FME : Meggie Lennon et Apacalda au Les Mooses

by Rédaction PAN M 360

APACALDA (17h30)

APACALDA est le projet de la chanteuse, compositrice et productrice montréalaise Cassandra Angheluta, qui utilise la musique pour exprimer ce qui ne se dit pas toujours à voix haute. Ancrée dans une pop alternative aux teintes gothiques, elle développe un son fluide et atmosphérique, à la fois intense et sans compromis. Son premier album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (13 juin 2025), a été réalisé en collaboration avec Mishka Stein (Patrick Watson) et Samuel Woywitka, reconnu pour son travail primé avec Half Moon Run, avec la participation de Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) et Dayhills. L’album a été salué par The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, Le Canal Auditif, entre autres, et s’est retrouvé sur plusieurs playlists éditoriales. En 2025, APACALDA a assuré les premières parties de Sheenah Ko, Kandle Osborne et Meggie Lennon, présentant un spectacle immersif sur des scènes à travers le Québec et l’Ontario.

Montreal’s APACALDA is the moniker of songwriter, vocalist, and producer Cassandra Angheluta, who uses music to process what can’t always be said out loud. Building from a foundation of goth-tinged alternative pop, APACALDA shapes a genre-fluid sound that’s both atmospheric and unflinching. Her debut album, There’s a Shadow in My Room and It Isn’t Mine (June 13, 2025), was produced in collaboration with Mishka Stein (Patrick Watson) and Samuel Woywitka, known for his award-winning work with Half Moon Run and features additional collaborations from Christophe Lamarche (Charlotte Cardin) and Dayhills. The record has been featured by The Line of Best Fit, Billboard Canada, RANGE Magazine, Pan M 360, and Le Canal Auditif and more and has earned placements on several editorial playlists. In 2025, APACALDA has supported artists such as Sheenah Ko, Kandle Osborne, and Meggie Lennon, bringing her immersive live show to stages across Quebec and Ontario.

Meggie Lennon (18h30)

L’univers chatoyant de l’artiste montréalaise Meggie Lennon est un délicat canevas d’indie pop éthérée et de soft rock voluptueux, un appel à la rêverie, à la douceur et à la sensualité. Les chansons de cette auteure-compositrice-interprète abordent, avec maturité, l’amour, les désirs libérés, la découverte de soi, la résilience et les complexités de la vie moderne. Louder than War note que son premier album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – « fusionne le psychédélisme des années 60 et du début des années 70 pour créer une ambiance indie dream pop », ajoutant également : « Les chansons parlent de désir et de péchés mignons, tout en exprimant une vision mature de l’amour à une époque où la romance est insaisissable et fragile. De temps en temps, c’est un peu épicé aussi ». Le deuxième album de Meggie Lennon, Desire Days, est paru le 20 juin 2025, toujours sur l’étiquette Mothland. Le long jeu réalisé avec Samuel Gemme met en vedette des musicien.ne.s de groupes renommés tels que Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat et The Besnard Lakes, de même que le Quatuor Esca sur des arrangements d’Antoine Gratton, promettant ainsi un nouveau chapitre dans l’évolution de la sonorité et de la vision de l’artiste montréalaise.

The shimmering world of Montréal artist Meggie Lennon is a delicate canvas of ethereal indie pop and lush soft rock, inviting the listener into a space of reverie, gentleness and introspection. The singer-songwriter’s mature songs deal with love, desires, self-acceptance, resilience and the complexities of modern life. Louder than War notes that her debut album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – “fuses 60s and early 70s psychedelia to create an indie dream pop vibe”, also adding: “The songs are of desire and playful sins, yet they convey a mature take on love in this era of elusive and brittle romance. Occasionally it’s a bit spicy too.” Meggie Lennon’s sophomore album, Desire Days, produced with Samuel Gemme, and featuring musicians from celebrated outfits such as Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat, and The Besnard Lakes, along with Quatuor Esca playing arrangements by Antoine Gratton, was released on June 20th, 2025 via Mothland, promising a new chapter in her evolving sound and vision.

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boom bap / rap

FME : Super Duty Tough Work et Mosez Jones au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

Mosez Jones (17h)

Mosez Jones, natif de Montréal, se distingue comme un artiste et producteur hip-hop avant-gardiste, dépassant les frontières conventionnelles grâce à une identité sonore unique. Sa plume poétique ne se contente pas de capturer des instants : elle les tisse avec finesse dans une véritable tapisserie musicale. Dès ses débuts sur la scène locale, Mosez Jones a marqué les esprits, s’imposant par des collaborations percutantes allant du rap au R&B/Soul. Libéré des limites de genre, il navigue avec aisance entre divers univers musicaux, révélant une polyvalence mise en valeur par des singles au charme indéniablement classique.

Mosez Jones, a Montreal native, stands out as an avant-garde hip-hop artist and producer, transcending conventional boundaries with a unique sonic identity. His poetic songwriting not only captures moments but intricately weaves them into a tapestry of musical expression. From the outset of his career in the local scene, Mosez Jones made a resounding impact, establishing himself through dynamic collaborations spanning the realms of Rap to R&B/Soul. Unconstrained by genre limitations, he effortlessly navigates through diverse musical landscapes, showcasing a versatility that is underscored by singles exuding an undeniably classic aura.

