Francos de Montréal : Charles à la scène Loto-Québec

by Rédaction PAN M 360

Il n’aura donc fallu que son premier single ‘Wasted Time’ à Charlotte Foret, lauréate de The Voice 2019, pour s’imposer et se faire un nom : Charles. À 20 ans seulement, la jeune chanteuse belge se livre totalement dans un premier EP, « Falling While Rising » en abordant des thèmes autobiographiques et universels sur des sonorités pop alternative, indie rock et parfois même stoner.
Entre douceur et aspérités, cet EP est à l’image de Charles, insaisissable, à contre-courant, ne se limitant pas à un seul genre, un véritable oxymore. On retrouve dans les 6 plages, ce qui fait désormais sa signature : une voix unique et multiple, profonde et sombre mais aussi aérienne et lumineuse. Parallèlement à cet EP, Charlotte a co-composé et co-écrit avec Alex Callier le titre ‘The Wrong Place’ de Hooverphonic, qui a représenté la Belgique au Concours Eurovision de la Chanson au mois de mai dernier. Assurément l’une des révélations de l’année.

It took just one debut single—“Wasted Time”—for Charlotte Foret, winner of The Voice Belgium 2019, to make her mark under the name Charles. At only 20 years old, the young Belgian singer opened up fully in her debut EP Falling While Rising, addressing both personal and universal themes through a blend of alternative pop, indie rock, and even touches of stoner influences.
Balancing softness and raw edges, the EP reflects Charles herself: elusive, unconventional, and unbound by genre—a true oxymoron.
Across the six tracks, she unveils what has become her signature: a voice both singular and multifaceted, deep and dark, yet airy and luminous.
Alongside this project, Charlotte co-wrote and co-composed the track “The Wrong Place” with Alex Callier for Hooverphonic, Belgium’s entry in the Eurovision Song Contest earlier that year. Without a doubt, she stands as one of the year’s most striking musical revelations.

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Dance-Pop / Indie Pop / soft-rock

POP Montréal : Meggie Lennon, lancement d’album Desire Days avec Lael Neale & Meghan Dowlen au Ministère

by Rédaction PAN M 360

Meggie Lennon

L’univers chatoyant de l’artiste montréalaise Meggie Lennon est un délicat canevas d’indie pop éthérée et de soft rock voluptueux, un appel à la rêverie, à la douceur et à la sensualité. Les chansons de cette auteure-compositrice-interprète abordent, avec maturité, l’amour, les désirs libérés, la découverte de soi, la résilience et les complexités de la vie moderne. Louder than War note que son premier album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – « fusionne le psychédélisme des années 60 et du début des années 70 pour créer une ambiance indie dream pop », ajoutant également : « Les chansons parlent de désir et de péchés mignons, tout en exprimant une vision mature de l’amour à une époque où la romance est insaisissable et fragile. De temps en temps, c’est un peu épicé aussi ». Le deuxième album de Meggie Lennon, Desire Days, est prévu pour le 20 juin 2025, toujours sur l’étiquette Mothland. Le long jeu réalisé avec Samuel Gemme met en vedette des musicien.ne.s de groupes renommés tels que Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat et The Besnard Lakes, de même que le Quatuor Esca sur des arrangements d’Antoine Gratton, promettant ainsi un nouveau chapitre dans l’évolution de la sonorité et de la vision de l’artiste montréalaise.

The shimmering world of Montréal artist Meggie Lennon is a delicate canvas of ethereal indie pop and lush soft rock, inviting the listener into a space of reverie, gentleness and introspection. The singer-songwriter’s mature songs deal with love, desires, self-acceptance, resilience and the complexities of modern life. Louder than War notes that her debut album – Sounds from Your Lips (Mothland, 2021) – “fuses 60s and early 70s psychedelia to create an indie dream pop vibe”, also adding: “The songs are of desire and playful sins, yet they convey a mature take on love in this era of elusive and brittle romance. Occasionally it’s a bit spicy too.” Meggie Lennon’s sophomore album, Desire Days, produced with Samuel Gemme, and featuring musicians from celebrated outfits such as Patrick Watson, Teke::Teke, Chocolat, and The Besnard Lakes, along with Quatuor Esca playing arrangements by Antoine Gratton, is slated for release on June 20th, 2025 via Mothland, promising a new chapter in her evolving sound and vision.

Lael Neale

La pop drone minimaliste de Lael Neale puise son inspiration dans les transcendantalistes, l’aliénation de la vie moderne et un riche éventail d’influences musicales, allant de Dionne Warwick et John Lennon au gospel américain primitif et à Spacemen 3. Son nouvel album, Altogether Stranger, à paraître le 2 mai, a été écrit et enregistré dans le calme matinal de Los Angeles. D’une durée de seulement 32 minutes, ce LP de neuf titres explore un territoire musical et lyrique inattendu, des comptines rock garage et des mythes de la création aux chants funèbres Motorik et aux méditations solitaires Omnichord. Parolière brillante, Neale possède une capacité unique à révéler l’extraordinaire dans le banal, abordant des thèmes de polarité récurrents dans son œuvre : campagne vs ville, humanité vs technologie, isolement vs société. Cet album est sa troisième collaboration avec le producteur Guy Blakeslee qui contribue à élargir la palette tonale tout en restant fidèle à l’engagement de Neale envers l’immédiateté brute et l’intimité artisanale de l’enregistrement à domicile.

