Coup de coeur francophone : Thomé Young et Anaïs Constantin au cabaret Lion d’Or

by Rédaction PAN M 360

Thomé Young

Ça faisait un bon sept, huit ans, facile, qu’on avait entendu parler de Thomé Young — l’alias de Pascal Lejeune, Pointe-Vertois qui se renomme quand y se met à sa joviale poésie d’observation pour en faire des tounes. Ça faisait un bon bout de temps, parce que Lejeune, c’est un gars de projets. Ça fait que sa guitare est restée cinq ans dans son case pendant qu’il bâtissait une maison ou faisait de la construction. Là, il revient avec ses histoires de famille et ses récits régionaux, présenter Dans la vallée, un troisième chantier abouti avec Mico Roy (Les Hôtesses d’Hilaire) et Katrine Noël (Les Hay Babies). Heureux que l’heure du break soit finie.

It had been a good seven or eight years, easily, since we’d heard about Thomé Young — the alias of Pascal Lejeune, a Pointe-Verte native who adopts the name when he dives into his jovial observational poetry to turn it into songs. It had been quite a while, because Lejeune is a guy of projects. His guitar stayed in its case for five years while he built a house or worked in construction. Now he’s back with family stories and regional tales, presenting Dans la vallée, a third fully realized project with Mico Roy (Les Hôtesses d’Hilaire) and Katrine Noël (Les Hay Babies). Glad the break is finally over.

Anaïs Constantin

Anaïs Constantin est fan d’hot-dogs et d’underdogs. Elle célèbre l’absurdité du cosmos et le monde qui s’arrange avec pas grand-chose. Logées quelque part entre celles de Courtney Barnett et de Beau Dommage, ses tounes indie-Québ « pour s’enfoncer en soi avec beaucoup de guitares » carburent à la nostalgie des 2000, réconfortantes comme la friture d’une cantine de bord de route.

Anaïs Constantin is a fan of hot dogs and underdogs. She celebrates the absurdity of the cosmos and the world getting by with very little. Somewhere between Courtney Barnett and Beau Dommage, her Québécois indie tunes “to sink into yourself with lots of guitars” run on 2000s nostalgia, comforting like the fry of a roadside diner.

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Dancehall / Latin Pop / Reggaeton

POP Montréal : Isabella Lovestory + Jashim + Lexxicon au Piccolo Rialto

by Rédaction PAN M 360

Isabella Lovestory

Née au Honduras avant de déménager aux États-Unis puis au Canada à 17 ans, Lovestory s’est imposée comme une pionnière, traçant sa propre voie à la croisée de la pop et du reggaeton, faisant d’elle une icône de la musique expérimentale. En 2022, elle s’est fait remarquer avec son premier album, Amor Hardcore, que Pitchfork a qualifié de « ludique, maximaliste et séducteur jusqu’au bout des ongles ». Avec un son reggaeton expérimental influencé à la fois par la trap espagnole et l’électronique gothique, l’œuvre à venir d’Isabella repousse encore plus loin ses limites sonores maximalistes, s’inspirant de ses influences pop des années 2000, de la synth-wave texturée, de ses pairs de la K-pop et des femmes rebelles et sans complexe qu’elle admire, comme Lady Gaga et Kim Gordon de Sonic Youth.

Born in Honduras before moving to the US and then Canada at 17 years old, Lovestory has positioned herself as a trailblazing force paving her own way at the cross-section of pop and reggaeton, making her an icon in experimental music. In 2022, she made her mark with her debut Amor Hardcore, which Pitchfork characterized as “playful, maximalist, and flirtatious to the core.” With an experimental reggaeton sound equally influenced by Spanish trap and goth electronica, Isabella’s forthcoming body of work extends her maximalist sonic experiment even further outside the lines, drawing on her beloved Y2K pop influences, textured synth-wave, her K-pop peers, and the defiant unapologetic women she looks up to, such as Lady Gaga and Sonic Youth’s Kim Gordon.

Jashim

Jashim est un·e artiste musical·e non binaire colombien·ne basé·e à Montréal, issu·e des cultures afro-colombiennes et autochtones d’El Chocó. Installé·e au Canada depuis 2004, iel développe une approche audacieuse du post-reggaeton et des sons latins contemporains.
Figure clé de la scène latinx underground à Montréal, son univers sonore, entre reggaeton déstructuré, textures expérimentales et esthétique cybernétique, a été remarqué par Billboard, Mutants Vol. 2 d’ARCA et Radio-Canada.
Jashim a joué au Boiler Room Toronto et partagé la scène avec Tayhana, Rosa Pistola, ZUTZUT, entre autres. Iel fusionne musique et technologies immersives pour redéfinir le reggaeton du futur, au-delà du club et vers des expériences numériques radicales.