Super Duty Tough Work (18h)

Un goût d’âge d’or, une ère futuriste. Du Paracétamol pour les migraines capitalistes. De la débauche basée sur la résistance pour les méchants désabusés. Attaché à la tradition, mais résolument tourné vers l’innovation, Super Duty Tough Work est un projet d’art-rap en constante évolution mené par le visionnaire discret Brendan Grey. Deux fois nominé au Polaris et une fois lauréat des Western Canadian Music Awards, Super Duty Tough Work a subtilement élargi sa portée ces dernières années grâce à des productions de qualité et à des tournées internationales. Ancré dans la tradition des arts de résistance noirs américains, Super Duty Tough Work est connu pour son humour mordant et ses analyses approfondies, promouvant ses idées radicales de révolution, de fête et de conneries, sur disque comme sur scène. Inspiré par le son jazz crasseux du hip-hop de la côte Est des années 90, Super Duty Tough Work incarne en live la quintessence de la culture hip-hop, se produisant en tant que groupe mais déployant un son qui s’apparente davantage à un échantillonneur MPC ou SP-404. Réputés pour leurs sets soigneusement sélectionnés, SDTW mêle rap décontracté et interprétations cinglantes à des boucles hypnotiques et des transitions fluides, gardant le public en haleine et captivé par l’attente de la suite. En bref : l’internationalisme est le thème, la libération par l’hédonisme le rêve, et la satisfaction est garantie par une équipe dont la spécialité est d’emmener le public dans un voyage à travers une culture où les boucles sont explosées et les bijoux sont les outils du métier.

Golden-era taste, future-era based. Tylenol 3 for capitalist migraines. Resistance based-debauchery for disaffected baddies. Committed to tradition, yet set on innovation, Super Duty Tough Work is a constantly evolving, art-rap project led by quiet visionary Brendan Grey. Two-time Polaris nominees and one time Western Canadian Music Award winners, Super Duty Tough Work have subtly been growing their reach over the last few years through quality offerings and international touring. Rooted in the tradition of Black American resistance arts, Super Duty Tough Work is known for their scathing wit and thorough analysis, pushing their radical politic of revolution, party and bullshit, on record and on stage. Inspired by the dirty jazz sample sound of 90s east coast hip hop, Super Duty Tough Work are the live incarnation of hip hop culture’s quintessential era, appearing as a band but manifesting a sound that’s more akin to something straight out of an MPC or SP-404 sampler. Revered for their methodically curated sets, SDTW mixes laidback rap action and razor-sharp delivery with hypnotic loops and effortless transitions, keeping audiences on their feet and transfixed in anticipation for what’s coming next. Simply put: internationalism is the theme, liberation through hedonism is the dream, and satisfaction is guaranteed from the team whose specialty is taking audiences on a journey through a culture where loops are slayed and jewels are the tools of the trade.

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Dance-Punk / Post-Punk

FME : SHOW DE NUIT – Mary Shelley au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Mary Shelley est un groupe punk de Brooklyn à l’énergie débridée, qui transforme chaque prestation en invitation à danser, sauter, cogner ou simplement perdre le contrôle. Ce quatuor électrique brise les barrières de genre avec audace : leurs rythmes post-punk se mêlent à des influences disco, shoegaze, hip-hop et bien plus encore. Le résultat est un cocktail sonore imprévisible, où chaque morceau est unique, porté par une impulsion créative qui refuse toute répétition. Leur son rappelle à la fois l’urgence d’IDLES, l’excentricité de Talking Heads, la densité de Radiohead, l’intensité de Kendrick Lamar et même l’esprit libre de Dolly Parton ou Viagra Boys. Des critiques enthousiastes, comme The Deli ou Look At My Records!, célèbrent leur chaos (presque) contrôlé et leur charisme singulier. Sur scène, Mary Shelley enflamme les foules, qu’ils jouent dans une cave, une arrière-cour ou un théâtre de 500 places. Le groupe a tourné en Amérique du Nord, en Europe et au Royaume-Uni, notamment en première partie de Gogol Bordello, dont le chanteur Eugene Hütz a publié deux de leurs morceaux sur son label Casa Gogol Records. Mary Shelley, c’est du punk dansant, irrévérencieux et furieusement vivant.

Mary Shelley is Brooklyn’s genre-defying punk band known for turning chaos into groove. Fusing post-punk with dance rhythms, disco, shoegaze, hip-hop, and more, their shape-shifting sound channels raw energy and artistic spontaneity. Each track reinvents the band’s sonic identity, refusing formulas in favor of fearless exploration. Their inspirations stretch far and wide—from IDLES, Talking Heads, and Radiohead, to Kendrick Lamar, Dolly Parton, and Viagra Boys. Critics have embraced the band’s intensity and eccentricity: The Deli says their music “will probably make you wanna dance the pogo or smash things,” while Look At My Records! likens their energy to the “(barely) controlled chaos of The Birthday Party” with shades of Mark Mothersbaugh and Jim Morrison “on a triple shot red eye.” Their electrifying live shows have captivated audiences in basements, backyards, and major venues across North America, Europe, and the UK. A 2023 West Coast tour with Gogol Bordello helped elevate their reach, with frontman Eugene Hütz releasing two Mary Shelley songs on his Casa Gogol Records label. With infectious rhythms and irreverent lyrics that probe both human nature and their own absurdities, Mary Shelley offers punk you can dance to—fierce, unpredictable, and undeniably alive.

