Montréal

Post-Rock / Shoegaze / space rock

A Place to Bury Strangers au Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Le projet d’Oliver Ackermann, A Place to Bury Strangers, combine shoegaze, space rock et bien plus dans une musique à la fois assourdissante et souvent belle. Malgré de fréquents changements de formation, la détermination d’APTBS à produire un son puissant, avec des bruits de pédales et une attitude ardente, est restée intacte, passant des sons shoegaze classiques de leur premier album éponyme sorti en 2007 aux expérimentations bruitistes et électroniques d’albums comme Transfixiation (2015) et Pinned (2018). Dans les années 2020, A Place to Bury Strangers est revenu à ses racines bruyantes, les adoucissant avec de la mélodie sur See Through You (2022), avant de les pousser à des extrêmes envahissants sur Synthesizer (2024).

The project of Oliver Ackermann, A Place to Bury Strangers combines shoegaze, space rock, and more into blisteringly loud but often beautiful music. Despite frequent lineup changes, APTBS’ dedication to volume, pedal-stomping sounds, and smoldering attitude remained as they moved from the classic shoegaze sounds of their 2007 self-titled debut to the noise and electronic experiments of albums like 2015’s Transfixiation and 2018’s Pinned. In the 2020s, A Place to Bury Strangers returned to their noisy roots, leavening them with melody on 2022’s See Through You and taking them to engulfing extremes on 2024’s Synthesizer.

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EBM / Gothic / Minimal Techno

Psyche au Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Mêlant synth-pop et rock gothique, le groupe canadien Psyche s’est forgé une solide base de fans en Europe et un statut culte dans le reste du monde grâce à son alliance entre mélodie et dramaturgie. D’abord apparu comme un projet minimal synth accompagné de performances scéniques étranges et provocantes, leur musique a progressivement évolué vers une approche plus pop, tout en conservant une atmosphère sombre et introspective. À la fin des années 90, Psyche avait pleinement embrassé son penchant pour la musique dansante, affirmant ainsi son statut de pionnier de la scène EBM et futurepop.

Combining synth pop and goth rock, Canada’s Psyche built a solid fan base in Europe and a cult following in the rest of the world with their marriage of drama and melody. Initially surfacing as a minimal synth act with a bizarre, confrontational stage show, their work gradually became more pop-minded while maintaining a dark, brooding atmosphere. By the end of the ’90s, Psyche had fully embraced their danceable side, asserting their status as godfathers of the EBM/futurepop scene.

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classique / Modern Classical

Pro Musica : Sergey et Lusine Khachatryan à la salle Pierre-Mercure

by Rédaction PAN M 360

L’exceptionnel violoniste Sergey Khachatryan possède une « sonorité à la fois chaleureuse et intensément pensive… La liberté et la rigueur y cohabitent » (Classique News).
“…She is a superb pianist, with a big sound and fiery technique …” (New York Times)
Sergey et Lusine Khachatryan, frère et sœur, ont chacun des carrières de soliste de premier plan et se produisent ensemble, en duo. Tous deux mènent une prestigieuse carrière internationale, lui au violon, elle au piano. Nés d’une famille de musiciens et originaires d’Arménie, ils nous font découvrir cette partie du monde, notamment en mettant à l’honneur Arno Babajanian, un compositeur et pianiste d’excellence, qui tout comme eux, est natif de Erevan.
Sergey Khachatryan a remporté le Premier Prix du VIIIe Concours international Jean Sibelius à Helsinki en 2000, devenant ainsi le plus jeune lauréat de l’histoire du concours. Et en 2005, il gagnait le Grand Prix du Concours Reine Elisabeth à Bruxelles.
Lusine Khachatryan, considérée comme une « poète du piano » s’est produite sur les plus grandes scènes internationales en Europe, au Japon et aux Etats-Unis . Elle est lauréate du Concours International de Piano à « Città di Ostra» (Italie 2023).

The exceptional violinist Sergey Khachatryan possesses a “sound that is both warm and intensely thoughtful… Freedom and rigor coexist” (Classique News).
“…She is a superb pianist, with a big sound and fiery technique…” (New York Times)
Sergey and Lusine Khachatryan, brother and sister, each have prominent solo careers and perform together as a duo. Both lead prestigious international careers, with him on the violin and her on the piano. Born into a family of musicians in Armenia, they introduce us to this part of the world, particularly by highlighting Arno Babajanian, an outstanding composer and pianist who, like them, hails from Yerevan.
Sergey Khachatryan won the First Prize at the 8th Jean Sibelius International Competition in Helsinki in 2000, becoming the youngest laureate in the history of the competition. In 2005, he won the Grand Prix at the Queen Elisabeth Competition in Brussels.
Lusine Khachatryan, considered a “poet of the piano,” has performed on the world’s greatest stages in Europe, Japan, and the United States. She is the winner of the 2023 International Piano Competition in Città di Ostra (Italy).