Jashim is a non-binary Colombian music artist based in Montreal, rooted in the Afro-Colombian and Indigenous cultures of El Chocó. Since immigrating to Canada in 2004, their practice has evolved into a bold musical exploration of post-reggaeton and the new era of Latin club sounds.
A pioneer in Montreal’s underground Latinx scene, their hybrid sound, where reggaeton collides with experimental textures and cybernetic aesthetics, has been featured byBillboard, ARCA’s Mutants Vol. 2, and Radio-Canada.
They’ve played at Boiler Room Toronto and shared stages with Tayhana, Rosa Pistola, ZUTZUT, and more. Blending immersive tech and music, Jashim is shaping a futuristic reggaeton narrative that pushes performance beyond the club and into digital and virtual realms.

Lexxicon

Lexxicon est un pionnier du dancehall, réputé pour son mélange unique de Moombahton, Dembow, Reggaeton et de rythmes dancehall entraînants. Lexxicon fait figure de pionnier, entrant dans l’histoire en tant que premier musicien ouvertement gay à sortir un album de reggae/dancehall. Faisant le parallèle avec des figures influentes comme Lil Nas X, il brise les barrières et défend la visibilité des LGBTQ+ dans la musique.

Lexxicon is a trailblazing Dancehall, renowned for his unique infusion of Moombahton, Dembow, Reggaeton and upbeat dancehall rhythms. Lexxicon stands as a pioneer, making history as the first openly gay musician to release a Reggae/Dancehall album. Drawing parallels to influential figures like Lil Nas X he is breaking barriers and championing LGBTQ+ visibility in music.

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DJ set / Electronic / Techno

SAT : Dômesicle x T.I.T.S — Clara D (BE) • Cori

by Rédaction PAN M 360

Un Dômesicle 100% techno curaté par T.I.T.S avec Clara D l’une des figures (ultra) montantes de la scène Belge et Corinita. High bpm lovers only!

A 100% techno Domesicle curated by T.I.T.S with Clara D, one of the (ultra) rising stars of the Belgian scene, and Corinita. High bpm lovers only!

Clara D

Clara D est une artiste de la scène techno belge qui mélange harmonieusement ses rôles de DJ, de productrice et de peintre pour façonner une identité artistique unique.  Son son navigue entre grooves bruts et techno profonde et mentale, offrant des performances imprégnées d’une atmosphère hypnotique, équilibrant l’intensité avec une douceur subtile.  Sa réputation s’est rapidement développée, lui permettant de se produire aux côtés d’artistes tels que Stef Mendesidis, Anetha, Luke Slater, Blue Hour et Hadone. Clara a joué aux platines dans des lieux renommés tels que Fuse, Funke, C12 et Faust (Séoul).

Clara D is an artist in the Belgian techno scene who seamlessly blends her roles as a DJ, producer and painter to shape a unique artistic identity.  Her sound navigates between raw grooves and deep, mental techno, delivering performances that are imbued with a hypnotic atmosphere, balancing intensity with subtle softness.  Her reputation has grown swiftly, securing spots alongside artists like Stef Mendesidis, Anetha, Luke Slater, Blue Hour and Hadone. Clara has graced the decks at renowned venues such as Fuse, Funke, C12 and Faust (Seoul).

Cori

Cori, alias Corinita, est l’un des cerveaux de T.I.T.S., un collectif pour les femmes par les femmes centré sur la notion d’élévation de l’entourage à travers une passion pour le dancefloor. Que ce soit à travers son rôle de curatrice d’événements sur la plateforme T.I.T.S ou lorsqu’elle est dj, Cori met en avant les communautés marginalisées avec ses sélections de morceaux et ses événements. Le son de Cori est axé sur les hard kicks, les grooves lourds et les atmosphères sonores ambiantes, avec un accent sur les structures percussives plus complexes. Elle aborde le djing comme quelque chose qui doit être amusant pour être bon. Aucun genre n’est interdit. Aucune règle n’est applicable.

Cori, fka Corinita, is one of the brains behind T.I.T.S., a for women by women collective centered around the notion of uplifting your surroundings through a passion for the dancefloor. Whether it is through her event curator role with the T.I.T.S plateform or when she djs, Cori puts marginalized communities forward with her track selections, bookings and event concepts. Cori’s sound is focused on hard kicks, heavy grooves and ambient sounds atmosphere with an accent on more complex percussive structures. Nonetheless, she approaches djing as something that needs to be fun to be good. No genre is off limits. No rules are applicable.

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Alt-Country / Folk / rock n’ roll

POP Montréal : HORSEBATH + Clay Hazey + Kelly Elizabeth + Ana Romm à l’Escogriffe Bar Spectacle

by Rédaction PAN M 360

HORSEBATH

HORSEBATH est un groupe nourri par la sérendipité, qui crée une musique brute et aventureuse mêlant alt-country, rock n roll et folk psychédélique. Enraciné dans les paysages ruraux du Canada mais attiré par la route, leur premier album, Another Farewell, capture la tension entre la maison et l’errance, l’amour et la solitude. Réputés pour leurs concerts électrisants et leur approche intrépide et collaborative de l’écriture de chansons, ils créent une musique à la fois intemporelle et profondément personnelle.

