Psychostick au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Psychostick est un groupe de metal humoristique né en Arizona et basé à Chicago. Leur fusion de satire et de puissance sonore se situe quelque part entre Weird Al Yankovic et Pantera. Ces adeptes autoproclamés du “humorcore” ont émergé en 2003 avec We Couldn’t Think of a Title, proposant un mélange explosif d’humour, de funk, de groove et de nu-metal, rappelant des groupes comme Green Jelly, Mr. Bungle et Tenacious D. Grâce à une série de vidéos virales, une approche D.I.Y. et des concerts déjantés agrémentés d’accessoires loufoques, ils sont devenus un groupe culte. Avec des albums comme Space Vampires vs. Zombie Dinosaurs in 3D (2011) et Do (2018), ils ont élargi leur audience tout en restant fidèles à leur indépendance et à leur humour décalé.

A comedy metal group born in Arizona and based out of Chicago, Psychostick’s amalgam of satire and sonic might falls somewhere between Weird Al Yankovic and Pantera. The self-described “humorcore” aficionados emerged in 2003 with We Couldn’t Think of a Title, unleashing a lethal blend of wit, funk, groove, and nu-metal that invoked names like Green Jelly, Mr. Bungle, and Tenacious D. Accompanied by a slew of viral videos, the band’s D.I.Y. aesthetic and off-the-wall, prop-heavy live shows made them a cult hit, and subsequent outings like Space Vampires vs. Zombie Dinosaurs in 3D (2011) and Do (2018) saw them reaching even larger audiences with their independent nature and skewed sense of humor intact.

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chanson keb franco / Folk / Folk Rock

Francos de Montréal : Émile Bilodeau | Bill aux Îles à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Émile Bilodeau vous invite à découvrir l’univers de son sixième album et à redécouvrir ses succès précédents dans un spectacle solo où l’ambiance visuelle sera à la hauteur de la création sonore. Enregistré devant le public des Îles-de-la-Madeleine, à la salle Aux Pas Perdus, lors de l’été 2024, le résultat est unique : Bill aux Îles, un album live, en formule homme-orchestre, où la simplicité des mélodies qui restent dans la tête rencontre la complexité technique nécessaire afin de maîtriser, en même temps, la percussion, l’enchaînement d’accords et les solos de musique à bouche. Des textes qui sont à l’image de l’auteur-compositeur-interprète de 29 ans, c’est-à-dire, assumés, colorés et divertissants.

Émile Bilodeau invites you to discover the world of this sixth album and rediscover his previous hits in a solo show where the visual atmosphere will match the musical creation. Recorded in front of an audience at the venue Aux Pas Perdus in the Magdalen Islands during the summer of 2024, the result is unique: Bill aux Îles, a live album featuring a one-man band, where simple, catchy melodies meet the technical complexity required to master percussion, chord progressions, and mouth harp solos all at once. In addition to lyrics that reflect the 29-year-old singer-songwriter’s personality—confident, colorful, and entertaining.

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Africa / Reggae

Kabey Konaté au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Kabey est de retour pour un concert exceptionnel célébrant le lancement de son quatrième album, Tama, qui met en relief la voix et les textes imprégnés d’Afrique de ce jeune artiste engagé.
N’est pas n’importe qui qui fait les premières parties d’Alpha Blondy et de Tiken Jah Fakoly ! Le reggae du charismatique Kabey Konate, établi à Montréal depuis 2017, est ponctué de sonorités traditionnelles mandingues qui lui donnent une saveur particulière, celle d’être imprégné par la sagesse des anciens. Celui qui se définit comme le Griot du reggae offre des prestations hautes en couleur, ses propos engagés pour la paix et l’unité étant portés par un enthousiasme contagieux, par l’entrain et la gaieté dans sa voix.

Kabey is back for this exceptional concert celebrating the release of his fourth album, Tama. The concert will showcase this young artist’s voice and lyrics, which are strongly inspired by Africa and demonstrate his deep consciousness.
It’s not just anyone who gets to be the opening act for the likes of Alpha Blondy or Tiken Jah Fakoly! The reggae style of this charismatic musician, who has been living in Montreal since 2017, is punctuated with mandinka rhythms, giving it a unique flavour—that of being steeped in the wisdom of the Old Ones. Considered the griot of reggae, Kabey Konate delivers an extremely colourful performance, while his lyrics advocating unity are carried by the infectious enthusiasm in his voice and his spirited joyful presence.