Programme

Saison Prodige – Duo Sergey Khachatryan, violon et Lusine Khachatryan, piano
LUDWIG VAN BEETHOVEN, Sonate pour violon et piano No. 1 en ré majeur, op.12
LUDWIG VAN BEETHOVEN, Sonate pour violon et piano No. 4 en la mineur, op.23
-ENTRACTE-
CLAUDE DEBUSSY, Sonate pour violon et piano en sol mineur
ARNO BABADJANIAN, Sonate pour violon et piano en si bémol mineur

Program

Prodigy Season – Duo Sergey Khachatryan, violin and Lusine Khachatryan, piano
LUDWIG VAN BEETHOVEN, Sonata for Violin and Piano No. 1 in D Major, Op. 12
LUDWIG VAN BEETHOVEN, Sonata for Violin and Piano No. 4 in A minor, Op. 23
INTERMISSION
CLAUDE DEBUSSY, Sonata for Violin and Piano in G minor
ARNO BABADJANIAN, Sonata for Violin and Piano in B-flat minor

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Afro-Cuban / danse

Festival Orientalys : Désert rose – Anadanse au Quai de l’horloge

by Rédaction PAN M 360

Comme une fleur minérale née du vent, du sable et du temps, Desert Rose s’élève entre grâce et résistance. Ana Espinosa, chorégraphe cubaine à l’âme volcanique, fait surgir sur scène un monde où la danse devient matière vivante, souffle sacré, mémoire charnelle.
Ses interprètes, silhouettes vibrantes comme des mirages, tracent sur le sol les lignes d’un poème venu d’ailleurs. Leur gestuelle, inspirée de la danse orientale fusion, évoque des corps traversés par le feu ancien des traditions afro-cubaines et le mystère des terres lointaines.
Chaque frémissement d’épaule, chaque cercle dessiné par les hanches, raconte une histoire de renaissance dans la tourmente.
Pionnière de la danse orientale à Cuba, Ana Espinosa transforme l’espace en un creuset d’émotions. Sous ses pas, le réel se fend, et l’on entre dans un monde où la vulnérabilité est force, et le mouvement, langage de l’âme.
Desert Rose est une incantation dansée, une prière qui s’élève sans mots. Les hanches y scandent un hymne aux âmes en quête d’ancrage, les frontières s’effacent, et le public tout entier est invité à distiller des éclats de lumière dans les failles du monde.

Like a mineral flower born of wind, sand, and time, Desert Rose rises between grace and resistance. Ana Espinosa, a Cuban choreographer with a volcanic soul, brings to the stage a world where dance becomes living matter, sacred breath, embodied memory.
Her performers, vibrant silhouettes like mirages, draw on the ground the lines of a poem from elsewhere. Their movement, inspired by fusion oriental dance, evokes bodies crossed by the ancient fire of Afro-Cuban traditions and the mystery of distant lands. Every shoulder tremble, every circle traced by the hips, tells a story of rebirth through the storm.
A pioneer of oriental dance in Cuba, Ana Espinosa transforms the stage into a crucible of emotion. Under her steps, reality cracks open, revealing a world where vulnerability is strength and movement is the language of the soul.
Desert Rose is a danced incantation, a prayer rising without words. Hips chant a hymn for souls in search of grounding, borders dissolve, and the entire audience is invited to scatter sparks of light into the fractures of the world.

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rap / rap-pop

Osheaga : Doechii au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Connue pour son style audacieux et animé, la rappeuse et chanteuse Doechii, originaire de Tampa en Floride, oscille avec aisance entre morceaux agressifs taillés pour les clubs et récits introspectifs. Après plusieurs années de publications en indépendant, sa chanson confessionnelle Yucky Blucky Fruitcake devient un succès viral en 2021, lui valant des prestations aux BET Hip Hop Awards et un contrat avec une grande maison de disques.
Son EP de 2022, she / her / black bitch, comprend des collaborations avec SZA et Rico Nasty. En 2023, elle sort What It Is (Block Boy) avec Kodak Black, qui devient son premier titre à entrer dans le Top 40 du Billboard. En 2024, elle collabore avec JT des City Girls sur Alter Ego et enchaîne avec d’autres morceaux, dont Nissan Altima, avant de proposer son tout premier mixtape chez Top Dawg Entertainment : Alligator Bites Never Heal, une œuvre aux multiples facettes qui remporte un Grammy Award.