HORSEBATH is a band fueled by serendipity, crafting raw, adventurous music that blends alt-country, rock n roll, and psychedelic folk. Rooted in Canada’s rural landscapes but drawn to the open road, their debut album, Another Farewell, captures the tension between home and wanderlust, love and solitude. With a reputation for electrifying live shows and a fearless, collaborative approach to songwriting, they create music that feels both timeless and deeply personal.

Clay Hazey

Clay Hazey fait de la musique country pour les souris des villes. Mélangeant des paroles pleines d’esprit et de cœur avec des voix cassées et des mélodies accrocheuses, il prend ce qu’il veut du country et du western et remplit les blancs à sa guise. Soutenu par un groupe de musiciens montréalais de premier plan, son spectacle passe de valses de bar nostalgiques à des refrains folk-rock hymniques et chantés.
Le premier EP de Hazey s’est classé au palmarès des radios collégiales de la Colombie-Britannique et de Toronto, a fait l’objet d’une rotation intensive sur NorthAmericana de SiriusXM et lui a valu des places au festival NXNE, au Festival sur le Canal et à la vitrine du Mariposa Folk Fest. Il a également été nommé l’un des « artistes émergents qu’il faut voir » par Exclaim. Les 2025 albums de Clay sont ses plus personnels à ce jour, combinant son humour noir caractéristique et son honnêteté canadienne tout en explorant les thèmes de la dépendance, de l’acceptation de soi et des rendements décroissants du romantisme.

Clay Hazey makes country music for city mice. Blending witty, heartfelt lyrics with broken vocals and hooky melodies, he takes what he wants from country and western and fills in the blanks as he pleases. Backed by a band of Montreal heavy hitters, his live show spans from wistful barroom waltzes to anthemic, sing-along folk-rock choruses.
Hazey’s debut EP charted on college radio in BC and Toronto, earned heavy rotation on SiriusXM’s NorthAmericana, and landed him festival spots at NXNE, Festival sur le Canal, and the Mariposa Folk Fest showcase. He was also named one of Exclaim’s “Emerging Artists You Need to See.” Clay’s 2025 releases are his most personal to date, combining his signature dark humour and Canadiana honesty while exploring themes of addiction, self-acceptance, and the diminishing returns of romanticism.

Kelly Elizabeth

Les chansons de Kelly Elizabeth sont aussi intimes qu’une conversation avec un vieil ami. Accompagnée par sa guitare acoustique, sa musique est aussi vulnérable que familière. Le groupe de Kelly joue à Montréal depuis deux ans, notamment en première partie de Why Bonnie en septembre 2024.

Kelly Elizabeth songs are as intimate as a conversation with an old friend. Grounded in acoustic guitar, the songwriting is as vulnerable as it is approachable. Kelly’s band has been performing around Montreal for two years, including an opening set for Why Bonnie in September of 2024.

Ana Romm

Cela fait environ quatre ans que j’écris mon expérience à travers la musique, qui a marqué les étapes et les moments importants de ma vie. Je prévois d’interpréter quelques-unes de mes compositions originales, riches en symboles, en authenticité et en métaphores, ainsi que quelques reprises qui me touchent profondément. Je donne des concerts depuis un certain temps déjà et je trouve très stimulant et inspirant de pouvoir jouer mes chansons, dans l’espoir que ma musique permette aux gens de se reconnecter à leurs propres expériences et sentiments. Je chante aussi souvent avec mon amie Sarah Carnat !

I have been writing my experience through music for about 4 years now and they have highlighted stages and moments of my life. I plan to perform some originals, which are full of symbols, rawness, and metaphors, and also some covers that I connect deeply with. I have been doing shows for a while now and it feels so powerful and inspiring to get to play my songs, in hopes my music will connect people to their own experiences and feelings. I also often sing with my friend Sarah Carnat!

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Alternative / Indie Pop

POP Montréal : Mint Simon – Chimera Album Launch avec Crescendo, Seago & Siibii au Belmont

by Rédaction PAN M 360

Mint Simon

MINT SIMON (they/them) est l’audacieux projet solo du leader du groupe indie-pop Caveboy. Montréalais et visionnaire de la pop, Mint allie des mélodies contagieuses à une vulnérabilité brute, explorant les thèmes de l’amour, du désir, de la découverte de soi et de la libération. Leur premier EP, Chimera (sorti le 30 mai 2025), est un voyage à travers l’identité, le chagrin d’amour et la guérison, avec des titres comme « Gargoyles » (un clin d’œil à la pop des années 70) et « Feel Better », un duo avec Tafari Anthony. La musique de Mint canalise la pulsation émotionnelle de la pop des années 80 et 90 tout en s’exprimant sans complexe.
Les singles de Mint ont reçu un soutien important de l’industrie, atterrissant sur la liste de lecture Night Pop de Spotify et recevant des éloges de la part de médias tels que MTV, CBC et GLAAD. Leur musique a été présentée dans des émissions de télévision comme Greys Anatomy, Maid et Queer As Folk.
Depuis le lancement de leur spectacle solo en 2023, Mint a fait la première partie de LIGHTS, a épaté les foules à Lavender Wild et POP Montréal, et à Osheaga 2025. Mint a récemment remporté le troisième prix du programme des musiciens émergents de l’Allée des célébrités canadiennes.