Lael Neale’s minimalist drone pop draws inspiration from the Transcendentalists, the alienation of modern life, and a rich array of musical influences—ranging from Dionne Warwick and John Lennon to primitive American gospel and Spacemen 3. Her expansive new record, Altogether Stranger, due May 2, was written and recorded in the early morning quiet of Los Angeles. Clocking in at just 32 minutes, the 9-song LP covers an unexpected breadth of musical and lyrical terrain—from garage rock nursery rhymes and creation myths to Motorik dance dirges and solitary Omnichord meditations. A brilliant lyricist, Neale has a unique ability to uncover the extraordinary within the mundane, tackling themes of polarity that recur throughout her work—country vs. city, humanity vs. technology, isolation vs. society. This album is her third collaboration with producer Guy Blakeslee who helps expand the tonal palette while staying true to Neale’s commitment to the raw immediacy and hand-made intimacy of home recording.

Meghan Dowlen

Meghan Dowlen est une multi-instrumentiste, auteure-compositrice et interprète originaire d’Atlanta, en Géorgie. Sa musique nous guide à travers la dualité de la féminité avec force brute et sensibilité. Avec ses influences dance pop et ses hommages subtils à la new wave, son deuxième album à venir, Dizzy Spell, trace des lignes d’inspiration claires tout en restant fidèle à son propre répertoire. Avec une théâtralité digne de Kate Bush et une dextérité vocale digne de Nina Hagen, Meghan accompagne le public dans un voyage à travers la joie, la colère, l’inconnu et tout ce qui se trouve entre les deux.

Meghan Dowlen is a multi-instrumentalist, songwriter, and performer from Atlanta, GA. Her music guides us through the duality of femininity with both brute force and sensitivity. With its dance pop sensibilities and subtle homages to new-wave, her upcoming sophomore album Dizzy Spell draws clear lines of inspiration while standing very much on its own ground. With theatrics emulating the likes of Kate Bush and vocal dexterities of Nina Hagen, Meghan escorts the audience along the journey into the joy, the anger, the unknown, and everything in between.

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Avant-Pop / DJ set / Electronic

POP Montréal : No Plexus + Rani Jambak + shn shn + Monsieurmadam à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

No Plexus

No Plexus est un duo électronique qui repousse les limites en mélangeant des paysages sonores expérimentaux, des voix envoûtantes et de l’électronique en direct. Avec des influences allant de l’ambient à l’avant-pop, et une formation en composition classique, leurs performances immersives créent une expérience viscérale.
Ils ont participé à des festivals tels que Rewire et Mutek et sont de plus en plus reconnus dans le circuit de la pop contemporaine.
Ils présenteront un nouvel album (et un tout nouveau spectacle) en avril prochain, toujours au festival Rewire.

No Plexus is a boundary-pushing electronic duo blending experimental soundscapes, haunting vocals, and live electronics. With influences ranging from ambient to avant-pop, and a background in classical composition, their immersive performances create a visceral experience.
They played festival such as Rewire and Mutek and are gaining recognition in the circuit of contemporary pop.
They will debut with a new album (and brand new show) next April, still at Rewire festival.

Rani Jambak

Rani Jambak, compositrice, productrice, enregistreuse de terrain, conceptrice d’instruments et chanteuse d’origine Minangkabau de Medan, est profondément engagée dans l’exploration de la musique électronique et des paysages sonores provenant de diverses régions d’Indonésie. Son vaste corpus d’œuvres examine fréquemment des thèmes liés à la nature, à la dynamique socioculturelle et à la relation complexe entre l’homme et l’héritage ancestral.
Poursuivant une exploration profonde de l’identité culturelle en tant qu’individu Minangkabau, la pratique artistique de Rani plonge dans les dimensions philosophiques des traditions Minangkabau et étudie comment la sagesse ancestrale peut offrir des réponses à la modernité. En outre, son travail envisage le concept des futurs ancêtres, fondé sur des valeurs spirituelles qui sont essentielles dans la vie contemporaine.
Dans le cadre de ses activités créatives, Rani a conçu des instruments inspirés du moulin à eau traditionnel Minangkabau, Kincia Aia. Cette innovation est à la fois une critique de l’impact de la crise climatique et un effort pour réinterpréter les connaissances ancestrales dans une nouvelle dimension. En outre, Rani, en collaboration avec Hario, a développé des performances enracinées dans le manuscrit du XIXe siècle, Tambo Alam Minangkabau, en partenariat avec Naskah Sumatra de l’Université SOAS de Londres. En 2025, elle a présenté son installation, Pusako nan Sabana Tinggi (The Most Precious Legacy), une composition sonore de 20 minutes présentée à ASIA Topa.