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Electronic / Experimental / Contemporary / No Wave

Festival Flux : Violence Gratuite + Moose Terrific à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Violence Gratuite

Artiste multidisciplinaire et conservatrice, Violaine Morgan Le Fur (alias Violence Gratuite) a passé ces dernières années à affiner sa perspective créative, à développer des documentaires, à produire des expositions et à réaliser des clips musicaux et des courts métrages. « Baleine à Boss » n’est pas seulement son premier album, mais aussi sa première incursion dans la production musicale. Le Fur n’avait commencé à expérimenter les logiciels de musique que quelques semaines avant d’enregistrer l’album, ce qui rend cet ensemble unique d’autant plus déconcertant. Chantant et vocalisant avec franchise et produisant chaque morceau seule, elle semble profondément raffinée, invoquant un brouillard séduisant de chanson, de rap, de no wave et d’électronique expérimentale qui oscille entre la pop et l’avant-garde.
Le Fur a grandi dans la banlieue tentaculaire de Paris et a été influencée par un cercle diversifié de personnes, grâce à sa mère bretonne et son père camerounais. Elle a déjà intégré ses origines dans son travail, en mélangeant des images provenant des archives cinématographiques de sa mère avec ses propres enregistrements réalisés au pays bamiléké pour créer le documentaire autobiographique « À L’ouest » en 2017. Sous le nom de Violence Gratuite, Le Fur adopte une approche plus énigmatique, s’inspirant des vastes forêts de l’ouest du Cameroun, terres ravagées par des générations d’hommes sanguinaires, et mêlant des rythmes techno pulsés à des sons trap fracturés et des échos de pop française.
Sa voix se démarque fièrement sur le morceau d’ouverture « Iséo », superposée à un mantra charmant sur un beat fragile et crasseux assemblé à partir d’échantillons saccadés et de bips 8 bits. Acrobatique mais néanmoins décontractée, Le Fur divise son interprétation, chantant en français sur des chants ondulants et des roucoulements spectraux. Elle change ensuite de registre sur « Olive », où elle rappe d’une voix glaciale et impassible tandis que des synthés pointus bouillonnent autour de stabs saccadés à la Neptunes. Puis, sur le nocturne « Smooth Operation », Le Fur nous guide vers un rituel au clair de lune, pleurant doucement dans l’obscurité tandis que des tambours à main et des pincements rêveurs bavardent en arrière-plan.
Sur le morceau titre, Le Fur réduit le rythme à un grondement sombre et squelettique, utilisant des percussions caoutchouteuses et des chœurs emprisonnés pour s’enfoncer dans un espace négatif. Parlant d’une voix grave et rauque, elle rappelle les premiers morceaux les plus inquiétants de Tricky ou les productions les plus décalées de Lizzy Mercier Descloux, hybrideuse française de la no wave. Mais l’album change sans cesse de ton, se dirigeant vers les Caraïbes avec « Ragga Nieztches » et vers un dembow déjanté avec le morceau hypnotique « Bad à Bras le Corps » qui clôt l’album. « Baleine à Boss » est une suite imprévisible et labyrinthique qui refuse de rester statique, un spectacle varié aussi à l’aise dans un club que dans un fest noz.

A multidisciplinary artist and curator, Violaine Morgan Le Fur (aka Violence Gratuite) has spent the last few years sharpening her creative perspective, developing documentaries, producing exhibitions, and directing music videos and short films. ‘Baleine à Boss’ isn’t just her debut album, but her first venture into music production; Le Fur had only begun to experiment with music software a few weeks before dubbing the record, a fact that makes this unique set only more bewildering. Singing and vocalizing candidly and producing each track alone, she sounds profoundly polished, invoking a beguiling haze of chanson, rap, no wave and experimental electronics that hovers around the margins of pop and the avant-garde.
Le Fur grew up in Paris’s sprawling suburbs, and was provided with a diverse coterie of influences by her Breton mother and Cameroonian father. She’s channeled her ancestry into her work before, splicing material from her mother’s film archives with her own footage recorded in Bamiléké land to develop the autobiographical documentary ‘À L’ouest’ back in 2017. As Violence Gratuite, Le Fur thinks more cryptically, considering the vast forests of western Cameroon, lands ravaged by generations of bloodthirsty men and looping pulsing techno rhythms with fractured trap and the ghosts of French pop.
Her voice stands out proudly on opener ‘Iséo’, layered into a charming mantra over a brittle, grime-y beat assembled from stuttering samples and 8-bit blips. Acrobatic yet somehow casual, Le Fur splits her delivery, singing in French over undulating chants and spectral coos. And she switches up the flow on ‘Olive’, rapping in an icy cool deadpan while spiky synths bubble around jerky, Neptunes-like stabs. Then, on the nocturnal ‘Smooth Operation’, Le Fur guides us towards a moonlit ritual, crying sweetly into the darkness as hand drums and dreamy plucks chatter in the background.
On the title track, Le Fur strips the rhythm down to a moody, skeletal rumble, using rubbery drums and trapped chorals to mire herself in negative space. Speaking in a low rasp, she brings to mind Tricky’s eeriest early material, or the wonkiest output of French no wave hybridist Lizzy Mercier Descloux. But the record switches gears relentlessly, lurching towards the Caribbean on ‘Ragga Nieztches’ and into spannered dembow on the hypnotic closing track ‘Bad à Bras le Corps’. ‘Baleine à Boss’ is an unpredictable, labyrinthine suite that refuses to stay static, a variety show that’s as comfortable in the club as it is at a fest noz.