MINT SIMON (they/them) is the bold solo project of the front person of indie-pop band Caveboy. A Montrealer and pop visionary, Mint blends infectious melodies with raw vulnerability, exploring themes of love, desire, self-discovery, and liberation. Their debut EP, Chimera (out May 30, 2025), is a journey through identity, heartbreak, and healing, featuring tracks like “Gargoyles” (a genre-defying nod to ’70s pop) and “Feel Better,” a duet with Tafari Anthony. Mint’s music channels the emotional pulse of ‘80s and ‘90s pop while embracing unapologetic expression.
Mint’s singles have earned major industry support, landing on Spotify’s Night Pop playlist and receiving praise from outlets like MTV, CBC, and GLAAD. Their music has been featured in TV shows like Greys Anatomy, Maid, and Queer As Folk.
Since launching their solo live show in 2023, Mint has opened for LIGHTS, wowed crowds at Lavender Wild and POP Montreal, and Osheaga 2025. Mint was recently named a 3rd prize winner in Canada’s Walk of Fame Emerging Musicians Program.

Crescendo

CRESCENDO RÉUNIT LES VISIONS, LES TALENTS ET LES GOÛTS DES ARTISTES INTERDISCIPLINAIRES AABID YOUSSEF ET ALEX JUNG. L’UNIVERS DE CRESCENDO EST L’EXPRESSION DE LEURS OBSESSIONS POUR LE CINÉMA NÉO-NOIR, LA PARFUMERIE FRANÇAISE ET LES TENUES DE SCÈNE.
LEUR SON VOUS ENTRAÎNE DANS LEUR MONDE SOUTERRAIN NOCTURNE ET BRILLANT, OÙ LES FLASHS FÊLÉS SE BRISENT SOUS LE PIÉTINEMENT DES TALONS CUBAINS ET OÙ LA DOUCE TOXICITÉ DU BENZÈNE SAIGNE DES LABYRINTHES DE BÉTON DES RUELLES DÉFONCÉES.

CRESCENDO UNITES THE VISIONS, TALENTS, AND TASTE PROFILES OF INTERDISCIPLINARY ARTISTS AABID YOUSSEF AND ALEX JUNG. THE CRESCENDO UNIVERSE IS AN EXPRESSION OF THEIR OBSESSIONS WITH NEO-NOIR CINEMA, FRENCH PERFUMERY, AND STAGE WEAR.
THEIR SOUND PULLS YOU DOWN INTO THEIR GLOSSY NIGHTTIME UNDERWORLD, WHERE CRACKED FLASHBULBS SHATTER BENEATH THE STOMP OF CUBAN HEELS AND THE SWEET TOXICITY OF BENZENE BLEEDS OFF THE BUSTED BACK ALLEY CONCRETE MAZEWAYS.

Seago

Seago se fait un nom. L’artiste torontois a sorti son premier EP, Lawn, en 2022. En 2023, il a lancé son titre indépendant « Cheapshot », qui a cumulé plus de 1,9 million d’écoutes sur Spotify. Il a été sélectionné pour le programme d’artistes mondial Rolling Stone x Spotify RADAR, dans la catégorie « Fresh Finds », et a figuré sur la liste des artistes à surveiller de RADAR Canada. En 2024, Seago a sorti son deuxième EP, Silver, et a été sélectionné pour la liste des « Meilleurs nouveaux artistes » de Pigeons and Planes. Seago a assuré les premières parties d’artistes tels que Nemahsis, Arkells, MAVI et Huron John. En coulisses, Seago a écrit pour des artistes comme GOT7, Nonso Amadi, et bien d’autres.

Seago stands out. The Toronto-based artist led with Lawn, his debut EP in 2022. In 2023, he independently released his song “Cheapshot”, amassing over 1.9 million streams on Spotify alone. He earned a spot in Rolling Stone x Spotify RADAR’s Global Artist Program, Fresh Finds Class of 2023 and the cover of RADAR Canada’s Artists to Watch. In 2024, Seago released his second EP, Silver and was spotlighted in Pigeons and Planes’ Best New Artists feature. Seago has opened shows for buzzing acts including Nemahsis, Arkells, MAVI and Huron John. Behind the scenes, Seago has piled up writing credits with names such as GOT7, Nonso Amadi and more.

Siibii

Un acte de réappropriation, un accomplissement identitaire et une déclaration d’intention : Siibii est bien plus qu’un simple nom. Auteur-compositeur basé·e à Montréal et puissance pop mythique en devenir, Siibii incarne la signification crie de leur nom — rivière — comme source d’autonomisation créative et personnelle. Toujours en mouvement, toujours en flux, la rivière est une force d’intention, d’imagination et de purification émotionnelle qui guide le parcours musical de Siibii.