Rani Jambak, a composer, producer, field recordist, instrument designer, and vocalist of Minangkabau descendant from Medan, is deeply engaged in exploring electronic music and soundscapes sourced from various regions across Indonesia. Her extensive body of work frequently examines themes surrounding nature, socio-cultural dynamics, and the intricate relationship between human and ancestral heritage.
Pursuing a profound exploration of cultural identity as a Minangkabau individual, Rani’s artistic practice delves into the philosophical dimensions of Minangkabau traditions and investigates how ancestral wisdom can offer responses to modernity. Additionally, her work envisions the concept of future ancestors, grounded in spiritual values that are critically essential in contemporary life.
As part of her creative endeavors, Rani has designed instruments inspired by the traditional Minangkabau watermill, Kincia Aia. This innovation serves as both a critique of the climate crisis’s impact and an effort to reinterpret ancestral knowledge in a novel dimension. Moreover, Rani, in collaboration with Hario, has developed performances rooted in the 19th-century manuscript, Tambo Alam Minangkabau, in partnership with Naskah Sumatra of SOAS University of London. In 2025, she introduced her installation piece, Pusako nan Sabana Tinggi (The Most Precious Legacy), a 20-minute sound composition featured at ASIA Topa. In recognition of her groundbreaking contributions to sound, music, and technology, Rani received The Oram Awards in 2022.

shn shn

shn shn est une artiste pop électronique expérimentale qui mélange des voix luxuriantes, des rythmes méditatifs et des pads gonflants, pour créer une musique d’inspiration cinématographique qui s’inspire des conventions sans les définir.
Créant à partir d’un espace de curiosité, de contemplation et d’attention, elle questionne la nature de l’existence dans ce monde absurde et excitant. shn shn a sorti 3 EPs : structura (2020), e.strange.d (2021) et Form(s) (2023). À travers son travail, elle cherche à déclencher le mouvement et à susciter l’introspection, invitant les auditeurs à un voyage transformateur de découverte et d’affirmation de soi. shn shn a sorti son premier album complet “Serpent’s Skin” en mars 2025.

shn shn is an electronic experimental pop artist who blends lush vocals, meditative beats, and swelling pads, to craft cinematic-inspired music that draws from but is not defined by convention.
Creating from a space of curiosity, contemplation and care, she questions the nature of existence in this absurd and exciting world. shn shn has self-released 3 EPs: structura (2020), e.strange.d (2021) and Form(s) (2023). Through her work, she seeks to ignite movement and spark introspection, inviting listeners on a transformative journey of self-discovery and affirmation. shn shn released her debut full length album ‘Serpent’s Skin’ March 2025.

Monsieurmadam

Je m’appelle Al Haytame Farsane, alias Monsieurmadam. Je suis un artiste multidisciplinaire, DJ et producteur basé à Montréal. Mon univers musical explore les croisements entre la culture dance underground, les identités diasporiques et l’expérimentation sonore. En mêlant des rythmes lourds et organiques à des textures éthérées, je cherche à créer des expériences immersives et narratives qui repoussent les frontières. Que ce soit en studio ou sur scène, mes sets invitent le public à confronter, célébrer et réimaginer ses paysages émotionnels.
Pour ce festival, je prépare une performance hybride mêlant live et DJ set de 30-45 minutes composé exclusivement de morceaux originaux. En parallèle, je développe un court film interactif qui accompagnera la performance. Mon objectif est d’offrir une expérience immersive où musique live, éléments DJ et visuels interactifs s’entrelacent pour plonger le public dans un véritable voyage sensoriel. Cette performance reflète pleinement ma vision artistique : créer des espaces audacieux et expressifs où le son devient un vecteur de connexion et de transformation.

My name is Al Haytame Farsane, also known as Monsieurmadam. I’m a multidisciplinary artist, DJ, and producer based in Montreal. My musical world explores the intersections of underground dance culture, diasporic identity, and sonic experimentation. Fusing bass-heavy rhythms with ethereal textures, I aim to create immersive, boundary-pushing experiences that tell a story. Whether in the studio or on stage, my sets invite listeners to confront, celebrate, and reimagine their emotional landscapes.
For this festival, I’m preparing a hybrid live/DJ performance. A 30-45 minute set made entirely of original music. Alongside the music, I’m also developing a short interactive film to accompany the show. My goal is to create a fully immersive experience where live sound, DJ elements, and interactive visuals come together to take the audience on a deeply sensory audiovisual journey. This performance reflects my broader artistic vision: to build bold, expressive spaces where sound becomes a vehicle for connection and transformation.