Moose Terrific

Moose Terrific est un duo expérimental d’électronique et de synthé composé de Sam Shalabi et Tamara Filyavich, basés à Montréal. Le duo se concentre sur les sons synthétiques classiques, mais avec de nombreuses influences polyrythmiques, symphoniques, post-punk, nord-africaines et est-européennes. Ils ont sorti un premier album intitulé « The Drinks » sur le label irlandais FortEvilFruit en 2018, puis un deuxième album, « Nude Beginnings », sur le label libanais Ruptured en 2024.

Moose Terrific is an experimental electronics and synth duo composed of Montreal based Sam Shalabi and Tamara Filyavich. The pair focuses on classic synth sounds but with a lot of polyrythmic, symphonic, post-punk ,North African and Eastern European influences. They have released a debut album called ‘The Drinks’ on the Irish label, FortEvilFruit in 2018 and a 2and album ‘Nude Beginnings’ on Lebanese label Ruptured in 2024.

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Afro-Electro / DJ set / Singeli

Festival Flux : Sisso & Maiko + Nadah El Shazly + Sense Fracture à la SAT

by Rédaction PAN M 360

Sisso & Maiko

Les productions de Sisso & Maiko incarnent parfaitement le « scenius » hyperlocal du singeli, distillant la vitalité et les difficultés de la vie en marge de la ville la plus peuplée du monde swahili dans une musique unique qui semble refléter l’idée de garder la tête froide dans des situations frénétiques. Entre leurs rythmes ratchet et leurs mélodies aiguës, il y a une tension sublime et irrésolue, où la musique semble s’accélérer si vite que les danseurs glissent, maintenant un effet « ascendant » à couper le souffle qui rappelle étrangement le happy hardcore britannique du milieu des années 90, autant que le footwork de Chicago, la soca caribéenne et le disco shangaan, mais avec un attrait psychotomimétique qui lui est propre.
Né dans les quartiers populaires tentaculaires de Tandale et Manzese, Singeli se caractérise par des boucles frénétiques et rapides qui s’entremêlent, avec des influences allant de la musique tarab de Zanzibar à l’afro-house sud-africaine, associées à des MC qui crachent souvent des paroles satiriques sur les défis auxquels sont confrontés les jeunes Tanzaniens, de la corruption policière aux complications des relations amoureuses quand on est fauché. S’il y a un studio qui se démarque parmi les centaines qui parsèment le paysage musical de Dar es Salaam, c’est bien SISSO RECORDS. Autour des producteurs Bwax, Sisso, Bampa Pana et Jay Mitta et des MC Dogo Niga, Kadilida, Anti Vairas et Makavelli, ils ont été les pionniers du son Singeli.

Sisso & Maiko‘s productions epitomize Singeli’s hyperlocal “scenius”, distilling the vitality and struggle of life of the fringes of the Swahili-speaking world’s most populous city, into a unique music which seems to reflect the idea of keeping a cool head in frenetic situations. Between their ratchet rhythms and pitched-up melodies there’s a sublime, unresolved tension at play, where the music feels to accelerate so fast that dancers are gliding, sustaining a breathlessly “up” effect that uncannily recalls mid ’90s UK happy hardcore as much as Chicago footwork, Caribbean Soca, and Shangaan disco, yet with a psychotomimetic appeal all of its own.
Born in the sprawling working class neighborhoods of Tandale and Manzese, Singeli’s signature sound consists of fast paced frantic loops interlocking with each other, with influences from Zanzibar’s Tarab music all the way to South African afro-house coupled with mc’s who often spit satirical lyrics about the challenges facing Tanzania’s youth, from police corruption to the complications of dating girls when you are broke. If there is one studio that stands out amongst the hundreds that dot Dar es Salaam’s musical landscape it is SISSO RECORDS. Centered around producers; Bwax, Sisso, Bampa Pana and Jay Mitta and MC’s Dogo Niga, Kadilida, Anti Vairas and Makavelli, they were early pioneers of the Singeli sound.