Known for her brash, animated style, Tampa, Florida-born rapper and singer Doechii is equally likely to make aggressive club tracks and introspective narratives. After releasing music independently for several years, her confessional song “Yucky Blucky Fruitcake” became a viral hit in 2021, leading to performances on the BET Hip Hop Awards and a major-label deal.
Her 2022 EP she / her / black bitch included collaborations with SZA and Rico Nasty. “What It Is (Block Boy)” with Kodak Black appeared in 2023 and became her first Billboard Top 40 hit. In 2024, she collaborated with City Girls’ JT on “Alter Ego” and released additional songs like “Nissan Altima” before she offered her multifaceted first mixtape for Top Dawg Entertainment, the Grammy-winning Alligator Bites Never Heal.

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percussions / South-East Asian

Festival Orientalys : Frissons du Siam au Quai de l’horloge

by Rédaction PAN M 360

Laissez les tambours sacrés du Gong Wong sculpter l’air de leurs vibrations ancestrales tandis que la Thai Dance Troupe of Ottawa déroule le parchemin vivant de la culture thaïlandaise. Imaginez un théâtre où les gestes codifiés deviennent hiéroglyphes dansants, où les masques constellés de gemmes abritent des univers de légende et où les costumes-broderies rayonnent comme des manuscrits de lumière. Vous pénétrez l’épopée du Ramakien comme on franchit un seuil sacré, naviguant entre la noblesse des héros au cœur de jade et la noirceur des créatures démoniaques, chaque duel chorégraphié transformant la vertu en art martial poétique.
Sous une pluie de pétales bariolés, les ombrelles royales dessinent des mandalas éphémères, tenues par des danseuses aux paumes ouvertes comme des offrandes célestes. Le combat héroïque se mue en calligraphie aérienne, la trahison en symphonie du chaos et la spiritualité en dialogue dansé où l’hindouisme flamboyant épouse la méditation bouddhiste. Ce spectacle transcende la performance, c’est un métier à tisser cosmique où chaque fil de soie relie les étoiles du Ramakien aux battements de votre cœur, chaque broderie scintillante révélant des secrets khmer anciens sous la lune montréalaise.
Un billet unique pour toute la journée “Samedi en liesse” de la scène TD, comprenant les 6 spectacles annoncés:
15h: Flamenco à la dérive – Rosanne Dion et ses danseuses, avec la participation de Fernando Gallego.
16h15: Frissons du Siam – Thai Dance Troup of Ottawa
17h45: Rabie Houti Band – Musique
19h30: Meriem Pahlavi – Danse.
20h30: Hatim Ammor – Musique.
22h15: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira et Gorka. Danse

Let the sacred drums of the Gong Wong carve the air with their ancient vibrations as the Thai Dance Troupe of Ottawa unfurls the living scroll of Thai culture. Imagine a theatre where every coded gesture becomes a dancing hieroglyph, where gem-studded masks hold entire worlds of legend, and costumes gleam like manuscripts of light.
You enter the epic of the Ramakien as if crossing a sacred threshold, navigating between jade-hearted heroes and the darkness of demonic creatures, each choreographed duel turning virtue into poetic martial art.

Beneath a rain of multicoloured petals, royal parasols trace ephemeral mandalas, held by dancers whose open palms offer celestial gifts. Heroic battles become aerial calligraphy, betrayal becomes symphony, and spirituality becomes a danced dialogue where radiant Hinduism meets Buddhist meditation.
This isn’t just a show; it’s a cosmic loom, where every thread of silk links the stars of the Ramakien to your heartbeat, and every shimmering embroidery reveals ancient Khmer secrets under the Montreal moon.
A single ticket for the entire day of “Samedi en liesse” on the TD stage, including the 6 announced shows:
3 p.m.: Flamenco Adrift – Rosanne Dion and her dancers, with special guest Fernando Gallego
4:15 p.m.: Chills from Siam Thai Dance Troupe of Ottawa
5:45 p.m.: Rabie Houti Band Music
7:30 p.m.: Meriem Pahlavi – Dance
8:30 p.m.: Hatim Ammor – Music
10:15 p.m.: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira and Gorka Dance