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Flamenco / Western European

Festival Orientalys : Flamenco à la dérive au Quai de l’horloge

by Rédaction PAN M 360

Son corps est une carte brûlante de l’Andalousie. Vingt ans de braise dans les tablaos de Jerez, de nuits électriques à Montpellier et de scènes montréalaises où le flamenco pleure et rugit. Enseignante passeuse, Rosanne Dion arrache à Séville ses secrets pour forger ses danseuses.
Avec ses danseuses de l’École Flamenco Rosanne Dion, c’est le choc frontal des cordes rauques, des palmas qui claquent comme des orages, des talons fendant le sol en zapateados foudroyants. Elle est rejointe par la voix saisissante du charismatique Fernando Gallego.
D’une intensité rare, Fernando chante avec la puissance d’un torrent, la subtilité d’un souffle et cette capacité infinie à faire trembler les âmes. Son chant ne fait pas qu’accompagner : il brûle, il guide, il transperce.
Les robes à traîne Bata de Cola dessinent dans l’ombre des oiseaux blessés, tandis que les musiciens traquent chaque frémissement des poignets. Le public n’assiste pas. Il est transporté par le duende, ce démon sacré qui transforme la sueur en or et la mélancolie en feu.
Un billet unique pour toute la journée “Samedi en liesse” de la scène TD, comprenant les 6 spectacles annoncés:
15h: Flamenco à la dérive – Rosanne Dion et ses danseuses, avec la participation de Fernando Gallego.
16h15: Frissons du Siam – Thai Dance Troup of Ottawa
17h45: Rabie Houti Band – Musique
19h30: Meriem Pahlavi – Danse.
20h30: Hatim Ammor – Musique.
22h15: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira et Gorka. Danse.

Her body is a burning map of Andalusia. Twenty years of embers in the tablaos of Jerez, electric nights in Montpellier, and Montreal stages where flamenco weeps and roars. A devoted teacher and transmitter of tradition, Rosanne Dion draws secrets from Seville to forge her dancers.
With her performers from the École Flamenco Rosanne Dion, it’s a visceral collision of raw strings, palmas that crack like thunder, and heels slicing the floor in lightning-fast zapateados. She is joined by the haunting voice of the charismatic Fernando Gallego. With rare intensity, Fernando sings with the force of a torrent, the finesse of a breath, and that infinite ability to stir the soul. His voice doesn’t merely accompany—it burns, it leads, it pierces.
Flowing Bata de Cola dresses carve the shadows like wounded birds, while the musicians chase every tremble of the wrists. The audience doesn’t simply watch. It is swept away by the duende, that sacred demon that turns sweat into gold, and melancholy into fire.
A single ticket for the entire day of “Samedi en liesse” on the TD stage, including the 6 announced shows:
3 p.m.: Flamenco Adrift – Rosanne Dion and her dancers, with special guest Fernando Gallego
4:15 p.m.: Chills from Siam Thai Dance Troupe of Ottawa
5:45 p.m.: Rabie Houti Band Music
7:30 p.m.: Meriem Pahlavi – Dance
8:30 p.m.: Hatim Ammor – Music
10:15 p.m.: Oasis d’Opale – Claudya, Silvina Zaira and Gorka Dance

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Hip Hop / Keb Rap

Francos de Montréal : Calamine à la scène Desjardins

by Rédaction PAN M 360

Calamine est une rappeuse queer, féministe et anti-capitaliste installée à Montréal. En 2021, elle remporte le prix Félix-Leclerc, est nommée Révélation Radio-Canada, arrive seconde au concours Les Francouvertes et son premier album Boulette Proof remporte le prix « Album hip-hop » au GAMIQ. Elle sort en 2022 son second long jeu LESBIENNE WOKE SUR L’AUTOTUNE, qui remporte également le prix « Album hip-hop » au GAMIQ, est nominée pour l’album rap de l’année à l’ADISQ, et dont la chanson éponyme se retrouve en lice pour le Prix collégial de la chanson de l’année 2023 ainsi que le Prix de la chanson SOCAN.
La rappeuse a performé dans des festivals aux quatre coins du Québec (Festival d’Été de Québec, les Francos de Montréal, le Festif! de Baie-St-Paul, La Noce de Chicoutimi, le Festivoix de Trois-Rivières, le Festival de musique émergente de Rouyn-Noranda) ainsi que dans quelques villes de France (Paris, Rennes, Bourges). Elle produit et réalise ses albums aux côtés du producteur Kethe Magane depuis 2018, et leur prochain long jeu DECROISSANCE PERSONNELLE est paru le 5 avril 2024. La formation produit aussi en 2020 et 2021 deux albums entraînants et décontractés avec le rappeur Sam Faye, sous le nom de Petite Papa.

Calamine is a queer, feminist, and anti-capitalist rapper based in Montreal. In 2021, she won the Félix-Leclerc Prize, was named Radio-Canada’s Revelation, came second in the Les Francouvertes competition, and her debut album Boulette Proof won the Album Hip-Hop award at the GAMIQ. In 2022, she released her second album LESBIENNE WOKE SUR L’AUTOTUNE, which also won the Album Hip-Hop award at the GAMIQ, was nominated for Rap Album of the Year at ADISQ, and its title track was in the running for the 2023 Prix Collégial de la Chanson de l’Année and the SOCAN Song Prize.
Calamine has performed at festivals across Quebec, including Festival d’Été de Québec, Les Francos de Montréal, Le Festif! in Baie-Saint-Paul, La Noce in Chicoutimi, Festivoix in Trois-Rivières, and Festival de Musique Émergente in Rouyn-Noranda, as well as in a few cities in France (Paris, Rennes, and Bourges). Since 2018, she has been producing and working on her albums alongside producer Kethe Magane, and their next album, DECROISSANCE PERSONNELLE, was released on April 5, 2024. Additionally, in 2020 and 2021, they collaborated with rapper Sam Faye under the name Petite Papa, releasing two upbeat and laid-back albums.