Nadah El Shazly

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a commencé son parcours musical en tant que membre de Sick Gdrch, un groupe reprenant les morceaux des Misfits, avant de se lancer dans la production et la composition électroniques. Son premier album, « Ahwar », sorti en 2017, a été salué dans le monde entier pour son mélange d’héritage et d’innovation, et a fait de Nadah une figure de proue du paysage musical contemporain. Elle a fait la couverture du magazine The Wire en 2018 dans un numéro annonçant la « nouvelle vague du Caire ».
Les performances live d’El Shazly sont tout aussi captivantes, combinant sa voix envoûtante avec une manipulation sonore complexe et des collaborations dynamiques avec d’autres musiciens. Elle a travaillé avec une foule d’innovateurs, dont Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca et bien d’autres. Elle s’est produite sur les scènes de prestigieuses salles et festivals à travers le monde, notamment Irtijal,
Le Guess Who?, Rewire, Best Kept Secret, FIMAV, Roskilde, Copenhagen Jazz Festival, Nusasonic et Marfa Myths. Au-delà de son travail solo, Nadah contribue activement à la scène musicale indépendante du Caire, en soutenant les artistes émergents et en s’engageant dans des projets interdisciplinaires.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical journey as a member of Sick Gdrch, a Misfits cover band, before venturing into electronic production and composition. Her debut album, 2017’s ‘Ahwar’, earned global praise for its merging of heritage and innovation, and established Nadah as a leading figure in the contemporary music landscape. She appeared on the cover of The Wire in 2018 in an issue announcing “Cairo’s New Wave.”
El Shazly’s live performances are equally immersive, combining her enthralling voice with intricate sound manipulation and dynamic collaborations with other musicians. She has worked with a host of innovators including Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca, and many more. She’s graced stages at prestigious venues and festivals worldwide, including Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Best Kept Secret, FIMAV, Roskilde, Copenhagen Jazz Festival, Nusasonic, and Marfa Myths. Beyond her solo work, Nadah is an active contributor to Cairo’s independent music scene, supporting emerging artists and engaging in cross-disciplinary projects.

Sense Fracture

Originaire de Milan, en Italie, F. Birsa Alessandri, alias Sense Fracture, est à la fois une force disruptive et constructive. DJ, producteur de musique, directeur de label et promoteur, il s’est lancé dans la musique avec l’intention de remettre en question les normes établies, de provoquer et de bouleverser les codes. Son travail traverse les franges les plus radicales de la culture rave et de l’électronique expérimentale, auxquelles il injecte des touches de heavy metal numérisé, de sound design agressif, de pop spatiale et de méditerranéen étrange. Un mélange qui a valu à ses DJ sets une réputation d’intensité et d’imprévisibilité. En tant que cofondateur de Haunter Records, membre du collectif Paimonia et curateur de la série rave phare Dance Affliction, il a passé plus de 15 ans à nourrir la scène underground milanaise de choses étranges, une pratique forgée par des années de militantisme au sein du collectif Saturnalia dans le célèbre squat/lieu MACAO. Leurs recherches sonores actuelles se concentrent sur la transformation des danses traditionnelles du sud de l’Italie en musique dance contemporaine aux contours anguleux, dans le but de s’écarter des trajectoires rave standardisées.

Hailing from Milan, Italy, F. Birsa Alessandri AKA Sense Fracture is both a disruptive and constructive force. A DJ, music producer, labelhead and promoter, they started doing music with the intent to question established norms, provoke and overturn. Their work traverses the most radical fringes of rave culture and experimental electronics, injecting them with bits of digitised heavy metal, harsh sound design, spaced-out pop and weird Mediterranea. A mixture that gave their DJ sets a reputation for intensity and unpredictability. As co-founder of Haunter Records, part of the Paimonia crew and curator of seminal rave series Dance Affliction, they spent more than 15 feeding weird things to the Milan underground, a practice forged through years of militancy in the Saturnalia collective at infamous squat/venue MACAO. Their current sonic research is focused channeling traditional dances of the southern Italian continuum into hard-edged contemporary dance music, aiming at a deviation of standardized rave trajectories.