An act of reclamation, a fulfillment of identity and a statement of purpose: Siibii is so much more than a name. The Montreal-based songwriter, a mythic pop power in the making, manifests their name’s Cree meaning – river – as a source of creative and personal empowerment. Ever-rushing, ever-flowing, the river is a force of intention, imagination and emotional cleansing that guides Siibii’s musical journey.

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Alt Folk / Indie Rock / Punk Rock

POP Montréal : Mappe Of + Common Holly + Rise Carmine + PISS à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Mappe Of

Mappe Of est le projet immersif de Tom Meikle, auteur-compositeur et producteur multidisciplinaire et multi-instrumentiste, connu pour sa musique folk moderne. Ses compositions explorent souvent les thèmes de la nature, des univers spirituels et des récits fragmentés, avec des arrangements mêlant musique classique et fingerpicking complexe, percussions expérimentales, synthétiseurs et voix luxuriantes. Il s’est fait connaître grâce à son premier album, « A Northern Star, A Perfect Stone », sorti en 2017, qui l’a imposé comme une force créative et expérimentale du genre avant-folk. Il a suivi ce succès avec l’album « The Isle of Ailynn » en 2019, qui a enrichi son univers sonore acclamé. En 2025, la nouvelle musique de Mappe Of reflète un retour à ses débuts, combinant des éléments de folk, d’alternatif, d’indie, de post-rock et d’électronique.

Mappe Of is the immersive project of multi-disciplinary, multi-instrumentalist, songwriter and producer Tom Meikle, known for his modern folk music. His compositions often explore themes of nature, spiritual realms, and fragmented narratives, featuring arrangements that blend classical music with intricate fingerpicking, experimental percussion, synths, and lush vocals. He gained recognition for his debut album, ‘A Northern Star, A Perfect Stone’, released in 2017, which established him as a creative and experimental force in the avant-folk genre. He followed this success with the 2019 full-length album, ‘The Isle of Ailynn’, which further expanded his acclaimed sonic landscape. In 2025, Mappe Of’s new music reflects a return to his early work, combining elements of folk, alternative, indie, post-rock, and electronica.

Common Holly

‘Anything glass’, le troisième album de l’auteure-compositrice montréalaise Brigitte Naggar, alias Common Holly, a été enregistré en direct en quelques jours, dans le but de capturer le son et l’énergie que son groupe a affinés sur scène.
Coproduit avec Devon Bate, collaborateur de longue date, Anything glass donne l’impression d’être à la fois certain et incertain, à la fois tranchant et doucement ciblé. Engageant et bien ficelé, l’album est une avancée réfléchie et captivante. Il aborde les thèmes de la mortalité, de la connexion et de la signification dans un monde en constante évolution. Des influences clés comme Bill Callahan, Mount Eerie, Lomelda et Leonard Cohen ont influencé l’écriture de Naggar – des artistes qui donnent une impression d’universalité à ce qui est personnel, mais aussi des auteurs-compositeurs qui évoquent un monde autour de leur travail, qui peuvent livrer une chanson d’une pure douceur ou sincérité, mais toujours avec un bord, un scintillement de statique caché dans l’ombre. Au fil des dix titres, Anything glass montre Brigitte Naggar en train d’élargir sa palette musicale pour y trouver de plus grands détails et des nuances toujours plus colorées. Elle capture son groupe en direct et vivant dans une pièce, chantant les soucis et les sagesses. Naggar réfléchit : “Nous existons dans des corps fragiles, dans un écosystème fragile, et lorsque nous nous sentons lucides, nous nous souvenons que nous ne vivrons pas éternellement. Et cette fin inévitable nous enveloppe et nous contient en nous rappelant de regarder à l’intérieur et de localiser ce qui compte le plus… et d’aller vers lui !”

Anything glass, the third album from Montreal songwriter Brigitte Naggar, aka Common Holly, was recorded live off the floor over just a handful of days, in a bid to capture the sound and energy her band has honed on stage.
Co-produced with long-time collaborator Devon Bate, Anything glass feels certain and uncertain, sharp yet softly focused. Engaging and tightly-knit, the album is a considered, captivating stride forward. It touches on themes of mortality, connection and meaning in an ever-confounding world. Key influences like Bill Callahan, Mount Eerie, Lomelda, and Leonard Cohen have impacted Naggar’s writing – artists who make the personal feel universal, but also songwriters that conjure a world around their work, who can deliver a song of pure gentleness or sincerity but always with an edge, a flicker of static hidden in the shadows. Across its ten tracks, Anything glass shows Brigitte Naggar expanding her musical palette to find greater details and ever more colourful shades. It captures her band live and alive in a room together, singing to worries and wisdoms. Naggar reflects, ”we exist in fragile bodies, in a fragile ecosystem, and when we are feeling lucid, we remember we won’t live forever. And that inevitable end encases and contains us by reminding us to look inside and to locate what matters most…and to go toward it!”