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Indie Rock / Pop-Rock

Osheaga : Lucy Dacus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Dotée d’une voix riche et veloutée, Lucy Dacus met autant de puissance dans ses morceaux d’indie rock réfléchis que dans ses ballades plus intimes et confessionnelles. Originaire de Richmond, en Virginie, elle se fait remarquer au milieu des années 2010 grâce au single I Don’t Wanna Be Funny Anymore, extrait de son premier album No Burden (2016), salué par la critique et les grands médias indie. Dès ses débuts, Dacus se distingue par une écriture à la fois pleine d’esprit et profondément émotive.
Son deuxième album, Historian (2018), plus dramatique et ambitieux, confirme son talent, la même année où elle fonde le supergroupe Boygenius avec Julien Baker et Phoebe Bridgers, deux autres figures majeures de la scène indie américaine. En 2021, elle dévoile Home Video, un troisième album plus tendre et autobiographique, qui entre dans la première moitié du Billboard 200.
Alors que Boygenius gagne en popularité, Dacus accède pour la première fois au Top 5 en 2023 avec The Record, premier album complet du trio, récompensé aux Grammy Awards et aux Brit Awards. En 2025, elle revient en solo avec Forever Is a Feeling, un quatrième album centré sur les relations à l’âge adulte, marquant son passage en major. On y retrouve notamment ses complices de Boygenius, Hozier et le producteur Blake Mills parmi les invités.

Singer and songwriter Lucy Dacus’ rich, buttery voice commands both her thoughtful indie rock tunes and more intimate confessionals. Emerging from Richmond, Virginia’s indie scene in the mid-2010s, she broke through the blogosphere and onto major indie outlets with lead single “I Don’t Wanna Be Funny Anymore” from her 2016 debut album, No Burden. It showcased the songwriter’s playful and also heartrendingly candid way with words.
The critical success of the more dramatic follow-up, Historian, in 2018 was followed the same year by membership in Boygenius, a trio with similarly lauded contemporaries Julien Baker and Phoebe Bridgers. Dacus’ more tender and more autobiographical third solo album, Home Video, arrived in 2021 and landed just outside the top half of the Billboard 200. As Boygenius’ popularity surged, Dacus’ first appearance in the Top Five came in 2023 with her trio’s Grammy- and Brit Award-winning full-length debut, The Record.
Her Boygenius bandmates, Hozier, and album co-producer Blake Mills were among the guests on Dacus’ adult-relationship-themed fourth solo outing, 2025’s Forever Is a Feeling, her major-label debut.

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Deep House / Électronique

Osheaga : Barry Can’t Swim au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Le producteur britannique Barry Can’t Swim crée une house entraînante et mélodique, toujours teintée d’une certaine mélancolie. Influencé par le jazz, l’afrobeat et l’écriture pop classique, il compose des morceaux axés sur le groove tout en accordant une grande importance aux mélodies, souvent enrichies d’échantillons vocaux issus de genres et de cultures variés. Après une série de singles indépendants, il sort deux EPs, dont More Content (2022), aux accents breakbeat marqués. Son premier album, When Will We Land? (2023), nommé au Mercury Prize, confirme son talent. Il poursuit avec Loner (2025), un deuxième disque plus dense et ambitieux.

British producer Barry Can’t Swim makes lively, tuneful house music with a touch of melancholy. Influenced by jazz and Afrobeat as well as classic pop songwriting, his tracks are groove-forward but also emphasize memorable melodies, and frequently contain vocal samples from a wide variety of genres and countries. Numerous stand-alone singles preceded two EPs, including the breakbeat-heavy More Content (2022), and his Mercury Prize-nominated full-length debut, When Will We Land?, arrived in 2023. Loner, a more complex and expansive second album, was released in 2025.

