodic turns, Ada Lea continues to carve a singular path through music and art. The masterpiece, ultimately, is not an endpoint—it’s already here, in the making itself.

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Chamber Pop / psych / Synth-Pop

FME : Et on déjeune et Wizaard au Les Mooses

by Rédaction PAN M 360

Wizaard (17h30)

Le groupe montréalais Wizaard est un groupe indie rock psychédélique constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss – tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Wizaard a partagé la scène avec de nombreux groupes, tels que Choses Sauvages, Men I Trust, Paul Jacobs, ou encore Elephant Stone, en passant par les Américains Twin Peaks. Le groupe a également réalisé un remix pour le groupe Spaceface (projet parallèle des Flaming Lips) qui a connu un franc succès avec plus de 1 million de streams sur Spotify. Après avoir sorti deux albums, ‘Starfish Buffet’ (2016), puis “Supernatural Mystics” (2019) sous différentes formations, Wizaard a présenté son premier album à majorité francophone en 2024. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove!

The Montreal band Wizaard is a psychedelic indie rock group made up of Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English songs, the band has become a mainstay of the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. Wizaard has shared the stage with a number of bands, including Choses Sauvages, Men I Trust, Le Couleur and Elephant Stone, as well as the Americans Twin Peaks. The band also produced a remix for the band Spaceface (a Flaming Lips side project), which was a great success, with over 1 million streams on Spotify. After releasing two albums, ‘Starfish Buffet’ (2016) and then ‘Supernatural Mystics’ (2019) under different line-ups, Wizaard has presented their first album with a French-speaking majority in 2024. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

Et on déjeune (18h30)

Fondé en 2020, Et on déjeune est un quintet témiscabitibien 100% féminin. Son style synthpop, punk rock et électro, empreint d’une nostalgie des années 80, a donné naissance à une proposition musicale à la fois douce, explosive, poétique et théâtrale. Après avoir lancé deux simples en 2025, Moquette et Joconde, Et on déjeune s’apprête à dévoiler son tout premier album à l’automne. Des dates de spectacles seront annoncées bientôt.

Founded in 2020, Et on déjeune is an all-female quintet from Témiscamingue. Their synthpop, punk rock, and electro style, imbued with ’80s nostalgia, has given rise to a musical offering that is simultaneously gentle, explosive, poetic, and theatrical. After releasing two singles in 2025, Moquette and Joconde, Et on déjeune is preparing to unveil their debut album this fall. Performance dates will be announced soon.

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Art Pop / Experimental / Contemporary / Synth-Pop

FME : Nadah El Shazly et N Nao au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

N Nao (17h)

N NAO, nommée Naomie de Lorimier, est une artiste née et basée à Montréal. Elle explore la romance expérimentale par la musique, la performance et la vidéo depuis des millions d’années. Ses compositions s’inscrivent dans une démarche écoféministe, inspirée de rêves et de rituels. Son deuxième album L’eau et les rêves (24 mars 2023 via Mothland) repousse les limites de la chanson entre sonorités électroniques et organiques. En plus d’une reconnaissance du public et de l’industrie, il lui vaut une place sur la Longue Liste du Prix de musique Polaris 2023. En sus de collaborer avec entre autres Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy et Lumière, elle a assuré les premières parties de plusieurs artistes dont Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson et Water From Your Eyes, et joué dans la dernière année notamment à Pop Montréal, Paris, Berlin, Sled Island à Calgary et SXSW au Texas. N NAO nous revenait l’hiver dernier avec Nouveau Langage, son troisième long jeu paru le 31 janvier 2025 via Mothland, deuxième à se retrouver sur Longue Liste du Prix de musique Polaris (2025).

N NAO, also known as Naomie de Lorimier, is a Montréal-born and based artist. For millions of years, she has explored experimental romance by way of music, performance and video. Her compositions employ an ecofeminist approach inspired by dreams and daily rituals. Her second full-length, L’eau et les rêves (March 24th, 2023 via Mothland) challenged traditional singer-songwriter music by aptly blurring the line between electronic and organic sounds. Celebrated by the public and the industry alike, the album made the Long List for the 2023 Polaris Music Prize. On top of stellar collaborations with Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy, and Lumière, she acted as main support for the likes of Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson, and Water from Your Eyes. Over the past year, she took part in POP Montreal, Sled Island (Calgary, AB) as well as SXSW (Austin, TX), while also performing in Paris, FR and Berlin, DE. Last Winter, N NAO came back with Nouveau Langage, her third full-length released on January 31st, 2025 via Mothland, her second album to be long-listed for the Polaris Music Prize (2025).