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hyperpop / Neo-soul

FME : Virginie B à la scène Fizz

by Rédaction PAN M 360

L’excentricité envoûtante de Virginie B n’a d’égal que sa créativité débordante. L’autrice-compositrice-interprète, réalisatrice et multi-instrumentiste propose une réappropriation unique des codes de l’hyperpop en y incorporant des touches de nu-jazz, de funk et de R&B. Accompagnée de son talentueux collaborateur et co-réalisateur Louis Jeay-Beaulieu, elle applique cet amalgame de styles à la fois distinctif et versatile à l’exploration de sa psyché, de sa féminité et de son rapport à la technologie et à la nature. En septembre 2024, Virginie B présente Astral 2000, un deuxième album qui allie mélodies accrocheuses, expérimentations stylistiques et textures recherchées à une poésie à la fois introspective, profonde et accessible.

Virginie B’s irresistible quirkiness is matched only by her boundless creativity. The singer-songwriter, producer and multi-instrumentalist offers a unique reappropriation of hyperpop by incorporating touches of nu-jazz, funk and R&B, complemented with a refined conceptual approach inherited from art pop and a pronounced taste for maximalism and glamour. Accompanied by her talented collaborator and co-producer Louis Jeay-Beaulieu, she applies this distinctive and versatile combination of styles to the exploration of her psyche, femininity and relationship with technology and nature. The result is an outlet through which she expresses her desires and excesses without taking herself too seriously, reflecting her vulnerability and confidence. In September 2024, Virginie B presents Astral 2000, a second album that combines catchy melodies, stylistic experimentation and intricate textures with poetry that is at once introspective, profound and accessible.

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Darkwave / psych / Synth-Pop

FME : FIN DE SOIRÉE – We Are Wolves et Baby Berserk au Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Baby Berserk (23h30)

Originaire d’Amsterdam, Baby Berserk est un projet né de la collaboration entre Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen et Lieselot Elzinga. Alliant musique et mode, le groupe incarne l’énergie brute de la scène live et l’attrait irrésistible de la culture club. Leur nouvel album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, agit comme un exutoire sonore, à la fois revigorant et libérateur. Plongeant dans le tumulte de la culture contemporaine, l’album questionne les normes et célèbre l’expression de soi. Entre fantasmes médiatiques (“Entertainment”) et cris de révolte pour la liberté (“Piggy Piggy”), chaque morceau explore les contrastes d’une nuit effervescente—des premières montées d’adrénaline aux souvenirs marquants du lendemain. Le résultat : une électro-pop grinçante, mêlant rythmes lents, synthés tranchants et une énergie viscérale. À mi-chemin entre l’élégance subversive et la fureur dansante, Baby Berserk délivre un manifeste sonore pour les esprits libres. Après le succès du single What I Mean (2020), le groupe propose ici un disque conçu autant pour les clubs que pour les salles rock. Les compositions luxuriantes de Mano s’entrelacent aux paroles évocatrices de Lieselot, offrant un album aussi stylé que revendicateur—un appel à vivre sans compromis, perles au cou et feu au ventre.

Hailing from Amsterdam, Baby Berserk is the brainchild of Mano Hollestelle, Eva Wijnbergen, and Lieselot Elzinga. Known for fusing music and fashion, the band channels the intensity of live performance with the magnetic pull of club culture. Their new album, Slightly Hysterical Girls With Pearls, is an electrifying dose of sonic liberation—for the body, mind, and spirit. Diving headfirst into the chaos of modern life, the album explores media spectacle, personal freedom, and emotional excess. Tracks like “Entertainment” tap into TV-fueled fantasies, while “Piggy Piggy” roars with defiance and a call for equality. The album mirrors a night out: seductive, erratic, euphoric—ending in catharsis and transformation. With slow-burning beats, slithering synths, and raw lyrical intensity, Baby Berserk delivers a sound that’s equally suited to sweaty rock venues and pulsing dance floors. Following the acclaimed 2020 single What I Mean, the band’s debut album finally arrives, pairing Mano’s rich production with Lieselot’s striking, imagery-driven lyrics. Slightly Hysterical Girls With Pearls is more than an album—it’s an anthem for radical self-expression. Stylish, rebellious, and unapologetically bold, Baby Berserk invites you to surrender to the beat and come out stronger, freer, and fiercely yourself.

We Are Wolves (00h30)

Le monde prend feu… Tout part en ruine… Pardon pour le retard : We Are Wolves construisait un bunker. Nous vous fournirons un code de réduction pour votre séjour. Retirez les piles du détecteur de fumée. Le dossier de spams est désormais votre boîte de réception. Il y a des microplastiques au bout de l’arc-en-ciel. Le monde prend feu. We Are Wolves a pris le contrôle du bunker. Entrez. On entend toujours le même refrain : on vit à une époque de changements profonds, de conflits et de chaos. Mais qu’est-ce qui mérite vraiment notre attention? La plupart d’entre nous avons l’impression d’être prisonniers d’un monde sens dessus dessous. Sur son sixième opus, le groupe montréalais We Are Wolves tente d’imaginer un avenir où l’on peut danser malgré l’enfer qui nous entoure. Sur cet album de dance-rock dystopique, les musiciens présentent une formule envoûtante qui nous pousse à revoir la finalité des choses et à accueillir le changement. Oubliez le chaos et laissez-vous porter par ce divertissement. Le bunker s’effondre, mais tout va bien se passer. Entrez.