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afro-pop / Chaâbi / Maghrebi

Festival Orientalys : Hatim Ammor au Quai de l’horloge

by Rédaction PAN M 360

Sous la voûte étoilée de Montréal et devant un public en ébullition, Orientalys grave dans sa légende la venue flamboyante de Hatim Ammor ! Phénomène planétaire aux millions de cœurs conquis, cette comète de la pop marocaine allume depuis Casablanca les feux d’une fusion électrisante où les trésors du chaâbi épousent les pulsations électro-urbaines du monde.
Une voix d’or qui cisèle l’émotion à fleur de peau. Des mélodies ensorcelantes où le bendir ancestral dialogue avec les synthés futuristes.
Des refrains incandescents comme “Mabrouk”, “Aalach Ya Lil”, “Hasdouna”, devenus hymnes d’une génération enivrée de liberté. Voilà le charme irrésistible de ce prodige dont les streams explosent les frontières, réinventant l’héritage gnawa en symphonies résolument modernes.
Chanteur hors pair, à la présence scénique magnétique, Hatim Ammor a ce don rare de tisser la tradition en véritable orfèvre, transformant chaque spectacle en une exceptionnelle performance.
La piste de danse frémit de peuples unis : épaules dansantes en vagues complices, déhanchés fiévreux scandant les percussions, sourires éclatants pour illuminer la nuit. Laissez-vous emporter par la tornade de paillettes sonores de celui qui écrit son propre récit d’une musique cosmopolite, généreuse, audacieuse et follement dansante !
Un billet unique pour toute la journée « Samedi en liesse » de la scène TD, comprenant les 6 spectacles annoncés:
15h: Flamenco à la dérive – Rosanne Dion et ses danseuses, avec la participation de Fernando Gallego.
16h15: Frissons du Siam – Thai Dance Troup of Ottawa
17h45: Rabie Houti Band – Musique
19h30: Meriem Pahlavi – Danse.
20h30: Hatim Ammor – Musique.
22h15: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira et Gorka. Danse.

Beneath Montreal’s starry sky and in front of a euphoric crowd, Orientalys marks a legendary moment; the dazzling arrival of Hatim Ammor. A global phenomenon with millions of hearts won over, this Moroccan pop comet ignites the world from Casablanca, blending the treasures of chaâbi with the urban-electro pulse of modern times.
A golden voice chiseling emotion to the skin. Spellbinding melodies where the ancestral bendir meets futuristic synths. Blazing choruses like Mabrouk, Aalach Ya Lil, Hasdouna — now anthems for a generation intoxicated with freedom.
That’s the irresistible magic of this prodigy whose streams know no borders, reinventing the gnawa legacy as fully modern symphonies.
An exceptional singer with magnetic stage presence, Hatim Ammor has that rare gift — a jeweler of tradition, turning each concert into a breathtaking performance.
The dance floor trembles with united peoples — shoulders swaying in joyful waves, fevered hips echoing the percussion, radiant smiles lighting up the night. Let yourself be swept up in the glittering whirlwind of sound by an artist writing his own tale of generous, bold, cosmopolitan music that makes you dance like there’s no tomorrow.
3 p.m.: Flamenco Adrift – Rosanne Dion and her dancers, with special guest Fernando Gallego
4:15 p.m.: Chills from Siam Thai Dance Troupe of Ottawa
5:45 p.m.: Rabie Houti Band Music
7:30 p.m.: Meriem Pahlavi – Dance
8:30 p.m.: Hatim Ammor – Music
10:15 p.m.: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira and Gorka Dance

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Indie Rock / Ska

The Planet Smashers au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Émergeant de l’assez improbable ville de Montréal, Québec, les revivalistes du ska The Planet Smashers ont été formés en 1994 par le chanteur/guitariste Matt Collyer, le bassiste Dave Cooper, le saxophoniste Leon Kingston, le tromboniste Kurt Ruzenisky et le batteur Tim Doyle. Après un premier album éponyme en 1996 sous leur propre label STOMP, ils ont également sorti plus tard cette année-là l’EP Inflate to 45 RPM. Attack of the Planet Smashers est paru en 1998, suivi de Life of the Party l’année suivante. À ce stade, la composition du groupe avait évolué pour inclure Collyer, Cooper, le saxophoniste Neil “Lonestar” Johnson, le tromboniste Andrew Lattoni et le batteur Scott Russell. Ils avaient également construit une solide base de fans en Amérique du Nord, en tournant avec des groupes tels que Mustard Plug, AFI, Samiam et les Aquabats, entre autres, et STOMP prospérait en tant qu’indépendant influencé par le ska et le punk. The Planet Smashers sont restés constants au fil des années, sortant No Self Control en 2001, Fabricated en 2002, et Mighty en 2004. Le DVD Ten est également sorti en 2004, documentant les dix premières années du groupe avec des interviews, des clips, des images live et plus encore, tandis que le groupe passait plusieurs semaines sur le Vans Warped Tour de l’été. Unstoppable a suivi en 2005.