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Alt Folk / indie / Post-Punk

POP Montréal : Chanel Beads + Jules Reidy + Una Rose au Rialto Hall

by Rédaction PAN M 360

Chanel Beads

Chanel Beads, le projet du musicien new-yorkais Shane Lavers, annonce son premier album, Your Day Will Come, et dévoile le premier single/clip, « Idea June ». Your Day Will Come marque l’arrivée de Lavers comme une nouvelle figure de la musique expérimentale. Tout au long de l’album, Lavers capture les multiples contradictions de l’existence moderne et l’étrange infinité du monde numérique. S’il intègre les sonorités décousues du post-punk, la sentimentalité poignante des morceaux pop et l’artifice spectral de la musique électronique, il brouille les pistes à travers des structures musicales non conventionnelles qui mènent à des climax transcendants. En imprimant intentionnellement ses chansons pour y intégrer des artefacts grillés et des restes fantomatiques, les morceaux qui en résultent ont une dimension temporelle, à la fois transitoire et intemporelle.
Lavers a commencé à écrire Your Day Will Come lors d’une période de réflexion en novembre 2022. Coincé en quarantaine dans son appartement de Brooklyn, il a ressenti le besoin de puiser au cœur de sa véritable identité, au-delà des modes passagères et des moments culturels récurrents. Ainsi, pendant cette étrange période entre les vacances d’hiver, il a commencé à écrire des chansons qui luttaient contre la perte qui l’avait traversé, fondatrices de sa vision de lui-même et de ses relations avec les autres. Nombre des paroles qui lui sont restées répondaient à des conflits internes et externes. Des mots qu’il devait prononcer à voix haute pour révéler la réalité de la situation. Tout au long de l’album, Lavers intègre les contributions de McGrory et du violoniste expérimental Zachary Paul, qui apportent leurs propres nuances émotionnelles qui ajoutent à la profonde émotion de l’album. Habitué à jouer dans divers groupes lorsqu’il vivait à Seattle, Shane a commencé à tout dépouiller lorsqu’il a commencé à donner des concerts à New York, cherchant à trouver ce qui lui semblait digne d’être interprété. Cet état d’esprit a guidé l’écriture du disque, où Lavers s’est efforcé de ne retenir que ce qui lui semblait le plus nécessaire. « Il y avait un filtre sur ce disque », explique Lavers. « Si je ne le ressentais pas en le jouant, je ne pouvais pas en faire une chanson. Autant je voulais créer quelque chose de frais au toucher, autant je devais créer quelque chose qui me fasse ressentir quelque chose. »

Chanel Beads — the project of New York-based musician Shane Lavers — announces his debut album, Your Day Will Come, and shares the lead single/video, “Idea June.” Your Day Will Come marks Lavers’ arrival as a new force in experimental music. Throughout the album, Lavers captures the many contradictions of modern existence and the strange infiniteness of the digital world. Though he incorporates the scrappy sonics of post-punk, the gripping sentimentality of pop tunes, and the spectral artifice of electronic music, he blurs lines through unconventional song structures that build into transcendental climaxes. As he intentionally prints his songs down to embed fried artifacts and ghostly remains, the resulting songs have a time-collapsing quality, both transitory and timeless.
Following previous single “Police Scanner,” “Idea June” features live bandmate Maya McGrory taking lead vocals to project Lavers’ lyrics. As McGrory sings in a voice that’s both earnest and digitally processed, it’s as though she’s speaking as a separate embodiment of Lavers. In under two minutes, the track of clunky acoustic guitar and gutting strings lands somewhere between detachment and kinship. The track becomes strangely affecting in its unfinished and liminal form, and Lavers, who is drawn to poor MP3 rips and transitional moments in DJ mixes, knows that these inexact musical artifacts evoke human imperfection. Lavers first started writing Your Day Will Come during a period of reflection in November 2022. Stuck quarantining in his Brooklyn apartment, he found himself wanting to dig down into the core of who he truly was, apart from fleeting trends or rebounding cultural moments. So during that strange time between winter holidays, he started to write songs that wrestled with loss that rippled through his life, foundational to the way he sees himself and the way he relates to others. Many of the lyrics that remained were in response to both internal and external conflicts. They were words that he had to speak aloud to uncover the reality of the situation. Throughout, Lavers weaves in contributions from McGrory and experimental violinist Zachary Paul, who offer their own layers of feeling that add to the huge emotionality of the album. Accustomed to performing in various bands when he lived in Seattle, Shane began to strip everything back when he started playing shows around New York, working to locate what felt worthy for him to perform. That mindset informed the writing of the record, in which Lavers forced himself to only keep what felt the most necessary to say. “There was a filter to this record,” Lavers says. “If it didn’t move me while performing, then I couldn’t make it into a song. As much as I wanted to make something that was cool to the touch, I had to make something that made me feel something.”