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A Cappella / Pop

QW4RTZ au Théâtre St-Denis

by Rédaction PAN M 360

Riche d’une quinzaine de saisons professionnelles, QW4RTZ s’élance pour son Dernier tour de piste. La pédale au plancher, les quatre coéquipiers mettent toute la gomme dans un nouveau spectacle de course. Trad, pop, folk, rock, classique, tous les styles s’injectent dans leurs quatre cylindres a cappella. C’est profitant d’une mécanique vocale toujours aussi bien huilée que le groupe négocie chaque virage de ce dernier droit avec panache. Toujours guidés par leur ingénieur en chef Serge Postigo, les quatre amis d’enfance se dépassent encore une fois et réalisent leurs plus grandes aspirations en présentant des numéros de pointe sans jamais déraper… ou presque. Leur formule a cappella permet à Louis, Phil, François et Fa2 de ne jamais freiner leur imagination, et prouve que, même sans guitare, ils en ont sous le capot.

With over fifteen professional seasons under their belt, QW4RTZ is taking off for their Dernier tour de piste (Final Lap). Pedal to the metal, the four teammates give it their all in a brand-new race-themed show. Trad, pop, folk, rock, classical, every style fuels their four-cylinder a cappella engine. With a vocal mechanics as finely tuned as ever, the group navigates every turn of this final stretch with flair. Always guided by their chief engineer Serge Postigo, the four childhood friends push themselves once again, achieving their greatest aspirations with show-stopping numbers that barely, if ever, skid off track. Their a cappella formula allows Louis, Phil, François, and Fa2 to keep their imagination in full throttle, proving that even without guitars, they’ve got plenty under the hood.

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Arabic Classical / Baroque / Electronic

Festival Flux : John Kameel-Farah à l’Église Sacré-Coeur-de-Jésus

by Rédaction PAN M 360

Célèbre pour des performances où s’entrelacent le contrepoint ciselé des maîtres baroques et la souplesse des improvisations issues de la musique arabe classique, le compositeur-improvisateur canado-palestinien John Kameel Farah s’impose comme l’une des voix les plus envoûtantes de la scène contemporaine. À l’occasion de Flux 2026, il élèvera une véritable cathédrale de claviers dans l’acoustique transcendante de l’Église du Sacré-Cœur-de-Jésus, à Montréal.
Puisant à la fois dans les siècles de tradition du maqâm arabe et dans l’architecture spirituelle de J. S. Bach, sa musique s’enracine dans l’héritage tout en s’ouvrant sans cesse vers de nouveaux horizons : paysages électroniques, textures expérimentales, mondes inédits.
Elle circule librement entre l’orgue d’église, le piano et les synthétiseurs analogiques anciens, pour façonner une architecture sonore complexe et mouvante. Les improvisations naissent comme des méditations contrapuntiques, s’enroulent en boucles électroniques hypnotiques, ou s’épanouissent en vastes mélodies inspirées des maqâmât.
Son parcours l’a mené des salles de concert aux clubs souterrains, de Jérusalem à Berlin, des fugues aux feedbacks. En 2023, il partageait la scène avec les légendaires Tangerine Dream, inscrivant son art dans la lignée cosmique de la musique électronique. Mais au cœur de sa démarche demeure une fidélité profonde : l’alliance de la rigueur baroque et de la liberté improvisatrice arabe, filtrée par le prisme de ses racines palestiniennes.
Dans l’intimité de cette cathédrale montréalaise, Farah métamorphose ses claviers en navires de mémoire et d’imaginaire – des vaisseaux portant l’héritage et le souvenir sur une mer de sons.

Renowned for performances that weave together the ornate counterpoint of Baroque masters with the fluid improvisations of Arabic classical music, Palestinian-Canadian composer/improvisor John Kameel Farah is one of the most compelling contemporary artists on the scene today. For Flux 2026, he’ll create a cathedral of keyboards in the transcendent acoustics of Église Sacré-Coeur-de-Jésus, Montréal.
Drawing on centuries of Arab maqam traditions and the spiritual architecture of J. S. Bach, Farah’s music is steeped in heritage, yet constantly opening outward, embracing electronic soundscapes and experimental textures. It moves fluidly between the church organ, piano, and vintage analog synthesizers, crafting an intricate sonic architecture. Improvisations are launched as contrapuntal meditations, spiral into hypnotic electronic loops, or blossom into expansive, maqam-inspired melodies.
Farah’s journey has brought him from concert halls to underground clubs, from Jerusalem to Berlin, from fugues to feedback. In 2023, he shared the stage with the legendary Tangerine Dream, paying homage to the cosmic lineage of electronic music. Yet at the heart of his artistry remains a profound devotion to heritage: the meeting of Baroque rigor and Arabic improvisatory freedom, refracted through the lens of his Palestinian roots.
In this intimate performance, Farah transforms keyboards into vessels of memory and imagination – ships bearing heritage and memory on a sonic voyage.