Emerging from the rather unlikely locale of Montreal, Quebec, ska revivalists the Planet Smashers were formed in 1994 by singer/guitarist Matt Collyer, bassist Dave Cooper, saxophonist Leon Kingston, trombonist Kurt Ruzenisky, and drummer Tim Doyle. Debuting with a 1996 self-titled effort for their own STOMP imprint, later that year they also issued the EP Inflate to 45 RPM. Attack of the Planet Smashers appeared in 1998, followed by Life of the Party a year later. By this point the band’s lineup had shifted to include Collyer, Cooper, saxophonist Neil “Lonestar” Johnson, trombonist Andrew Lattoni, and drummer Scott Russell. They’d also built a respectable following throughout North America, touring with bands like Mustard Plug, AFI, Samiam, and the Aquabats, among others, and STOMP was doing well as a ska- and punk-flavored indie. The Planet Smashers remained consistent over the years, dropping No Self Control in 2001, Fabricated in 2002, and Mighty in 2004. The DVD Ten appeared in 2004 as well, documenting the band’s first ten years together with interviews, music videos, live footage, and more, while the band spent several weeks on the summer’s Vans Warped Tour. Unstoppable was next issued in 2005.

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Africa / Afrobeat

Afrobeats to the World au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Vivez l’incroyable phénomène mondial AFROBEATS TO THE WORLD, où les rythmes envoûtants de l’Afrique se mêlent à la musique pour créer une célébration vibrante et immersive de la culture africaine. Avec des danseurs en vedettes et des DJs en chefs d’orchestre, les événements AW offrent des expériences uniques, rapprochant les cultures, tissant des liens et vous plongeant au cœur d’un patrimoine riche. Préparez-vous à être captivé, transporté et transformé à jamais.

Experience the electrifying global phenomenon of AFROBEATS TO THE WORLD, where pulsating African rhythms and music collide, creating a transformative celebration and vibrant showcase of African culture. With dancers as stars and DJs as conductors, AW events offer immersive experiences, bridging gaps, fostering connections, and immersing you in the richness of African heritage. Get ready to be captivated, moved, and forever changed.

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Folk Pop / hip-hop alternatif / Soul/R&B

Mereba au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Mereba navigue librement entre un R&B progressif aux racines soul, la folk et le hip-hop, adoptant une approche narrative dans son écriture. Profondément attachée au Sud des États-Unis, la chanteuse, rappeuse, multi-instrumentiste et productrice a développé son talent à Atlanta, où elle a rejoint le collectif Spillage Village, affilié à Dreamville. Elle a débuté en solo avec des enregistrements folk-soul, dont l’EP Room for Living (2013), avant de faire ses premiers pas sur un label majeur avec The Jungle Is the Only Way Out (2019). Cet album éclectique comprend des collaborations avec 9th Wonder (Black Truck), JID (Sandstorm) et 6LACK (Heatwave), tous membres de Spillage Village. Après Azeb (2021), un EP marqué par la tendre et apaisante Rider, Mereba s’est surtout illustrée en collaborant avec des artistes comme Saba, Ravyn Lenae et Baby Rose. Signée chez Secretly Canadian en 2024, elle fait son retour avec The Breeze Grew a Fire (2025), son deuxième album, à la fois discret et chaleureux.

Mereba moves freely from soul-rooted progressive R&B to folk to hip-hop while favoring a narrative approach to songwriting. Deeply connected to the South, the singer/rapper, multi-instrumentalist, and producer honed her talents in Atlanta, where she became part of the Dreamville-affiliated Spillage Village collective. She got her start as a solo artist with folk-soul recordings including the Room for Living EP (2013), and made her major-label debut with The Jungle Is the Only Way Out (2019), a wide-ranging album featuring collaborations with 9th Wonder (“Black Truck”) and Spillage Village associates JID (“Sandstorm”) and 6LACK (“Heatwave”). Following Azeb (2021), an EP highlighted by the affectionate and lullaby-like “Rider,” Mereba appeared primarily as a collaborator on songs headlined by the likes of Saba, Ravyn Lenae, and Baby Rose. Signed to Secretly Canadian in 2024, she returned with The Breeze Grew a Fire (2025), her unostentatious if inviting second album.

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