Jules Reidy

La musique sublime de Jules Reidy cartographie l’expérience humaine dans des constellations sonores scintillantes. Ce guitariste est un pilier de la scène musicale contemporaine berlinoise, un artiste universel respecté dont la production prolifique et les tournées mondiales lui ont valu des concerts et des collaborations avec une multitude d’artistes reconnus. Les enregistrements époustouflants et les performances magnétiques de Reidy offrent une vision véritablement futuriste et singulière de la musique pour guitare. L’exploration du mysticisme microtonal et des accords alternatifs, inspirés du folk transcendantal et du minimalisme, colore les expérimentations ludiques de Reidy avec des mélodies pop et des samples saturés. Une imagination débordante alliée à une maîtrise technique guide chaque œuvre du vaste catalogue de Reidy, des albums de guitare solo aux collaborations avec des pairs innovants, notamment des œuvres récentes avec Claire Rousay, Oren Ambarchi, Andrea Belfi et Sam Dunscombe, en passant par des commandes majeures d’institutions telles que le JACK Quartet et Zinc & Copper. Les chansons de Ghost/Spirit transmettent collectivement un sentiment astral de désir et d’émerveillement, poussant vers la transcendance. L’album retrace un voyage profondément personnel avec amour, spiritualité et transformation exprimés dans des figures de guitare fractales, des vapeurs vocales éthérées et des microtons ondulants.

Jules Reidy’s sublime music maps the human experience in glittering constellations of sound. The guitarist is a driver of Berlin’s fertile contemporary music scene, a respected polymath whose prolific output and worldwide touring has led to performances and collaborations with myriad lauded artists. Reidy’s breathtaking recordings and magnetic performances offer a truly futuristic, singular vision of guitar music. Explorations of microtonal mysticism and alternate tunings drawn from transcendental folk and minimalism color Reidy’s playful experiments with smudged pop melodics and sampling. A wide-eyed imagination combined with technical mastery guide each work in Reidy’s extensive catalog, from solo guitar albums and collaborations with innovative peers, including recent works with claire rousay, Oren Ambarchi, Andrea Belfi and Sam Dunscombe to major commissions from institutions such as JACK Quartet and Zinc & Copper. The songs of Ghost/Spirit collectively convey an astral sense of yearning and wonder, pushing towards transcendence. The album charts a deeply personal journey with love, spirituality and transformation expressed in fractal guitar figures, ethereal vocal vapors and rippling microtones.

Una Rose

Una Rose est le projet solo de Rosie Long Decter (Bodywash). Long Decter troque les murs de son de Bodywash contre des synthés délicats, une voix cristalline et un lyrisme habile, abordant l’écriture de chansons avec une curiosité ironique. Ses arrangements superposés relient le réalisme folk terre-à-terre à des atmosphères éphémères qui vont au-delà. Le premier album d’Una Rose, « Myth Between », a été nommé meilleur EP de 2022 par Exclaim! et Gorilla vs. Bear.

Una Rose is the solo project of Rosie Long Decter (Bodywash). Long Decter trades Bodywash’s walls of sound for delicate synths, crystalline vocals and deft lyricism, approaching songwriting with wry curiosity. Her layered arrangements link grounded folk realism to ephemeral atmospherics that reach beyond. Una Rose’s debut “Myth Between” was named a Best EP of 2022 by Exclaim! and Gorilla vs. Bear.

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Bedroom Pop / Indie Pop / Shoegaze

POP Montréal : No Joy + Ura Star & Fireball Kid + Sasha Cay à la Toscadura

by Rédaction PAN M 360

No Joy

Fort de cinq albums, No Joy est encore suffisamment éveillé et alerte pour mener le train en marche dans un avenir proche. Le groupe a débuté de manière plus traditionnelle : des amis se partageaient l’écriture, partaient en tournée ensemble et publiaient anonymement dans la section commentaires de Brooklyn Vegan, ce que White-Gluz nie – bien qu’elle ait écrit des critiques grinçantes pour www.exclaim.ca en 2004. Après le premier album acclamé par la critique, Ghost Blonde, qui mettait en valeur une sensibilité laconique et « slow punk » saturée de distorsion, le deuxième album, Wait To Pleasure, a examiné ses chaussures avec encore plus d’attention, veillant à ce que chaque chanson soit unique. More Faithful a été le dernier album du groupe, mais a encore plus bousculé les attentes et n’a pas semblé être un final. Alors que l’identité de No Joy est passée à Jasamine, seule membre et compositrice à temps plein, il y a eu un écart de cinq ans entre les albums. De White-Gluz : « L’attente n’était pas intentionnelle, mais je pense que la vie rurale m’a permis de me détacher du bruit de l’industrie musicale et de me concentrer davantage sur l’écriture et de prendre mon temps. J’ai aussi consacré du temps à des choses que je n’avais pas le temps de faire pendant mes nombreuses tournées, comme apprendre des choses sur les oiseaux ou nager dans la nature. Je ne veux jamais sortir de musique sans m’y investir pleinement. Je me dis souvent : “OK, c’est le dernier album” et je veux être sûr d’avoir dit tout ce que j’avais à dire et d’en être fier. »