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dance / DJ set / Electronic

Piknic Électronik : NTO, anabasine, Anahit Vardanyan et plus au parc Jean-Drapeau

by Rédaction PAN M 360

Piknic Électronik a été fondé à Montréal en 2003 par un groupe de passionnés de musique électronique qui cherchaient à la rendre plus accessible en la diffusant au grand jour en proposant une expérience sociale immersive placée sous le signe de la convivialité. Situé dans un parc urbain à 10 minutes du centre-ville de Montréal, il rassemble des milliers d’amateurs de musique électronique tous les dimanches de l’été, de mai à septembre. Avec sa programmation variée, Piknic Électronik Montréal s’est imposé depuis plus de 15 ans comme un événement phare du circuit culturel estival montréalais.
Devenu un événement estival culturel et festif majeur à Montréal, Piknic Électronik s’exporte partout sur la planète. En 2012, un premier Piknic Électronik a vu le jour à Barcelone, puis se sont ajoutées les villes de Melbourne et Dubaï en 2014, Santiago en 2015 et 2019 verra la première édition de Paris prendre son envol. Sa formule innovante et populaire de Piknic Électronik en a fait une source de fierté locale pour chaque ville où elle s’est établie et a grandi. Le concept Piknic s’exporte au-delà des frontières de la métropole. D’autres villes à l’international sont pressenties pour se joindre prochainement à l’aventure. À suivre!

Piknic Électronik Montreal is an outdoor electronic music event aiming to offer immersive, social experiences in a friendly environment. Located in an urban park just 10 minutes from downtown Montréal, he brings together thousands of electronic music enthusiasts every Sunday from May to September. Piknic Électronik Montreal diverse programing has made it a highlight of the Montreal summer cultural circuit for over 15 years.
The Piknic concept has expanded beyond Montréal’s borders. In 2012, the first Piknic Électronik kicked off in Barcelona, followed by Melbourne and Dubai in 2014 and Santiago Chile in 2015 and Paris in 2019. More international cities are coming soon, so stay tuned!

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Afro Funk / Cumbia / dembow

MUZ : Lavanya & le projet Dharani avec invitée spéciale Likouri, Ramon Chicharron et Kizaba au Studio TD

by Rédaction PAN M 360

MUZ : Lavanya & le projet Dharani avec invitée spéciale Likouri

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Ramon Chicharron

Ramon Chicharron fusionne des rythmes latins comme la cumbia, le dembow et la champeta avec une touche montréalaise, créant un son à la fois moderne et original. Ses concerts, débordants d’énergie, sont animés par des rythmes entraînants qui font danser le public. Son dernier album, Niebla, sorti à l’automne 2024 et nommé aux prix Junos, a été composé entre la jungle pacifique de la Colombie et les montagnes laurentiennes du Québec. Lauréat à deux reprises des Latin Awards Canada pour l’Album de l’année et du Félix Album de l’année – Musiques du monde à l’ADISQ, Ramon a fait des tournées importantes, notamment à SXSW, au Festival de Jazz de Montréal, ainsi qu’à travers la Colombie et les États-Unis.

Ramon Chicharron blends Latin rhythms such as cumbia, dembow, and champeta with a Montreal twist, creating a sound that is both modern and original. His high-energy concerts are driven by infectious rhythms that get the crowd dancing. His latest album, Niebla, released in the fall of 2024 and nominated for Juno Awards, was composed between the Pacific jungle of Colombia and the Laurentian Mountains of Quebec. A two-time winner at the Latin Awards Canada for Album of the Year and the Félix Award for World Music Album of the Year at ADISQ, Ramon has toured extensively, including performances at SXSW, the Montreal Jazz Festival, as well as across Colombia and the United States.