Rise Carmine

Rise Carmine ouvre grand les portes de la scène rock alternatif dans un univers nouveau et transversal. Avec un son résolument éclectique, ancré à la fois dans l’indie rock des années 90 et le psychédélisme new-age, Rise Carmine (alias Liam Colbert) s’intéresse à des sonorités extérieures au rock/alternatif. Son premier album, « Under The Red Light », révèle une attitude sombre et brute, propre à la rencontre du rock et de l’électronique. Portée par des lignes de basse entraînantes et pulsées et la voix planante du chanteur Colbert, la musique est à la fois hymne et dansante.
L’album à venir, « Under The Red Light », célèbre ce qui se passe dans l’ombre – ces rencontres secrètes et ces unions tumultueuses sur les pistes grunge des clubs – où les corps, les murmures et la sueur se confondent et convergent sous les éclats de lumière. La musique rappelle des groupes comme Nine Inch Nails, Royal Blood et Tame Impala. Le tout sur une bande-son qui trouverait sa place dans les enceintes des clubs et sur les scènes des festivals.
Rise Carmine a récemment conclu une tournée au printemps 2024 qui les a menés en Ontario et au Québec, culminant avec un concert incontournable à Toronto, ville natale du groupe, qui affichait presque complet. Leurs concerts endiablés leur ont valu récemment des premières parties pour The Mysterines, The Amazons, We Are Scientists, Lost Cousins et Kasador, ainsi que des apparitions à Supercrawl, NXNE et Wintersong.

Rise Carmine is blowing the doors wide open on the alt-rock scene in a new genre-bending world. With an unabashedly eclectic sound equally rooted in 90s indie rock and new-age psychedelia, Rise Carmine (AKA Liam Colbert) is keen on leaning into sounds outside of the rock/alternative sphere. The debut album ‘Under The Red Light’ unearths the type of dark gritty attitude that exists only where rock and electronic meet. Lead by driving, pulsing bass lines and lead singer Colbert’s soaring vocals, the music is all at once anthemic yet danceable.
The upcoming album ‘Under The Red Light’ is a celebration of the things that take place in the shadows – those secret meetings and sweaty unions on grungy club floors – where bodies and whispers and sweat twist and converge under flashes of light. The music is reminiscent of bands like Nine Inch Nails, Royal Blood, and Tame Impala. All set to a soundtrack that would find a home blasting out of dirty club speakers and on festival stages.
Rise Carmine recently wrapped up a spring 2024 tour that took them around Ontario and Quebec, culminating in an unmissable, almost sold-out hometown Toronto release show. Their buzzy live act has earned them recent support slots for The Mysterines, The Amazons, We Are Scientists, Lost Cousins, and Kasador, as well as appearances at Supercrawl, NXNE and Wintersong.

PISS

PISS est un groupe punk bruyant et transgenre de quatre membres originaire de Vancouver, en Colombie-Britannique. Le groupe combine musique, poésie, collage sonore, performance et divers arts visuels pour aborder des thèmes complexes qui brouillent les frontières entre l’intime et le politique.
S’appuyant sur une musicalité experte, des performances live énergiques et une vision claire et précise d’une communauté underground plus sûre, PISS compose une musique punk qui vise à transcender les limites d’un genre bien établi en s’inspirant d’un large éventail d’influences inattendues : des géants de la littérature, des philosophes, des cinéastes, des peintres, des psychanalystes, des activistes, des enfants, des membres d’un groupe militant anarcho-féministe allemand et le public de leurs spectacles, pour n’en citer que quelques-unes. Ces voix représentent diverses convictions idéologiques sur la violence sexiste et permettent à PISS de créer une œuvre qui dépeint des questions difficiles et controversées comme la violence sexuelle et les normes de genre inculturées, sans réduction, romantisation, polémique ou dogmatisme.

PISS is a noisy, genre-bending 4-piece punk band from Vancouver B.C. The band combines music, poetry, sound collage, performance art, and various mediums of visual art to address complex themes that blur the line between personal and political.
Powered by a combination of expert musicianship, energetic live performances, and a crystal-clear vision of a safer underground community, PISS writes punk music that aims to transcend the limitations of a well-established genre by pulling inspiration from a wide range of unexpected influences: literary giants, philosophers, filmmakers, painters, psychoanalysts, activists, children, members of a German anarcho-feminist militant group, and audience members from their shows, to name a few. These voices represent varying ideological beliefs about gender-based violence and enable PISS to create art that depicts challenging and controversial issues such as sexual violence and enculturated gender norms without reduction, romanticisation, polemics, or dogmatism.

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Africa / percussions

Festival International Nuits d’Afrique : Rendez-vous mandingue avec Benkadi au Balattou

by Rédaction PAN M 360

“Avec ses djembés, dunduns, cloches, tchekeres, balafons, il est bien connu des amateurs montréalais de rythmes mandingues traditionnels en tant que leader du groupe Benkadi, qui se produit dans la métropole depuis 2011. Mais Mohamed Mara, dit Ginola Lélé, maîtrise tout autant, avec l’authenticité qui le caractérise, les déclinaisons musicales contemporaines de ce qui fut l’empire de Soundiata Keita. Chef d’orchestre de cette soirée sous le signe des cultures ouest-africaines, celui qui a été formé à la danse et aux percussions auprès de plusieurs grands maîtres et au sein de compagnies de renom, comme le Ballet de Matam, réserve au public un spectacle de haut vol, pétulant et plein de surprises, qui traversera les époques et transcendera les genres.