Everything is on fire… The world lies in ruins… We apologize for the delay: We Are Wolves have been building a bunker. We will provide a discount code for your stay. Take the batteries out of the smoke detector. Your spam folder is now your inbox. There are microplastics at the end of the rainbow. Everything is on fire. We Are Wolves have condemned the bunker—Go in. Noting that we are living through an era of seismic change, conflict, and chaos is a tired observation at this point—but what else merits our attention? Most of us feel like we’re living in Upside-Down World, 24/7. On their sixth full-length album, Montreal’s We Are Wolves nevertheless try to imagine a future: one in which we dance through the inferno instead of succumbing to it. You can call it dystopian dance-rock (which it is), but really their new album is a magic spell inviting us to reimagine The End as merely a transition. It is entertainment for a brief period of chaos. The bunker is collapsing, but it’s going to be OK. Go in.

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Art Pop / Dance-Punk / Electro-Pop

FME : Bibi Club, UTO et Crasher au Cabaret de la Dernière Chance

by Rédaction PAN M 360

Crasher (20h)

CRASHER est un nouveau trio de punk électronique mené par Airick Asher Woodhead (Doldrums / Errhead). CRASHER s’est formé pendant la COVID-19, alors qu’il se confinait dans un local de pratique partagé, et a enregistré la cassette « STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD », sortie au printemps 2021. Ils l’ont interprété en direct lors de la série de raves en plein air OXYGEN à Montréal à l’été 2021. La musique de CRASHER s’intègre parfaitement aux groupes de wave des années 80 et aux labels de réédition comme Dark Entries et Minimal Wave. Les paroles caustiques et le chant mélodique d’Asher unissent les sonorités variées du groupe.

CRASHER are a new 3 piece electronic punk band fronted by Airick Asher Woodhead (Doldrums / Errhead). CRASHER formed during COVID while ‘bubbling’ in a shared jam space, and recorded the tape ‘STREET CLEANING MACHINES OF THE WORLD’ which released in spring 2021. They performed it live at Montreal’s OXYGEN outdoor rave event series in summer 2021. CRASHER’s music would be at home next to wave bands of the 80’s and reissue labels like Dark Entries and Minimal Wave. Asher’s caustic lyrics and melodic singing style bind the varied sounds of the band together.

UTO (21h)

La nouvelle signature Infiné s’appelle UTO, du nom d’un chien qu’Emile et Neysa ont suivi dans un bois, à l’automne 2016, avant de s’y perdre. Pop de la nuit et trip-hop du jour, UTO manie aussi bien les codes de l’efficacité que ceux de l’expérimentation, un mélange aussi insolite que savoureux dans le paysage musical français actuel. Fusionnels, ils habitent, écrivent, composent, enregistrent, produisent et mixent leur musique dans leur studio du 45 situé au fond d’un bois. Leur style mélange leur amour pour la folk anglo-saxonne des années 70 ainsi que pour la musique électronique d’aujourd’hui, en passant par la scène anglaise de Bristol des années 90. Portishead, Broadcast, Bjork, Kim Gordon ou plus récemment Adrianne Lenker et Eartheater sont autant d’artistes qui pourraient mieux définir qu’un genre les couleurs si singulières de la musique de UTO. Depuis leur premier morceau “The Beast” à plus d’un million d’écoutes, UTO a sorti 2 EP chez Pain Surprises Shelter for the broken (2017) et The night’s due (2019) et s’apprête à taper fort avec leur premier album Touch the Lock, dont les premiers singles seront révélés dès février 2022.

The new Infiné signature is called UTO, named after a dog that Emile and Neysa followed into a wood in autumn 2016, before getting lost in it. Pop by night and trip-hop by day, UTO wields both the codes of efficiency and those of experimentation, a mix as unusual as it is delicious in the current French musical landscape. They live, write, compose, record, produce and mix their music in their studio in Le 45, deep in a wood. Their style blends their love of the Anglo-Saxon folk of the 70s with the electronic music of today, via the Bristol scene of the 90s. Portishead, Broadcast, Bjork, Kim Gordon and, more recently, Adrianne Lenker and Eartheater are all artists who could better define the singular colours of UTO’s music. Since their debut track ‘The Beast’ received over a million listens, UTO have released 2 EPs on Pain Surprises Shelter for the broken (2017) and The night’s due (2019) and are about to hit it big with their debut album Touch the Lock, the first singles of which will be revealed in February 2022.

Bibi Club (22h)

Avec Feu de garde, le duo Adèle Trottier-Rivard et Nicolas Basque signe un album incandescent, où la chaleur humaine prend le pas sur les ravages. Nourrie par une énergie collective et bienveillante, leur musique réchauffe, éclaire et réconforte comme un feu entretenu au cœur d’un hiver rude. Inspirée par l’expérience d’Adèle chez les scouts — courage, sororité, nature, entraide — l’œuvre puise dans ces rituels et liens profonds pour bâtir un univers à la fois intime et universel. Entre vertige, mystère et transformation, l’album évoque Moondog, Stereolab ou Suicide, tout en affirmant une signature audacieuse et frontale. Rythmes enlevés, chants de groupe et percussions habitées propulsent une musique à la fois brute, minimaliste et vibrante. Feu de garde est un appel à la communauté, à la résistance joyeuse, au mouvement des corps et des esprits. La rencontre décisive avec le réalisateur Ali Chant (Dry Cleaning, PJ Harvey, Aldous Harding) marque un tournant et aligne les influences du duo avec une production directe, sans artifice. Sorti le 10 mai 2024, Feu de garde est un manifeste lumineux où la joie triomphe. Une œuvre intense et fédératrice, qui transforme l’hostile en lieu de fête et d’émancipation.