Five albums deep, No Joy is still awake and alert enough to conduct the train for the foreseeable future. Starting in a more traditional manner; friends sharing songwriting duties, touring together and posting anonymously in the Brooklyn Vegan comment section, something White-Gluz denies – although she did write screamo reviews for www.exclaim.ca in 2004. After the critically praised debut Ghost Blonde showcased distortion-drenched laconic ‘slow punk’ sensibilities, sophomore LP Wait To Pleasure gazed at its shoes even harder while making sure each song was distinct. More Faithful was the last ‘full band’ release, but further challenged expectations and felt like anything but a finale. As No Joy’s identity transitioned to Jasamine as sole full-time member/songwriter, there was a five-year gap between full lengths. From White-Gluz: “The wait wasn’t intentional, but I think rural living made me tune out the noise of the music biz and focus more inwards writing and taking my damn time. Also spending time doing things I didn’t have time to do when I was touring a lot – like learning about birds or wild swimming. I never want to put any music out that I am not fully committed to. I often think “ok this is the last album” and I want to feel confident I’ve said everything I needed to and am proud of it.”

Ura Star & Fireball Kid

Depuis leur enfance, Ura Star et Fireball Kid font de l’indie pop à grand renfort de hooks et de fêtes. Tout juste sortis de leurs albums Gas Station, Emotional Bros Hotline et 2024’s Heartracer, ils sont prêts à faire la fête et à faire couler de la bière, dans un esprit de fête de cuisine, comme jamais auparavant.

Ura Star & Fireball Kid have been bringing the hook-heavy, party-inducing indie pop together since they were kids. Coming hot off the releases of their records Gas Station, Emotional Bros Hotline, and 2024’s Heartracer they’re barn-burner ready and bringing beer-spilling, kitchen party spirit to the show in a bigger way than ever before.

Sasha Cay

Issue de la scène DIY montréalaise, Sasha Cay compose des chansons qui frôlent le grunge, l’auteur-compositeur-interprète et le shoegaze, s’inspirant de Nick Drake, Broadcast, Guided By Voices et Unwound.
Leur deuxième album est en préparation, suite à « Spin », sorti en 2023, qui abordait les thèmes de la violence, de la guérison et du deuil avec une tapisserie de guitares classiques distordues, de voix franches et de combinaisons inattendues de leads électriques.

Emerging from Montreal’s DIY scene, Sasha Cay makes songs that skirt the edges of grunge, singer-songwriter and shoegaze, citing inspiration from Nick Drake, Broadcast, Guided By Voices & Unwound alike.
Their sophomore record is in the works, following 2023’s debut ‘Spin’ which covered themes of violence, recovery, and grief with a tapestry of distorted classical guitars, candid vocals and off-kilter combinations of electric leads.

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Electronic

Virée classique : Hicky & Kalo à l’esplanade Tranquille

by Rédaction PAN M 360

Célébrez la nature et l’été avec les étoiles montréalaises de la scène électro. Le duo Hicky & Kalo vous fera danser, vibrer au rythme des mélodies inspirées par la nature. Le projet « Entomophonie » de Leon Louder, ouvrira ce set par l’exploration sonore du monde des insectes. Le tout, illustré par la performeuse visuelle BunBun avec son univers coloré et rythmiquement synchronisé.

Celebrate nature and the summer with Montréal’s electro stars. Duo Hicky & Kalo will have you dancing and grooving to the beat of tunes inspired by nature. Leon Louder’s “Entomophonie” project will open the set with an exploration in sound of the insect world. Live video performer BunBun will bring their richly coloured and rhythmically synchronized illustrations into the mix.

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classique / post-romantique

Virée classique : Envolée symphonique avec l’AOJM au Complexe Desjardins

by Rédaction PAN M 360

L’Orchestre symphonique des jeunes de la Montérégie vous convie à une aventure musicale où la fougue de Strauss côtoie l’intensité de Puccini, la douceur de Mascagni et la nostalgie de Brahms. Le concert se terminera en beauté avec les accents farouches de « Mars » extrait des Planètes de Holst et la musique éclatante de Glinka. Un rendez-vous très attendu!

The Orchestre symphonique des jeunes de la Montérégie invites you on a musical adventure where the fervour of Strauss meets the intensity of Puccini, the tenderness of Mascagni and the nostalgia of Brahms. This concert will conclude with a blast, with the fierce inflections of “Mars” from Holst’ The Planets and the dazzling music of Glinka. An event highly awaited!