“Local fans of traditional Mandinka music are already familiar with this talented artist from his group Benkadi, which has been captivating Montreal audiences with its djembes, dunduns, bells, shekeres and balafons since 2011. But Mohamed Mara, aka Ginola Lélé, is just as accomplished and no less authentic with his modern approach to rhythms inspired by the Sundiata Keita empire. As a dancer and percussionist, he trained with several great masters and distinguished companies including the Ballet de Matam, but this summer, Ginola Lélé will be assuming the mantle of master of ceremonies for this special Rendez-vous evening devoted to West African cultures. Transcending the centuries and genres, the vibrant, high-flying show he has in store for festivalgoers promises to be full of surprises!

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Calypso / Rumba / Ska

Festival International Nuits d’Afrique : Sauce Piquante Sound System au Ministère

by Rédaction PAN M 360

“Difficile de faire plus festif et caliente ! Quoi de mieux que des airs contagieux qui font danser pour commencer l’été du bon pied ?” (L’Actualité, 2024). Extension scénique du label indépendant MTL Sauce piquante, le Soundsystem popotte une recette un brin délirante mais toujours digeste où s’émulsionnent ska, rumba, calypso, funk et punk. DJ Oonga, flanqué des chanteurs et rappeurs KC et Gioco, et de guitaristes, percussionnistes et autres musiciens joyeux lurons qui ne donnent pas leur place quand il faut jammer, s’immisce dans la conversation sur un ton léger et boute-en-train, en français, espagnol, anglais et portugais, invitant tout le monde à la fête.

“It would be hard to be more festive and caliente! What better way to start the summer than with infectious, danceable music?” (L’Actualité, 2024). As the performance side of the independent label MTL Sauce Piquante, this Soundsystem is cooking up a recipe that’s a little crazy but fully digestible, a delicious blend of ska, rumba, calypso, funk and punk. Backed by singer-rappers KC and Gioco, as well as guitarists, percussionists and other fun-loving musicians who hold their place when it comes to jamming, DJ Oonga jumps into the mix with a light-hearted, jovial tone, using French, Spanish, English and Portuguese, inviting everyone to join in the party.

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Afro Funk / Blues / Soul/R&B

Festival International Nuits d’Afrique : Daby Touré au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Les projets les plus récents de ce saltimbanque de la musique, bien connu du public montréalais, l’ont amené à se reconnecter à ses racines. Il y a d’abord eu ce spectacle qu’il a initié fin 2023 au mythique New Morning, à Paris, en compagnie de ses cousins: un hommage bien senti à leurs pères, les membres du légendaire groupe Touré Kunda, qui est de ceux à avoir propulsé une musique ouest-africaine moderne sur la scène internationale. Puis cette résidence d’artiste dans le Fouta, en 2024, sur les rives du fleuve Sénégal, là où il a grandi, au contact de la terre sèche des dunes roses. Il en a tiré un premier titre, Leki, en collaboration avec de jeunes artistes de la région. Plus que jamais, à travers sa folk douce, chaude et rebelle comme le vent du désert, il pose un regard de globe-trotter sur les traditions musicales ouest-africaines, les pigmentant de blues, de jazz, de pop, de reggae, de funk et de soul.

Well known to Montreal audiences, this musical marvel’s latest projects have led him to reconnect with his roots. First there was the show he put on with his cousins at the famous New Morning in Paris in late 2023, a heartfelt tribute to their fathers, who founded Touré Kunda, the legendary band that helped to propel modern West African music onto the international stage. Then, in 2024, there was the Artist Residency in the Futa, on the banks of the Senegal River, where he grew up in proximity to the pink sand dunes. From there, he released the single “Leki” in collaboration with young musicians from the region. More than ever, through his folk sound, as soft, warm and rebellious as the desert wind, he casts his gaze on West African musical traditions, infusing them with blues, jazz, pop, reggae, funk and soul.

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Afro Rap / Hip Hop / Lo-Fi

Festival International Nuits d’Afrique : Stogie T au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Légende du hip hop sud-africain, Stogie T se positionne depuis 20 ans comme un électron libre. “Il n’hésite pas à tendre un miroir à l’ensemble de la société, et le reflet est toujours plus complexe que les clichés bien-pensants du «rap conscient» et la nature stéréotypée et banale du «rap commercial»” (RFI, 2024). Adroit parolier et anatomiste du peuple, Stogie T a le sens inné tant de la poésie que du verbe acéré. Spoken word, battle rap, street rap: Stogie-T est partout et nulle part. Il renie les étiquettes et s’enorgueillit d’être un cas à part de la culture hip hop. Dans son récent EP, Shallow, son flow direct est rehaussé par un son lo-fi sans fioriture.