Feu de garde is the latest album by Adèle Trottier-Rivard and Nicolas Basque—a radiant, communal work where warmth triumphs over hardship. Like a carefully tended campfire, the music emits an energy that comforts, transforms, and gathers. Drawing on Adèle’s past in an all-female scout group, the record reflects values of courage, friendship, and sisterhood, infused with the rituals of shared time in nature. The album navigates emotional and physical terrains with raw tenderness and bold simplicity. Its sound evokes Moondog, Stereolab, and Suicide, blending hypnotic minimalism with driving group vocals and propulsive percussion. Adèle takes risks on stage, seizing the beat and sparking movement—inviting the audience to join a celebration that is as political as it is visceral. A key moment in the project was meeting producer Ali Chant (Dry Cleaning, PJ Harvey, Aldous Harding) at The Great Escape Festival. That connection brought clarity to the duo’s sound—stripped-down yet powerful, uncompromising yet joyful. Released on May 10, 2024, Feu de garde is a declaration of collective strength and emotional renewal. In a world of concrete and cold, Feu de garde turns dust into sparkles. It’s a dance of resilience and joy, blazing a path through darkness with rhythm, community, and fire.

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hyperpop / Pop-Rock / rap-pop

FME : SHOW DE LA RENTRÉE SIRIUSXM – Jay Scøtt, Marie-Pierre Arthur, BéLi et Billie du Page à la scène principale

by Rédaction PAN M 360

Billie du Page (19h)

À seulement 20 ans, Billie du Page s’impose déjà comme une figure montante de la pop francophone et anglophone. Avec un grain de voix distinctif, des mélodies accrocheuses et des textes empreints de sincérité, elle signe une pop résolument libre, féministe et assumée. Sa musique célèbre l’affirmation de soi, entre douceur mélancolique et audace éclatante. Révélée par le succès de son single Fake Friends — numéro 1 au Québec et top 10 au Canada — Billie enchaîne rapidement les projets. Après un premier EP en français (Billie du Page, octobre 2024), elle revient en mars 2025 avec Not Your Princess, un nouveau projet en anglais qui confirme son talent pour naviguer entre langues et émotions. Capable de faire danser autant que d’émouvoir, elle transforme peines de cœur et désillusions en refrains lumineux. Billie brille aussi sur scène : en premières parties de Cœur de pirate, Aliocha Schneider ou Grand Corps Malade, elle séduit par sa spontanéité, sa présence généreuse et sa sincérité désarmante. Entre studio et tournée, Billie du Page trace une trajectoire fulgurante, portée par une pop sensible et engagée. Une artiste entière et prometteuse, à suivre de très près.

At just 20 years old, Billie du Page is quickly becoming a standout voice in both French and English pop. With a powerful vocal tone, instinctive pop hooks, and deeply honest lyrics, she offers a confident, feminist sound rooted in self-expression and emotional authenticity. Her breakout single Fake Friends shot to #1 on Quebec radio and reached the top 10 nationally in Canada, launching her into the spotlight. Just months after releasing her debut French EP (Billie du Page, October 2024), she followed up with Not Your Princess, an English-language EP released in March 2025, showcasing her bilingual artistry and fearless songwriting. Whether crafting vulnerable ballads or cheeky pop anthems, Billie transforms heartbreak into empowerment. Her music invites you to cry, dance, and heal—all in the same breath. Onstage, she feels right at home: opening for artists like Cœur de pirate in Europe and Aliocha Schneider and Grand Corps Malade in Quebec, Billie has already captivated audiences with her charm, presence, and generosity. With a growing catalogue and a natural flair for connection, Billie du Page is forging a unique and vibrant path in pop music—bold, heartfelt, and entirely her own.

BéLi (20h)

Arrive BéLi avec une pop vive et tiraillée, corporelle et entêtante, qui est le fruit d’un besoin de créer en explorant. Résolument éclectique, elle canalise sa colère et ses facettes moins reluisantes en confrontant la pudeur et en visant bousculer le statu quo de la féminité. Sur scène, BéLi et son band manifestent une attitude décomplexée, mettant en lumière le déploiement d’une pop alternative aussi singulière et exaltante que déstabilisante. Son premier album, XUV, coréalisé avec Blaise Borboën-Léonard (Lydia Képinski, Mort Rose, Nicolet…) et Nader Abouzeid (alias Funkywhat -notamment connu pour son travail avec Magi Merlin), paraît le 27 septembre 2024 sous l’étiquette Duprince.

BéLi arrives with a lively, tugging, bodily, heady pop that’s the fruit of a need to create by exploring. Resolutely eclectic, she channels her anger and less glamorous sides by confronting prudishness and aiming to shake up the status quo of femininity. On stage, BéLi and her band display a no-holds-barred attitude, highlighting the deployment of an alternative pop that is as singular and exhilarating as it is destabilizing. Her debut album, XUV, co-produced with Blaise Borboën-Léonard (Lydia Képinski, Mort Rose, Nicolet…) and Nader Abouzeid (aka Funkywhat – best known for his work with Magi Merlin), will be out on September 27, 2024 on Duprince Records.