Programme

Johan Strauss II, Die Fledermaus [La chauve-souris / The Bat] : « Ouverture »
Giacomo Puccini, Le Villi : « La Tregenda »
Pietro Mascagni, Cavalleria rusticana : Intermezzo
Léo Delibes, Sylvia, Suite : IV. Le cortège de Bacchus
Johannes Brahms, Symphonie no 3, op. 90 : III. Poco allegretto
Gustav Holst, Les planètes, op. 32 : I. Mars
Mikhail Glinka, Rouslan et Ludmila : « Ouverture »

Program

Johann Strauss II, Die Fledermaus [The Bat] : « Overture »
Giacomo Puccini, Le Villi: “La Tregenda”
Pietro Mascagni, Cavalleria rusticana: Intermezzo
Léo Delibes, Sylvia, Suite: IV. Procession of Bacchus
Johannes Brahms, Symphony no.3, op. 90: III. Poco allegretto
Gustav Holst, The Planets, op. 32: I. Mars
Mikhail Glinka, Ruslan and Lyudmila: « Overture »

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classique / période romantique

Virée classique : Une promenade en nature au son des cordes de l’OSM à l’Espace culturel George-Émile-Lapalme

by Rédaction PAN M 360

Avec beaucoup de poésie, ce quatuor à cordes composé d’instrumentistes de l’OSM vous convie à un parcours musical inspiré de la Nature. Aube chantante, brises légères, orages grondants : chaque note esquisse un tableau vivant. Laissez-vous emporter par une montée en intensité captivante dans ce concert où la musique évoque la nature dans son impressionnante diversité.

Brimming with poetry, this string quartet formed by OSM players summons you on a musical journey inspired by nature. Birdsong at sunrise, gentle breezes, rumbling storms: every note paints a living tableau. Be swept away by a captivating surge of intensity with this concert in which music evokes nature in all its awe-inspiring variety.

Programme

Joseph Haydn, Quatuor à cordes, opus 76 n° 4, « Lever de soleil » : I. Allegro con spirito
Antonín Dvořák, Quatuor no 12, « Américain » : III. Molto Vivace
Béla Bartók, Quatuor no 4, Sz9 : IV. Allegretto pizzicato
Nikolaï Rimski-Korsakov, Le conte du tsar Saltan, Suite, op. 57 : « Le vol du bourdon » (Arr. Joel Jacklich)
Claude Debussy, Quatuor à cordes, opus 10 : III. Andantino doucement expressif
Maurice Ravel, Quatuor à cordes, M. 35 : IV. Vif et agité
Felix Mendelssohn Bartholdi, Quatuor à cordes no 6, op. 80 : I. Allegro Vivace assai

Program

Joseph Haydn, String Quartet, op. 76 no. 4 “Sunrise”: I. Allegro con spirito
Antonín Dvořák, String Quartet no. 12, “American”: III. Molto Vivace
Béla Bartók, String Quartet no. 4, Sz. 9: IV. Allegretto pizzicato
Nikolai Rimsky-Korsakov, The Tale of Tsar Saltan, Suite, op. 5: “Flight of the Bumblebee” (arr. Joel Jacklich)
Claude Debussy, String Quartet, op. 10: III. Andantino doucement expressif
Maurice Ravel, String Quartet, M. 35: IV. Vif et agité
Felix Mendelssohn Bartholdi, String Quartet op. 80 no. 6: I. Allegro Vivace assai

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classique / Piano

Virée classique : Mozart et Elgar – métaphores amoureuses à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Avec sa technique impressionnante, l’originalité et la profondeur de ses interprétations, Martin Helmchen est l’un des pianistes les plus demandés sur la scène internationale. Écoutez-le dans le 24^e Concerto de Mozart, une œuvre intense et passionnée. Quant à Beth Taylor, elle vous séduira avec sa voix profonde et émouvante, mettant en valeur toute la poésie de Sea Pictures d’Elgar.

His impressive technique and the originality and depth of his interpretations make Martin Helmchen one of the most sought-after pianists on the international stage. Hear him in Mozart’s intense and passionate 24th Piano Concerto. Then, let yourself be captivated by the rich and moving voice of Beth Taylor, who brings out all the wonderful poetry of Elgar’s Sea Pictures.

Programme

Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto pour piano n^o 24, K. 491
Edward Elgar, Sea Pictures

Program

Wolfgang Amadeus Mozart, Piano Concerto no.24, K. 491
Edward Elgar, Sea Pictures

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classique / post-romantique

Virée classique : La Symphonie de la Virée au Complexe Desjardins

by Rédaction PAN M 360

Des instrumentistes amateurs venus de tout le Québec se réunissent sous la direction d’Adam Johnson et de Rafael Payare pour un concert inspiré par la nature. Des Hébrides de Mendelssohn au faucon mythique d’Ichmouratov, avec une escapade au Québec et dans les Appalaches, c’est l’incontournable rendez-vous musical de la Virée classique!

Amateur players from throughout Québec team up under the direction of Adam Johnson and Rafael Payare for a nature-inspired concert. From Mendelssohn’s Hebrides Overture to Ichmouratov’s mythical falcon, with jaunts to Québec and in the Appalachians, it’s the Virée classique’s unmissable musical event!

Programme

Felix Mendelssohn Bartholdi, Les Hébrides, op. 26, Ouverture
Airat Ichmouratov, Le mythe du Faucon, Ouverture hongroise, op. 65
Florence Price, Dances in the Canebrakes
Maxime Goulet, Symphonie de la tempête du verglas : II. Chaleur

Program

Felix Mendelssohn Bartholdi, The Hebrides, op. 26, Overture
Airat Ichmouratov, The Myth of Falcon, Hungarian Overture, op. 65
Florence Price, Dances in the Canebrakes
Maxime Goulet, Ice Storm Symphony: II. Warmth

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