Nadah El Shazly (18h)

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a débuté sa carrière musicale dans un groupe punk avant de se tourner vers la composition électronique expérimentale. Son premier album Ahwar (2017) a été salué mondialement pour sa fusion novatrice entre traditions musicales arabes et sonorités contemporaines, propulsant El Shazly au premier plan de la scène musicale internationale. Elle figurait en couverture du magazine The Wire en 2018, à l’occasion d’un dossier consacré à la nouvelle vague musicale du Caire. Artiste de scène magnétique, elle combine voix envoûtante, manipulation sonore pointue et collaborations percutantes (Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca). Elle s’est produite sur les scènes des festivals Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Roskilde, FIMAV, entre autres. Également compositrice de musiques de films, elle a signé la bande originale du film Les Damnés ne pleurent pas (2022), remportant deux prix internationaux. En 2024, elle a sorti Pollution Opera, un album abrasif en duo avec Elvin Brandhi. Son œuvre récente, Laini Tani, en collaboration avec 3Phaz, Patrick Graham et Sarah Pagé, illustre une maîtrise totale des textures sonores et une voix puissante, au cœur d’un univers musical dense, urbain et onirique. Nadah El Shazly incarne une figure audacieuse et singulière de la musique expérimentale mondiale.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical path in a Misfits cover band before turning to experimental electronic composition. Her 2017 debut album Ahwar was met with international acclaim for its groundbreaking fusion of Arabic musical traditions and avant-garde production, earning her a leading place in global experimental music. In 2018, The Wire magazine featured her on its cover, highlighting “Cairo’s New Wave.” El Shazly’s performances are immersive experiences that merge her mesmerizing vocals with intricate sonic textures. She has collaborated with forward-thinking artists like Sam Shalabi, Elvin Brandhi, and Maurice Louca, and performed at renowned festivals including Irtijal, Le Guess Who?, Roskilde, FIMAV, and Rewire. As a composer for film, El Shazly’s soundtrack for The Damned Don’t Cry (2022) earned awards at the Bordeaux and Dublin film festivals. In 2024, she released Pollution Opera, a raw, genre-defying album with Elvin Brandhi exploring visceral electroacoustic soundscapes. Her latest project Laini Tani, co-produced with 3Phaz and featuring Patrick Graham and Sarah Pagé, is a sonic labyrinth where El Shazly’s commanding voice guides the listener through bold rhythmic structures and surreal textures. Nadah El Shazly continues to expand the possibilities of contemporary experimental music.

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fuzz-rock / psych

FME : FIN DE SOIRÉE – Fangus et Cure-Pipe au bar du Curling

by Rédaction PAN M 360

Cure-Pipe (00h)

Cure-Pipe, projet mené par l’auteur-compositeur-interprète Thomas Dakin, est une proposition musicale audacieuse et débridée. Porté par une fusion unique de rock psychédélique, garage pop, hyperpop et rock classique, Cure-Pipe livre une musique brute, éclatée et résolument sincère. Thomas ne fait aucun compromis : chaque morceau est une immersion totale dans son univers intense, vibrant et profondément personnel. Depuis la sortie de Mazeless Loudness en 2021, Cure-Pipe s’est rapidement imposé sur la scène québécoise grâce à des performances marquantes et une esthétique psyché envoûtante. Avec Le Pire (2022), il opère un virage plus pop sans renier ses racines crasseuses et garage. Mais c’est avec J’avais (2023) que Cure-Pipe connaît un réel tournant : l’album séduit tant le public que les professionnels, propulsant Thomas parmi les artistes les plus originaux et prometteurs de sa génération. Demi-finaliste aux Francouvertes, nommé aux GAMIQ, et fort d’une mini-tournée européenne, Cure-Pipe revient gonflé à bloc avec J’ai trouvé Jésus. Ce nouvel album s’annonce comme un concentré de “gras saguenéen” assumé, prêt à nourrir les amateurs de musique singulière. Thomas Dakin continue d’imposer sa voix unique sur la scène alternative, entre éclat psyché et pop brute.

Cure-Pipe is the explosive musical project of singer-songwriter Thomas Dakin, who surrounds himself with talented collaborators to deliver a raw, genre-blending sound. Combining psychedelic rock, garage pop, hyperpop, and classic rock, Cure-Pipe’s music is gritty, unexpected, and deeply authentic. Thomas offers no half-measures—his work is bold, immersive, and uncompromising. Following the release of his debut album Mazeless Loudness in 2021, Cure-Pipe quickly gained attention across Quebec for his intense live performances and hypnotic psychedelic aesthetic. With Le Pire (2022), he leaned into a more pop-forward direction while staying true to his garage roots. But it was 2023’s J’avais that marked a turning point: the album drew praise from fans and industry alike, solidifying Cure-Pipe’s status as a rising force in Quebec’s alternative music scene. That momentum carried through a packed year that included a Francouvertes semi-final, GAMIQ nominations, and a short European tour. Now, Cure-Pipe returns with J’ai trouvé Jésus, an album infused with what he calls “pure Saguenay grease”—bold, wild, and unapologetically his own. Thomas Dakin’s voice and vision are unmistakable. With each release, Cure-Pipe pushes boundaries and redefines what modern Quebec rock can be: messy, beautiful, and entirely true.

Fangus (1h)

Apparu comme par magie à Montréal à l’été 2022, Fangus attire de plus en plus d’adeptes dans leur culte du freak rock grâce à des performances choquantes et envoûtantes. Errant dans les catacombes de l’ancien heavy rock, du proto-métal & du psychédélique, le groupe libère sa colère sur le monde… Et tous ceux qui y vivent admireront la bête.

Magically spawned in Montreal on midsummer 2022, Fangus is currently luring more and more followers into their freak rocking cult through shocking, yet bewitching perfomances. Wandering in the catacombs of ancient heavy rock, proto-metal and psychedelia, the gang is now on the brink to release their wrath upon the world… And all who dwell on earth will worship the beast.

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Ce contenu provient du Festival de musique émergente et est adapté par PAN M 360

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