Marie-Pierre Arthur (21h)

Quinze ans après ses débuts en solo, Marie-Pierre Arthur revient avec Album bleu, un cinquième opus façonné avec une attention minutieuse et un désir d’intensité maîtrisée. Entourée de son complice de toujours François Lafontaine et du réalisateur Sébastien Blais-Montpetit, elle explore chaque piste créative avec liberté et curiosité. Pour la première fois, elle ouvre aussi la porte à d’autres voix : les autrices Amylie et Carole Facal, ainsi que Mantisse et Rau_Ze, apportent fraîcheur et pluralité aux textes. Connue d’abord comme bassiste, Marie-Pierre Arthur a imposé sa signature pop-rock depuis 2009 avec des albums comme Aux alentours, Si l’aurore et Des feux pour voir. Avec Album bleu, paru chez Simone Records en 2024, elle poursuit sa quête d’équilibre entre émotion brute et groove rassembleur. Sa voix y trouve encore une fois un écrin sur mesure, chaque mot s’imbriquant avec soin dans des mélodies justes et vibrantes. Au printemps 2025, elle dévoile Album bleu (Deluxe), enrichi de collaborations sensibles, dont Klô Pelgag sur Sœurs, ainsi qu’une nouvelle chanson, Brille autant. Une œuvre lumineuse et généreuse, fidèle à une artiste qui, plus que jamais, compose avec le cœur.

Fifteen years into her solo career, Marie-Pierre Arthur returns with Album bleu—a refined, emotionally charged fifth album that reflects the care and freedom she’s given herself in the creative process. Co-produced with longtime collaborator and partner François Lafontaine and newcomer Sébastien Blais-Montpetit, the record distills years of ideas into an elegant and powerful collection. For the first time, Marie-Pierre welcomes outside voices into her writing process. Lyricists like Amylie, Carole Facal, and the younger artists Mantisse and Rau_Ze breathe new perspectives into her introspective pop-rock world. Known initially as a bassist, Arthur has built a rich discography since 2009, with acclaimed albums like Aux alentours, Si l’aurore, and Des feux pour voir. Album bleu, released in fall 2024 on Simone Records, continues her signature blend of emotive lyrics and groove-laden arrangements. Her voice and songwriting interlock like puzzle pieces—thoughtful, precise, and deeply felt. In spring 2025, she releases Album bleu (Deluxe), featuring reimagined versions of key tracks with guest artists, including Klô Pelgag on the haunting Sœurs. A brand-new track, Brille autant, completes this luminous extension of the original record. Heartfelt and finely crafted, Album bleu confirms Marie-Pierre Arthur as a cornerstone of Quebec’s music scene.

Jay Scøtt (22h)

Originaire de Terrebonne, Jay Scøtt est un auteur-compositeur-interprète polyvalent dont le style unique oscille entre pop, rap et folk. Chanteur, beatmaker, guitariste (à l’envers !) et anciennement connu sous le nom PL3, il marque la scène québécoise depuis plus d’une décennie. Ses chansons, imprégnées de références culturelles et de mélodies accrocheuses, explorent les hauts et les bas du quotidien avec une sincérité désarmante. Révélé au grand public grâce à Copilote en duo avec FouKi, morceau devenu un véritable phénomène (double platine, chanson la plus écoutée au Québec en 2021), Jay Scøtt enchaîne les succès. En 2021, il sort Ses Plus Grands Succès, un album certifié Félix de l’année dans la catégorie Folk et cumulant plus de 20 millions d’écoutes. S’ensuit une impressionnante série de concerts à guichets fermés, notamment au Club Soda, à l’Impérial Bell et au MTELUS. Avec plus de 100 spectacles entre 2022 et 2023, Jay Scøtt s’impose comme un artiste incontournable de la scène québécoise. En 2024, il amorce un nouveau chapitre avec le single LVL UP et l’album Toutes les rues sont silencieuses. Authentique et prolifique, il continue de rallier un public fidèle grâce à ses performances touchantes et son univers bien à lui.

Jay Scøtt, a multi-talented singer-songwriter from Terrebonne, Quebec, blends pop, rap, and folk in a raw, relatable, and catchy musical style. Formerly known as PL3, he’s a seasoned artist with over a decade of experience. Whether singing, rapping, beatmaking, or playing his upside-down guitar, Jay brings emotion and cultural relevance to his storytelling. He gained widespread recognition in 2020 with the hit Copilote, a collaboration with FouKi that topped Quebec’s radio charts for 11 weeks and went double platinum. The track became the most streamed Quebec song of 2021 and won “Song of the Year” at the ADISQ Gala. His debut album Ses Plus Grands Succès followed in 2021, earning him the ADISQ Félix Award for Folk Album of the Year and SOCAN’s Francophone Revelation prize. Jay’s sold-out shows at major venues like Club Soda, Impérial Bell, and MTELUS confirmed his strong connection with fans. With over 100 shows in just two years and a strong YouTube presence under JayScott89, he continues to share his acoustic sessions and unique guitar style. In spring 2024, Jay kicks off a new era with the single LVL UP, leading into his upcoming album Toutes les rues sont silencieuses. Honest, inventive, and unstoppable—Jay Scøtt is a true Quebec star.

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Art Pop / Trip Hop

FME : Frannie Holder à l’Agora des Arts

by Rédaction PAN M 360

Musicienne active depuis deux décennies (notamment à travers les formations Random Recipe et Dear Criminals), Frannie Holder crée aussi pour elle-même depuis quelque temps. Elle compose pour se faire du bien – et entièrement en français, une première pour elle – avec seulement une poignée de spectacles dans sa mire, sans encore savoir si elle lancera un jour un album. Ses pièces allient trip-hop, dream pop, chant choral, synth-pop, chanson française et pop expérimentale, menées par sa voix, à la fois forte et sensible, belle et déchirante. Pour faire de sa pratique un baume, qui pourra être communiqué à qui assistera à l’un de ses rares – et précieux – spectacles. Des moments qui, peu importe la grandeur de la salle, seront intimes, émouvants, et pérennes en mémoire(s).