Kizaba

Lionel KIZABA, auteur-compositeur-interprète, Révélation Radio-Canada 2024-2025, est un multi-instrumentiste et pionnier de la musique électro-congolaise basé à Montréal. Québécois d’origine congolaise et citoyen canadien, il a su tracer un parcours musical unique, invitant un large public international à voyager dans son univers artistique futuriste.
Fusionnant le français, l’anglais, le kikongo et le lingala, ses compositions transcendent les barrières linguistiques et culturelles. Fier de ses racines africaines et de son identité canadienne, il fait rayonner ses cultures à travers le monde.
Son album « Kizavibe » a été salué par la critique et nommé aux Juno Awards 2024, notamment dans la catégorie Album de musique du monde de l’année. Il a également été nommé aux Prix Dynastie dans les catégories Artiste ou groupe international de l’année, Artiste ou groupe de musique du monde de l’année et Artiste ou groupe francophone de l’année, ainsi qu’aux GAMIQ dans la catégorie Album/EP World.
En 2022, il a entamé sa première tournée aux États-Unis, se produisant sur la scène principale du légendaire New Orleans Jazz Festival, aux côtés d’artistes de renom tels que Lionel Richie, CeeLo Green, Charlie Wilson et The Foo Fighters.
Son parcours se poursuit sur les scènes internationales : Festival international de Louisiane, Africa Oyé (Royaume-Uni), MAPAS (Espagne), Circulart (Colombie), WOMAD Chili, Mundial Montréal, M pour Montréal, Seoul Music Week (Corée), Global Toronto, Chine et Taïwan.
Kizaba marie habilement les vocalises ancestrales aux sonorités vibrantes du soukous congolais et de l’afrobeat, le tout porté par une esthétique afro-punk et une vision musicale futuriste.
Avec la sortie de son nouvel album « Future Village » le 12 avril 2025, il nous plonge dans une dimension musicale inédite, toujours mêlée de traditions ancestrales et de modernité électrisant. Il présentera en performance live ses deux albums, « Kizavibe » et « Future Village », lors de sa participation au WOMEX 2025 à Tampere, en Finlande, le 25 octobre 2025, dans le cadre de l’un des plus grands salons professionnels de l’industrie musicale mondiale.

Lionel KIZABA, singer-songwriter and Radio-Canada Revelation for 2024-2025, is a multi-instrumentalist and pioneer of electro-Congolese music based in Montreal. A Quebecer of Congolese origin and Canadian citizen, he has carved out a unique musical path, inviting a wide international audience to explore his futuristic artistic universe.
Blending French, English, Kikongo, and Lingala, his compositions transcend linguistic and cultural barriers. Proud of his African roots and Canadian identity, he showcases his cultures to the world.
His album Kizavibe has been critically acclaimed and nominated for the 2024 Juno Awards, including in the World Music Album of the Year category. He has also been nominated at the Dynastie Awards in the categories of International Artist or Group of the Year, World Music Artist or Group of the Year, and Francophone Artist or Group of the Year, as well as at the GAMIQ Awards in the World Album/EP category.
In 2022, he began his first U.S. tour, performing on the main stage at the legendary New Orleans Jazz Festival, alongside renowned artists such as Lionel Richie, CeeLo Green, Charlie Wilson, and The Foo Fighters.
His journey continues on international stages: Festival International de Louisiane, Africa Oyé (UK), MAPAS (Spain), Circulart (Colombia), WOMAD Chile, Mundial Montréal, M pour Montréal, Seoul Music Week (South Korea), Global Toronto, China, and Taiwan.
Kizaba masterfully combines ancestral vocal traditions with the vibrant sounds of Congolese soukous and afrobeat, all infused with an afro-punk aesthetic and a futuristic musical vision.
With the release of his new album Future Village on April 12, 2025, he takes us into an unprecedented musical dimension, blending ancient traditions with electrifying modernity. He will perform both albums, Kizavibe and Future Village, live at WOMEX 2025 in Tampere, Finland, on October 25, 2025, as part of one of the largest global music industry trade fairs.

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classique / post-romantique / quatuor à cordes

Quatuor Molinari : Passages au Conservatoire de Montréal

by Rédaction PAN M 360

Le premier concert de la saison de la série Vingtième et plus est intitulé Passages et présente des œuvres tirées des deux plus importants cycle de quatuors à cordes écrits au 20^e siècle. Dimitri Chostakovitch et Béla Bartók ont écrit pas moins de 31 œuvres pour cette formation.
Du premier, vous pourrez entendre son 4^e quatuor, écrit pendant le régime stalinien et créé après la mort de Staline en 1953 et le 1^er quatuor du hongrois Béla Bartók, dont les trois mouvements forment un parcours étonnant, du désespoir à l’espoir, du chant funèbre à la danse hongroise. Pour compléter le programme, les musiciens offriront le Quatuor III du bulgare naturalisé français André Boucourechliev, œuvre écrite pur le Concours international de quatuors à cordes d’Évian de 1995.