Now a South African hip hop legend, Stogie T has positioned himself over the past 20 years as a kind of free electron. “He doesn’t hesitate to hold a mirror up to society and its reflection is always more complex than the self-righteous clichés of ‘conscious rap’ and the banal stereotypes of ‘commercial rap’” (RFI, 2024). A clever wordsmith and astute observer of people, Stogie T possesses a natural flair for both poetry and wit. Spoken word, battle or street rap, Stogie-T is at once anywhere and everywhere. He rejects labels and takes pride in being a maverick in the hip hop world. His recent EP, Shallow, highlights his clean flow, heightened by an unembellished lo-fi sound.

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Afrobeat / Wassoulou Traditional / Zouk

Festival International Nuits d’Afrique : Noumoucounda Cissoko au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Noumoucounda Cissoko, qu’on surnomme le “MC Griot”, est l’un des musiciens les plus recherchés de la planète en ce qui a trait aux sonorités ouest-africaines ; l’un des plus versatiles et créatifs de sa génération. Il a fait le tour du monde avec les plus grands: de Positive Black Soul, les précurseurs du hip hop sénégalais, dont il a été un membre incontestable pendant une vingtaine d’années, à Youssou N’Dour, MC Solaar, Ky Mani Marley, Omar Pène, Iam, Lara Fabian, Stromae et bien d’autres. Joueur de kora et percussionniste aguerri, le griot “héros discret de la musique sénégalaise” (Africultures, 2013) a fait ses classes avec l’Orchestre national du Sénégal et a perfectionné sa pratique tout au long de sa carrière, prenant avec bonheur les chemins de traverses et l’adaptant à des musiques modernes comme le mbalax, l’afrorap, le dancehall, l’afro-reggae, la rumba, l’afro-jazz, l’afrobeat, le wassoulou, le blues, le rock, la pop, l’afro-zouk.

Noumoucounda Cissoko, also known as MC Griot, is one of the most versatile and creative musicians of his generation, making him one of the most sought-after artists in the West African music scene. He has toured the globe with some of the biggest names, from the trailblazing Senegalese hip hop group Positive Black Soul, of which he was a key member for some twenty years, to Youssou N’Dour, MC Solaar, Ky-Mani Marley, Omar Pène, IAM, Lara Fabian, Stromae and many others. Griot, seasoned percussionist and kora player, the “discreet hero of Senegalese music” (Africultures, 2013) trained with the Orchestre national du Sénégal and has continuously honed his technique throughout his career, while enjoying exploring different musical paths along the way as well as adapting to modern genres such as mbalax, afrorap, dancehall, afro-reggae, rumba, afro jazz, afrobeat, wassoulou, blues, rock, pop and afro-zouk.

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Afro Latin / Bossa Nova / jazz-samba

Festival International Nuits d’Afrique : Samba Canjerê Soirée samba et MPB avec Bianca Rocha au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Véritable phénomène culturel, la samba, si populaire, qui anime les rues brésiliennes et fait danser à travers le monde, possède de profondes racines. L’une de ses formes ancestrales, la samba de roda, relève du culte des orishas, dans la tradition Yoruba d’Angola et du Royaume du Kongo. Depuis 2019, authentique et chaleureux, avec un répertoire composé de classiques, de chansons traditionnelles et de compositions originales, Samba Canjerê célèbre l’ascendance afro-brésilienne de ce petit bijou de rythme où les percussions sont reines et qui incarne la joie de vivre.
À l’occasion de trois soirées spéciales, Samba Canjerê partagera la scène avec des artistes différents, faisant démonstration de la beauté et de la richesse des rythmes du Brésil.
Samba et MPB | avec Bianca Rocha : Artiste activiste inspirée par les grandes dames de la musique brésilienne, elle emprunte aux bossa nova et samba sans jamais les imiter, intègre le jazz sans jamais trop s’y attarder, puise dans les rythmes traditionnels comme le frevo, le milonga et le chamamé sans jamais s’apitoyer.

A genuine cultural phenomenon with deep roots, samba music is as popular as ever, enlivening Brazilian streets and inspiring people the world over to dance. One of its earliest forms, samba de Roda, has strong ties to orisha worship by the Yoruba of Angola and the Kingdom of Kongo. Authentic and lively, with a repertoire made up of classics, traditional songs and original compositions, Samba Canjerê has been celebrating the Afro-Brazilian roots of this musical treasure since 2019, and their rhythms proclaim a joie de vivre where percussions reign supreme.
On three special evenings, Samba Canjerê will share the stage with a host of artists, demonstrating the beauty and richness of Brazilian rhythms.
Samba and MPB | with Bianca Rocha: Artist and activist, Bianca, who found inspiration in some of Brazil’s greatest female music artists, borrows from bossa nova and samba but never imitates them, integrates jazz elements but doesn’t get too caught up in them, and draws on traditional rhythms such as frevo, milonga and chamamé without ever losing herself in them.

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