An active musician for two decades (notably through the bands Random Recipe and Dear Criminals), Frannie Holder has also been creating for herself for some time. She composes to make herself feel good – and entirely in French, a first for her – with only a handful of shows in her sights, without yet knowing if she will one day release an album. Her pieces combine trip-hop, dream pop, choral singing, synth-pop, French chanson and experimental pop, led by her voice, at once strong and sensitive, beautiful and heartbreaking. To make her practice a balm, which can be communicated to whoever attends one of her rare – and precious – shows. Moments which, no matter the size of the venue, will be intimate, moving, and lasting in memory(s).

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Electro / rap

FME : SHOW DE NUIT – Baby Volcano au sous-sol du Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Baby Volcano est une artiste suisse-guatémaltèque qui a fait irruption sur la scène underground suisse avec son premier EP, Síndrome Premenstrual (2021). Formée à la danse contemporaine et à la performance (à Buenos Aires), elle captive le public avec ses spectacles puissants, sensibles et avant-gardistes. Son deuxième EP, sorti en avril 2025, s’intitule SUPERVIVENXIA, un mélange des mots espagnols « sobrevivencia » (survie) et « supervivencia » (super-vivant), résumant l’essence de ces nouvelles chansons : vivre pleinement la vie, embrasser ses peines autant que ses folies joyeuses.

Baby Volcano is a Swiss-Guatemalan artist who erupted onto the Swiss underground scene with her debut EP Síndrome Premenstrual (2021). Trained in contemporary dance and performance (in Buenos Aires), she captivates audiences with her powerful, sensitive, and avant-garde live shows. Her second EP, released in April 2025, is called SUPERVIVENXIA, a blend of the Spanish words “sobrevivencia” (survival) and “supervivencia” (super-alive), encapsulating these new songs’ essence: living life fully, embracing its sorrow as much as its joyous madness.

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Afro-Electro / Deep House

FME : SOIRÉE ÉLECTRO – Moonshine au Petit Théâtre du Vieux Noranda

by Rédaction PAN M 360

Depuis sa naissance dans le Mile-End montréalais en 2014, le collectif Moonshine fait vibrer la scène électronique avec ses soirées secrètes et envoûtantes. Chaque samedi suivant la pleine lune, des centaines de « moonshineurs » se rassemblent pour danser jusqu’à l’aube sur des rythmes deep et afro house. Lieu tenu secret, annonce tardive, atmosphère mystique : ces événements sont devenus cultes. En 2016, Moonshine devient aussi un label, soutenant les artistes gravitant autour du collectif. À travers sa série SMS for Location, le noyau créatif – incluant Pierre Kwenders (lauréat du prix Polaris 2022) – collabore avec une constellation d’artistes internationaux comme Sango, Uniiqu3, Bambii ou Georgia Ann Muldrow. Les signatures actuelles du label incluent Vanyfox, figure montante de la batida, DJ P2N, pionnier de l’amapiano congolais, et le duo torontois Èbony. Distribué par Warner Music (ADA), Moonshine s’apprête à lancer SMS for Location Vol.6 le 2 mai 2025, accompagné d’une tournée européenne célébrant la scène électronique afro-diasporique. Fidèle à son essence, le collectif continue de brouiller les frontières entre les genres, les cultures et les générations. Moonshine, c’est une communion musicale globale où la fête devient un acte de connexion et de libération.

Born in Montreal’s Mile-End in 2014, Moonshine is a collective redefining the electronic music scene through secret, post-full-moon parties blending deep and afro house. Every Saturday after the full moon, hundreds gather in a hidden location—revealed only by text message 48 hours prior—for a night of ritual, dance, and immersive artistry curated by DJs, VJs, dancers, and musicians. In 2016, Moonshine evolved into a record label, supporting its global creative community. At the heart of it all is the SMS for Location series, featuring collective member Pierre Kwenders (Polaris Prize winner 2022) alongside collaborators like Sango, Georgia Ann Muldrow, Uniiqu3, and Bambii. The label’s current roster includes standout acts like Vanyfox (batida innovator), Congolese amapiano pioneer DJ P2N, and Èbony—hailed by Boiler Room as a defining force in Toronto’s club scene. Now signed to Warner Music (ADA), Moonshine is set to release SMS for Location Vol.6 on May 2, 2025, with an ongoing European tour showcasing groundbreaking collaborations with producers across the African continent and its diaspora. Ten years in, Moonshine remains a bold force—dismantling boundaries between genres, cultures, and generations—where music, ritual, and community come together under the light of the moon.

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art rock / Indie Rock / psych

FME : Antoine Corriveau et Critique Love au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

Critique Love (17h)

Critique Love, c’est le projet de rock cinématographique du compositeur Antoine Binette Mercier, notamment connu comme proche collaborateur de Julien Sagot. Œuvrant dans le milieu de la musique à l’image depuis une dizaine d’années, Binette Mercier a notamment signé les trames sonores des téléséries Société distincte et Le 422 ainsi que celle du documentaire Takedown: the DNA of GSP. Et, grâce à son travail avec Sagot, il s’intéresse aussi désormais à percevoir la chanson comme un monde affranchi de tout cadre convenu et formel –en résulte Critique Love : une porte vers un voyage plastifié de souvenirs, un défilement d’autoroutes teutonnes, de déserts apocalyptiques, de cabarets dystopiques et de cosmos sondé, qui pourra plaire autant aux fans de Jonny Greenwood que de Suuns. Un premier album paraîtra cette année sous Simone Records : du rock qui ira toujours ailleurs, des angoisses qu’on sublime, de la lumière qui s’immisce dans les interstices qu’elle finit résolument par créer.