The first concert of the season in the Twentieth and Beyond series is entitled Passages and features works from the two most important string quartet cycles written in the 20th century. Dmitri Shostakovich and Béla Bartók wrote no fewer than 31 works for string quartet.
From the former, you will hear his Fourth Quartet, written during the Stalinist regime and premiered after Stalin’s death in 1953, and the First Quartet by the Hungarian Béla Bartók, whose three movements form an astonishing journey from despair to hope, from funeral dirge to Hungarian dance. To complete the program, the musicians will perform Quartet III by the Bulgarian-born French composer André Boucourechliev, a work written for the 1995 Évian International String Quartet Competition.

Programme

André Boucourechliev : Quatuor III
Dimitri Chostakovitch : Quatuor n^o 4
Béla Bartók : Quatuor n^o 1, opus 7

Program

André Boucourechliev: Quartet No. 3
Dmitri Shostakovich: Quartet No. 4
Béla Bartók: Quartet No. 1, Opus 7

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Ce contenu provient du Quatuor Molinari et est adapté par PAN M 360

heartland rock / Pop-Rock

Bryan Adams au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Avec un Grammy Award, une enviable collection de prix Juno et 21 prix SOCAN, le célèbre auteur-compositeur de Vancouver Bryan Adams occupe une place prééminente sur les scènes rock canadienne et internationale. Né à Kingston, en Ontario, en 1959, Adams a passé son enfance à voyager en Angleterre, en Israël et en Europe, où son père servait comme officier de l’armée et diplomate, avant de s’établir à Vancouver. Nourri par la musique d’Elvis Presley, Bob Dylan, Deep Purple, Jimmy Page et Eric Clapton, Adams chantait déjà à 16 ans pour le groupe de glam-rock Sweeney Todd. Puis, à 18 ans, une rencontre fortuite avec Jim Vallance, également intronisé au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens, lança sa carrière solo d’enregistrement.

With a Grammy award, an enviable collection of Junos and 21 SOCAN awards, superstar Vancouver songwriter Bryan Adams holds a pre-eminent place on the Canadian and international rock music scenes. Born in Kingston, Ontario in 1959, Adams’s childhood travels included England, Israel, and Europe, where his father served as an army officer and diplomat, before he settled in Vancouver. Steeped in the music of Elvis Presley, Bob Dylan, Deep Purple, Jimmy Page, and Eric Clapton, at 16 Adams was singing for the glam-rock band Sweeney Todd. Then at 18 came the coincidental meeting with fellow Canadian Songwriters Hall of Fame inductee Jim Vallance that launched Adams’s solo recording career.

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Ce contenu provient de Canadian Songwriters Hall of Fame et est adapté par PAN M 360

classique

OSM : Labadie, Faust et les grands classiques viennois

by Rédaction PAN M 360

Deux grands interprètes sont réunis dans un programme consacré à deux figures emblématiques du classicisme viennois : Beethoven et Haydn. Ce dernier rompt audacieusement avec les conventions dans sa Symphonie n°103, tandis que Beethoven infuse une expressivité romantique dans son Concerto pour violon. Les mystérieuses interventions des timbales, qui ouvrent les deux œuvres, tissent un dialogue fascinant et surprenant offrant au public une expérience riche et inoubliable. Ne manquez pas cette occasion de redécouvrir deux des plus grands compositeurs de l’histoire de la musique.

Two great performers come together for a concert dedicated to two iconic figures of Viennese classicism—Beethoven and Haydn. With his Symphony No. 103, Hadyn made an ambitious break with convention, while Beethoven’s Violin Concerto is full of romantic expressiveness. Both works open with mysterious-sounding timpani passages, creating a captivating dialogue that is always appreciated by audiences. Don’t miss your chance to rediscover two of the greatest composers of all time!

Programme

Joseph Haydn, Symphonie no 103, Hob. I : 103, « Roulement de timbales » (30 min)
Ludwig van Beethoven, Concerto pour violon, op. 61 (42 min)

Program

Joseph Haydn, Symphony No. 103, Hob. I:103 (“Drum Roll”) (30 min)
Ludwig van Beethoven, Concerto for Violin, Op. 61 (42 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360