Critique Love is the cinematic rock project of composer Antoine Binette Mercier, known in particular as a close collaborator of Julien Sagot. Working in the film music industry for around ten years, Binette Mercier has notably composed the soundtracks for the television series Société Distincte and Le 422 as well as the documentary Takedown: the DNA of GSP. And, thanks to his work with Sagot, he is also now interested in perceiving song as a world free from any conventional and formal framework – the result is Critique Love: a door to a plasticized journey of memories, a scrolling of Teutonic highways, apocalyptic deserts, dystopian cabarets and a probed cosmos, which will appeal to fans of Jonny Greenwood as well as Suuns. A first album will be released this year under Simone Records: rock that will always go elsewhere, anxieties that are sublimated, light that infiltrates the interstices that it resolutely ends up creating.

Antoine Corriveau (18h)

Avec Oiseau de Nuit, Antoine Corriveau signe un album profondément intime et expérimental. Né de fragments d’identités fictives et réelles, le projet explore la dissociation, les violences invisibles et la quête de transformation de soi. À travers une narration labyrinthique où mémoire et fantasme se confondent, Corriveau cherche à dire l’indicible : les zones sombres qui façonnent l’être. Inspiré par les codes du hip-hop et du sampling, il initie un processus de création libre, invitant une quinzaine de musicien·nes à improviser en studio. Ces sessions deviennent la matière première de compositions audacieuses, où se mêlent influences jazz, RnB, rap et poésie brute. Aux côtés de Stéphane Bergeron, François Lafontaine, Sheenah Ko ou VioleTT Pi, Corriveau bâtit un univers musical éclaté et organique, évitant le pastiche tout en s’inspirant d’artistes comme Kendrick Lamar, Alice Coltrane ou Makaya McCraven. L’autre moitié de l’album revient à l’essentiel : piano, guitare, solitude. Ce double mouvement, entre densité collective et dépouillement introspectif, permet à Corriveau de dévoiler, pour la première fois, des parts de lui-même jusque-là tues. Oiseau de Nuit est un voyage identitaire, entre passé et présent, où la musique devient acte de résurrection, et la création. Tout pour se sentir vivant.

With Oiseau de Nuit, Antoine Corriveau delivers a bold and intimate album that blurs the lines between fiction and autobiography. Inspired by imagined lives and inner transformations, the album delves into invisible violence, dissociation, and the need to become other—a new self capable of transcending past darkness. Memory and fantasy entwine, creating a deeply layered narrative. Initially drawn to hip-hop production and sampling, Corriveau avoids stylistic mimicry by building his own soundbank through improvisation. He invited over a dozen musicians to record freely in his studio—Stéphane Bergeron, François Lafontaine, Sheenah Ko, VioleTT Pi, among others—laying the foundation for a sonic tapestry influenced by jazz, RnB, rap, and spiritual music. Artists like Kendrick Lamar, Alice Coltrane, Makaya McCraven, and Georgia Anne Muldrow guided his exploratory process. While half the album is rooted in these collective sessions, the other half returns to Corriveau’s core: stripped-down songwriting at the piano or guitar. This dual approach—expansive and introspective—reveals parts of himself never before expressed in his music. Oiseau de Nuit is a journey through childhood, adolescence, and identity, offering a poetic, sometimes raw portrait of becoming. Music here is not just expression—it is survival, and ultimately, a declaration of life.

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Indie Rock / New Wave / psych

FME :Trop Belle et Larynx à la scène Fizz

by Rédaction PAN M 360

Larynx (12h)

Fidèle à lui-même, Larynx est de retour avec un nouvel album tout droit sorti d’un espace-temps décalé où se côtoient irrévérence, créativité et absurde. Le multi-instrumentiste propose un rock inqualifiable, décidément champ-gauche, qui oscille d’un genre à l’autre sans crier gare. Parfois psych, country ou même garage, l’univers musical de Larynx n’a aucune limite, bien qu’on puisse y naviguer facilement en raison de son songwriting efficace et singulier.

True to form, Larynx is back with a new album straight out of a shifted space-time where irreverence, creativity, and absurdity coexist. The multi-instrumentalist delivers unspeakable, decidedly left-field rock that swings from one genre to another without warning. Sometimes psych, country, or even garage, Larynx’s musical universe has no limits, although it’s easy to navigate thanks to his effective and unique songwriting.

Trop Belle (13h)

Trop Belle est un groupe de punk/new wave déjanté, proposant une critique subversive et ironique du show business. Menée par Lolita Trop Belle, une diva à la beauté incroyable et qui chante à la française pour percer à l’international, la formation plonge son public dans un univers participatif, empruntant des codes tant bien au théâtre qu’à l’humour. À quelque part entre les B52’s et le Rocky Horror Picture Show, le quintette aborde des sujets parfois tabous, parfois absurdes, à l’aide d’un ton cathartique sur des sonorités punk.

Trop Belle is a wild punk/new wave band offering a subversive and ironic critique of show business. Led by Lolita Trop Belle, a diva of INCREDIBLE beauty, the group immerses its audience in a participatory universe, borrowing codes from both theater and comedy. Somewhere between the B-52’s and the Rocky Horror Picture Show, the quintet tackles topics that are sometimes taboo, sometimes absurd, using a cathartic tone over punk sounds.

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